Universal Audio a annoncé la sortie du plug-in unique A-Type Multiband Dynamic Enhancer, qui, selon ses développeurs, est la première et unique émulation complète du compresseur/expandeur multibande de Dolby. Ce plug-in révèle le secret du son des voix d’albums emblématiques, offrant aux ingénieurs et producteurs un outil polyvalent pour créer des mixages vocaux puissants et riches.

Conçu exclusivement pour les utilisateurs d’interfaces Apollo et de matériel UAD, A-Type inclut les célèbres modes Air, Excite et Expand, utilisés sur des légendes comme Queen, AC/DC, Stevie Wonder, Fleetwood Mac, Journey et The Cars. De plus, le plug-in propose les modes Crush et Gated pour une compression analogique puissante ou l’effet Gate signature des années 1980, particulièrement utile sur les batteries et les instrumentaux.

Le panneau Circuit Mods offre une flexibilité supplémentaire, permettant à l’utilisateur de régler manuellement les paramètres de traitement, allant bien au-delà des capacités du périphérique d’origine. Les options disponibles incluent le traitement d’expandeur avancé, la mise en forme des transitoires, la création de sous-harmoniques et bien plus encore.

Principales caractéristiques de l’amplificateur dynamique multibande de type A

• Les algorithmes légendaires Air, Excite et Expand, utilisés dans les enregistrements studio de Queen, Stevie Wonder, The Cars, Fleetwood Mac et bien d’autres.
• Une émulation complète de la technologie Dolby A-Type, optimisée pour un fonctionnement sans latence avec les interfaces Apollo.
• Modes Crush et Gated pour la coloration analogique, le traitement dynamique agressif et les effets de batterie rétro.
• Le panneau Circuit Mods offre des fonctionnalités avancées : réglage fin de l’expandeur, traitement des transitoires, génération de sous-harmoniques et bien plus encore.
• Prise en charge des formats VST, AU et AAX.
• Compatible avec Windows 10+ et macOS 10.15+.

— Voir aussi : SSL Alpha 8 – Nouvelle extension d’interface audio avec prise en charge ADAT, S/PDIF et USB désormais disponible —

Compatibilité et exigences techniques

Le plugin fonctionne uniquement avec les accélérateurs DSP Universal Audio, tels que les interfaces Apollo et les cartes UAD externes. Il n’existe pas de version native ; la prise en charge de la plateforme UAD est donc requise pour son utilisation.

Universal Audio A-Type Multiband Dynamic Enhancer est disponible dès maintenant au prix de 199 $.

Solid State Logic (SSL) a officiellement dévoilé son nouvel expandeur d’interface audio Alpha 8, annoncé au NAMM 2025. Ce dispositif combine 8 canaux de conversion analogique-numérique et numérique-analogique et peut fonctionner comme une interface USB avec une configuration 18 entrées/18 sorties. Ce nouveau produit s’intègre parfaitement à l’interface SSL 18 récemment lancée et permet également d’étendre les capacités de toute interface prenant en charge l’ADAT ou le S/PDIF.

L’audio professionnel de SSL est désormais encore plus abordable

L’Alpha 8 est équipé de convertisseurs 32 bits de pointe avec des fréquences d’échantillonnage allant jusqu’à 192 kHz, offrant le son caractéristique de SSL, une grande précision et un fonctionnement stable. L’entreprise affirme que l’appareil offre une plage dynamique étendue, une distorsion harmonique ultra-faible (THD+N), une diaphonie minimale et un bruit de fond extrêmement faible. Toutes les entrées et sorties analogiques fonctionnent au niveau ligne, ce qui fait de l’Alpha 8 une solution idéale pour les studios avancés équipés d’équipements analogiques externes, de synthétiseurs, de boîtes à rythmes et autres sources sonores.

 Routage flexible et intégration complète

Chaque canal analogique de l’Alpha 8 peut être réglé individuellement sur +9, +18, +20 ou +24 dBu, ce qui facilite la connexion de synthétiseurs vintage, de tables de mixage, de modules de la série 500 et d’autres équipements professionnels. Les formats ADAT, S/PDIF et Word Clock sont disponibles en numérique et peuvent tous servir de source d’horloge maître. Une horloge interne est également fournie pour un fonctionnement autonome.

L’unité peut être utilisée de diverses manières : comme convertisseur bidirectionnel entre protocoles analogiques et numériques, comme interface USB 18 entrées/18 sorties à part entière, ou comme une combinaison de ces options.

— Voir aussi : VOICE Auribus : un nouveau niveau de traitement vocal avec l’IA —

Principales caractéristiques de SSL Alpha 8

• Conversion audio 32 bits/192 kHz.
• Plage dynamique, THD+B et diaphonie exceptionnels.
• 8 entrées et sorties ligne symétriques.
• 10 canaux numériques : 8 via ADAT, 2 via S/PDIF.
• Architecture de routage flexible.
• Interface audio USB complète avec 18 entrées et 18 sorties.
• Sortie casque haute puissance permettant d’écouter n’importe quel canal.
• Indicateurs de niveau d’entrée et de sortie en façade.
• Entrée et sortie Word Clock avec possibilité de terminaison de chaîne.
• Synchronisation possible avec l’horloge interne, ADAT, S/PDIF ou Word Clock.

Logiciel inclus

Les acheteurs du SSL Alpha 8 recevront le SSL Production Pack, qui comprend des instruments virtuels, des plug-ins, des bibliothèques de sons et même un logiciel audionumérique (dont Harrison Mixbus 10). La valeur totale du logiciel dépasse les 1 100 $. Un essai prolongé de l’abonnement Accès Complet est également inclus, incluant tous les plug-ins SSL, Slate Digital et Harrison Audio.

« Avec le lancement de l’Alpha 8 et de la nouvelle interface SSL 18, nous poursuivons le développement de notre gamme de solutions professionnelles pour les studios modernes. L’Alpha 8 offre un large choix d’interfaces analogiques et numériques, permettant aux utilisateurs d’étendre leurs capacités sans perdre la signature sonore SSL.» – Andy Jackson, Chef de produit senior (Studio), SSL

Le SSL Alpha 8 est disponible dès maintenant. Son prix de vente conseillé est de 699 £ (TVA incluse) / 699 €.

Auribus a introduit un plugin vocal innovant alimenté par l’intelligence artificielle. Cet outil combine les fonctions de traitement vocal professionnel avec une refonte moderne de l’agence de talents vocaux. Le plugin convient à l’écriture de chansons à distance, à la collaboration musicale, à la création d’harmonies et même à la conception sonore expérimentale. Grâce à lui, vous pouvez transformer n’importe quelle piste vocale en un son de qualité studio en quelques clics.

Ce qui distingue Auribus de ses concurrents, c’est l’attention qu’il porte aux artistes. Tous les modèles vocaux disponibles dans le plugin appartiennent à de vrais artistes qui sont payés à chaque fois que leur voix est utilisée. Cela distingue fondamentalement Voice des solutions basées sur une « collecte de données » non autorisée.

— Voir aussi : De combien de LUFS les pistes doivent-elles être compressées lors du mastering dans différents styles ? —

Caractéristiques principales:

• Voix synthétisée : reproduit de manière réaliste la voix originale tout en conservant son naturel.
• Réglage de la tonalité et de la hauteur : vous permet de modifier précisément votre voix pour créer des effets uniques.
• Correction de la prosodie : permet de contrôler le rythme et l’intonation pour une prononciation expressive.
• Prise en charge de la langue et de l’accent : Développez vos possibilités créatives grâce à l’adaptation multilingue.
• Haute qualité sonore : résultats studio avec une distorsion minimale.

Compatibilité:

Le plugin Voice est disponible pour les ordinateurs exécutant Windows 10 et versions ultérieures et macOS 12 et versions ultérieures. Les formats pris en charge sont VST3, AU et AAX. Un accès Internet est nécessaire pour fonctionner.

La voix est désormais disponible en téléchargement. Les prix commencent à 19,99 $ par mois, avec des forfaits flexibles disponibles pour différents types d’utilisateurs. Une version gratuite est également proposée pour les projets personnels. Du 8 mai au 17 juillet, les nouveaux utilisateurs peuvent bénéficier gratuitement de deux mois du tarif Standard. Les détails sont sur le site officiel: Auribus.

Le mastering des pistes est la dernière et l’une des étapes les plus importantes de la production musicale. L’un des principaux paramètres à ce stade est le volume final du matériau, mesuré en LUFS (unités de volume par rapport à la pleine échelle). Cependant, la question de savoir combien de LUFS il faut compresser pour un morceau dépend de nombreux facteurs : le style de musique, les exigences des plateformes de streaming, la géographie de la distribution et même les attentes gustatives du public.

Qu’est-ce que LUFS ?

LUFS est une unité de mesure de la perception humaine du volume sonore du matériel audio. Contrairement à la RMS et à l’amplitude sonore conventionnelle (dBFS), la LUFS prend en compte les particularités de l’audition humaine : la façon dont nous percevons les sons forts et faibles à différentes fréquences.

• LUFS intégré – le volume moyen de la piste entière.
• LUFS à court terme – niveau sonore sur une courte période de temps (par exemple 3 secondes).
• LUFS Momentary – le volume sonore à un moment donné.

Le LUFS intégré est le plus souvent utilisé pour le mastering et la comparaison des pistes.

Exigences de la plateforme de streaming

La plupart des services de streaming modernes normalisent le volume des pistes. Si le mastering est « plus fort » que nécessaire, la plateforme baissera simplement le niveau. Si c’est « plus silencieux », parfois, il le laissera tel quel.

Exigences de base :

• Spotify : -14 LUFS (limite de -1 dBTP (True Peak))
• YouTube : -14 LUFS (normalisation activée par défaut)
• Apple Music : -16 LUFS (utilise la norme Sound Check)
• Amazon Music : -14 LUFS (normalisé par le volume)
• Marée : -14 LUFS (normalisation facultative)
• Deezer : -14 LUFS (normalisation du niveau sonore)

Conclusion : Pour le streaming, le benchmark idéal est considéré comme étant -14 LUFS intégré, mais cela ne convient pas toujours à tous les styles.

LUFS par styles musicaux

LUFS par styles musicaux

• Volume sonore typique : -9 à -12 LUFS
• Motif : forte concurrence, « bataille pour le volume sonore », accent mis sur l’énergie.
• Caractéristiques : Sur les services de streaming, les pistes compressées à -9 LUFS seront réduites à -14 LUFS, mais un mastering agressif conservera une impression de densité.

Recommandation:

• Pour le mastering Spotify/YouTube : visez -13/-14 LUFS.
• Pour un son club ou CD : vous pouvez monter sans problème jusqu’à -9/-10 LUFS.

Rock, Alternatif

• Volume sonore typique : -10 à -13 LUFS
• Raison : Il est important de maintenir la plage dynamique des instruments en direct, mais la puissance est toujours nécessaire.
• Caractéristiques : le rock fortement compressé sonne plat.

Recommandation:

• Sortie en ligne : -12…-14 LUFS.
• Vinyle/Mastering Premium : Jusqu’à -14 LUFS et moins pour préserver l’air.

Jazz, Classique, Musique acoustique

• Volume sonore typique : -18 à -23 LUFS
• La raison : la dynamique et le son naturel sont ici primordiaux.
• Caractéristiques : un mastering trop fort tuera les nuances de la performance.

Recommandation:

• Pour Spotify/YouTube : -18 LUFS est acceptable, parfois vous pouvez laisser -20 LUFS.
• Pour les sorties audiophiles : visez -23 LUFS.

Métal, Hardcore

• Volume sonore typique : -7 à -10 LUFS
• Raison : l’agressivité et la pression sont des éléments clés du son.
• Caractéristiques : Les pistes saturées deviennent souvent déformées lorsqu’elles sont normalisées.

Recommandation:

• Sorties en streaming : -10/-11 LUFS.
• CD/vinyle : jusqu’à -8 LUFS est acceptable, sous réserve de limitation.

Lo-fi, Blues, Folk

• Volume sonore typique : -14 à -18 LUFS
• Raison : L’atmosphère et l’espace sont plus importants que le volume.
• Caractéristiques : un mastering « chaud », légèrement moins contrôlé est autorisé.

Recommandation:

• Plateformes en ligne : visez -14/-16 LUFS.

— Voir aussi : Qu’est-ce que l’alliage dans le son : un problème complexe en termes simples —

Caractéristiques géographiques de la perception du volume sonore

États-Unis et Canada :

• Le public s’est habitué à un mastering plus dense et plus fort.
• Les pistes à -10 LUFS sont considérées comme la norme pour la radio et les clubs.

Europe (notamment Allemagne, Scandinavie) :

• Une plus grande attention à la qualité sonore et à la dynamique.
• -12…-14 LUFS pour les versions grand public est une pratique courante.

Japon:

• Ils apprécient la pureté et le détail du son.
• Les sorties pop et rock sont souvent masterisées dans la plage -12…-14 LUFS.

L’Amérique latine:

• Dans la musique de danse (reggaeton, pop latine), le volume peut atteindre -8 LUFS pour faire « pomper » les pistes même lorsqu’elles sont normalisées.

Caractéristiques de la maîtrise pour différentes tâches

Radio:

• Les stations de radio utilisent leurs propres compresseurs.
• Souvent, les pistes destinées à la radio sont rendues plus fortes (-9 LUFS) que celles destinées au streaming.

CD:

• Il n’y a pas de normalisation du volume.
• Vous pouvez vous permettre de compresser jusqu’à -8/-9 LUFS sans aucune restriction particulière, mais il existe un risque d’écrêtage.

Vinyle:

• Le vinyle limite physiquement trop l’amplitude.
• Les pistes vinyles sont généralement masterisées plus silencieusement (-16 à -20 LUFS).

— Voir aussi : Pourquoi le mixage et le mastering sont si importants pour vos morceaux : le chemin vers un nouveau niveau et la confiance des auditeurs —

Conseils pratiques

• Limite de crête réelle : assurez-vous toujours que la limite est d’environ -1,0 dBTP pour le streaming.
• Mastering multi-versions : créez différentes versions d’un morceau pour le streaming, la radio et le CD.
• Écoutez les références : comparez toujours votre travail aux sorties à succès dans votre genre.
• N’ayez pas peur de la dynamique : un mastering trop agressif tuera l’énergie du morceau.

Il n’existe pas de réponse unique et parfaite à la question « combien de LUFS faut-il compresser une piste ». Tout dépend du genre, de la plateforme de publication, du public et des préférences personnelles. Pour la plupart des tâches modernes, la zone de sécurité est considérée comme étant de -13…-15 LUFS intégrée avec une limite de crête réelle d’environ -1 dBTP. Mais rappelez-vous : il vaut mieux avoir un morceau qui sonne dynamique et libre qu’un morceau surchargé, plat et fatigant. La maîtrise est l’art de l’équilibre !

Dans le monde actuel de l’audio numérique, il existe de nombreux termes techniques qui peuvent sembler déroutants à première vue. L’un d’entre eux est l’aliasing. Il s’agit d’un phénomène qui peut sérieusement affecter la qualité de votre enregistrement audio ou de votre synthèse sonore, surtout si vous travaillez avec un traitement numérique, des plugins ou une synthèse logicielle. Voyons ce que c’est, d’où vient l’aliasing et comment l’éviter.

Qu’est-ce que l’aliasing ?

L’alliage est une distorsion du signal qui se produit lorsque le taux d’échantillonnage est insuffisant pendant le processus de conversion de l’audio analogique en numérique ou pendant le traitement du signal numérique. En termes simples, cela se produit lorsque les composants haute fréquence d’un son sont « masqués » en composants basse fréquence, créant de fausses fréquences qui n’étaient pas réellement présentes dans le signal d’origine.

Le mot « alias » traduit de l’anglais signifie « pseudonyme », « un autre nom ». Dans le contexte de l’audio, cela signifie qu’une fréquence « prétend » être une autre. C’est comparable à l’effet moiré dans une vidéo : lorsque le motif est trop petit pour être vu par la caméra, des formes étranges et scintillantes apparaissent. La même chose se produit avec le son si certaines règles d’enregistrement numérique ne sont pas respectées.

— Voir aussi : Pourquoi le mixage et le mastering sont si importants pour vos morceaux : le chemin vers un nouveau niveau et la confiance des auditeurs —

Pourquoi l’aliasing se produit-il ?

La raison principale est la violation du théorème de Nyquist-Shannon. Selon ce théorème, pour numériser avec précision un signal analogique, la fréquence d’échantillonnage doit être le double de la fréquence la plus élevée du signal. Par exemple, si vous enregistrez un signal avec des fréquences allant jusqu’à 20 kHz (la limite supérieure de l’audition humaine), la fréquence d’échantillonnage doit être d’au moins 40 kHz. C’est pourquoi la fréquence standard dans l’enregistrement audio est de 44,1 kHz. Si cette règle n’est pas respectée, les fréquences dépassant la moitié de la fréquence d’échantillonnage (seuil de Nyquist) commencent à « réfléchir » vers le bas et se transforment en sons faux et inharmoniques.

Comment l’aliasing se manifeste-t-il à l’oreille ?

L’alliance ne ressemble pas à du bruit ou à des clics. Il s’agit de sons harmoniques plutôt désagréables et déformés qui ne semblent pas naturels et peuvent sérieusement dégrader la qualité audio. Dans les synthétiseurs et les plugins VST, l’aliasing se manifeste le plus souvent par des artefacts « sonnants », en particulier lors de la lecture de notes aiguës, en utilisant une distorsion ou une compression agressive.

Pour l’oreille, l’aliasing peut se manifester comme :

• tintement, teinte « métallique » ;
• enrouement et dureté dans les aigus ;
• « saleté » dans le son avec un traitement complexe.

Où l’aliasing est-il le plus courant ?

Dans les synthétiseurs numériques et les générateurs d’ondes. Certains algorithmes de synthèse (par exemple, hard sync, FM, wavetable) ont tendance à générer des harmoniques haute fréquence qui, si la fréquence d’échantillonnage est insuffisante, provoquent un aliasing. Lors de l’utilisation d’effets de distorsion/overdrive. Ces effets ajoutent des harmoniques qui s’étendent facilement au-delà de la fréquence de Nyquist. En rééchantillonnage et traitement lo-fi. Lorsque l’audio est « sous-échantillonné » à un débit binaire ou une fréquence d’échantillonnage inférieur sans filtres appropriés. Avec un rendu rebondissant sur place et hors ligne. Certains plugins utilisent le suréchantillonnage en temps réel, mais peuvent produire des résultats différents lors du rendu.

Comment gérer l’aliasing ?

Il existe plusieurs façons d’éviter ou de minimiser l’aliasing :

1. Suréchantillonnage. C’est l’une des méthodes les plus efficaces. Le plugin ou synthétiseur « à l’intérieur de lui-même » augmente la fréquence d’échantillonnage plusieurs fois, effectue un traitement, puis ramène le signal à la fréquence d’origine à l’aide d’un filtre anti-aliasing. De nombreux plugins modernes (par exemple, FabFilter, Serum, Vital) ont des paramètres de suréchantillonnage – de 2x à 16x et plus.
2. Utilisation de filtres analogiques. Les filtres passe-bas analogiques ou virtuels peuvent couper les harmoniques haute fréquence avant qu’elles ne provoquent un aliasing.
3. Travailler avec des taux d’échantillonnage élevés. Si votre projet le permet, utilisez 48, 88,2 ou même 96 kHz. Cela réduit le risque d’aliasing pendant le traitement.
4. Sélection de VST et d’effets de qualité. Certains plugins gratuits ou obsolètes ne prennent pas en compte l’aliasing. Il est préférable d’utiliser des outils éprouvés qui indiquent la présence d’algorithmes de suréchantillonnage ou d’anticrénelage.

— Voir aussi : IK Multimedia présente l’égaliseur de mastering T-RackS Lurssen —

L’alliance comme procédé artistique ?

Fait intéressant : certains musiciens et producteurs utilisent délibérément l’aliasing comme effet. Par exemple, dans les genres chiptune ou lo-fi, le son avec des artefacts est perçu comme « vintage » et atmosphérique. L’alliance devient partie intégrante du son – brute, mécanique, mais authentique.

L’alliage n’est pas seulement un terme technique, mais un véritable problème qui peut affecter considérablement la qualité du son. Comprendre comment cela se produit et comment le combattre aide les musiciens, les concepteurs sonores et les ingénieurs à produire un son propre et professionnel. Si vous travaillez dans un environnement numérique, assurez-vous de vérifier votre fréquence d’échantillonnage et vos paramètres de suréchantillonnage, en particulier sur les synthétiseurs et lorsque vous utilisez des effets qui ajoutent des harmoniques. Et n’oubliez pas : même les choses « techniques » comme l’aliasing peuvent faire partie du processus créatif – si vous savez les utiliser à bon escient.

L’industrie de la musique continue d’évoluer rapidement en 2025, et la concurrence entre les artistes sur les plateformes de streaming comme Spotify, Apple Music, YouTube Music et d’autres a atteint des niveaux sans précédent. Avec des millions de pistes en compétition pour attirer l’attention des auditeurs, la qualité sonore devient plus qu’un simple bonus, c’est un facteur clé de succès. Le mixage et le mastering sont les étapes de la production musicale qui transforment la matière première en un produit professionnel capable de se démarquer parmi des milliers d’autres compositions. Dans cet article, nous analyserons pourquoi ces processus sont si importants, comment ils affectent la perception du morceau par les auditeurs et pourquoi sans eux, il est difficile de compter sur une augmentation de l’écoute et de la fidélité du public.

Qu’est-ce que le mixage et le mastering ?

Avant d’entrer dans les détails, définissons quelques termes. Le mixage est le processus par lequel les éléments individuels d’une piste (chant, instruments, effets) sont combinés en un seul son harmonieux. L’ingénieur du son ajuste le volume, le panoramique, l’égalisation et les effets pour s’assurer que chaque élément trouve sa place dans le mix sans noyer les autres.

Le mastering est l’étape finale du traitement, où le morceau est amené à la perfection. À ce stade, le volume global, la dynamique, la largeur stéréo et l’équilibre tonal sont ajustés de manière à ce que la composition sonne de la même qualité sur n’importe quel appareil – des écouteurs aux enceintes de club. Le mastering garantit également que le morceau répond aux normes de volume sonore de l’industrie, ce qui est particulièrement important pour les plateformes de streaming.

— Voir aussi : IK Multimedia présente l’égaliseur de mastering T-RackS Lurssen —

Première impression : comment la qualité du son affecte l’auditeur

Imaginez ouvrir une playlist sur Spotify et écouter un nouveau morceau. Si le son semble plat, que les voix sont noyées par les instruments et que les basses sont puissantes, vous changerez probablement de piste après quelques secondes. Les recherches montrent que les auditeurs modernes décident de continuer ou non à écouter un morceau dans les 5 à 10 premières secondes. Un mixage et un mastering de qualité créent une première impression qui vous accroche ou vous repousse.

Le morceau traité professionnellement sonne propre, spacieux et équilibré. Non seulement c’est agréable à l’oreille, mais cela inspire aussi inconsciemment confiance. L’auditeur perçoit une telle musique comme un produit de haut niveau, créé avec soin des détails. Au contraire, un morceau avec un mauvais mixage ou sans mastering peut paraître amateur, même si la composition en elle-même est brillante. À une époque où l’accès aux outils de studio est devenu plus facile, les auditeurs attendent une qualité professionnelle même de la part des artistes indépendants.

Concurrence sur les plateformes de streaming

Les services de streaming utilisent des algorithmes qui promeuvent les morceaux en fonction de leur popularité et de l’engagement du public. Si votre morceau sonne mal, la probabilité que les auditeurs l’écoutent jusqu’à la fin diminue. Cela a un impact direct sur vos statistiques : moins de lectures complètes, de likes et d’ajouts à des playlists signifie moins de chances d’être présenté ou dans des sélections éditoriales.

De plus, des plateformes comme Spotify utilisent la normalisation du volume sonore (comme la norme LUFS) pour garantir que toutes les pistes sonnent au même niveau. Sans un mastering approprié, votre morceau peut perdre en dynamique ou en volume par rapport à ses concurrents, le rendant moins perceptible. Le mastering professionnel garantit que votre musique répond à ces normes et conserve son expressivité.

Connexion émotionnelle et confiance du public

La musique n’est pas seulement un ensemble de sons, mais aussi un moyen de transmettre des émotions. Un mixage de haute qualité vous permet de mettre en valeur les éléments clés d’une composition, qu’il s’agisse d’une voix pleine d’âme, d’un drop puissant ou d’un riff de guitare subtil. Lorsque chaque instrument est à sa place, l’auditeur peut s’immerger pleinement dans l’atmosphère du morceau, sans être distrait par des défauts techniques.

La confiance du public repose sur la cohérence. Lorsque vos morceaux sonnent de manière professionnelle, les auditeurs commencent à associer votre marque à une qualité élevée. Ceci est particulièrement important pour les artistes indépendants qui souhaitent transformer des auditeurs occasionnels en fans à vie. Un seul morceau bien mixé et masterisé peut être votre ticket d’entrée pour les playlists, et de là vers des milliers de nouvelles écoutes.

Aspects techniques : pourquoi il ne faut pas négliger le traitement

Le mixage et le mastering résolvent de nombreux problèmes qui ne peuvent pas être résolus au stade de l’enregistrement ou de l’arrangement. Par exemple:

• Équilibre des fréquences. Sans égalisation, les basses fréquences peuvent couvrir les médiums et les hautes fréquences peuvent être dures pour l’oreille. Un mixage professionnel élimine les conflits entre les instruments.
• Dynamique. La compression et la limitation aident à rendre un morceau serré mais pas surchargé, le gardant naturel.
• Largeur stéréo. Un panorama approprié crée une sensation d’espace, rendant le son spacieux et vivant.
• Adaptation aux appareils. Le mastering garantit que le morceau sonnera bien aussi bien sur des écouteurs bon marché que sur une acoustique professionnelle.

Sans ces processus, même la composition la plus talentueuse risque d’être sous-estimée en raison de défauts techniques.

— Voir aussi : Universal Audio présente la série Apollo E —

Investissement dans l’avenir

De nombreux musiciens en herbe pensent que le mixage et le mastering sont des plaisirs coûteux qui peuvent être remis à plus tard. Cependant, en 2025, l’accès à ces services est devenu plus facile grâce aux plateformes en ligne et à l’intelligence artificielle. Même un petit budget vous permet d’engager un ingénieur du son ou d’utiliser des services automatisés qui amélioreront considérablement le son.

Investir dans le mixage et le mastering est un investissement dans votre marque. Un morceau de qualité peut attirer l’attention des labels, des blogueurs ou des curateurs de playlists, ce qui ouvrira les portes à de nouvelles opportunités. À long terme, cela s’avère rentable en termes de croissance de l’audience et de revenus de streaming.

Exemples de la vie réelle

Prenons par exemple les artistes indépendants qui ont trouvé le succès grâce à un son de qualité. Des artistes comme Billie Eilish ont commencé à faire des enregistrements à domicile, mais leurs morceaux ont toujours eu une production professionnelle qui les distinguait de leurs concurrents. Ou pensez à des producteurs électroniques comme Flume, dont le travail est devenu une référence grâce à ses mixages cristallins et son mastering puissant. Ces exemples montrent qu’un son de qualité n’est pas un luxe, mais une nécessité pour ceux qui veulent être entendus.

Le mixage et le mastering ne sont pas seulement des étapes techniques, mais un art qui amène votre morceau au niveau supérieur. Ils rendent la musique accessible, agréable et compétitive dans un marché saturé. Un son de haute qualité inspire confiance aux auditeurs, augmente vos chances de succès sur les plateformes de streaming et contribue à établir un lien émotionnel avec votre public. En 2025, alors que la technologie et les attentes des auditeurs continuent d’évoluer, négliger ces processus signifie manquer une occasion de se démarquer. Alors, si vous voulez que vos morceaux ne sonnent pas seulement bien, mais soient accrocheurs, commandez le mixage et le mastering dans notre studio – c’est votre clé pour gagner le cœur des auditeurs et des millions d’écoutes.

Le dernier ajout à la suite de plugins T-RackS 6 d’IK Multimedia recrée fidèlement le son du populaire égaliseur stéréo appartenant à Gavin Lurssen et Ruben Cohen de Lurssen Mastering. Simplement nommé Lurssen Mastering EQ, le plugin propose des courbes douces et nuancées qui offrent des aigus et des graves époustouflants.

Comme vous pouvez le deviner d’après l’apparence du plug-in, le matériel en question est le EAR 825Q, un égaliseur à lampe à inductance à cinq bandes apprécié dans les cercles de mastering pour son caractère musical et sa coloration tonale unique. IK affirme que grâce à son expérience en modélisation analogique, le nouveau plugin capture toutes les nuances de l’appareil d’origine et introduit également quelques fonctionnalités supplémentaires demandées par l’équipe Lurssen – il a été initialement modélisé exclusivement pour eux, comme il avait déjà été utilisé dans leurs sessions.

L’interface graphique du plug-in reproduit fidèlement le panneau matériel du 825Q, chacune des cinq bandes étant dotée d’un large contrôle de gain offrant un contrôle de ± 18 dB ainsi que d’un commutateur de sélection de fréquence. Comme son homologue physique, le Lurssen Mastering EQ présente une conception Q proportionnelle, dans laquelle le Q de chaque bande est automatiquement ajusté en fonction de la quantité de gain appliquée.

Bien que le plugin recrée avec précision le comportement du matériel, y compris l’interaction entre les bandes, il introduit également des fonctionnalités supplémentaires qui ne sont pas présentes dans la conception originale. Premièrement, le fonctionnement standard des canaux gauche/droit est amélioré par un nouveau mode Mid-Side, et une nouvelle option Color donne accès à une saturation harmonique supplémentaire. Il existe également un contrôle de niveau de sortie pour chaque canal et un mode de liaison des paramètres.

— Voir aussi : Universal Audio dévoile la série Apollo E —

T-RackS Lurssen Mastering EQ peut être utilisé comme plugin autonome ou dans le cadre de la suite de plugins T-RackS 6 d’IK Multimedia. Les deux sont pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 et versions ultérieures, ainsi que sur les Mac exécutant macOS 10.15 et versions ultérieures. Des versions de plugins VST3, AU et AAX sont disponibles.

T-RackS Lurssen Mastering EQ est disponible dès maintenant sur le site officiel d’IK Multimedia.

Universal Audio a annoncé le lancement de la série Apollo E, qui comprend une paire de nouveaux périphériques compatibles Dante conçus pour apporter la puissance des célèbres préamplis Unison de la société du studio à la scène. L’Apollo e1x dispose d’un seul préampli Unison, tandis que l’Apollo e2m offre une entrée/sortie ligne et un contrôle casque stéréo ; les deux peuvent être utilisés conjointement avec l’interface Apollo x16D d’UA ou indépendamment dans le cadre de n’importe quel réseau Dante.

Apollo e1x

Le premier est le préampli Apollo e1x Unison, qui, comme son nom l’indique, est livré avec l’un des préamplis micro/ligne Unison renommés d’UA. Il permet à ceux qui travaillent avec les réseaux Dante d’inclure des émulations authentiques de préamplis classiques de sociétés telles que API, Avalon, Manley, Neve, SSL et autres, et plusieurs appareils peuvent être chaînés ensemble pour gérer davantage d’entrées. L’Apollo e1x est doté de l’alimentation via Ethernet (PoE) et comprend du matériel qui peut être utilisé pour monter sur un pied de microphone ou connecter plusieurs appareils ensemble.

Apollo e2m

Le deuxième appareil de la nouvelle gamme E Series est l’Apollo e2m, conçu pour ajouter une surveillance personnelle et des E/S de ligne à un réseau Dante. L’unité dispose d’un grand contrôle de niveau sur le panneau supérieur ainsi que d’une paire de sorties casque, tandis que quatre prises TRS quart de pouce sur le panneau arrière fournissent deux entrées et sorties ligne. En plus de piloter des écouteurs et des IEM, les E/S signifient que l’e2m peut également être utilisé pour alimenter des moniteurs alimentés ou connecter des équipements externes, des instruments et des appareils de lecture. Encore une fois, l’appareil utilise PoE et dispose d’un support de micro intégré.

Apollo e1X et Apollo e2m sont disponibles à la commande dès maintenant, au prix de 399 $ et 499 $, respectivement. Les livraisons débuteront en mai 2025.

Les plugins Lo-Fi sont populaires pour prendre en compte les lacunes technologiques des anciens matériels et les reproduire dans des programmes de musique modernes. Les textures rugueuses et les vibrations analogiques des échantillonneurs, vinyles et bandes vintage ont joué un rôle majeur dans la formation du son de la musique moderne et ont un attrait durable qui ne va probablement jamais décliner. Aujourd’hui, ce style rétro est plus évident dans les genres synthwave, trip-hop, ambient et autres lo-fi, mais même si vous ne travaillez pas dans ce domaine, une petite distorsion numérique ou un crépitement de vinyle peut transformer n’importe quel morceau. Aujourd’hui, nous allons regarder les 10 plugins les plus intéressants en 2025 !

McDSP FutzBox

Avec tout un univers d’outils audio conçus pour produire un son de qualité, l’offre inhabituelle de McDSP montre que ces vétérans du traitement n’ont pas non plus peur de casser le son. FutzBox est un plugin générateur de distorsion et de bruit permettant de créer des versions basse fidélité de signaux audio. La post-production typique nécessite souvent des versions déformées ou « confuses » des dialogues et d’autres pistes, et cet outil rend les simulations de radio, de téléphone portable et de télévision disponibles dans un seul logiciel. Ces simulations, appelées SIM (modèles d’impulsion synthétiques), fournissent des simulations précises dans un format optimisé, permettant à FutzBox d’utiliser moins de puissance DSP que les produits conventionnels basés sur la convolution. De plus, la carte SIM peut être mise à l’échelle en temps réel et modifiée à la volée. En plus de la bibliothèque de sons SIM, FutzBox comprend également un filtrage et un égaliseur, une distorsion, un générateur de bruit et un gate pour compléter la palette de sons bon marché proposés. Des fonctionnalités professionnelles telles que le mixage en temps réel de l’audio original et déformé s’adaptent aux changements de scène ou à d’autres exigences d’automatisation pour les scènes d’appels téléphoniques de manuels et bien plus encore.

Solid State Logic Digicrush

Connus dans l’industrie pour leur technologie analogique, ainsi que pour leur famille d’appareils de contrôle DAW bien connus, les légendes audio britanniques Solid State Logic s’éloignent de certains de leurs outils analogiques dans leur offre. Digicrush prétend fournir « le caractère lo-fi brut de la distorsion numérique classique, imitant parfaitement la dégradation et les artefacts des premiers sons numériques ». Doté d’une option de gigue intégrée moins visible, Digicrush propose également des sons classiques de type « écrasement de bits » avec une longueur de mot réglable et une réduction de la fréquence d’échantillonnage. Des effets supplémentaires tels que les modes overdrive, jitter et Digicrush beat sont également inclus. L’overdrive fonctionne de manière similaire à la technique de gain d’un CAN pour maximiser le rapport signal/bruit, tandis que le signal résultant est coloré avec ce que Solid State Logic appelle une « saturation hautement texturée ». Offrant des sons que les premiers pionniers du numérique aimaient détester, il peut certainement apporter une touche délicieusement angulaire à n’importe quel mix.

Psychic Modulation EchoMelt

Basé sur la section d’effets de l’excellent synthétiseur Phonec, EchoMelt comprend des modules de chorus, de pitch bending, de dub delay et d’égalisation avec un étage de saturation en sortie. La star, cependant, est la section Melt, où les effets atmosphériques de dégradation de bande de type « VHS » sont personnalisés avec des réglages de wow et de flottement, ainsi qu’un algorithme personnalisé d’« accrochage » de bande qui vous permet de contrôler le moment et la forme du début de l’accrochage, la durée et le retour à la lecture normale. Les utilisateurs de Pro Tools notent qu’EchoMelt n’est pas disponible en tant que plugin AAX.

— Voir aussi : 6 meilleurs plugins de traitement vocal en 2025 —

XLN Audio RC-20 Retro Color

Le plugin multi-effets XLN magnifiquement conçu se compose de six modules faciles à utiliser conçus pour polluer les signaux de toutes sortes. La section Noise génère une variété de types de bruit intéressants, du VHS et du vinyle au tube Apollo Lunar Lander, tandis que Distort et Digital fournissent une saturation analogique, un sous-échantillonnage et un écrasement de bits. Les modules Wobble et Magnetic présentent des effets wow et flutter de type bande, ainsi qu’une dégradation audio ; et Space représente l’algorithme de réverbération de base. Chaque module possède ses propres commandes, ainsi qu’un curseur de randomisation (Flux) ; et la bande principale en bas contient des commandes pour le gain d’entrée/sortie, le filtrage, l’égalisation et la largeur stéréo. Le curseur Magnitude en haut fonctionne comme une macro de profondeur globale, contrôlant les poignées de quantité du module et les paramètres de la section Maître – très pratique pour l’automatisation. Polyvalent et convaincant sur le plan sonore, le RC-120 Retro Color est un excellent choix pour ceux qui aiment faire preuve de créativité avec leurs effets de vieillissement.

AudioThing Vinyl Strip

Semblable au RC-20 Retro Color dans son organisation modulaire, le Vinyl Strip vous permet d’utiliser non seulement des effets vinyles, mais également une émulation de sampler vintage. Parmi les six sections, Vinyle est la plus occupée, avec des boutons permettant de régler le volume et la fréquence des crépitements de poussière, de régler l’âge de votre disque virtuel, et bien plus encore ; mais les modules Compresseur, Distorsion, Reverb et EQ sont également impliqués dans l’émulation de vinyle, recréant les effets des méthodes de production et de découpage de disques à l’ancienne et des systèmes de lecture hi-fi. La section Sampler, quant à elle, vous permet de sous-échantillonner et de sous-échantillonner la profondeur de bits pour obtenir le son d’un boîtier Akai ou E-MU vintage. Le système de randomisation propriétaire d’AudioThing est également intégré, et la possibilité de réorganiser librement le chemin du signal est un autre avantage.

Inphonik RX950 Classic AD/DA Converter

En recréant virtuellement le chemin complet du signal A/D/A, y compris le filtre passe-bas Butterworth de 12 dB/octave, du vénérable échantillonneur 12 bits Akai S950, le RX950 ramène n’importe quel rythme, ligne de basse ou autre son à l’âge d’or du hip-hop. Les commandes sont minimes de manière appropriée, y compris le gain d’entrée, la bande passante audio (taux d’échantillonnage de 3 à 19,2 kHz), la coupure du filtre et le commutateur mono/stéréo ; mais ce plugin est vraiment axé sur le crunch sublime et la nature de l’émulation du convertisseur qui opère sa magie.

Klevgrand DAW Cassette

L’influence de Synthwave sur la musique électronique en général a mis un son de cassette de qualité sensiblement médiocre sur la carte de production, et l’effet apparent de Klevgrand est l’un des rares plugins à implémenter une telle coloration électromagnétique grand public sous forme virtuelle. L’interface utilisateur principale facilite le basculement entre les types d’alimentation Normal, Chrome et Métal ; réduction de la qualité de la bande, de la tête et/ou du moteur émulés ; activation du bruit de bande ; et surcharge de l’étage d’entrée. En retournant vers le panneau arrière, vous découvrirez des commandes permettant de régler la diaphonie, l’inclinaison de la tête, la coloration et le niveau de bruit, ainsi qu’un égaliseur graphique à quatre bandes.

DAW Cassette est bien plus qu’un simple voyage nostalgique pour les enfants des années 80, le plugin fait un excellent travail en réalisant des distorsions, des oscillations et une réponse en fréquence foirée.

iZotope Vinyl

Nous ne parlons pas beaucoup de logiciels gratuits dans nos critiques de plugins, mais cet émulateur d’enregistrement et de platine gratuit est si attrayant que nous aurions tort de ne pas l’inclure ici. Initialement sorti en 2001, Vinyl a été mis à jour il y a quelques années avec une mise à jour visuelle attendue depuis longtemps et l’ajout d’un nouveau processeur Lo-Fi pour les anciens artefacts de style échantillonneur. Au-delà de cela, les principales raisons de télécharger le légendaire premier plugin d’iZotope restent les mêmes que toujours : le sélecteur « décennie » ; processeurs réglables contre la poussière, les rayures, la déformation et l’usure ; contrôles du niveau de bruit mécanique et électrique ; et ce sinistre effet Spindown. Si vous ne l’avez pas encore téléchargé, n’attendez pas une minute !

— Voir aussi : Tracktion Dawesome HATE – pour générer une distorsion à partir de l’audio importé —

UJAM Retro Finisher

Le Retro Finisher d’UJAM est votre destination unique pour ramener vos œuvres d’art dans le temps. Avec des réverbérations classiques, des délais, des flangers, des tubes, des sifflements de bande et bien plus encore, l’idée derrière les plugins Finisher d’UJAM est qu’ils n’offrent intentionnellement pas beaucoup de contrôle des paramètres, mais offrent plutôt une tonne d’options. Choisissez un préréglage, essayez-le, et si ce n’est pas ce que vous recherchez, passez à un autre des 100 préréglages.

Le bouton Finisher contrôle la « quantité » générale de l’effet et contrôle généralement plusieurs paramètres non spécifiés qui changent en fonction du préréglage utilisé. Retro Finisher propose des combinaisons d’effets de filtre, de distorsion, d’âge, de modulation et d’ambiance, contrôlés par un bouton principal de finition et quatre boutons variables, qui sont des commandes macro logicielles qui changent de fonction en fonction du préréglage sélectionné.

Softube Bad Speaker

Que vous soyez un ingénieur qui aime se moquer de la chaîne hi-fi de vos parents, ou quelqu’un qui se souvient de l’époque où les « méga » basses et les têtes argentées étaient quelque chose auquel aspirer, notre dernière sélection est faite pour vous. Le plugin vous permet de charger instantanément une ambiance Lo-Fi ou de laisser le design nostalgique et les sons originaux inspirer une percée créative. Avec trois fonctionnalités d’enceintes distinctives, Bad Speaker permet d’ajouter facilement une touche d’avantage à vos productions. Rappelant les années 1980, les ingénieurs peuvent jouer avec les modes Radio portable, Platine cassette et Haut-parleur Hi-Fi, ainsi qu’expérimenter différentes quantités de distorsion sévère à l’aide de simples commandes de pilotage, ou essayer différents types de conception sonore. Quelle que soit la manière dont il est utilisé, Softube affirme que « Bad Speaker prouve pourquoi c’est si amusant d’être mauvais ».