On ne peut nier les progrès de la technologie d’enregistrement au cours des 50 dernières années. Ce avec quoi nous devons travailler maintenant est généralement meilleur et moins cher. Ceux qui écoutent des morceaux des années 70 et 80 commencent à regretter qu’il n’existe pas d’équipement aussi avancé qu’aujourd’hui. Mais vous remarquerez peut-être que la qualité du temps dépasse souvent les limites de l’équipement, et on se demande si la qualité d’enregistrement s’est vraiment améliorée en 50 ans ?

La fin du 20e siècle a vu l’apogée de la technologie analogique, avec des studios d’enregistrement dotés d’énormes consoles de mixage et de magnétophones aussi capricieux que appréciés. Il s’agissait d’instruments qui capturaient les sons d’une génération, les codaient dans un support physique qui vieillissait et se dégradait avec le temps et imprégnait la musique d’une certaine chaleur.

La révolution numérique, initiée par l’introduction du disque compact au début des années 1980, promettait clarté, cohérence et commodité. Alors que les DAW sont devenus la norme à la fin des années 90 et au début des années 2000, les processus d’enregistrement, d’édition et de mixage ont subi des changements sismiques. Soudainement, les ingénieurs ont pu manipuler l’audio avec une précision auparavant inimaginable, depuis l’ajustement automatique des imperfections de hauteur jusqu’à la superposition de centaines de pistes sans perte de qualité.

Cependant, le but de cet article n’est pas de ressusciter le débat entre analogique et numérique. Examinons les avancées qui ont amélioré de manière unique le processus d’enregistrement, en tenant compte des nuances qui définissent ce que nous considérons comme « haute qualité » dans le contexte de l’audio enregistré.

Niveaux de bruit, plage dynamique et réponse en fréquence sont les trois piliers sur lesquels repose souvent la qualité technique d’un enregistrement. Un équipement moderne avec de faibles niveaux de bruit et une énorme marge vous permet d’enregistrer du moindre murmure à l’explosion la plus forte, le tout sur une seule piste. La réponse en fréquence bénéficie également de la précision numérique, offrant une gamme plus large de sons pouvant être capturés et reproduits.

Cependant, ces capacités techniques soulèvent une question pertinente : la capacité d’enregistrer avec une telle clarté et une telle portée conduit-elle automatiquement à une expérience d’écoute améliorée ? C’est là le nœud du problème. La qualité d’un enregistrement est déterminée non seulement par ses caractéristiques techniques, mais aussi par l’intention et le savoir-faire de sa création.

Le passage au numérique a démocratisé la production musicale, permettant théoriquement à quiconque de créer des enregistrements de haute qualité dans des studios à domicile. Ce changement a conduit à une explosion de créativité et de diversité dans l’industrie musicale, introduisant des genres et des artistes qui auraient pu rester inconnus à l’ère des grands studios et des gros budgets. Cependant, cette accessibilité a également conduit à une saturation du marché avec des enregistrements qui, dans certains cas, ne sont pas de meilleure qualité, voire pire, que les enregistrements réalisés il y a 50 ans.

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Et voici le problème. Indépendamment du fait que nous sommes passés d’une voiture à une fusée, au sens figuré, avec l’équipement dont nous disposons actuellement, avec le talent artistique de l’enregistrement – la compréhension de la façon de transmettre l’essence d’une performance, l’atmosphère d’un espace ou l’émotion derrière une note, est inhérente non pas à l’utilisation de l’équipement, mais à la personne qui l’utilise. Entre les mains d’un ingénieur expérimenté, même la configuration la plus simple peut produire des enregistrements d’une qualité remarquable. À l’inverse, les technologies les plus avancées peuvent échouer si elles sont utilisées sans intention ni compréhension. C’est l’approche humaine, les décisions prises sur le moment et la compréhension de la manière d’obtenir les meilleurs résultats dans l’interprétation qui déterminent véritablement la qualité de l’enregistrement.

Oui, c’est une vérité bien connue, même si c’est un cliché : c’est dans les oreilles, pas dans le mécanisme. Et comparer les enregistrements réalisés aujourd’hui avec ceux réalisés il y a de nombreuses années montre que cela est vrai.

Le rôle des ingénieurs et des producteurs

Les héros méconnus de la recherche de qualité d’enregistrement sont sans aucun doute les ingénieurs du son et les producteurs. Ces maîtres ont comblé le fossé entre la technique et l’artistique, en utilisant leurs instruments pour créer des paysages sonores qui donnaient vie à la vision de l’artiste.

À mesure que la technologie progresse, les compétences nécessaires pour réussir dans ce domaine évoluent également. Les producteurs d’aujourd’hui doivent être aussi à l’aise avec les logiciels que leurs prédécesseurs avec le matériel, combinant les principes traditionnels de l’ingénierie audio avec les possibilités illimitées offertes par les outils numériques. Cependant, quelle que soit l’époque, l’essence de leur rôle reste la même : servir la musique et réaliser la vision de l’artiste.

L’évolution de la technologie d’enregistrement au cours des cinq dernières décennies a sans aucun doute élargi les horizons de ce qui est possible en matière de production musicale. De la chaleur palpable de l’audio analogique à la précision nette de l’audio numérique, des plug-ins ou un nombre illimité de pistes, chaque avancée offrait de nouveaux outils pour capturer l’essence du son. Cependant, la leçon durable de ce voyage concerne non seulement l’équipement ou la technologie elle-même, mais aussi les personnes qui utilisent ces outils avec maîtrise et vision.

Le fait que certains des enregistrements les plus vénérés de l’histoire aient été réalisés il y a plus d’un demi-siècle en utilisant ce qui serait aujourd’hui considéré comme un équipement primitif témoigne du rôle crucial de l’ingénieur du son et du producteur. Prenez un moment pour écouter « Aux petites heures du matin » de Sinatra (1965), enregistré avant la naissance de la plupart d’entre nous – il aurait pu être enregistré hier. Ces personnes ne se contentaient pas de faire fonctionner l’équipement ; ils ont créé du son, travaillant dans les limites de leur époque pour créer des expériences sonores qui continuent de résonner auprès des auditeurs d’aujourd’hui. En bref, ils ont fait des merveilles.

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Nous savons qu’il y a de nombreux débats sur l’avenir de notre industrie avec l’avènement de l’IA. Ce débat n’est pas nouveau ; il dure depuis des centaines d’années alors que les nouvelles technologies menacent de remplacer les agriculteurs, les ouvriers d’usine et désormais les ingénieurs du son. Quand on écoute des enregistrements réalisés il y a plus de 50 ans, cela nous donne confiance. Quelle que soit la qualité de la technologie et quelles que soient les promesses qu’elle fait, l’élément le plus important dans la création d’une musique durable et percutante est et sera toujours les personnes qui dirigent le processus. Leurs compétences, leur perspicacité et leur créativité sont des facteurs indispensables qui transforment un morceau de musique simplement entendu en un véritable ressenti, nous rappelant qu’au cœur de tout grand enregistrement se trouve la touche humaine.

Le dernier ajout à la gamme de produits Neve combine le légendaire préampli 1073 avec une conversion A/D et D/A 192 kHz/24 bits, et offre une interface audio polyvalente qui promet un caractère sonore inégalé. En plus du préampli et de l’égaliseur classiques, le 1073SPX‑D comprend également des inserts symétriques, un puissant amplificateur de casque, une extensibilité ADAT et bien plus encore.

La nouvelle unité conserve le look classique du 1073, avec le commutateur de gain rouge incomparable, le contrôle fixe du gain de bande basse et une paire de doubles potentiomètres concentriques contrôlant les réglages de fréquence et de gain de bande moyenne et haute. Cela a été suivi par un commutateur progressif offrant des fréquences de filtre passe-haut de 50, 80, 160 et 300 Hz. La gamme de boutons offre des fonctions telles que la commutation d’entrée, la polarité, l’alimentation fantôme, le contournement de l’égaliseur et le contrôle du pad. Les sources micro, ligne ou instrument peuvent être connectées directement en façade grâce au connecteur combo XLR/TRS.

Les nouveautés sur le panneau avant sont un certain nombre de commandes conçues pour la fonctionnalité de l’interface, y compris un contrôle de niveau pour les sorties du panneau arrière, complété par un contrôle Blend qui vous permet de mélanger le signal direct et l’audio DAW, et un contrôle de niveau dédié pour les sorties intégrées. dans un amplificateur de casque, dont l’entrée peut être alimentée par plusieurs sources différentes. En plus de simplement coupler le 1073 avec une interface audio, le nouvel appareil a d’autres atouts dans son sac : un certain routage interne permet à la tranche de console d’être utilisée comme insert matériel dans une DAW, ainsi que comme paire d’inserts équilibrés. permettre aux utilisateurs de connecter des équipements analogiques supplémentaires.

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Le panneau arrière offre un large choix d’entrées/sorties. Une gamme de prises XLR offre des entrées micro et ligne, ainsi que des entrées et sorties de moniteur stéréo, ainsi qu’une sortie ligne, tandis que les connexions symétriques sont assurées par une paire de prises TRS quart de pouce. L’entrée BNC Word Clock est connectée à un connecteur USB-B pour la connexion d’interface, et une paire de connecteurs Toslink offrent une extensibilité ADAT dans les deux sens. Enfin, l’alimentation est fournie au connecteur XLR à cinq broches à partir d’une source externe.

« Le 1073SPX-D est une évolution naturelle de notre technologie analogique et numérique. Après des recherches approfondies, il est devenu clair qu’il n’existait aucun appareil capable d’exécuter simultanément les fonctions de traitement analogique et de conversion numérique qu’offre désormais le 1073SPX‑D. Désormais, les petits studios à domicile ou les artistes en tournée peuvent accéder au fameux son 1073 directement depuis leur ordinateur de bureau ou portable, sans avoir besoin de matériel supplémentaire. – Robin Porter, ingénieur en chef, AMS Neve.

Le modèle 1073SPX‑D est déjà disponible au prix de 2 750 $ sur les sites Internet de tous les distributeurs officiels.

Le cinquième ajout à la collection de plugins pure:bundle de Sonible utilise le traitement spectral pour éliminer le masquage de fréquence et aider à fournir une certaine séparation entre les sources concurrentes dans un mixage. Le reste de la gamme pure:unmask suit la même formule, offrant un ensemble simple de commandes conçues pour aider les utilisateurs à obtenir des résultats de niveau professionnel avec un minimum d’effort.

Le plugin peut être placé sur n’importe quelle piste nécessitant un peu d’espace pour être « coupée » et qui accepte un signal sidechain que l’utilisateur souhaite mettre en valeur. Un menu déroulant propose une sélection de profils qui adaptent le traitement en fonction du contenu du signal sidechain, l’option générique étant rejointe par des options plus spécifiques destinées au chant et à la parole, aux guitares, à la batterie, à la basse, etc.

Le traitement appliqué peut ensuite être affiné à l’aide d’un simple ensemble de quatre commandes. Le paramètre central « Démasquage » détermine la quantité totale de traitement appliqué, et le contrôle « Résolution » vous permet de déterminer la largeur des bandes de traitement spectral. Speed ​​​​modifie ensuite les temps d’attaque et de décroissance pour garantir que l’effet est optimisé pour le contenu du matériau source, et enfin le contrôle Range peut être utilisé pour limiter le traitement à une plage de fréquences plus étroite.

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pure:unmask est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou version ultérieure, et sur les Mac exécutant macOS 10.14 ou version ultérieure. Des versions de plugins VST, VST3, AU et AAX sont disponibles.

pure:unmask est disponible dès maintenant. Sonible propose actuellement le pack complet pure:bundle au prix réduit de 99 € jusqu’au 6 mai 2024. Plus de détails sur le site officiel: Sonible.

Abbey Road Studios, situé à Londres, en Angleterre, a une riche histoire en tant que l’un des studios d’enregistrement les plus célèbres au monde. Le studio a ouvert ses portes en novembre 1931 sous le nom d’EMI Studios et est rapidement devenu un lieu recherché pour les artistes et producteurs d’enregistrement. Au fil des années, le studio a fait partie intégrante des disques réalisés par certains des plus grands noms de la musique populaire, des Beatles et Pink Floyd à Kate Bush et Adele, et a également servi de lieu de tournage des musiques de films primés aux Oscars. ont été enregistré.

Plus de 90 ans se sont écoulés depuis l’ouverture du studio et Abbey Road reste toujours un élément important de l’industrie musicale. Le studio a subi de nombreux aménagements et rénovations mais a conservé son cachet et son charme d’origine. Le fait qu’autant d’artistes continuent de voyager à travers les océans pour enregistrer leurs disques à Abbey Road témoigne de l’héritage durable du studio et reste un phare d’excellence dans l’industrie musicale.

Le studio a évolué avec le temps, trouvant de multiples façons de conserver la pertinence du nom Abbey Road dans une industrie musicale en constante évolution. En outre, Abbey Road s’associe à des sociétés de logiciels de production musicale, prêtant son nom à une variété de plug-ins qui émulent le matériel et les instruments de musique trouvés en studio.

Il est logique que Spitfire Audio, basé au Royaume-Uni, qui a créé certains des meilleurs échantillons d’instruments virtuels, se soit associé à Abbey Road pour créer une multitude d’instruments logiciels dotés d’une qualité sonore et de fonctionnalités impeccables.

1. Abbey Road One

Les musiques de films enregistrées au Abbey Road Studio One incluent Le Seigneur des Anneaux, Harry Potter et bien d’autres. Grâce aux ingénieurs de Spitfire qui ont méticuleusement enregistré un orchestre de 90 musiciens dans cet espace emblématique, les compositeurs peuvent créer des partitions qui mettent en valeur l’acoustique impeccable du studio, les ingénieurs du son renommés et la diversité de la collection de microphones. Les instruments à cordes, cuivres, bois et percussions ont été échantillonnés avec le plus grand soin et intégrés dans une interface autonome.

2. Abbey Road Two

Abbey Road Two s’oriente vers des interprètes individuels, enregistrant cinq des meilleurs instrumentistes à cordes du monde. Doté de violons, d’alto, de violoncelle et de basse ainsi que d’un mélange d’équipements vintage et modernes, Abbey Road Two sonne à la fois intime et puissant, permettant aux compositeurs d’exploiter les textures sonores uniques de cet espace d’enregistrement populaire.

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3. Abbey Road Originals Jangle Box Piano

Le piano de studio Challen, qui figurait sur plusieurs enregistrements pop influents des années 60 par The Zombies, Pink Floyd et The Beatles, a été savamment enregistré par Spitfire dans leur studio Abbey Road Studio Two. L’instrument original comporte des bandes de feutre avec des pointes en laiton qui peuvent être placées entre les marteaux et les cordes, simulant le son clair et percussif d’un piano.

Spitfire a échantillonné l’instrument avec et sans bandes de feutre, afin que les compositeurs utilisant une DAW puissent créer de la musique en utilisant le son riche et chaleureux d’un Challen non modifié ou les célèbres caractéristiques lumineuses de l’instrument, affectueusement surnommé « Jangle Box ».

4. Abbey Road Originals Mrs. Mills Piano

Le deuxième studio présentait également un modèle Steinway Vertigrand surnommé « Mrs. Piano Moulins. Ce piano figurait dans les classiques des Beatles « Penny Lane » et « With A Little Help From My Friends ». L’instrument est équipé de marteaux laqués, donnant au piano sa sonorité métallique brillante caractéristique.

Le piano a été enregistré en utilisant trois configurations différentes : Les micros proches sont une paire de micros à tube allemands qui fournissent un son stéréo complet et riche. Le décor de la pièce utilise une paire de microphones omnidirectionnels espacés pour mettre en valeur l’acoustique chaleureuse du Studio Two. L’environnement vintage a été créé à l’aide d’un rare microphone AKG D19 et d’un magnétophone tout lampe.

5. Chandler Limited

Si vous souhaitez capturer l’essence des studios Abbey Road et disposez du budget nécessaire pour vous offrir le son, la clarté et la précision incomparables des équipements analogiques, ne cherchez pas plus loin que les produits Chandler Limited. Ils proposent des produits inspirés des équipements du légendaire studio d’enregistrement. Que vous recherchiez des préamplis, des égaliseurs, des compresseurs, des limiteurs ou même des microphones inspirés de l’héritage EMI/Abbey Road, Chandler Limited propose des équipements au savoir-faire et à la qualité sonore impeccables.

Le TG2 est une reconstitution du préamplificateur TG12428 utilisé dans les consoles Abbey Road à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Il convient à tout, du chant aux guitares, en passant par la batterie, les synthés, les cordes et bien plus encore. Le son est détaillé, avec des graves clairs et musicaux, et le TG2 tire le meilleur parti de chaque centimètre carré de sa petite taille, regroupant de nombreuses fonctionnalités dans un rack de la série 500, notamment des commutateurs micro/ligne et deux réglages d’impédance, des boutons pour le fantôme. mode, puissance et inversion de phase, ainsi que des boutons pour régler le gain et le niveau de sortie.

D’autres unités incluent le RS660, une brillante combinaison des compresseurs RS124 et Fairchild 660 d’EMI, et le Curve Bender EQ TG12345, qui s’appuie sur l’héritage de la célèbre console d’enregistrement TG12345. Curve Bender et Zener Limiter sont également disponibles sous forme de plugins chez Softube, et nous les utilisons souvent lors du mixage et du mastering.

6. Softube Abbey Road Brilliance Pack

Émulant les trois modules d’égalisation passifs utilisés par les ingénieurs d’Abbey Road, le Brilliance Pack de Softube comprend des outils simples et spécialisés qui aident à garantir la clarté des hautes fréquences. Les interfaces graphiques ont une sensation merveilleusement rétro et nous pensons qu’elles ajoutent une belle touche de couleur aux pistes sans jamais devenir énervées.

Le RS135 ne peut ajouter que 8 kHz, et il existe deux modules RS127 séparés (un avec un transformateur ajouté) qui peuvent augmenter ou réduire jusqu’à 10 dB à 2,7 kHz, 3,5 kHz et 10 kHz. Chacun d’eux peut aider avec presque n’importe quel élément dans le bon contexte, mais nous aimons vraiment leur jeu de guitare acoustique et la présence qu’ils apportent au chant.

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7. Native Instruments Abbey Road Drummer Collection

En collaboration avec Abbey Road Studios, Native Instruments a échantillonné des kits de batterie classiques en utilisant des techniques d’enregistrement de six époques différentes de production d’enregistrement, permettant aux producteurs et aux ingénieurs de capturer les sons de batterie qui sont apparus sur d’innombrables enregistrements des années 1920 à aujourd’hui.

Vintage Drummer propose deux kits ultra rares composés de morceaux des années 1920 aux années 1940, et ont été enregistrés à l’aide d’un équipement d’époque combiné à des circuits de signaux modernes.

Enregistré à l’aide de techniques qui ont révolutionné l’industrie de la musique populaire, 50s Drummer offre aux producteurs les sons de batterie des premiers rock’n’roll, du jazz, du rythme et du blues et de la country. Deux kits rares de Gretsch et WFL ont été échantillonnés avec du matériel des années 1950, ce qui donne un son à la fois percutant et puissant.

Alors que le rock and roll continuait de s’étendre au-delà de la musique populaire dans les années 1960, le rythme régulier du batteur commença à recevoir plus d’attention que jamais. 60s Drummer capture l’énergie brute de la décennie à travers des échantillons soigneusement enregistrés des kits Gretsch et Ludwig.

À mesure que la qualité d’enregistrement s’améliorait dans les années 1970, les tendances en matière d’enregistrement de batterie se sont orientées vers un son plus intime et plus sec. 70s Drummer comprend un kit Premier enregistré avec cette technique d’enregistrement énergique, ainsi qu’un kit Ludwig avec un son plus ouvert et plus spacieux.

La musique des années 1980 était connue en partie pour le son des tambours fermés, initialement obtenu par hasard. Le batteur des années 80 utilise un équipement de précision pour exploiter ce fameux son de pièce qui couvre d’énormes et puissants kits Slingerland et Yamaha.

Enfin, avec l’impact et les détails inégalés des productions modernes, Modern Drummer comprend des kits impeccables enregistrés à l’aide de méthodes éprouvées, résultant en un instrument virtuel idéal pour créer des batteries pour la pop, le rock, la country d’aujourd’hui et bien plus encore.

8. Waves Abbey Road Collection

En matière de traitement du signal, aucune société de plugins n’a créé autant de logiciels inspirés d’Abbey Road que Waves. L’ensemble de la collection comprend une douzaine de plugins, dont des compresseurs, des égaliseurs, des saturateurs et bien plus encore.

Abbey Road Vinyl, un outil d’émulation de vinyle vintage ultra polyvalent, comprend deux platines différentes, trois cartouches, un bras de lecture repositionnable pour modifier la réponse en fréquence et la distorsion, ainsi que le bruit, le crépitement, le wow et le flottement séduisants qui font partie du son du vinyle. Abbey Road Vinyl fonctionne très bien aussi bien sur les pistes individuelles que sur le bus mix.

J37 Tape, une émulation de la machine même qui a été utilisée pour créer d’innombrables tubes dans les années 60 et 70. Les fonctionnalités incluent trois formules de bande distinctes, deux vitesses de bande, des commandes pour les modes « wow » et « flutter », ainsi que « slap », « feedback » et « ping-pong delay ». Le J37 fonctionne bien pour ajouter des caractéristiques analogiques aux pistes individuelles, aux sous-groupes et au bus de mixage.

Les consoles REDD sont des plugins qui reproduisent les consoles REDD 17, 37 et 51 qui ont largement influencé le son des premiers disques des Beatles. Les trois consoles distinctes ont été minutieusement recréées en collaboration avec Abbey Road et disposent d’une puissante section d’égalisation ainsi que d’une saturation remarquable.

Reel ADT, qui imite le procédé inventé et utilisé par les ingénieurs d’Abbey Road pour doubler les voix sans avoir à doubler les voix. Merci à Waves d’avoir créé un plugin qui va au-delà des standards EQ, compresseur et réverbération. Nous ne pouvons pas penser à un autre outil sur le marché qui puisse faire ce que fait Reel ADT. Évidemment, cela fonctionne très bien avec le chant, mais c’est également idéal pour la guitare acoustique et les cordes.

Universal Audio a annoncé la sortie de Verve Analog Machines et Verve Analog Machines Essentials, une paire de nouveaux plugins dédiés aux effets de saturation vintage. Tous deux utilisent les techniques d’émulation renommées de la société, le premier proposant 10 modes de traitement et le second quatre. Le meilleur, c’est que la version Essentials est téléchargeable gratuitement jusqu’au 30 avril 2024.

Les deux versions du plugin ont une interface graphique simple avec un ensemble minimal de commandes. Les Verve Analog Machines prennent en charge les paramètres Drive, Tone et Warble, tandis que la variante Essentials ne comporte qu’une commande Drive. Il existe des indicateurs d’entrée et de sortie, ce dernier étant doté d’un curseur qui vous permet de contrôler le volume de sortie. Une rangée d’icônes en pointillés colorés en haut de l’interface graphique permet d’accéder à chacun des différents modes, qui vont de la saturation subtile de style bande à la distorsion au son agressif total.

Les deux versions du plugin font partie de la gamme UAD Native de la société, ce qui signifie qu’elles ne nécessitent aucun matériel Universal Audio pour fonctionner.

« Nous voulons vraiment que les gens fassent preuve de créativité avec des sons analogiques réalistes. « Verve Analog Machines offre aux producteurs de musique et aux beatmakers une élégante collection de machines qui leur permettent d’expérimenter tout, de la chaleur subtile à la destruction sonore. » – Ryan Wardell, directeur des logiciels, Universal Audio.

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Verve Analog Machines est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou version ultérieure, et sur les Mac exécutant macOS 10.15 et version ultérieure. Des versions de plugins VST, AU et AAX sont disponibles.

Verve Analog Machines est disponible dès maintenant et est proposé au prix de lancement de 99 $ jusqu’au 30 avril 2024, après quoi le plugin coûtera 199 $. Vous pouvez le télécharger gratuitement pour un essai de 14 jours sur le site officiel: Universal Audio.

Pourquoi dépenser une fortune en microphones vintage de haute qualité alors que vous pouvez tout simuler pour une fraction du coût en utilisant l’une de ces ingénieuses plateformes de modélisation ? Nous avons sélectionné pour vous les 5 meilleurs systèmes de modélisation de microphones pour 2024 !

Universal Audio Sphere DLX

Suite à l’acquisition de Townsend Labs en 2021, Universal Audio a ajouté le célèbre microphone à modélisation Sphere L22 à son catalogue et début 2023, le système a été renommé Sphere DLX. Les modèles proposés ici comprennent pas moins de 38 microphones dynamiques, à ruban et à condensateur très recherchés, parmi lesquels Neumann U47, U67 et U49, Shure SM57 et SM7A, Sony C800G et C-37A, AKG C12, 414 et 451, Electro-Voice RE20. et Sennheiser MKH 416, pour n’en nommer que quelques-uns. Tous ces éléments sont accessibles via une interface logicielle simple qui offre également un contrôle sur le diagramme polaire et le filtrage (que le microphone du monde réel simulé possède réellement ces paramètres ou non). Et si vous en voulez encore plus, les plugins Ocean Way et Bill Putnam Microphone Collection d’UA ajoutent respectivement 12 et neuf modèles de microphones supplémentaires.

Le Sphere DLX lui-même est extrêmement bien construit et ses deux grands diaphragmes dorés permettent un enregistrement stéréo, avec la possibilité intrigante de configurer chaque côté sur un modèle de microphone différent, chacun avec son propre ensemble de commandes dans le plug-in. Cependant, si le prix élevé du DLX vous rebute, il existe une alternative plus abordable sous la forme du Sphere LX, qui réduit simplement le nombre de modèles à 20, perd l’enregistrement stéréo et un commutateur d’atténuateur de -20 dB, et ajoute 3 dB d’auto-réduction. bruit (10dB au total), par ailleurs identique.

Slate Digital Virtual Microphone System

La solution de modélisation de microphone de Slate est basée sur le plug-in Virtual Mix Rack (VMR), qui fournit un composant logiciel utilisé pour façonner les signaux capturés par l’un des deux microphones à condensateur dédiés à « réponse plate » : le VMS ML-1 à grand diaphragme et le VMS ML-2 . petit diaphragme (il existe également un préampli à réponse linéaire, le VMS-ONE, mais n’importe quel préampli micro haut de gamme relativement transparent fera l’affaire, c’est donc complètement facultatif).

Chacun des deux microphones émule un modèle classique et vintage différent : la gamme VMS ML-1 composée de huit membres comprend les U47, C800G, SM7B et C12 (et s’étend à 18 avec les Blackbird Mics et Classic), ainsi que 18 répliques de le VMS ML-2, beaucoup plus petit, comprenant les SM57, SM7B, RE20 et une variété d’AKG pour travailler avec des kits de batterie.

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Antelope Audio Edge Go

Offrant le summum en matière de commodité d’enregistrement, les microphones dotés d’une interface audio USB intégrée de fabricants tels que Editors Keys, Apogee et autres sont de plus en plus populaires parmi les producteurs de musique et de médias. Cependant, l’approche d’Antelope Audio en matière de concept va encore plus loin avec des puces DSP et FPGA intégrées qui gèrent non seulement la modélisation des microphones, mais également le traitement des effets. Il dispose de 18 microphones, ainsi que de 20 effets (dont égaliseur, compression, réverbération, dé-essing, émulation de préampli, etc.).

Le microphone est haut de gamme, comporte une capsule à double diaphragme plaquée or et se connecte à votre Mac ou PC via USB-C (convertible en USB-A) sans avoir besoin d’un préampli ou d’une interface audio séparé. Des taux d’échantillonnage jusqu’à 192 kHz sont pris en charge, la sortie mini-jack vous permet de connecter directement un casque et bien sûr, puisque tout fonctionne dans la carte son elle-même, vous bénéficiez d’un monitoring sans latence.

Ce n’est pas bon marché, mais la combinaison de fonctionnalités tout-en-un et de modélisation intégrée de microphones et d’effets à latence nulle le place dans une catégorie à part que les ingénieurs du son avant-gardistes trouveront extrêmement attrayante.

Antares Mic Mod

Cette solution uniquement logicielle « convertit » une large gamme de microphones réels à partir de plus de 100 modèles émulés de Neumann, Shure, Telefunken, Beyerdynamic et plus encore. Le diagramme polaire est réglable et la distorsion du tube peut être augmentée selon les besoins pour créer de la chaleur dans le son.

Comme on peut s’y attendre, sans microphone à modélisation dédié, les résultats obtenus avec le Mic Mod sont moins convaincants que ceux que vous obtiendriez en utilisant l’un des systèmes beaucoup plus coûteux répertoriés ci-dessus. Cependant, pour se rapprocher des caractéristiques tonales, il s’agit d’un plugin amusant et relativement abordable qui vaut vraiment la peine d’être testé.

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IK Multimedia Mic Room

Fonctionnant comme un module dans le framework d’effets polyvalent de T-RackS, le logiciel de modélisation de microphone d’IK Multimedia fonctionne sur les mêmes principes que Mic Mod : sélectionnez le micro source à gauche et le micro que vous souhaitez simuler à droite, puis ajustez l’harmonique. saturation et effet d’intimité à l’aide de poignées entre elles. 20 microphones dans le style de Sennheiser, Neumann, Royer, AKG, Groove Tubes, Brauner, EV, Beyerdynamic sont modélisés et au lieu de créer un micro personnalisé pour délivrer un signal plat à la salle du micro, IK l’a calibré pour des performances optimales.

Cette entrée la moins chère de notre liste permet même aux producteurs les plus soucieux de leur budget d’accéder à une puissante modélisation de microphone, ouvrant ainsi une gamme d’options de mise en forme et de coloration du signal qui peuvent instantanément améliorer et transformer les enregistrements vocaux et instrumentaux.

De nos jours, le gate est bien plus que la simple réduction du bruit de seuil pour laquelle la technique a été inventée. Voici cinq plugins de portail révolutionnaires, chacun adoptant une approche différente du concept de portail.

FabFilter Pro-G

Assis aux côtés de Pro-C, Pro-Q, Pro-L et d’autres sur la liste des plugins de mixage de base incroyablement populaires de FabFilter, Pro-G est un expandeur/gate qui utilise un ensemble de six algorithmes spécialisés pour s’adapter à un large éventail de sources et scénarios. Classic, Clean, Vocal et Guitar appliquent quatre variantes du gate conventionnel, tandis que Ducking inverse le gate pour amplifier les effets de style sidechain. Le circuit sidechain interne/externe lui-même fournit une égalisation, un filtrage et une audition indépendants des canaux gauche/droit ou central/latéral, et jusqu’à 10 ms d’anticipation peuvent être activés pour améliorer la réponse au détriment de la latence.

Caractéristiques mises à part, le Pro-G est tout simplement un excellent expandeur/gate, avec toutes les commandes de timing et de mise en forme attendues – Attack, Release, Knee, Hold, etc. – et un affichage graphique merveilleusement informatif montrant les entrées et les sorties en temps réel.

Sonible smart:gate

Comme son nom l’indique, l’atout de la porte futuriste de Sonible est l’incorporation de l’intelligence artificielle dans ses circuits de détection pour forcer les algorithmes à répondre à un signal spécifique dans le mix. Cela apparaît sous la forme d’une liste de profils cibles – Voix, Parole, Basse, Caisse Claire, etc. – et une fois que vous en avez sélectionné un, l’affichage de la forme d’onde reflète visuellement sa détection réussie, puis le gate répond uniquement à cette composante du signal, en restant fermé. à tout le reste.

Comme pour les autres plugins de Sonible, l’offre ambitieuse de smart:gate se révèle pleinement réalisée dans sa conception et ses fonctionnalités. Il fait vraiment ce qu’il prétend faire, facilitant le nettoyage des enregistrements bruyants et le gate des éléments discrets dans les mixages.

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Unfiltered Audio G8

Unfiltered Audio, l’un des développeurs les plus inventifs du secteur, a constitué un vaste catalogue de plugins d’effets incroyablement créatifs au cours de la dernière décennie, dont l’un des premiers a été leur follement aventureux G8. À première vue, cela ne semble être rien de plus qu’un noise gate bien conçu avec les commandes standard de seuil, d’enveloppe et d’hystérésis, ainsi qu’un affichage graphique utile. Cependant, en plus du mode de déclenchement habituel, le G8 propose également des modes radicaux « Loop » et « Single », dont le premier boucle constamment l’enveloppe lorsque la porte (la partie définie de l’interaction) s’ouvre jusqu’à ce qu’elle se referme, et le second effectue un seul passage de toute l’enveloppe lorsque la porte s’ouvre, indépendamment de ce que fait le signal d’entrée par rapport au seuil à ce moment-là.

Tout cela s’ajoute à un plugin qui reprend l’idée du gate et l’utilise de toutes sortes de manières étranges et merveilleuses, du trémolo sensible au volume et de la synthèse AM à l’échange de batterie, au gate polyrythmique et plus encore.

Sonnox Oxford Drum Gate

Avant smart:gate, il y avait l’Oxford Drum Gate, qui exécute essentiellement la même magie basée sur l’apprentissage automatique pour différencier en interne les grosses caisses, les caisses claires et les toms dans un mix de batterie, puis forcer le gate à répondre uniquement au type de batterie sélectionné. . Alors que son rival Sonible peut sembler une meilleure option en raison de son plus large éventail de tâches (pas seulement de batterie), l’Oxford Drum Gate offre un certain nombre de fonctionnalités plus profondes incroyablement puissantes qui le maintiennent en tête de liste. La section de détection des transitoires permet, par exemple, d’ajouter ou de supprimer des coups de batterie individuels au flux détecté, et l’éditeur Decay fournit un contrôle extrêmement précis de la forme et du contenu spectral de l’étape de libération. Oxford Drum Gate peut également être configuré pour produire des notes MIDI et exporter des fichiers MIDI pour les remplacer, ce qui en fait l’outil complet ultime pour nettoyer, resserrer et améliorer de manière générale les pistes de batterie.

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Boz Digital Labs Gatey Watey

Enfin, nous terminerons par le plugin le plus simple de notre liste et donc le choix parfait pour une réduction du bruit rapide et facile – avec une touche d’originalité. Gatey Watey ajoute aux commandes requises Threshold, Range, Attack, Release et Look Ahead (jusqu’à 50 ms) des modes de filtrage passe-haut et passe-bas supplémentaires, vous permettant de couper uniquement les fréquences supérieures ou inférieures à la limite de coupure, laissant le reste intact. Il s’agit d’une décoration relativement simple, mais elle s’avère extrêmement efficace pour éliminer délicatement le bruit du micro de batterie, le bruit de l’ampli de guitare, le vent et autres intrusions, avec beaucoup moins de dommages au signal retenu que le gate à large bande. Pas cher et joyeux!

Le nouvel écosystème Stream de Waves marque l’entrée du géant des plugins audio dans l’arène de la collaboration. Après les tests bêta en accès anticipé, tout le monde peut désormais se connecter aux mix depuis n’importe où dans le monde.

Waves Stream est le dernier plugin et service Web conçu pour intégrer le partage audio de haute qualité au processus de création. Il se compose de plugins Waves Stream avec des options d’envoi et de réception de fichiers à utiliser dans les programmes DAW, ainsi que d’un serveur Web multiplateforme qui vous permet d’écouter des mix sur n’importe quoi, y compris des appareils mobiles et/ou de bureau. Cela permet aux ingénieurs de partager des mixages pour un retour instantané ou de recevoir de l’audio pour la collaboration. Waves Stream s’engage à fournir une qualité de pointe, une latence ultra faible, un partage de liens sécurisé et des fonctionnalités uniques telles que le contrôle bidirectionnel intégré.

Cliquer sur le gros bouton d’alimentation bleu dans le plugin crée un lien qui peut être partagé avec les collaborateurs. L’état du plugin d’envoi passe à Live pour indiquer quand le flux est reçu à l’autre extrémité. Le code QR généré dans l’interface graphique peut également être utilisé par les ingénieurs, par exemple pour une application Web dans une voiture.

Les destinataires collent simplement le lien dans leur plugin de réception, dont le statut s’affichera également comme « Actif » une fois la connexion établie. Il y a également des informations sur la fréquence d’échantillonnage de la session d’envoi sur la timeline. Waves Stream tire parti du sidechain du plug-in de votre DAW en permettant au signal de retour d’être transmis au plug-in depuis le bus maître de la DAW. La plate-forme revendique 100 % de confidentialité et de sécurité grâce à des liens uniques. Ils durent 5 minutes et peuvent être protégés par mot de passe.

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Vous pouvez désormais facilement collaborer sur des sessions et partager votre audio avec des producteurs, musiciens et mixeurs travaillant à distance, comme si vous étiez dans la même pièce. Partagez de l’audio sans perte d’un simple clic sur un bouton.

Vous pouvez télécharger Waves Stream gratuitement et l’utiliser pendant 7 jours. Désormais, il sera disponible uniquement via un abonnement mensuel pour 8,99 $. Plus de détails sur le site officiel: Waves.

Neumann est un nom bien connu dans l’industrie audio professionnelle presque depuis le début de cette industrie. Aujourd’hui, la société allemande (fondée par Georg Neumann en 1928) est surtout connue pour ses microphones à condensateur haut de gamme tels que les U 47, U 67 et U 87 ; mais ils sont également responsables de plusieurs innovations techniques qui ont propulsé l’industrie à pas de géant.

Neumann Originals célèbre cette longue tradition en mettant en avant des inventions emblématiques comme l’alimentation fantôme 48 V, en présentant des microphones emblématiques comme ceux mentionnés ci-dessus, et en soulignant leur recherche et développement méticuleux et leur contrôle qualité strict. D’une manière typiquement allemande, l’entreprise nous invite à admirer les réalisations de Neumann sans révéler aucun secret. Cela peut paraître vantard, mais il est facile de tenir pour acquis certaines des avancées qu’ils ont apportées à l’industrie, dont beaucoup ont directement conduit au développement de la technologie que vous utilisez quotidiennement dans votre studio.

1928 | LE DÉBUT DU MICROPHONE À CONDENSATEUR

En 1928, Georg Neumann GmbH a présenté son tout premier produit : le CMV 3. Ce design emblématique, connu familièrement sous le nom de « bouteille Neumann » en raison de son format volumineux, utilisait une méthode de capture sonore complètement différente de celle des modèles existants, qui utilisaient du carbone. pellets, bandes métalliques ou bobines magnétiques. Au lieu de cela, il utilisait un mince diaphragme mobile et une plaque arrière fixe pour convertir les ondes sonores en un signal électrique basé sur un changement de capacité entre les deux éléments.

Une autre caractéristique distinctive du CMV 3 était son système de capsules interchangeables, qui fournissait différents diagrammes polaires pour une utilisation dans différentes situations. Bien que peu conventionnelle pour l’époque, cette conception s’est avérée à la fois universelle et économique. En fait, la bouteille de Neumann a connu un tel succès que près de 70 ans plus tard, elle a influencé la vision plus moderne du concept de « bouteille » d’un autre fabricant.

1936 | AVANCÉES DANS LES MESURES ÉLECTROACUSTIQUES

Avant le U 47 et les autres microphones légendaires de Neumann, il y a eu une innovation qui a rendu tout le reste possible : l’enregistreur de niveau. Georg Neumann savait que pour développer un équipement audio aux performances stables et précises, il lui fallait d’abord un moyen fiable de mesurer les niveaux de signal. S’il pouvait développer une machine pour enregistrer des signaux audio sous forme de données mathématiques, il pourrait utiliser ces données pour calibrer l’équipement afin d’obtenir des résultats reproductibles.

L’enregistreur de niveau Neumann était un appareil électromécanique, semblable à un sismographe, qui enregistrait les signaux d’entrée sous forme de graphique continu sur un long rouleau de papier. L’appareil utilisait une échelle logarithmique pour mesurer les niveaux d’amplitude dans un format facile à lire, une norme encore utilisée aujourd’hui pour mesurer les décibels. L’enregistreur de niveau a éliminé les incertitudes liées aux mesures électroacoustiques, ouvrant la voie à la société Neumann pour développer des microphones et des tours à disque hautes performances.

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1949 | U 47 PRÉSENTE DES DIAGRAMMES DE POLARITÉ COMMUTABLES

Introduit pour la première fois il y a près de 75 ans, le Neumann U 47 reste l’un des microphones les plus populaires de l’histoire. Distribué dans le monde entier sous la marque Telefunken, le U 47 a donné son ton légendaire à des grands noms tels que Frank Sinatra, The Beatles, Aretha Franklin, Miles Davis et bien d’autres encore.

Ce modèle est amélioré à bien des égards par rapport au CMV 3 ; notamment grâce aux diagrammes polaires commutables intégrés. Au lieu d’utiliser des capsules interchangeables, l’U 47 combinait deux diaphragmes de condenseur orientés dans des directions opposées. Si un seul microphone est activé, il a un diagramme polaire omnidirectionnel. Lorsque l’élément arrière est engagé, tout ce qu’il capte est soustrait du signal avant, réduisant ainsi efficacement la sensibilité du microphone arrière et créant une directivité cardioïde (en forme de cœur).

En plus de son diagramme polaire commutable, l’électronique améliorée du U 47 et d’autres améliorations de conception ont contribué à consolider sa place dans l’histoire de la musique. Le légendaire tube à vide VF 14 de Telefunken a réduit la taille du microphone et a fourni un rapport signal/bruit impressionnant qui n’aurait pas été vu depuis de nombreuses années. Avec une réponse en fréquence presque plate, à l’exception de deux sauts fluides autour de 3 et 10 kHz, le son musical net de l’U 47 donne vie à n’importe quelle voix ou instrument.

1951 | M 49 PROPOSE UN DIAGRAMME POLAIRE EN CONTINUE CHANGEMENT

Même si le U 47 reste une merveille technologique, Neumann s’est rapidement surpassé avec le M 49, le premier microphone à directivité variable en continu. Cette fonctionnalité a permis aux ingénieurs de trouver l’équilibre parfait entre les directivités omnidirectionnelles, cardioïdes et bidirectionnelles, rendant plus facile que jamais le contrôle de l’ambiance de la pièce dans un signal.

Mieux encore, le M 49 pourrait être contrôlé à distance depuis l’alimentation électrique, permettant aux opérateurs de régler le son depuis la salle de contrôle tout en écoutant le résultat en temps réel. Cela en faisait un choix naturel pour les sessions d’enregistrement orchestrales, où les microphones étaient souvent suspendus au-dessus des musiciens. Le M 49 reste à ce jour un objet de collection vintage très recherché, bien que Neumann l’ait récemment réédité sous le nom de M 49 V.

1956 | D’AUTRES AVANCÉES DANS LES MESURES

S’efforçant toujours d’améliorer la cohérence et la précision dans la conception et la fabrication, Neumann a développé le téléphone à piston en 1956. Cet humble petit appareil utilise un piston mécanique entraîné à une fréquence cyclique spécifique pour produire une pression sonore à une fréquence et une amplitude constantes. Grâce à ce facteur fiable et connu, les ingénieurs de Neumann ont pu calibrer les microphones avec une tolérance d’un dixième de décibel entre 20 et 800 Hz.

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1960 | U 67 DEVIENT LE NOUVEAU CHEVAL DE TRAVAIL DU STUDIO

En quête constante d’amélioration, Neumann a encore augmenté la mise en 1960 avec la sortie du U 67. Ce modèle comportait une capsule K 67 mise à jour qui permettait un réglage plus précis et est depuis devenu l’un des modèles de capsule les plus répliqués de tous les temps. De plus, l’U 67 offrait les trois directivités populaires U 47 et U 48 (cardioïde, omnidirectionnelle et bidirectionnelle), ce qui le rend plus polyvalent que ses prédécesseurs. Pour plus de flexibilité, Neumann a également ajouté un filtre passe-haut commutable de 100 Hz et un atténuateur de -10 dB. Ces fonctionnalités utiles ont rendu le microphone adapté à l’enregistrement de tout, des orchestres et des voix aux batteries rock’n’roll et aux amplis de guitare – un véritable cheval de bataille en studio. En 2018, Neumann réédite le légendaire U 67 avec un grand succès.

1967 | LE FANTÔME DU STUDIO

Dans les années 1960, alors que les microphones à condensateur à transistors commençaient à remplacer les modèles alimentés par lampes, il était enfin possible de les alimenter à partir d’une source commune sans alimentation séparée pour chaque microphone. Cependant, sans norme universelle en matière de distribution électrique, de nombreux studios ont dû trouver leurs propres solutions. Même si cela fonctionnait à titre temporaire, le manque de standardisation signifiait que connecter le mauvais microphone pouvait sérieusement l’endommager. Comme d’habitude, Neumann y a vu une opportunité de trouver une solution.

Inspiré par le concept utilisé dans certains systèmes téléphoniques de l’époque, Georg Neumann a développé une méthode en série pour distribuer du courant continu aux microphones le long des mêmes fils utilisés pour transmettre les signaux audio, en réglant la tension standard à 48 V. Puisque la même tension est appliquée à les conducteurs positifs et négatifs, entre les deux. Il n’y a aucune différence de potentiel entre les signaux, et l’alimentation devient pratiquement « invisible » – d’où le nom « alimentation fantôme ». La prochaine fois que vous actionnerez ce petit interrupteur sur votre interface ou votre table de mixage, remerciez Neumann.

1967 | U 87 DEVIENT LE NOUVEAU STANDARD DU STUDIO

Après l’arrêt de la production du U 47 en 1965 en raison de l’arrêt de l’important tube à vide VF 14, Neumann avait besoin d’un nouveau microphone de studio phare. En 1967, en utilisant les dernières avancées en matière d’électronique à semi-conducteurs, la société a développé le U 87 basé sur un circuit à transistor à effet de champ (FET). Cela a permis au U 87 de fournir le même niveau de son de haute qualité et de bruit extrêmement faible, mais sans le poids, la complexité et le temps de préchauffage d’un microphone à lampe.

Comme le U 67, le U 87 comprend des directivités cardioïdes, omnidirectionnelles et bidirectionnelles, ainsi qu’un filtre passe-haut et un atténuateur commutables. Et grâce à l’avènement de l’alimentation fantôme, un studio pouvait utiliser un U 87 sur chaque piste d’une session (comme beaucoup le faisaient souvent). Avec son profil tonal légendaire, sa qualité fiable et ses fonctionnalités utiles, le U 87 est devenu un favori des studios pour tous les types d’instruments, de chant et même de voix off. Neumann l’a depuis réédité sous le titre U 87 Ai.

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1973 | KU 80 FAIT DU SON BINAURAL UNE RÉALITÉ

Bien que l’audio spatial ne se soit répandu dans l’industrie musicale que ces dernières années, son développement rapide a commencé dans les années 1970. Pendant que des chercheurs britanniques développaient Ambisonics, d’autres expérimentaient des systèmes spéciaux pour créer des champs sonores tridimensionnels. Cependant, ils reposaient tous sur des techniques complexes de décodage et de lecture multicanaux qui n’étaient tout simplement pas adaptées à une utilisation quotidienne. Seule la solution stéréo avait une chance d’être acceptée par les ingénieurs et le public.

Basé sur des concepts tels que la technique ORTF et le disque Jacklin, qui tentaient de capturer le son tel que nos oreilles l’entendent dans le monde réel, Neumann a développé la « tête factice » KU 80 en 1973. Constitué d’un modèle anatomiquement précis de la tête humaine. Avec des microphones installés dans les conduits auditifs, le KU 80 est le premier système à reproduire fidèlement la fonction de transfert liée à la tête (HRTF), qui nous permet de percevoir le son tridimensionnel avec nos oreilles.

Neumann a continué à améliorer ce système en lançant le KU 81 en 1982 et le KU 100 en 1992. Grâce à sa capacité à capturer un son binaural réaliste qui est reproduit avec précision via des écouteurs et des haut-parleurs, le KU 100 est devenu célèbre dans les cercles d’ingénierie audio, popularisé par l’ingénieur Chad Blake. Pour entendre le KU 100 en action, enfilez vos meilleurs écouteurs et écoutez From the Caves of the Iron Mountain, une excursion expérimentale de Tony Levin, Jerry Marotta et Steve Gorn enregistrée par Blake dans une mine abandonnée.

Au fil des années, Neumann a continué à innover, à améliorer ses processus et à constituer de vastes archives de documentation technique remontant à la création de l’entreprise. Grâce à cette richesse d’expérience et de savoir-faire technique, Neumann a apporté au monde de nombreux autres « originaux », notamment le U 47 FET, le TLM 103 et le KM 184, pour n’en citer que quelques-uns. La société a lancé aujourd’hui d’autres produits de studio, en lançant les moniteurs de la série KH, les écouteurs de studio de la série NDH et la nouvelle interface audio MT 48. Nous ne savons pas ce qu’ils proposeront ensuite, mais vous pouvez être sûr que ce sera le cas. original.