Des informations intéressantes et utiles sur les ventes de musique, les tendances actuelles, l’argent, le streaming et les marchés. Voyez combien vous pouvez gagner rien qu’en créant des pistes, et même sans avoir de fans. Entrez dans des listes de lecture, publiez régulièrement de nouveaux documents, faites-vous entendre et le succès vous rattrapera sûrement !

Spotify a publié un nouveau rapport qui présente de nombreux chiffres vraiment intéressants. Les trois choses les plus étonnantes à souligner sont :

• Combien d’artistes indépendants gagnent de l’argent sur Spotify.
• Il y avait plus de musiciens gagnant de l’argent grâce à la musique en 2021 qu’en 2001.
• Les auteurs-compositeurs gagnent en fait PLUS d’argent à l’ère du streaming qu’à l’ère du CD.

La thèse, principalement de la National Music Publishers Association (NMPA), dirigée par David Israelite, est que Spotify déteste les auteurs-compositeurs et ne les paie pas. Malheureusement, bon nombre des plus performants ne comprennent pas très bien l’économie de l’ère du streaming. Et ils aiment intentionnellement compliquer les choses et confondre les autres musiciens. N’oublions pas que les NMPA représentent des éditeurs MAJEURS détenus par des labels MAJEURS.

15 140 artistes qui ont sorti leurs propres albums ont gagné au moins 10 000 $ de Spotify en 2021.

Mon plus gros reproche avec le rapport 2020 de Spotify était qu’il ne séparait pas les artistes du label des artistes auto-publiés. Ainsi, lorsque Spotify indique que 52 600 artistes ont gagné au moins 10 000 dollars, nous ne savions pas auparavant combien d’entre eux avaient ou non des labels. Maintenant, nous savons. 28% des artistes ont obtenu leur diplôme de manière indépendante.

• 203 300 artistes ont gagné plus de 1 000 $
• 81 500 artistes ont gagné plus de 5 000 $
• 52 600 artistes ont gagné plus de 10 000 $
• 16 500 artistes ont gagné plus de 50 000 $
• 9 500 artistes ont gagné plus de 100 000 $
• 2 170 artistes ont gagné plus de 500 000 $
• 1040 artistes ont gagné plus d’un million de dollars

Maintenant, pour être clair, ces chiffres sont en fait le nombre d’artistes dont les catalogues ont généré des redevances à la fois de l’enregistrement unique et de la publication de l’album. En bref, c’est le montant que Spotify a payé pour le travail des artistes.

En ce qui concerne les artistes de label, nous ne savons pas vraiment combien chaque artiste individuel est crédité. Les labels indépendants proposent généralement une répartition 50/50. Les grands labels en conservent généralement 82 % – et ne paient l’argent à leurs artistes qu’après avoir récupéré leurs avances/dépenses (ce qui n’arrive presque jamais). Les artistes auto-édités peuvent conserver la totalité ou la majeure partie de leur argent.

DistroKid, Tunecore, Amuse permettent de conserver 100% des royalties. D’autres comme CD Baby, Stem, AWAL, Symphonic facturent une petite commission de 9 à 15 %. D’autres, comme UnitedMasters, Songtradr, Landr, Horus, fonctionnent sur un modèle hybride et donnent à l’artiste le choix de payer une petite redevance d’édition et de conserver 100 % des redevances, ou de renoncer à la commission mais laisser un pourcentage des ventes au distributeur.

— Voir également: Meilleurs compresseurs VST Waves pour le mixage et le mastering (choix 2022) —

Spotify verse 2/3 des revenus aux détenteurs de droits d’auteur. En d’autres termes, Spotify conserve environ 33% de commission sur les ventes. À titre de comparaison, Apple Music détient à peu près le même montant. Environ 80 % de cet argent va aux principaux détenteurs de droits (maisons de disques/artistes) et environ 20 % aux détenteurs de droits d’édition (éditeurs/auteurs-compositeurs).

Pourquoi un tel écart ? Pourquoi les éditeurs et les auteurs-compositeurs gagnent-ils tellement moins que les labels et les artistes ?

Eh bien, en fait, cela n’a rien à voir avec Spotify. C’est parce que les majors veulent que ça reste comme ça. Je pense que cette répartition devrait être 50/50 – éditeur/label (auteur-compositeur/interprète). Mais, bien sûr, les majors ne veulent pas baisser leurs salaires. L’industrie de la musique à l’ère du CD favorisait les superstars deux fois plus qu’elle ne le fait aujourd’hui.

Dans ce rapport, Spotify affirme :

« Au plus fort de l’ère du CD, 25 % des ventes aux États-Unis provenaient des 50 meilleurs artistes. En 2021, seuls 12 % des flux américains sur Spotify provenaient des 50 meilleurs artistes, ce qui signifie que les opportunités de revenus s’étendent désormais bien au-delà des plus grandes stars.

Plus de 9 000 artistes sur Spotify comptent plus d’un million d’auditeurs mensuels. De plus, 718 000 chansons ont plus d’un million d’écoutes !

En 2020, les auteurs-compositeurs ont perçu plus de revenus qu’en 2001.

Le rapport de l’IFPI note qu’en 2020, les éditeurs, les auteurs-compositeurs et leurs organisations de gestion collective (CMO) ont gagné 3,5 milliards de dollars rien qu’en streaming. En 2001, les revenus étaient inférieurs à 3 milliards de dollars.

À l’ère du CD, les CD eux-mêmes se vendaient environ 18 $ au public à leur apogée (vers 2001). Le magasin de disques a conservé environ 8 $ (44 %), le label a conservé le reste (56 %), puis a versé ce montant aux éditeurs/auteurs-compositeurs et à leurs artistes (peut-être). Sur un seul CD de 10 titres, les auteurs/éditeurs gagnaient 7,55 cents par chanson en 2001. Donc dans ce cas, les éditeurs ont été payés environ 75 centimes par vente de CD, soit seulement 4% du total ! À l’ère du CD, les éditeurs réalisaient environ 4 % des ventes totales de CD. Les éditeurs reçoivent désormais un peu plus de 15 % des revenus totaux du streaming. À l’ère du CD, les labels représentaient environ 56 % des revenus totaux.

Maintenant, le gros problème est que si vous êtes un auteur-compositeur qui n’a pas atteint le record, vous n’obtenez pas une part égale. Alors qu’avant, à l’ère du CD, si vous aviez quelques hits sur un album, les gens achetaient tout l’album. Désormais, seuls les hits sont diffusés. L’argent n’est plus que dans les hits. Ainsi, les auteurs de hits gagnent aujourd’hui beaucoup plus qu’à l’ère du CD. Alors que les auteurs-compositeurs sans succès gagnent beaucoup moins d’argent.

— Voir également: 3 meilleurs logiciels de création de musique électronique en 2022 —

Les auteurs-compositeurs devraient-ils gagner plus d’argent ? Absolument! Est-ce que je pense que les labels et les éditeurs devraient recevoir des sommes égales du streaming ? Oui. Cela n’arrivera que si les majors l’acceptent (ce qu’elles ne feront certainement pas car cela signifie qu’elles devront être moins payées).

Lucian Grange, PDG d’Universal Music Group (la maison de disques la plus rentable au monde), a gagné 200 millions de dollars en 2021, soit plus que le revenu total d’écriture de chansons pour chaque auteur-compositeur au Royaume-Uni.

Spotify héberge 200 000 groupes de disques « professionnels »

Spotify note (sur la base d’une grande partie des critiques qu’ils reçoivent) que si 8 millions de personnes ont téléchargé de la musique sur Spotify, seuls environ 200 000 d’entre eux sont des « artistes professionnels ou professionnels de l’enregistrement ». La plupart de ces 8 millions de personnes n’ont mis en ligne qu’une ou deux chansons et n’ont jamais joué en direct. Nous osons noter que notre studio « AREFYEV Studio » travaille souvent avec des artistes professionnels et la qualité du mixage et du mastering a été approuvée en intégrant les matériaux dans les meilleures listes de lecture, et les morceaux occupent avec succès des positions honorifiques sur les stations de radio.

Le nombre dans le rapport Spotify est basé sur deux facteurs :

1. Vous jouez en live ?
   En 2019, 199 000 artistes sur Spotify ont joué au moins 1 émission.
2. Avez-vous au moins 10 000 auditeurs par mois ?
   Spotify note également que 165 000 artistes ont au moins 10 000 auditeurs mensuels.

Spotify est prêt à passer à un modèle de paiement « centré sur l’utilisateur ». SoundCloud, Tidal et bientôt Pandora s’orientent vers un modèle de paiement dit « user centric ». Cela signifie que si les artistes ont des fans qui écoutent beaucoup leur musique, ils seront mieux payés. Si un auditeur dépense 10 $ pour un abonnement Spotify et n’écoute qu’un seul artiste ce mois-ci, ces 10 $ seront répartis entre CHAQUE flux sur Spotify. Avec un modèle de paiement centré sur l’utilisateur, la totalité de ces 10 $ ira à cet artiste (moins la commission Spotify de 30 %).

Il récompenserait les artistes avec des fans

De nombreux artistes obtiennent des millions de pièces tout en gagnant beaucoup d’argent, mais ne peuvent pas vendre 50 billets pour des concerts dans leur ville natale. Comment est-ce possible?

Eh bien, les chansons sont constamment incluses dans les listes de lecture populaires. Ce qui, à son tour, leur apporte beaucoup de flux (et beaucoup d’argent). Mais ils n’ont pas de fans. Ces auditeurs jouent simplement la liste de lecture sans sélectionner un artiste spécifique. Un modèle de paiement centré sur l’utilisateur récompense les artistes avec des fans fidèles. Peu importe le nombre de flux que vous obtenez. Il n’y aura plus de calcul « par flux ». Seule compte la fréquence à laquelle vos fans vous écoutent par rapport à tout le monde. Si un fan qui a payé 10 $ pour un abonnement vous écoute ainsi que 9 autres artistes ce mois-ci, vous gagnerez 1 $ ce mois-ci grâce à ce fan. Si vous n’avez que 1 000 fans dédiés qui vous écoutent 1/10 du temps, alors dans le cadre d’un modèle de paiement centré sur l’utilisateur, vous recevrez environ 1 000 $ de revenus de streaming par mois.

— Voir également: Meilleurs plugins de mastering (ordre de traitement et liste des outils vst) —

2021 a été l’année la plus rentable pour l’industrie de la musique

Sur les 25,9 milliards de dollars que l’industrie de la musique a gagnés en 2021, 7 milliards de dollars provenaient de Spotify.

Spotify estime que 50 000 artistes ont gagné plus de 40 000 $ grâce au streaming en un an. Il s’agit de mathématiques d’extrapolation sérieuses. Spotify affirme qu’il représente plus de 20% des revenus de la musique enregistrée. Ainsi, y compris d’autres services de streaming, ils estiment que 50 000 artistes gagnent encore 4 fois ce qu’ils gagnent grâce aux flux Spotify (50 000 artistes ont gagné plus de 10 000 $ rien qu’avec Spotify).

Je doute fortement que ce soit réellement exact. La plupart des artistes occidentaux tirent l’essentiel de leurs revenus du streaming sur Spotify. Je suppose que les 80 % restants des revenus de la musique enregistrée proviennent en grande partie d’autres territoires avec d’autres plateformes. Et les artistes qui composent ces 80% ne gagnent pas des sommes égales sur Spotify, tout comme les artistes occidentaux ne gagnent pas des sommes égales sur Apple Music, Tidal, Pandora, Deezer, JioSaavn, NetEase, QQ, etc.

Vous pouvez vous familiariser avec le rapport « Fort et clair » sur le site Web: Spotify.

Acustica Audio a présenté Jet, un nouveau plug-in gratuit (sa version de base) et pouvant être mis à niveau avec deux extensions. Acustica Audio Jet est un égaliseur dynamique à deux bandes que le fabricant a développé pour les projets de mixage. Le plugin combine des concepts numériques et analogiques.

L’approche hybride du plug-in signifie que la partie dynamique du plug-in est contrôlée par l’algorithme et que les classiques analogiques sont émulés en fonction de la réponse impulsionnelle. C’est une méthode intelligente car le comportement dynamique est très précisément contrôlé et les propriétés tonales sont basées sur le monde analogique. Comme dans le cas d’Aero, le constructeur mise sur le concept d’une offre gratuite de deux plug-ins – dans la version de base, et avec des « volumes », algorithmes et émulations supplémentaires.

— Voir également: Interface audio VS préamplificateur. Quelle est la différence? —

La version de base propose trois modes pour la section EQ dynamique. Cela inclut un égaliseur « analogique » avec quatre fréquences sélectionnables pour chacune des deux bandes. Cela complète la version gratuite avec deux modèles d’égaliseur algorithmique avec des fréquences sélectionnées pour les bandes. Le flux du signal est toujours le même : d’abord la section d’égalisation statique, puis la section dynamique. Les deux sections offrent un traitement des canaux gauche et droit (L-R), central (Mid) ou latéral (Side).

Vous pouvez télécharger gratuitement sur le site officiel: Acustica Audio.

Choisir la bonne station de travail audio (logiciel DAW) est l’un des choix les plus importants qu’un producteur de musique puisse faire. Une DAW, ou Digital Audio Workstation, est une application informatique qui vous permet de créer, éditer, enregistrer, mixer et masteriser de la musique.

Aujourd’hui, nous allons examiner trois programmes pour la production de musique électronique:

• Ableton Live 11
• FL Studio
• Logic Pro X

Ableton Live 11

Ableton Live 11 est le meilleur logiciel de création de musique électronique en 2022 selon nous. Il se démarque des autres produits par son flux de travail intelligent et rapide. Le programme est sorti pour la première fois le 30 octobre 2001 et comprend tous les outils pour produire, enregistrer, mixer et masteriser de la musique. Ableton prend en charge toutes les fonctionnalités standard telles que le contrôle du tempo, la lecture MIDI, la sélection de fichiers, d’échantillons et de plug-ins, le chaînage de traitement, et contient également toute une gamme d’outils uniques.

Ableton propose deux interfaces : pour créer un arrangement et un projet propre pour travailler avec le son. L’interface pour créer un arrangement contient des pistes audio et MIDI sur le côté droit, ainsi que des boutons pour contrôler le volume, le panoramique, activer et désactiver la piste sélectionnée, un bouton d’enregistrement, etc. Vous pouvez regrouper des pistes et les router entre elles. La deuxième interface convient aux performances en direct, au DJing et au son DIY.

Ableton Live est disponible en trois niveaux de prix différents : 109 $ Intro, 519 $ Standard et 859 $ Live 11 Suite. Pour créer de la musique électronique, ce programme est choisi par des artistes tels que Flume, Diplo, Deadmau5, Skrillex, Marshmello, DJ Snake, The Chainsmokers et bien d’autres.

— Voir également: Interface audio VS préamplificateur. Quelle est la différence? —

FL Studio

FL Studio, anciennement connu sous le nom de Fruity Loops, est une station de travail audio numérique créée par Image-Line. Il a été conçu par Didier Dambrin en 1997 comme une boîte à rythmes MIDI à 4 canaux, mais au fil des ans, Dombrin l’a transformé en une station numérique populaire et sophistiquée, le renommant plus tard FL Studio (en 2003) après avoir menacé de poursuites judiciaires Kellogg’s, un bébé société céréalière appelée « Fruity Loops »).

FL Studio est connu pour sa simplicité, sa convivialité et son prix abordable. Il fonctionne à la fois sur Windows et macOS et dispose également d’une application téléphonique appelée FL Studio Mobile. Il existe 4 éditions disponibles : Fruity Edition, Producer Edition, Signature Bundle et All Plugins Edition, au prix de 99 $, 199 $, 299 $ et 499 $ respectivement.

— Voir également: Maîtriser les niveaux et les métriques pour publier un morceau sur Apple Music, Spotify, YouTube, SoundCloud, Tidal et plus —

Logic Pro X

Logic Pro X est une station audio développée par Logic qui fonctionne exclusivement sur macOS et est le deuxième logiciel DAW le plus populaire après Ableton Live.

Initialement conçu comme un séquenceur MIDI pour la plate-forme Atari ST en 1987, Logic Pro X a évolué au fil du temps sur diverses plates-formes technologiques jusqu’à son rachat par Apple en 2002. Les développeurs ont progressivement amélioré le logiciel Logic, mais contrairement à Ableton Live, Logic s’est concentré pendant la majeure partie de sa carrière sur le fait d’être un programme DAW complet pour les producteurs et les musiciens. Logic Pro X n’a ​​qu’une seule version standard pour 199 $ et un essai gratuit de 90 jours.

Le mélangeur prend en charge jusqu’à 1000 canaux audio stéréo, jusqu’à 1000 canaux auxiliaires, jusqu’à 256 bus, jusqu’à 1000 pistes MIDI externes, 15 modules plug-in, 8 modules pour plug-ins MIDI et Audio Units, 12 départs par canal, 32 groupes pour l’audio, les instruments logiciels ou les lignes de canaux MIDI.

Logic Pro X est utilisé par des artistes tels que Calvin Harris, Disclosure, Kygo, Swedish House Mafia, Hardwell et Alesso, parmi de nombreux autres producteurs de musique électronique.

Depuis 2014, notre équipe a réalisé le mastering de plus de 2 000 pistes, couvrant une grande variété de styles, de qualité, de contenu et de mixage : certaines créées en home-studio, d’autres entièrement commerciales et diffusées à la radio, sur des labels, à la télévision, sur YouTube, etc.
Nous ne prétendons pas qu’un de ces chemins soit le « meilleur » pour promouvoir un morceau ; cependant, le travail de notre ingénieur mastering a été approuvé par des professionnels de tous niveaux et statuts. Chaque ingénieur est libre de combiner étapes et méthodes de traitement afin d’obtenir le meilleur résultat possible. Dans cet article, vous trouverez une vaste liste d’instruments VST utilisables tous styles confondus, et qui sonnent véritablement juteux, doux et professionnels. Mélangez nouvelles technologies et émulations de matériel analogique lors de votre mastering.

1. Chaîne de traitement et ordre des plugins

Le choix de plugins pour le mastering est vaste, beaucoup permettent d’atteindre une qualité sonore élevée. Pour obtenir le meilleur résultat, vous devez tester et écouter quelles caractéristiques sonores vous plaisent le plus. Dans notre chaîne d’effets, nous utilisons actuellement plus de 10 outils, et la liste peut être étendue si le mix laisse à désirer. Un rôle important est joué par l’ordre des plugins, car il existe des centaines de variantes et possibilités.

Compresseurs et égaliseurs peuvent être utilisés plusieurs fois dans la chaîne de traitement afin de faire ressortir les points forts de chaque plugin VST. Découvrez comment réaliser le mastering d’un morceau : essayez les meilleurs plugins de mastering du marché.

2. Égaliseur « chirurgical » (neutre) pour mastering

En utilisant des égaliseurs de mastering chirurgicaux, vous pouvez contrôler l’équilibre tonal et réguler le spectre de fréquences global. Il s’agit d’une édition précise des fréquences en les augmentant ou en les diminuant. Les égaliseurs à phase linéaire offrent une grande transparence pour éliminer les fréquences de résonance problématiques.

Grâce à un égaliseur de mastering, vous pouvez supprimer un bourdonnement dans les graves et remonter les basses — ce qui impacte positivement (ou négativement, si le mix est mal préparé) la piste. Ces égaliseurs ajustent le spectre global de tous les instruments afin d’obtenir clarté et transparence. En utilisant la technologie M/S (Mid/Side), vous devez améliorer la largeur stéréo et ajouter une haute-fréquence riche et aérienne. Voici quelques-uns de nos égaliseurs favoris pour le mastering :

• DMG Audio – EQuilibrium
• Three Body Technology – Kichhoff EQ
• Sonnox  – Oxford EQ
• Maat – TheEQ
• Fabfilter Pro-Q
• Softube – Weiss EQ1
• Brainworx – BX_Digital
• Tokio Dawn Labs – Slick EQ M Mastering Edition
• Newfangled Audio – Equivocate
• Crave DSP – Crave EQ
• Sonnox – Claro

3. Meilleurs compresseurs pour mastering

Vous pouvez densifier la piste, la rendre plus compacte et cohésive grâce à un compresseur de mastering. Pour éviter les problèmes dynamiques, ne compressez pas plus que -2 à -5 dB. Les pistes trop compressées sonnent plates et peu expressives. Vous pouvez également utiliser la compression parallèle, dont nous avons parlé précédemment. Voici quelques-uns des meilleurs compresseurs de mastering disponibles :

• Weiss Compressor
• Softube – Drawmer S73
• Cytomic – The Glue
• Tokyo Dawn Labs – TDR Kotelnikow GE
• Pulsar Audio – Mu
• Vertigo Sound – VSC-3
• Softube Chandler Limited – Germanium Compressor
• DDMF – Magic Death Eye
• DMG Audio – TrackComp
• UAD – Shadow Hills
• Shadow Hills Mastering Compressor
• SKNote SDC Stereo Double Compressor
• SPL – Iron Mastering Compressor

— Voir aussi : Le métier d’ingénieur du son : entre art, technique et précision —

4. Égaliseurs qui ajoutent « couleur » et harmoniques analogiques

Les égaliseurs de « coloration » peuvent rendre votre son plus volumineux et apporter de la chaleur à des enregistrements bruts. Beaucoup de ces plugins sont des émulations d’égaliseurs classiques :

• Chandler Limited – Curve Bender
• Waves – PuigTec EQP-1A
• Softube – Tube-Tech
• Sonimus – Burnley 73
• Maat – TheEQOrange
• Kush Audio – Electra DSP
• Kush Audio – Clariphonic
• Maag Audio – EQ
• Manley – Massive Passive
• Native Instruments – Passive EQ
• Elysia – Musseq
• SPL – PassEQ
• Pulsar – Massive

5. Plugins pour éliminer les sibilantes

Pourquoi utiliser un de-esser en mastering ? Avec ces plugins, vous pouvez atténuer les voix agressives, les hi-hats ou les sons synthétiques. Nos oreilles sont très sensibles à certaines hautes fréquences, que l’on peut réduire grâce à un de-esser et obtenir un son doux et agréable. Notre sélection comprend :

• Airwindows – DeEss
• Fabfilter Pro-DS
• Oeksound – Soothe
• Oxford – SuperEsser
• DMG Audio – Essence
• Hofa IQ DeEsser
• Hornet – Sybilla
• Eiosis – E²Deesser
• WEISS DS-1

6. Égaliseur dynamique & compresseur multibande

Le mastering ne nécessite pas toujours un égaliseur dynamique ou un compresseur multibande. Dans certains cas, il peut être utile d’accéder à des bandes de fréquence séparées (par exemple si vous voulez contrôler des fréquences perçantes dans certaines parties de la chanson). Notre classement :

• Oxford – Dynamic EQ
• Fabfilter Pro-Q 3
• Izotope Ozone
• Fabfilter Pro-MB
• Leapwing Audio – Dynone
• Waves – C6
• Softube – Drawmer 1973
• DMG Audio – Multiplicity

— Voir aussi : Console DJ jouet « Mix Me DJ » (vers 2004) – mini-groovebox lo-fi collector —

7. Machines à bande & transformateurs de saturation

Ce sont des outils qui créent un son analogique large, épais, chaud, profond, saturé et captivant. Colorez le signal, illuminez les hautes fréquences ou ajoutez des distorsions harmoniques supplémentaires. Voici quelques-uns des meilleurs plugins pour ajouter saturation, harmoniques ou coloration :

• Tone Projects Kelvin Tone Shaper
• Vertigo Sound – VSM-3
• Wavesfactory – Spectre
• Shatteres Glas Audio – SGA1566
• Kazrog – True Iron
• Kush Audio – Omega
• SKnote – Roundtone
• Klanghelm – SDRR
• SPL – Twin Tube
• IK Multimedia T-Racks – Tape Machine
• Slate Digital – VTM
• London Acoustics – Taipei
• U-He – Satin
• Waves – Kramer Master Tape

8. Expansion stéréo & profondeur du son

Donnez plus de profondeur et de largeur à vos morceaux grâce aux plugins d’expansion stéréo. Lors du traitement, pensez à la compatibilité mono et au risque de problèmes de phase. Voici quelques-uns à tester :

• Leapwing StageOne
• Mathew Lane DrMS
• Side Minder ME
• Goodhertz Midside
• Leapwing Stageone
• Waves S1 / Center
• Flux Stereo Tool
• Nugen Audio Stereoizer
• TokyoDawnLabs – Proximity

9. Limiteurs

Préservez la dynamique du morceau avec des limiteurs transparents et neutres. Ils ne doivent pas écraser les transitoires ni déformer le spectre de fréquences. Certains des meilleurs limiteurs pour le mastering :

• DMG Audio Limitless
• A.O.M. Invisible Limiter
• Izotope Ozone Maximizer
• Eventide Elevate
• IK Multimedia Stealth Limiter
• Sonnox Oxford Limiter
• Voxengo Elephant
• Sonible – Smart:Limit
• Chandler Limited – Zener Limiter

— Voir aussi : Qui sont les ingénieurs de mixage et de mastering ? —

10. Analyseurs & measurement tools

La mesure de la loudness (PLR, RMS, LUFS) vous permet de comparer le niveau final de vos pistes. Les plugins de référence peuvent visualiser l’équilibre tonal, la moyenne de loudness ou le spectre de fréquences :

• Voxengo Span
• Maat 2BC MultiCORR
• Youlean Loudness Meter
• Melda Production MLoudnessAnalyzer
• Nugen Audio VisLM / Mastercheck
• Izotope Ozone Tonal Balance Control / Insight
• Mastering The Mix Reference
• Sample Magic Magic AB
• Meter Plugs Loudness Penalty
• Sonnox Frauenhofer Pro Codec
• Maat DR Meter MKII
• ADPTR Audio MetricAB
• Orban Loudness Meter

11. Logiciels pour calibration écouteurs & moniteurs

Avec ces outils, vous pouvez optimiser l’acoustique de la pièce. Vos enceintes de studio ou écouteurs seront mesurés, et leur son optimisé. Il existe aussi des solutions pour améliorer le son des écouteurs et le rendre plus réaliste :

• Sonarworks Reference Headphone / Speaker
• IK Multimedia Arc
• Dsoniq Realphones
• Tonebooster Morphit
• Room EQ Wizard
• 112 DB Redline Monitor
• Slate VSX Headphone
• Goodhertz CanOpener
• Waves Audio NX
• Audified Mixchecker

12. Qu’est-ce que le mastering d’un morceau ?

Le mastering optimise le punch, la densité et la puissance de votre œuvre musicale : il densifie les fréquences moyennes, « étire » et arrondit les basses, et apporte brillance et richesse aux hautes fréquences. Il s’agit d’ajuster la dynamique du morceau, d’atteindre des niveaux de loudness compétitifs, tout en conservant un mix bien équilibré. Obtenez des niveaux sonores compétitifs via la compression pour être prêt à toute plateforme de streaming comme Spotify, Apple Music, YouTube, Beatport (nous utilisons les mesures PSR et LUFS).

Dominez les fréquences problématiques dans vos pistes, atténuez l’agressivité grâce à l’EQ et au de-essing pour un son naturel et agréable. Les égaliseurs dynamiques et le mode Mid/Side sont parfaitement adaptés aux réglages fins.

Ajoutez un son analogique chaleureux et détaillé pour créer une ambiance nostalgique des enregistrements électroniques classiques, ou améliorez la couleur et le caractère via le Vintage Console Sound. Ajoutez des harmoniques supplémentaires et donnez du brillant à votre mix pour qu’il sonne propre et captivant.

13. Meilleurs logiciels pour mastering

Voici quelques logiciels intéressants pour le mastering musical. Ces DAW sont optimisés pour vous faire gagner du temps, ajouter des métadonnées, créer des images DDP pour CD, préparer pré-mastering pour vinyle/cassette ou simplement optimiser votre workflow. La liste pourrait être plus longue, mais voici quelques-uns :

• Reaper
• Pyramix
• WaveLab
• Sequoia
• Presonus Studio One
• Samplitude
• SADiE
• DSP-Quattro

14. Mastering pour vinyle

Le mastering pour vinyle ne nécessite pas toujours un projet entièrement nouveau, mais certains aspects sont essentiels :

• Filtre hautes fréquences : réduisez à ~16 kHz avec une pente d’environ 18 dB/octave pour éviter les distorsions.

• Filtre basses fréquences : pour que l’aiguille ne saute pas, coupez les fréquences sous ~30 Hz.

• Sifflements / de-essing : des fréquences très hautes entre ~3–9 kHz peuvent provoquer des distorsions lors de la gravure vinyle. Équilibrez hi-hats agressifs et voix.

• Low-end en mono : sous ~150 Hz, tous les graves doivent être centralisés pour éviter des problèmes de groove.

• Évitez un limitateur trop fort : un mastering dynamique sonne plus fort sur vinyle. Évitez de trop couper la dynamique, ce qui peut conduire…

• Ordre des titres : les morceaux calmes doivent être placés au centre de l’album pour des raisons de dynamique et de limitation de fréquences sur vinyle. Les morceaux plus énergiques passent en ouverture ou conclusion.

Essayez certains des plugins mentionnés et redonnez vie à vos productions musicales. Vous manquez d’expérience ou de savoir-faire ? Envoyez-nous votre mix préparé — notre studio propose un démo-mastering gratuit ou à tarif réduit.

Waves Audio CLA-2A

Le Waves Audio CLA-2A est un excellent choix pour tous ceux qui cherchent à ajouter une recréation du célèbre compresseur optique à tube Teletronix LA-2A à leur studio. Il donnera de la chaleur à vos morceaux, les rendra lisses et, en général, saturés.

CLA-2A est l’un des meilleurs compresseurs de Waves Audio. Pourquoi ne pas aimer un compresseur créé à partir de la collaboration inspirante entre Waves et Chris Lord-Alge ? Le compresseur est assez polyvalent et convient à tout, des instruments aux voix. Comme l’équipement d’origine, le plug-in offre un son riche et une réponse fluide.

Waves Audio CLA-76

Le Waves Audio CLA-76 est une reproduction fidèle du célèbre compresseur 1176. Pas étonnant que le CLA-76 soit considéré comme un choix populaire des utilisateurs. Inspiré du célèbre amplificateur du milieu des années 60, le CLA-76 a été conçu pour être aimé par de nombreux ingénieurs du son et producteurs de musique. Il offre une qualité d’amplificateur de classe A et des temps d’attaque et de relâchement ultra-rapides. Le module 1176 LN plus moderne et le célèbre UREI 1176 peuvent être commutés à l’intérieur du plugin. Ce plugin a également un « mode britannique » tout comme le matériel d’origine. Nous aimons le son agressif et déformé que nous obtenons en conséquence.

Waves Audio SSL G-Master

Le SSL G-Master fait un travail impeccable de collage des mélanges et fait également un travail incroyable en ajoutant du punch aux sons percussifs et en apprivoisant la dynamique du piano.

Nous aimons le fait que le SSL G-Master rende la basse vraiment géniale, comme si elle était remplie d’harmoniques supplémentaires. De plus, nous l’avons utilisé plusieurs fois à la batterie et nous avons toujours aimé les résultats que nous obtenons. Il s’agit d’une recréation matérielle exacte du son emblématique de la console.

— Voir également: Maîtriser les niveaux et les métriques pour publier un morceau sur Apple Music, Spotify, YouTube, SoundCloud, Tidal et plus —

Waves Audio C6

Le Waves Audio C6 est considéré comme l’un des compresseurs les plus flexibles que vous puissiez trouver sur le marché aujourd’hui. Il offre 2 bandes flottantes et la fonction de chaîne latérale de la version précédente (Waves C4). C’est un outil polyvalent pour contrôler tout type de mise en forme et de larges possibilités sonores. De plus, il est idéal pour dé-esser (éliminer les sifflantes) les parties vocales.

Waves Audio API 2500

Waves Audio API 2500 est une émulation exacte de l’API 2500. Cet étonnant processeur de dynamique offre 3 modes de compression exceptionnels, 3 types de filtres variables et de nombreuses commandes utiles. Les utilisateurs s’accordent à dire que le Waves Audio API 2500 est polyvalent et constitue dans l’ensemble un excellent choix à ajouter aux pistes classiques ou hard rock. Nous aimons la façon dont il ajoute juste la bonne quantité de touches analogiques au son, donnant vie aux pistes sèches.

— Voir également: Cartes son et kits Focusrite Vocaster annoncés —

Waves Audio PuigChild

Waves Audio PuigChild est une recréation méticuleuse de l’exquis et vintage compresseur à lampes Fairchild 670. Il est très peu probable que vous puissiez trouver une unité matérielle d’origine de nos jours (sans parler du coût), mais ce plug-in offre tout ce dont vous avez besoin. . PuigChild offre un traitement de canal Mid-Side pour une superbe image stéréo. Waves Audio a collaboré avec Jack Joseph Puig et le résultat a été le plugin PuigChild vst. Vous pouvez également y trouver les presets de cet ingénieur. Un excellent choix pour ceux qui recherchent un compresseur à lampes vintage polyvalent qui délivre un son riche mais brut.

Waves Audio Abbey Road RS124

L’Abbey Road RS124 est une recréation détaillée et méticuleuse du légendaire matériel RS124 largement utilisé par les Beatles. Le plugin a été créé en collaboration avec Abbey Road Studios et offre le même caractère sonore que le plugin original. Ce n’est un secret pour personne que nous aimons le son que l’on retrouve sur tous les morceaux des Beatles, et nous devons remercier le RS124 pour cela. Étant donné que le Waves Audio Abbey Road RS124 est une recréation méticuleuse de cet appareil, il ajoute une chaleur réelle, presque étrange, dans les graves et les médiums à toutes les pistes. C’est quelque chose à essayer.

Les préamplis et les interfaces audio sont essentiels à toute configuration d’enregistrement numérique moderne. Souvent ces deux termes sont utilisés côte à côte, et nous allons essayer d’approfondir les différences entre un préampli et une carte son. Quelle est la différence et que choisir exactement – vous trouverez la réponse ci-dessous.

Quelle est la principale différence?

Un préamplificateur est utilisé pour amplifier un signal de niveau instrument ou micro au niveau ligne pour l’enregistrement.

Une interface audio fait bien plus qu’un préamplificateur. Les interfaces audio sont conçues pour faciliter l’enregistrement et la surveillance du son avec un ordinateur, avec des entrées pour les microphones et les instruments, ainsi que des sorties pour les moniteurs de studio et les écouteurs. Presque toutes les interfaces audio incluent au moins un préampli pour connecter des instruments et des microphones.

Préamplificateurs

Les préamplis sont indispensables lors de l’enregistrement. Dans l’audio professionnel, ils sont principalement utilisés sur les microphones, c’est pourquoi les gens les appellent souvent des préamplis micro. Un préamplificateur (alias préamplificateur) amplifie (amplifie) le signal au niveau ligne avant de (pré-)enregistrer le signal et de le traiter. Sans ce processus, le signal sera trop faible. Pour ce faire, une amplification est appliquée à des signaux de microphone ou d’instrument à tension relativement basse tels que des guitares, des synthétiseurs, etc.

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Les préamplificateurs se présentent sous de nombreuses formes, en fonction de leur utilisation prévue. Par exemple, ils peuvent être trouvés dans des produits grand public tels que les chaînes stéréo, les mélangeurs et les microphones USB. Mais leur fonction principale reste la même : rendre un signal faible plus fort et plus enregistrable.

Bien sûr, il existe d’innombrables différences dans le son, la qualité de fabrication et la conception. Les préamplis externes peuvent avoir plusieurs entrées, peuvent utiliser des amplis de classe A ou de classe A/B, utiliser la technologie à lampes ou à semi-conducteurs, et la liste continue. Comme pour les équipements audio, certains préamplis ont acquis une réputation pour leur son distinctif. Voici une courte liste d’excellents préamplis/tranches de console externes que vous pouvez consulter:

• API 512c
• Neve 1073
• Tube-Tech MP2A
• Avalon VT-737SP

Interfaces audio

L’interface audio se connecte à un ordinateur et vous permet d’enregistrer et de contrôler le son plus facilement qu’avec la carte son intégrée. Le travail de l’appareil consiste à convertir les signaux analogiques en données numériques que votre ordinateur peut comprendre, et vice versa, afin que les données audio numériques de votre ordinateur puissent être envoyées vers des moniteurs ou des écouteurs.

Par rapport aux préamplificateurs, les interfaces audio sont plus polyvalentes. Les interfaces audio fournissent des entrées XLR et TRS, des préamplis, des sorties haut-parleur et casque. De plus, de nombreuses interfaces audio ont également des ports MIDI In et MIDI Out. Les préamplis sur les cartes son fournissent une alimentation fantôme 48 V en cas de besoin, vous permettent de régler le gain, le volume et peuvent même fournir un retour visuel avec des LED fantaisie et un rétroéclairage. Mais dans la plupart des cas, leur travail le plus important est la conversion analogique-numérique ou numérique-analogique, vous permettant de connecter des équipements analogiques tels que des instruments, des microphones ou des haut-parleurs à votre ordinateur.

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Conversion A/N et N/A

La tâche d’une interface audio peut être réduite à la conversion de l’audio analogique en numérique (et vice versa). Regardons d’abord le son entrant dans votre ordinateur:

• L’audio analogique entre dans votre interface sous forme de tension et est converti en données numériques à l’aide d’un convertisseur analogique-numérique (ADC).
• L’ADC prend des instantanés à des intervalles très courts en fonction de la fréquence d’échantillonnage. Généralement, le taux d’échantillonnage est de 44 100 ou 48 000 échantillons par seconde.
• Ces plans sont appelés échantillons et vous pouvez les considérer comme des pixels, mais uniquement pour les signaux audio numériques.
• L’échantillon/échantillon contient une valeur représentant l’amplitude du signal à un instant donné. La résolution de cette valeur est déterminée par le nombre de bits utilisés (généralement 16, 24 ou 32). Ceci est également connu sous le nom de profondeur de bits.
• L’utilisation de plus de bits peut vous donner plus de plage dynamique (nos mixages et masters de studio à 96000-32bit float). En règle générale, chaque bit vous donne 6 dB supplémentaires. C’est pourquoi un CD ordinaire (taux d’échantillonnage de 44,1 kHz avec 16 bits) a une plage dynamique de 96 dB (16 x 6 = 96), ce qui est suffisant pour tous les types de musique.

Avant que vous puissiez entendre le son de votre ordinateur, l’interface audio doit le reconvertir en un signal audio analogique qui est envoyé à vos haut-parleurs et à vos écouteurs. Comme vous pouvez le deviner, un convertisseur numérique-analogique (DAC) est impliqué dans ce processus. La valeur de chaque échantillon audio numérique est comparée à une tension, produisant un signal audio analogique. Par conséquent, les interfaces audio intègrent des composants ADC et DAC, permettant d’enregistrer et de contrôler l’audio numérique.

Que rechercher dans les interfaces audio

Une interface audio (carte son) est souvent le hub autour duquel tourne tout votre équipement de studio, surtout si votre interface dispose d’une sortie MIDI. Vous pouvez avoir de bons instruments, des microphones, des moniteurs de studio et un ordinateur puissant, mais chaque signal doit passer par une carte son.

Quelles sont les exigences spécifiques en matière d’interface audio dans votre studio?

• Voulez-vous enregistrer de l’audio à l’aide de l’interface ? Ou faites-vous juste le mixage et le mastering ?
• Combien de chaînes voulez-vous enregistrer en même temps ?
• Envisagez-vous d’utiliser des microphones nécessitant une alimentation fantôme 48 V ?
• Avez-vous deux jeux de moniteurs et souhaitez-vous passer de l’un à l’autre ?
• Avez-vous besoin de plusieurs sorties casque ?

Tous ces problèmes peuvent être combinés avec le budget et la qualité des composants, et vous obtiendrez la meilleure interface audio (abordable) pour vous. Il existe de nombreux produits sur le marché et trouver le parfait peut être fatigant. Essayez d’être honnête avec vous-même sur les fonctionnalités ou la quantité d’informations dont vous avez vraiment besoin, et envisagez d’investir un peu plus dans la qualité plutôt que dans la quantité. Les interfaces audio sont au cœur de tout système d’enregistrement numérique moderne.

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Préamplificateur externe ou carte son externe, que choisir ?

Pourquoi acheter un préampli externe alors que l’interface audio dispose déjà des préamplis (souvent multiples) dont vous avez besoin déjà intégrés à l’interface audio ?

Il existe plusieurs raisons:

• Plus de gain : les préamplis externes fournissent souvent plus de gain, ce qui peut être particulièrement intéressant lorsque vous utilisez des micros dynamiques à faible gain qui produisent des signaux faibles.
• Qualité : Les préamplis analogiques de haute qualité resteront propres et transparents avec peu ou pas de distorsion, même lorsqu’un gain élevé est appliqué.
• Moins de bruit : un faible bruit offre une plage dynamique plus large et un meilleur son.
• Couleur : Les célèbres préamplis externes sont connus pour leur saveur distincte, la chaleur et la légèreté qu’ils confèrent aux enregistrements.

Les préamplis des interfaces audio doivent simplement être « assez bons », mais de nombreuses interfaces utilisent la qualité de leurs préamplis comme argument de vente. Gardez également à l’esprit que la qualité de votre enregistrement correspondra au maillon le plus faible de votre chaîne.

iZotope a publié des directives de mastering musical pour Apple Music, Spotify, YouTube, SoundCloud, Amazon Music, Tidal et plus encore. Nous avons consciencieusement travaillé à travers ce matériel et fait des points clés. Comprendre comment traiter une piste pour les plateformes de streaming est désormais plus important que jamais, avec une part de marché de 83 % en 2021. L’article explore les spécifications spécifiques à la plate-forme et comment s’y conformer.

Mastering pour le streaming

Avec une certaine compréhension de la sonie, du LUFS et de la normalisation, plongeons dans les détails de la façon d’effectuer le mastering pour les plateformes de streaming. Ici, nous allons examiner les problèmes spécifiques affectant le streaming.

Le but de la normalisation du volume n’a jamais été de forcer ou même d’encourager les ingénieurs de mastering à travailler à un certain niveau défini. La normalisation de l’intensité est uniquement destinée à la commodité de l’utilisateur final. Il existe pour que l’utilisateur écoute du matériel de programme provenant de diverses sources et qu’il n’ait pas à tendre constamment la main pour régler le volume.

Une fois que vous pensez à la normalisation de cette manière, vous réalisez combien de liberté il y a. Si vous souhaitez maîtriser une musique proche de -14 LUFS tout en utilisant suffisamment de marge pour un impact dynamique, vous pouvez le faire en sachant que le son peut être réduit de quelques dB (ce qui augmentera sa dynamique).

Bien qu’il y ait eu une convergence vers -14 LUFS au cours des dernières années, il existe encore des plates-formes qui utilisent des niveaux de référence différents. Par exemple, Apple Music utilise -16 LUFS, Deezer utilise -15 LUFS et Pandora n’utilise pas du tout LUFS. Le niveau de référence Spotify est sélectionnable par l’utilisateur entre -23, -14 et -11 LUFS! Pour brouiller davantage les eaux, rien n’empêche l’un des services de streaming de modifier son niveau de référence, ou la méthode de normalisation, ou les deux, à l’avenir.

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Que doit faire un ingénieur du mastering pour les plateformes de streaming?

Assurez-vous que la piste sonne aussi bien que possible au niveau de volume le plus élevé possible. Il n’y a pas de nombre et de valeur uniques qui peuvent vraiment être utilisés. Tout dépend du genre, du contenu de la chanson et de l’intention de l’interprète. L’objectif d’un ingénieur de mastering est de s’assurer que le son fonctionne bien sur divers appareils et systèmes. Enfin, il y a deux autres facteurs à prendre en compte lors du mastering: le niveau de crête et l’équilibre de l’album.

Niveau de pointe

Il y a eu un léger changement dans la seconde moitié de 2021 avec presque toutes les principales plateformes de streaming offrant une transmission audio sans perte. Les exceptions notables sont Spotify (annoncé Spotify HiFi) et SoundCloud. Lorsque le streaming sans perte était l’exception plutôt que la norme, il était important de laisser une certaine marge pour les pics afin d’éviter la distorsion lors de l’encodage et du décodage. Une bonne règle de base était de laisser au moins 1 dB de marge True Peak.

Une bonne façon d’écouter cela est d’utiliser le module Codec Preview du plugin Ozone d’iZotope. Spotify et SoundCloud n’utilisent pas toujours MP3 ou AAC, mais ces deux codecs peuvent certainement vous donner une bonne idée de là où d’autres formats pourraient être insuffisants.

Lorsque vous utilisez Codec Preview, vous remarquerez peut-être que le niveau de crête de votre indicateur de sortie est légèrement plus élevé qu’auparavant. Il s’agit d’un effet secondaire naturel de la transformation d’un fichier WAV ou AIF en un fichier avec perte. Vous ne pouvez pas éviter cela, mais vous pouvez vous y préparer en baissant le niveau de votre piste afin que lorsqu’elle se transforme en un fichier avec perte, elle ne surcharge pas le canal de sortie. Cependant, avec le streaming sans perte, ce n’est pas un problème. Tant que vos niveaux True Peak restent inférieurs à -0,3 dBTP environ, tout devrait bien se passer. Le chemin que vous choisissez dépend en grande partie de vous. Vous pouvez utiliser la couche supplémentaire en sachant que les auditeurs jouant des flux avec perte peuvent subir une petite distorsion supplémentaire, ou jouer en toute sécurité et satisfaire le dénominateur commun inférieur.

Solde des albums

Une autre question qui revient parfois est « Dois-je mixer toutes les chansons de l’album au même niveau? ». Si les plateformes de streaming réduisent vos chansons à un niveau de référence, et que différentes chansons de votre album sont à des niveaux différents, cela ne signifie-t-il pas qu’elles seront rejetées à des degrés différents, modifiant ainsi l’équilibre de votre album?

Heureusement, la réponse est la même: la plupart du temps non. Amazon, Deezer, Pandora et Youtube utilisent exclusivement la normalisation des pistes, ce qui signifie que toutes les pistes sont définies sur un niveau de référence. Pour des plateformes comme celles-ci, où les utilisateurs écoutent principalement des singles ou la radio, cela a du sens. Cependant, ces plateformes ont également une part de marché relativement plus petite.

Apple Music et Spotify, en revanche, ont un mode de normalisation d’album. La technique pour normaliser un album consiste soit à utiliser le niveau de la chanson la plus forte de l’album (ou de l’EP) soit le niveau moyen de l’ensemble de l’album et de le régler égal au niveau de référence de la plateforme. Le même décalage de gain est ensuite appliqué à toutes les autres chansons de l’album. Pour Spotify et Apple Music, cela se déclenche lorsque deux chansons ou plus d’un album sont lues en séquence.

Fait intéressant, Tidal a choisi d’utiliser la normalisation d’album pour toutes les chansons, même si elles sont dans la même liste de lecture. Cette méthode a été mise en œuvre après qu’Eelco Grimm a publié une étude sur le sujet en 2017, fournissant des preuves solides que la normalisation des albums est préférable pour l’écoute des albums et des listes de lecture par la plupart des utilisateurs. Si nous analysons cela, cela indique un autre fait important: nous ne devrions pas laisser les niveaux de normalisation de référence dicter la façon dont nous alignons les chansons sur un album, mais plutôt laisser l’intention artistique et le flux naturel de la musique être notre guide.

— Voir également: iZotope a publié Neutron 4 – quoi de neuf et où le télécharger? —

Spécifications de volume

Après tout cela, vous vous demandez peut-être pourquoi nous nous soucions des spécifications spécifiques de la plate-forme. En fin de compte, nous ne devrions vraiment pas trop nous en soucier, mais assurez-vous simplement que la musique sonne du mieux possible (et pour obtenir une excellente qualité sonore, vous pouvez la faire mixer ou masteriser dans notre studio). Cependant, une partie de notre travail en tant qu’ingénieurs mastering est d’être informé. Vous trouverez ci-dessous quelques spécifications par plate-forme pour vous aider à comprendre les différentes variables auxquelles nous avons affaire (notre studio, lors du mixage et du mastering, donne au client une variante supplémentaire d’une piste avec -14LUFS comme moyenne à utiliser).

• Apple Music utilise un niveau de référence LUFS de -16, active la normalisation, rend les chansons plus silencieuses uniquement plus fortes lorsque les niveaux de crête le permettent, ne coupe jamais et permet de normaliser à la fois la piste et l’album en fonction de la liste de lecture ou de l’album en cours de lecture. La mise en garde ici est que les anciennes versions de macOS et iOS peuvent toujours utiliser Sound Check, une méthode de normalisation qui n’est pas basée sur les scores LUFS.
• Spotify utilise un niveau de référence par défaut de -14 LUFS, mais dispose de niveaux supplémentaires sélectionnables par l’utilisateur de -23 et -11 LUFS. La normalisation est activée par défaut, et les chansons plus calmes ne monteront qu’aussi fort que les niveaux de crête pour les paramètres -23 et -14 LUFS le permettent. La limite sera utilisée pour le paramètre -11 LUFS, mais plus de 87 % des utilisateurs de Spotify ne modifient pas les paramètres par défaut. Spotify vous permet également de normaliser les pistes et les albums selon que vous lisez une liste de lecture ou un album.
• YouTube utilise un niveau de référence de -14 LUFS et la normalisation est toujours activée. La plate-forme n’utilise jamais l’écrêtage et utilise exclusivement la normalisation des pistes.
• SoundCloud n’utilise pas la normalisation et n’offre pas non plus de lecture audio sans perte (compresse / dégrade la qualité du matériel). De plus, les artistes téléchargent généralement de la musique directement sur SoundCloud plutôt que via un agrégateur. Pour ces raisons, vous voudrez peut-être faire un mastering séparé pour SoundCloud.
• Amazon Music et Tidal utilisent -14 LUFS tandis que Deezer utilise -15 LUFS et Pandora est proche de -14 LUFS mais n’utilise pas du tout LUFS. Tidal et Amazon ont la normalisation activée par défaut, tandis que Deezer et Pandora ne vous permettent pas de la désactiver. Amazon, Pandora et Deezer n’utilisent que la normalisation des pistes, tandis que Tidal ne normalise que les albums.

— Voir également: Antares a montré un nouvel égaliseur dynamique pour les voix Auto-Tune Vocal EQ —

Recommandation officielle de l’AES

En plus de tout cela, il convient de noter que les ingénieurs de l’Audio Engineering Society ont préparé un ensemble de recommandations sous la forme d’AES TD1008. Il s’agit d’un document complet, mais voici quelques points saillants:

• Utilisez la normalisation d’album dans la mesure du possible, même pour les listes de lecture.
• Il est recommandé de normaliser la parole à -18 LUFS
• Normaliser la musique à -16 LUFS. Lorsque vous utilisez la normalisation d’album, normalisez la piste la plus bruyante de l’album à -14 LUFS.

Vérifier les caractéristiques de votre morceau après le mastering

Si vous souhaitez vérifier les caractéristiques de votre piste après le mastering pour voir comment elle sera traitée, vous pouvez utiliser le panneau Loudness du plugin Insight d’iZotope. Si vous choisissez cette méthode, vous devrez jouer la chanson du début à la fin sans interruption. Si vous recherchez une méthode plus rapide, consultez les « Statistiques de forme d’onde » d’iZotope dans RX.

Comment maîtriser, sur quel équipement, quels plugins utiliser pour l’analyse et la correction – un sujet très vaste et qui devrait être considéré par un ingénieur de mastering dans toutes les subtilités et fonctionnalités d’une piste particulière. Si vous avez mixé un projet et que vous cherchez un endroit pour commander un mastering de haute qualité, envoyez votre matériel à notre studio et obtenez une démo gratuite à écouter.