Écrire de la musique pour les jeux vidéo est un domaine musical sous-estimé qui peut devenir le travail à plein temps d’un compositeur bien rémunéré. D’année en année, le nombre de jeux informatiques augmente et capte le marché du divertissement. Si vous êtes intéressé par la création d’une bande-son ou si vous cherchez quelqu’un pour écrire une mélodie entraînante, il y a quelques points à considérer.
1. Travailler avec un concepteur sonore
Si vous écrivez une composition pour un jeu, cela ressemble à l’accompagnement musical d’un film, où, en plus de la mélodie principale, des sons tiers seront utilisés (par exemple: explosions, coups de feu et dialogues de personnages). Les compositeurs de jeux indépendants à petit budget doivent être multitâches et doivent implémenter à la fois la musique et les effets principaux. Si vous avez pour tâche de créer uniquement un motif, envisagez et maintenez une bonne relation avec l’ingénieur du son, qui apportera le tout à la forme finale. Choisissez des outils caractéristiques qui n’entreront pas en conflit et n’interféreront pas avec l’intelligibilité des principaux éléments du jeu. Selon le genre de développement – il y aura un rythme et un caractère caractéristiques.
2. La musique doit être mémorisée par l’auditeur
Tout le monde l’avait. Vous commencez à jouer, la mélodie vous vient à l’esprit et votre pied bouge en rythme. Le problème est qu’une telle musique ne dure que 30 secondes et se répète 15 fois pendant que vous vous habituez aux commandes du jeu, cela devient vite lassant et éloigne du gameplay. Un guide détaillé sur la création de musique pour les jeux vidéo se trouve dans le livre de Winifred Phillps « A composer’s Guide to Game Music ».
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3. Musique adaptative
Depuis les débuts des moteurs adaptatifs comme IMUSE créé par Lucasarts Michael Land & Peter MCconnell et écrit pour Monkey Island 2, de nombreux grands compositeurs utilisent désormais la musique adaptative pour les jeux. Cela vous permet de créer plusieurs couches dynamiques qui, selon l’intrigue, plongeront une personne dans l’espace de jeu. Pour faciliter la création de couches de projet, reposez-vous sur un groupe d’outils. Le projet peut se décomposer ainsi :
- Niveau 1 : basse, kick et percussions = bases solides
- Niveau 2 : cordes, instruments d’orchestre, parties mélodiques principales = domaine des fréquences moyennes
- Niveau 3 : mélodies principales aux cordes (avec chœur), bruit et voix = haute fréquence
La 1ère couche sera jouée au joueur lorsque le danger de l’intrigue est élevé et qu’il faut se concentrer. Si le développement du jeu doit améliorer l’effet, le 2ème niveau sera mixte. La composition principale (les 3 niveaux d’instruments) sera jouée en intros, intros et autres distractions.
4. Intergiciel
FMOD & WWISE sont deux noms que vous verrez tout le temps pour en savoir plus sur la création de jeux. Ce sont des programmes puissants pour les travailleurs de l’industrie du jeu vidéo. Ils sont le lien entre votre logiciel DAW et le moteur de jeu utilisé par les développeurs (Unity, Unreal e.t.c). Essentiellement, Middleware donne au compositeur le pouvoir de voir et de contrôler la façon dont le son est déclenché et réagit dans le jeu.
Un exemple adaptatif est le travail de Jason Graves (Deadspace, Tomb Raider 2013, Fay Cry Primal), qui fait bon usage des effets en temps réel (tels que Distortion et Delay). Plusieurs niveaux sonores sont joués selon l’intrigue et plongent le joueur au maximum. Plus le budget est important, moins il y a de travail pour le compositeur (seule l’écriture de la bande sonore lui est déléguée). Que vous utilisiez ou non ces outils, leur connaissance profitera grandement à votre carrière.
5. QUALITÉ
La plupart des musiciens n’ont pas une bonne salle acoustique ou même des moniteurs de studio. Certains mélangent avec des écouteurs et cela suffit au début (Alan Meyerson (Hans Zimmer, Uncharted 4, Metal Gear solid) l’a fait, car il a compris que la plupart des gens écouteraient le son du jeu avec des écouteurs). Maintenant, les exigences de qualité ont augmenté, par conséquent, un mixage et un mastering professionnels sont indispensables. Un autre conseil – examinez la mesure LUFS, qui devient de plus en plus standard en ce qui concerne les niveaux dans les jeux et la musique en général.
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6. TERMES
C’est simple. Fixez une date limite pour le moment où vous devez rendre le projet, envisagez de faire des modifications et d’enregistrer des matériaux supplémentaires. Il y a beaucoup de musiciens talentueux qui créent des idées et ne les finissent pas. Croyez-moi, il vaut mieux avoir 20 bandes sonores mal traitées que de faire exploser un mix, en essayant d’en tirer le meilleur parti. Il n’y a pas de forte probabilité qu’il soit pris. Les films et les jeux ont de longs délais de composition, mais il vaut la peine de repousser ses limites et de faire le travail à temps !
Vous n’avez pas le temps de mixer et masteriser une chanson ? envoyez le projet à notre studio, nous ferons le travail efficacement et dans les délais !
