Nous avons décidé de publier quelques blocs de notre livre sur les labels de musique (livre complet – sera disponible pour les abonnés du blog). Dans cet article, nous analyserons ce que sont les étiquettes et les avantages de travailler avec elles.

Il existe plusieurs options pour décoder le concept d’étiquette (de l’anglais « label »).

1. Un label au niveau de l’entreprise (non lié à l’industrie musicale) est un label, un tag, un autocollant.
2. Étiquette de marque sur vêtements, chaussures, accessoires avec le nom du fabricant.
3. Marque déposée, marque déposée d’une marque, fabricant, designer. Une telle étiquette est soit cousue soit collée. Il existe des étiquettes à broder.

Il existe également le concept de « marque privée », qui désigne la marque d’une entreprise (généralement une grande chaîne de vente au détail), et non d’un fabricant.

II. Un label d’enregistrement (de l’English Recordlabel, une marque déposée d’une maison de disques) est une marque créée par des sociétés impliquées dans la production, la distribution et la promotion d’enregistrements audio et parfois vidéo (principalement des clips musicaux et des enregistrements vidéo de concerts) sur des supports de diverses formats appropriés, y compris disques vinyles, cassettes compactes, CD, mini-disques, SACD, DVD.

III. No-label (alias : netlabel, network label, internet label) est un label qui distribue et vend ses produits musicaux sous forme de fichiers audio numériques (tels que MP3, Wave, OggVorbis, FLAC). Les labels de réseau sont comme les labels traditionnels qui distribuent des CD ou des disques phonographiques ; la différence est que la musique des labels Web n’a pas de support physique.

Certaines étiquettes de réseau envoient également des CD contre paiement (par exemple, aux abonnés).

Généralement, un label Internet est un organisme à but non lucratif qui offre l’opportunité de se familiariser avec une musique peu ou pas représentée sur le marché de la musique traditionnelle : dans les magasins, les stations de radio, les émissions de télévision, etc. Puisqu’un label Internet n’exige pas Coûts et temps de prise en charge importants, ils sont souvent organisés et animés par un petit groupe de personnes, voire une seule personne, ce qui n’implique cependant pas un faible matériel musical. Récemment, de nouvelles façons de distribuer la musique sont devenues de plus en plus populaires, c’est pourquoi les no-labels sont plus accessibles aux musiciens en herbe. Ils fournissent la couverture, le placement de matériel sur tous les sites populaires et une publicité promotionnelle à part entière. C’est un bon début.

Les No-labels étaient la prochaine étape dans le marketing de la musique. Avec l’avènement du format de musique compressé MP3, qui a un volume beaucoup plus petit et convient à la transmission sur des réseaux informatiques, et la popularité croissante d’Internet, une grande quantité de musique est apparue, distribuée librement et gratuitement, les sites ont commencé à apparaissent qui recherchent et publient une telle musique. En copiant l’approche des labels de disques et en l’appliquant à la distribution de copies numériques d’enregistrements musicaux, les premiers labels Internet ont émergé, d’abord aux États-Unis, puis dans d’autres pays, dont la Russie et l’Ukraine.

Étant donné qu’historiquement une grande partie de la musique distribuée gratuitement appartenait à des genres électroniques, les premiers labels Internet étaient principalement engagés dans la distribution de musique électronique. À l’heure actuelle, les labels traitant de la musique alternative et indie sont également assez courants, c’est-à-dire qui ne nécessitent pas de gros investissements pour créer.

Les idées fausses des artistes en herbe

– Si je m’abonne à un label, je deviendrai populaire.

Le label c’est avant tout le support/vente de votre matériel, sa diffusion. Développer l’image et la popularité d’un artiste peut prendre des années.

– Si je m’inscris sur un label, je commencerai à gagner de l’argent avec ma musique.

Récemment, les ventes d’étiquettes ont chuté. Cela est dû au fait qu’il existe de nombreuses ressources qui vous permettent de télécharger de la musique gratuitement. Il ne faut pas considérer le label comme la principale source de revenus dans ce domaine. Vous pouvez gagner de l’argent sur la musique par d’autres moyens (par exemple, en l’écrivant sur commande).

– C’est difficile (impossible) d’obtenir une étiquette.

Ce n’est pas vrai. Il existe aujourd’hui des centaines de milliers de labels qui ont besoin de nouveaux musiciens prometteurs, et qui écouteront votre démo avec plaisir.
Même si quelque chose ne leur convient pas dans votre matériel, ils peuvent écrire des commentaires, en les corrigeant, auxquels vous pouvez vous abonner. Bien sûr, si vous êtes un DJ débutant et que vous souhaitez vous diriger directement vers un label mondial avec une longue liste de noms célèbres, alors ce sera impossible.

Souvent, les musiciens, lorsqu’ils commandent le mixage et le mastering, précisent quelles sont les pistes de référence et pourquoi elles sont nécessaires. La plupart des studios, lorsqu’ils acceptent des projets pour le travail, demandent de joindre quelques références aux pistes, qui guideront l’ingénieur du son sur le résultat qu’ils souhaitent obtenir. Et nous ne faisons pas exception.

Les pistes de référence sont des points de référence sonores.
*ces morceaux qui sont proches des vôtres en termes de style, de caractère et de contenu, et que vous aimez en termes de qualité sonore.

Si un ingénieur du son est bien versé dans la musique, pourquoi aurait-il besoin de points de référence?

– Récemment, il y a eu un cas où un client a envoyé un projet (il l’a conçu dans le style deep house, comme on l’a découvert plus tard), et a fourni des directives dans les styles Electro, Eurodance.
L’ingénieur du mixage, en se concentrant sur ce que le client voulait entendre, a rendu le mixage du morceau plus proche de la référence (en termes de dynamique, de fréquences, de brillance et de volume global). Dans ces styles, l’accent est mis sur les synthétiseurs, les aigus et les percussions. La basse n’est pas aussi complète et fondamentale que dans le style profond.

Toute la profondeur du son « profond » a disparu. Le morceau est devenu dansant et transparent.

Après avoir parlé, nous avons découvert qu’il envoyait les morceaux qu’il (!) aime par le son, mais qui ne sont pas des lignes directrices pour un travail spécifique. Du coup, bien sûr, tout a été refait et diffusé avec succès sur les plateformes numériques.

Soumettez des références dans le même style que votre piste

– Si vous avez des doutes à ce sujet, ou si vous ne pouvez tout simplement pas décider comment et ce qui est mieux, écrivez-le à l’ingénieur du son. Laissez-le faire le travail à sa guise. À l’avenir, vous pourrez apporter des modifications et ajuster le travail du côté conçu.

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Vos références doivent-elles être de haute qualité?

– Ce qui sonne fort, large et brillant n’est pas équivalent au concept de « qualité ». Vous l’écoutez sur des moniteurs, dans des écouteurs, dans une voiture ou un téléphone, et dans chacun de ces cas, la même chanson sonnera différemment (en raison de la différence acoustique et technique). La musique, comme tout sur notre planète, ne s’arrête pas. Le même style peut être modifié, complété et amélioré chaque année. Si vous écrivez de la musique en 2019, n’envoyez pas de références, par exemple, de 1998 (bien sûr, à moins que vous n’ayez initialement prévu un tel son artistique). Musique moderne – son moderne!

Il y a deux façons de mixer un morceau : avec et sans stratégie. Alors que la deuxième option sera une approche plus amusante, intéressante et excitante – dans 99% des cas, tout se termine par la reconstruction du projet. Voici cinq façons de vous aider à vous concentrer et à choisir la bonne stratégie de mixage.

1. Approche « rythmique »

C’est une approche infaillible et classique pour se concentrer sur les éléments artistiques d’un morceau. Commencez à mixer votre projet avec de la batterie et des percussions. Rendre le son aussi dense et spacieux que possible (la base de la piste). Les tambours correctement mélangés représentent 50% du travail sur le mélange. Une fois que vous avez assemblé la section rythmique, commencez à dessiner le reste des instruments. Le gros avantage de cette approche est que vous disposez les sons de l’instrument autour de la base de la piste.

2. « pyramide » vocale

Il s’agit d’une approche générale qui part d’un élément « focal » (très souvent le chant). Vous faites briller votre voix, transparente, puis commencez à aligner le reste des instruments autour d’elle. Ainsi, des sons principaux qui jouent un rôle important, on passe à ceux qui jouent un rôle secondaire. Ainsi, il est pratique de construire une chaîne logique et de mettre en évidence les sons souhaités. Un avantage important de cette approche est que vous pouvez mettre en évidence les éléments les plus importants et les mettre en évidence.

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3. Mélange de bas en haut

Une approche moins courante mais très efficace consiste à commencer à mixer avec vos éléments de basse basse et à construire le mix verticalement. L’idée est la suivante : vous pouvez immédiatement mélanger des basses profondes (808), des infra-graves et tout ce qui se trouve dans la plage de fréquences inférieure. Passez ensuite au kick (il est légèrement plus haut en fréquence que la basse). Puis la caisse claire (elle est plus haute en fréquence que la grosse caisse), et ainsi instrument après instrument montent au chapeau et s’écrasent. Le gros avantage de cette approche est qu’elle rend vos décisions d’égalisation transparentes et bien présentées dans le projet. Chaque instrument sera à sa place et ne rivalisera pas avec les autres sons.

4. Correction progressive

Cette approche n’est pas mutuellement exclusive avec les approches ci-dessus. Fondamentalement, l’idée est que vous preniez votre temps pour créer le son parfait. C’est-à-dire : écouter le mix, et mettre des « béquilles » à certains moments.

Par exemple : vous gardez le son de la guitare vivant, mais quand la basse arrive, elles commencent à rivaliser et à fredonner. Juste au moment où la basse entre en jeu – placez le fader de coupure sur la guitare live. Ainsi, vous les collerez ensemble en fréquence, et laisserez ainsi un son vivant de la guitare dans les sections solo. Lorsque vous avez terminé cette étape, vous pouvez quitter le travail avec les faders et faire un mixage complet de la piste.

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5. Créer de l’espace

L’idée est qu’avant de travailler avec des instruments fréquentiels, vous remplissez d’abord la piste d’espace (reverb, delay, fx). Construisez immédiatement toute l’idée du traitement spatial, puis suivez comment cela sonne et où se trouvent les zones les plus problématiques. Ensuite, vous commencez à corriger ces zones, en effectuant des coupures de fréquence à part entière et une intervention technique dans le son.

Il est à noter que cette approche n’est pas adaptée aux genres où l’espace artificiel / irréel / diversifié (pop, EDM, Rap, Hip-hop). Cette approche n’est utile que pour les styles qui veulent un son et une atmosphère plus naturels (jazz, rock classique, rock indépendant). L’avantage de cette approche est que vous créez un son stéréo complet dès le départ.

Avoir un plan de quel point A pour arriver au point B évitera un énorme mal de tête, et en pratique donnera un son plus propre que de mixer « au hasard ». Quelle approche préférez-vous ? Il y en a peut-être un que nous n’avons pas inclus dans la liste. N’hésitez pas à nous transmettre vos modalités d’information en messages privés. Si vous rencontrez des difficultés ou avez besoin d’un son professionnel de haute qualité, vous pouvez toujours commander le mixage et le mastering dans notre studio en passant une commande sur le site.