Quel est l’équipement le plus important de votre studio? Bien sûr, les moniteurs, les microphones, les logiciels ou même la pièce elle-même peuvent être mis en évidence. Mais si nous devions définir le cœur battant du studio d’aujourd’hui, ce serait un ordinateur. Abandonnons le choix d’un système d’exploitation, et faisons attention aux principales caractéristiques.

1. RAM

Au moins 16 Go de RAM sont recommandés. Si vous utilisez beaucoup d’instruments virtuels et de plugins, la charge dans le projet sera importante (tous les algorithmes en cours d’élaboration utilisent de la RAM). Pour éviter le « bégaiement » et les sauts dans le son, augmentez la quantité de RAM. Plus il y a de RAM, mieux c’est.

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2. Mémoire

Les bibliothèques virtuelles d’aujourd’hui rempliront rapidement le disque dur. Le plus petit volume pour un travail confortable est de 500 Go (sous réserve d’une petite quantité de stockage d’outils). Fini le temps où la librairie pour kontakt5 pesait jusqu’à 1Go et était accessible à tous… En complément, vous pouvez acheter des disques durs externes faciles à transporter. Le nombre de projets épuisera rapidement l’espace informatique disponible, prenez-en soin à l’avance.

3. Moniteur d’ordinateur

Vous pouvez travailler avec un moniteur de 17 pouces, mais vous devez convenir qu’il est pratique de diviser le projet en répartissant le mélangeur sur un, et en éditant sur le second (si vous avez deux moniteurs). Choisissez en fonction de la commodité de votre travail. C’est une affaire purement individuelle qui affecte aussi la vision d’un ingénieur.

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4. Connectivité

Dans un studio d’enregistrement, un grand nombre de canaux sont essentiels pour connecter des cartes son, des contrôleurs, des écrans, des disques externes, des écouteurs, des souris, des claviers, etc. L’USB 3.0 et le Thunderbolt sont essentiels (dernièrement, les fabricants d’appareils audio ont profité de cette connexion pour transférer rapidement des informations entre les appareils). Assurez-vous que l’ordinateur sélectionné prend en charge ou peut être adapté à un autre matériel.

5. La vitesse du processeur

Le processeur, comme la RAM, affecte les performances. Étant donné que les DAW modernes nécessitent de bonnes performances, sélectionnez le processeur approprié. Si vous ne comprenez pas la technologie, contactez un consultant en lui décrivant en détail le type d’activité et le type de tâches. Un processeur faible affectera la vitesse de sauvegarde du projet et les performances de l’ensemble de l’ordinateur, c’est donc un élément important.

Produire et traiter leur propre musique peut prendre beaucoup de temps, c’est pourquoi les musiciens ont la possibilité de commander le mastering stem en ligne et à un prix abordable. Le Stem Mastering vous permet de garder l’idée/le point de vue de l’auteur sur le traitement, et en même temps d’améliorer la qualité de la composition grâce au traitement de chaque groupe de la piste.

Avec un peu de pratique, vous serez en mesure de créer des sons et des improvisations uniques, mais il est difficile d’obtenir l’équilibre général, la profondeur, la dynamique et le timing que vous entendez dans des chansons bien conçues dans une pièce non préparée et avec un équipement amateur. Des difficultés peuvent survenir à différentes étapes : suivi, locaux, compétences techniques et même juste expérience.

Habituellement, même le mastering de deux pistes peut résoudre de nombreux problèmes d’équilibre dans le même mixage, mais cela ne permettra pas à l’ingénieur de mastering de travailler en détail sur le projet. Aujourd’hui, nous allons voir comment diviser un gros projet en stems et comment les soumettre à un service appelé « stem mastering ».

Toutes les chansons n’ont pas besoin d’être mixées par un ingénieur du son, mais si vous n’êtes pas sûr de l’enregistrement et du mixage d’une piste, le stem mastering peut être une solution simple et assez économique. Ces dernières années, nous avons remarqué qu’un nombre croissant de musiciens modernes font leur propre mixage, mais complètent le projet avec l’aide du stem mastering pour donner une touche professionnelle à leurs projets. Ce bon compromis donne à l’auteur la liberté de créer le morceau comme il l’entend et le voit. Vous trouverez ci-dessous quelques trucs et astuces pour préparer votre projet en vue de le soumettre au stem mastering au studio d’enregistrement :

1. Suivre les formats et exporter à partir d’un projet

C’est une bonne idée d’enregistrer les groupes d’instruments à fréquence d’échantillonnage au format Float WAV 32 bits. Cela vous protégera de l’écrêtage des crêtes du son et transmettra un matériau de la plus haute qualité. Même si le projet original se distingue de 0 dB sur le canal principal du programme, ces informations sonores ne seront pas déformées et compressées dynamiquement. L’ingénieur de mastering équilibrera indépendamment le projet. Important : Si l’export est en 24bit ou 16bit, assurez-vous que le son ne dépasse pas 0db sur le canal master.

2. Meilleur moyen de diviser un projet en tiges/groupes

Il existe de nombreuses façons de soumettre un projet au stem mastering, de la plus simple (soumettre un mix instrumental et un acapella) à la plus avancée. Si vous êtes intéressé par un traitement musical précis, nous vous proposons les options suivantes:

• Piste #1 : Coup de pied
• Piste #2 : Caisse claire
• Piste #3 : Percussion (cymbales, chapeaux, toms, etc.)
• Piste #4 : Basse
• Piste #5 : Musique A (instruments de type legato et rythmique)
• Piste #6 : Musique B (instruments de type staccato ou mélodique)
• Piste #7 : Chant principal
• Piste #8 : Voix de fond=
• Piste #9 : Mixage stéréo complet

Chaque piste doit être sauvegardée avec tous les traitements, y compris tout compresseur, égaliseur, espace et autres effets.

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3. Création et vérification

Assurez-vous que la zone d’exportation capture le projet de la première à la dernière seconde (y compris les queues de réverbération et de réflexion). Après l’exportation, créez un nouveau projet, placez-y les groupes enregistrés et écoutez le son du matériel. Tous les effets sont-ils en place ? S’il manque quelque chose, la personne effectuant le travail ne pourra pas les ajouter au projet. Placez le matériel obtenu dans un dossier, joignez-y votre mix complet (votre brouillon), un document avec le tempo et les souhaits, plusieurs pistes (dans le même style) que vous aimez en qualité et archivez le tout. Dans ce formulaire, vous pouvez envoyer le projet au travail.

Soyons honnêtes, il existe de nombreux plugins disponibles. Il est impossible de savoir lequel est le meilleur, et surtout le « meilleur ». Dans cet article, nous allons nous concentrer sur la réverbération et vous donner quelques-uns de nos favoris.

1. Reverb DAW de rechange

Alors que les réverbérations analogiques telles que le Bricasti M7 à 3 950 $ peuvent être utilisées dans le mixage, vous devriez toujours avoir des versions légères des instruments à portée de main. Dans le module intégré, vous pouvez sélectionner D-Verb à partir de Pro Tools. Aujourd’hui, chaque séquenceur dispose de plugins batch qui peuvent résoudre des problèmes de base.

— Voir également: Qu’est-ce que le rééchantillonnage? —

2. LiquidSonics Seventh Heaven

Nous avons récemment acquis ce produit parce que LiquidSonics a été la première entreprise à créer une incroyable recréation numérique d’une réverbération Bricasti. Ce n’est pas le logiciel le moins cher, mais la qualité justifie pleinement le prix. Obtenez 30 des meilleurs algorithmes de réverbération analogique avec des impulsions détaillées. C’est génial pour les voix et les instruments. Particulièrement colorée sur les pianos, les guitares acoustiques et les cordes.

3. Lexicon PCM

Le Lexicon PCM est littéralement une réplique du 480L. Le même algorithme est utilisé qui se trouve dans le matériel, avec la seule différence qu’il n’y a pas de convertisseurs et d’amplificateurs dans les plugins. La formulation Lexicon est plus simple et produit un ton uniforme avec des nuances douces. Très souvent, le package se trouve dans les studios d’enregistrement, puisque ce sont des pièces classiques dont on ne peut plus se passer.

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4. Altiverb

Altiverb est le leader de la réverbération convolutive. La plupart des plugins spatiaux numériques dont nous discutons sont basés sur des algorithmes mathématiques qui transforment le code en un son flou de manière appropriée. La réverbération convolutive / convolutive fait référence à l’échantillonnage où une impulsion est générée à travers une pièce ou un appareil physique, et la queue résultante est utilisée pour la simulation. En termes simples, quelqu’un se tient dans une pièce, tire un coup de feu et l’enregistre. Cet enregistrement est formé et préparé pour d’autres sources sonores. Les développeurs ont fait un travail formidable, se rendant dans diverses grandes salles de concert pour créer la bibliothèque du plugin. L’Altiverb est couramment utilisé dans l’industrie cinématographique car il peut être utilisé dans des pièces sèches ou dans des voitures sourdes avec différents revêtements. Utilisation préférée : Partout où un espace de vie est nécessaire.

5. UAD Oceanway

Un réalisme effrayant : la réverbération de l’UAD Oceanway est difficile à battre. Techniquement, il s’agit d’une réverbération convolutive, bien que la description soit appelée « simulation de pièce dynamique ». Ce plugin peut être considéré comme le premier à acheter lorsque vous obtenez le système UAD-2 d’Universal Audio pour le traitement audio. Idéal pour les choeurs, les percussions et tout ce qui doit être plus éloigné de l’auditeur.

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6. Waves Rverb

Nous n’avons pas utilisé cette réverbe dernièrement, mais il y a des styles dans lesquels elle est impeccablement bonne. Il révèle magnifiquement le récitatif et le hip-hop en général. La granulation inhérente ajoute de l’espace tout en conservant le caractère de l’interprète. De nombreux ingénieurs du mixage adorent ces salles de style actif. Cela leur permet de placer leur voix dans une ambiance animée.

7. FabFilter Pro-R

FabFilter Pro-R est une réverbération sonore très propre, belle et ouverte. Il est également hautement personnalisable, comme tous les produits de l’entreprise. Aujourd’hui, nous n’avons pas toujours besoin d’espaces sans visage, ce n’est donc pas le meilleur choix pour un instrument de base de base. Choisissez-le lorsque des réflexions subtiles sont requises (par exemple, dans le style EDM, lorsque les synthétiseurs ne semblent pas naturels). Il mérite attention et prendra sa place dans la collection.

Si vous lisez ceci, vous rêvez probablement d’une carrière dans la musique. Lumières vives, fans hurlants, chance, célébrité et documents… Pour une raison quelconque, personne ne parle de la dernière partie, qui implique beaucoup de travail administratif chargé de monétiser la musique à grande échelle. Cela peut ne pas sembler aussi rose qu’un solo de guitare, mais c’est aussi important pour une carrière. Et la première étape pour pouvoir gagner de l’argent avec la musique est le droit d’auteur.

Qu’est-ce que le droit d’auteur et pourquoi est-il nécessaire?

Le droit d’auteur est le droit exclusif de faire et de distribuer des copies de votre musique. Mais pour revendiquer la monétisation d’une œuvre, il faut l’établir sous une forme ou une autre, car, selon la loi américaine, le droit d’auteur « ne protège que les œuvres originales de l’auteur qui sont fixées dans le support matériel d’expression ».

Qu’est-ce que ça veut dire?

Contrairement à la croyance populaire, le droit d’auteur ne protège pas les « idées ». Ils ne peuvent protéger que des œuvres créatives uniques, telles qu’une chanson particulière ou un enregistrement de cette chanson. Vous pouvez revendiquer le droit d’auteur une fois que votre « expression unique » est placée sur un type de support tangible, qu’il soit numérique ou analogique, qu’il s’agisse d’audio ou de musique.

Deux types de droit d’auteur

Il existe deux principaux types de droit d’auteur sur la musique:

• « Arts du spectacle » (AP)
• « Enregistrements sonores » (SR)

Les droits d’auteur des arts de la scène (PA) s’appliquent aux chansons elles-mêmes et appartiennent généralement à l’auteur. En vertu de la loi américaine sur le droit d’auteur, une « chanson » est considérée comme une mélodie, des paroles et une composition. Vous ne pouvez pas copier des accords, des phrases courantes ou des parties individuelles de ceux-ci (par exemple, une ligne de basse) s’ils sont si importants qu’ils répondent aux critères de « mélodie ».

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Pendant ce temps, Sound Recording Copyright (SR) couvre « l’enregistrement principal » de votre chanson. C’est le droit à la dernière version reconstruite que vous publiez sous forme d’enregistrement MP3, CD ou vinyle. Auparavant, ils étaient presque toujours gérés par des maisons de disques ou des maisons d’édition, mais aujourd’hui, de nombreux musiciens indépendants peuvent posséder leurs propres « maîtres ».

Dois-je enregistrer le droit d’auteur en tant que musicien?

Techniquement, le droit d’auteur commence à exister au moment où « l’œuvre originale est fixée sur un support tangible ». Une fois enregistré, il est protégé par le droit d’auteur. Mais il sera problématique de prouver quand vous avez fait cette entrée (surtout s’il y a un différend aigu). Par conséquent, l’enregistrement des droits auprès de la Bibliothèque du Congrès peut vous offrir une protection supplémentaire au cas où un tel problème surviendrait.

Si vous aimez vous embêter avec des documents papier, ne laissez pas des tiers enregistrer votre création. Certaines entreprises fournissent ce service moyennant des frais, mais il est toujours plus cher que son prix de base (35 $ pour 1 pièce ou 65 $ pour une collection).

Pour enregistrer un droit d’auteur aux États-Unis:

• Allez sur copyright.gov
• Créer et se connecter à un compte
• Suivez les instructions pour soumettre votre formulaire SR
• Remplissez des informations supplémentaires sur le formulaire PA

Il convient de noter que vous pouvez également vous retirer du système de droit d’auteur quand vous le souhaitez. Si vous êtes moins préoccupé par la sécurité et que vous n’envisagez pas de monétiser votre musique, vous avez la possibilité de déclarer publiquement votre travail comme faisant partie de Creative Commons, renonçant ainsi à certains (ou à tous) droits pour permettre à d’autres d’utiliser librement votre la musique.

Gagner de l’argent grâce à l’édition

Maintenant que votre morceau (©) et votre master post (℗) sont protégés, vous devez trouver un moyen de les « utiliser ». Le mot « exploiter » a une connotation négative, mais il est légalisé dans le secteur de la musique et signifie essentiellement « gagner de l’argent ». En tant qu’auteur-compositeur, vous avez droit à une commission de performance chaque fois que votre chanson est utilisée. C’est votre argent pour enregistrer la chanson. Mais en tant qu’éditeur, vous pouvez également concéder votre musique sous licence à d’autres pour l’utiliser comme revenu supplémentaire.

Voir également: Mixage casque? 5 conseils pour un bon mix

Un éditeur de musique est responsable des tâches administratives liées à la création de musique (telles que l’octroi de licences pour les chansons à utiliser dans les intros, les vidéos, les émissions en direct ou les films) et de la collecte des redevances. En échange de leurs services, les éditeurs reçoivent généralement 50 % des revenus générés par le produit.

Alternativement, des sociétés telles que CD Baby, Songtrust et TuneCore proposent des services similaires. Ils traiteront les documents moyennant des frais de 15 % et percevront toutes les redevances en votre nom, afin que vous puissiez vous concentrer sur votre créativité.

Si vous êtes signé sur un label, le label agira en tant qu’éditeur (les grands labels paient souvent le coût de l’enregistrement et assument la responsabilité de toutes les transactions financières et de création). Heureusement, avec un peu de paperasse, vous pouvez « publier » votre propre musique et être payé à chaque fois qu’elle est écoutée ou achetée. Tout d’abord, vous devez vous inscrire en tant qu’auteur-compositeur ou éditeur auprès de la Performing Rights Organization, ou PRO.

Qu’est-ce qu’une organisation des droits de l’homme?

Les PRO sont des organisations qui perçoivent des commissions de performance au nom des éditeurs et des titulaires de droits d’auteur. Évidemment, vous ne pourrez pas appeler tous les bars, clubs ou stations de radio et percevoir des royalties. Comment organiser tout cela et vous simplifier la vie?

PRO fonctionne ici. Structures de base:

• ASCAP: Société américaine des compositeurs, auteurs et éditeurs
• IMC: Broadcast Music Inc.
• GMR: droits musicaux mondiaux
• SESAC: Société des Compositeurs Européens (sur invitation uniquement).
• Sound Exchange *

* Noter. SoundExchange se concentre exclusivement sur les redevances numériques non interactives de services tels que SiriusXM et Pandoraon au nom des titulaires de droits d’auteur SR et des artistes interprètes (généralement des labels et des compositeurs). Donc, quel que soit le PRO que vous choisissez, vous devez également vous inscrire à SoundExchange pour vous assurer de ne manquer aucune redevance. Oui, et c’est gratuit!

Laquelle des structures PRO est la meilleure?

Ils fournissent tous le même service, mais présentent de légères différences. ASCAP n’a pas de frais d’inscription, mais facture 50 $ à chaque fois que vous postulez. BMI renonce aux frais d’inscription de 150 $ pour les particuliers (250 $ pour les entreprises). L’ASCAP engage une entreprise pour surveiller au hasard les stations de radio afin de déterminer les montants des redevances. BMI a ses stations/groupes de personnes qui remplissent des papiers et des journaux.

Voir également: Qu’est-ce que l’autoréglage vocal ? (réglage de la voix)

Mis à part des calendriers de paiement légèrement différents, les différences entre les deux s’arrêtent là. En tant que musicien, vous ne pouvez souscrire qu’à un seul service PRO. Mais en tant qu’éditeur, vous avez le droit d’en utiliser plusieurs. L’éditeur doit être associé au même PRO que l’artiste pour pouvoir publier et percevoir des droits musicaux.

Si vous avez un large public, n’oubliez pas l’enregistrement des droits d’auteur et ne manquez pas vos revenus passifs. Notre studio, lors du mixage et du mastering, ne distribue pas de matériel à des tiers et, après un certain temps, supprime les projets sans possibilité de récupération. Ainsi, seul l’auteur/interprète dispose du code source et des produits finis, ce qui protégera la propriété intellectuelle.

Looper est une plate-forme DAW gratuite de BandLab avec 12 packs d’échantillons conçus par des professionnels et une technologie de commutation temporelle intégrée. Facile, instantané et amusant!

BandLab, la plateforme de musique sociale primée, a lancé Looper, une fonctionnalité mobile qui vous permet de créer des rythmes en déplacement. Il s’agit d’un outil de création musicale basé sur des échantillons qui fait partie de BandLab Cloud Workstation (DAW).

— Voir également: 4 manières de réduire la latence dans un programme DAW (séquenceur) —

Looper est disponible gratuitement auprès de BandLab et se lance avec 12 packs de sons, chacun avec 24 échantillons individuels. Que vous soyez un beatmaker professionnel ou que vous souhaitiez simplement créer un beat pour la répétition, vous pouvez créer une section rythmique rapidement et facilement. Des packs d’échantillons supplémentaires continueront d’être publiés pour rejoindre la grande bibliothèque audio (2000+).

Caractéristiques principales:

• Disponible GRATUITEMENT sur iOS et Android
• 12 packs d’échantillons complets
• BandLab et technologie Timeshift
• Plusieurs genres principaux : Rock, Hip-Hop, Grime, Électronique, House, Dubstep, Indie, Funk, Minimal Trap Pop et R&B
• Préréglages téléchargeables pour la création hors ligne
• Plus de 10 effets: ClassicChamber, LargeHall, BrightRoom, AmbientRocker, EchoDoubler, HighVox, PunchyDoubler, PunchyRap et plus
• Enregistrement et surveillance

Téléchargement gratuit pour iOS et Android.

Si vous cherchez des moyens de vous éloigner de votre écran d’ordinateur et de commencer à ressentir la musique avec vos mains, découvrez ces groovebox pour créer des rythmes rapidement et efficacement.

Novation Circuit

Faire de la musique est le début de votre voyage avec des possibilités infinies. Utilisez Novation Circuit comme échantillonneur principal à 4 barres. Flip Sample vous permet de créer des boucles de batterie avec des effets instantanés. Associez votre appareil MIDI et synchronisez-le avec d’autres boîtes à rythmes à l’aide de mini-jacks pour contrôler et ajouter facilement des boucles, ouvrant ainsi un monde de filtres analogiques et de saturation.

Prix, en moyenne, à partir de 450 $ l’ensemble.

— Voir également: 10 synthétiseurs VST gratuits à ajouter à votre collection! —

Korg Electribe 2

Le Korg Electribe est une machine performante qui vous permet de créer des beats à vitesse maximale. Vous pouvez librement éditer et reprogrammer le son à l’aide de formes d’onde en préchargeant leur boîte à rythmes. La modulation et les effets peuvent être facilement contrôlés en tournant les boutons du panneau supérieur. De plus, il est possible de connecter diverses interfaces externes pour enregistrer le rythme, la basse ou la mélodie. Electribe 2 propose des fonctionnalités de bouclage et d’échantillonnage, ce qui en fait un excellent ajout aux performances live. Des modèles bonus avec un grand potentiel sonore sont également fournis.

Prix: à partir de 500 $

Elektron Digitakt

Au départ, l’appareil ne se positionnait pas comme une groovebox, mais les musiciens en sont tombés amoureux. C’est un ami compact, durable et précis dans votre studio! L’Elektron Digitakt est une boîte à rythmes agressive avec un moteur sonore puissant et des fonctionnalités avancées. L’appareil est conçu pour une utilisation active et est équipé de tous les nouveaux capteurs haute résolution avec des boutons lumineux durables (évalués pour 50 millions de clics). Un écran OLED haute vitesse affichera tous les changements et la dynamique de l’instrument.

Tarif: à partir de 800 $

— Voir également: Où et comment créer un site web pour un musicien? Les meilleurs constructeurs de sites Web —

Teenage Engineering OP-1

OP-1 est une groovebox tout-en-un. Il s’agit d’un synthétiseur, d’un échantillonneur et d’un contrôleur portable avec des fonctionnalités supplémentaires telles qu’un récepteur FM intégré et un capteur G-force assignable pour les effets. Son architecture modulaire offre des possibilités sonores infinies sans rendre le processus difficile ou distraire de la créativité. Son design compact et sa véritable interface physique le rendent inspirant pour créer de la musique, peu importe votre niveau d’expérience. Avec dix synthétiseurs intégrés, huit effets de qualité et de nombreux LFO routables, vous ne serez jamais coincé dans une direction créative. Essayez cette petite boîte à rythmes et vous comprendrez pourquoi tant de fabricants et producteurs respectés la choisissent.

Les prix des distributeurs commencent à 900 $

Elektron Analog Four MKII

La société a reconstruit la première version et créé une nouvelle référence pour les synthétiseurs de bureau. Le circuit résultant vous permet de tordre des basses riches et profondes, ce qui est très précieux lors de l’écriture de compositions dynamiques. Obtenez des boutons robustes, un grand moniteur et un design minimaliste. Cette boîte à rythmes prendra l’une des positions de leader.

La deuxième version de l’Analog Four MKII a plusieurs mises à jour:

• Circuits analogiques repensés pour des basses profondes et riches
• Distorsion d’overdrive analogique améliorée
• Écran OLED large et clair pour un retour optimal dans des conditions de faible luminosité
• Boutons rétroéclairés durables
• Augmentation du nombre de boutons dédiés
• Sorties stéréo pour chaque piste
• Entrées Expression / CV pour le contrôle des paramètres externes
• Boîtier en aluminium moulé sous pression de qualité supérieure

Prix: à partir de 1400 $

— Voir également: 10 meilleurs claviers MIDI bon marché de 2019 —

Akai Pro MPC Live

Et bien sûr, l’une des voitures les plus chères d’Akai Pro. Il s’agit d’une station de travail autonome complète pour créer des rythmes et des instrumentaux à l’aide de matériel enregistré ou d’échantillons chargés dedans. C’est une solution unique pour tous les compositeurs. Au cœur de la groovebox se trouve un bel écran couleur de 7 pouces, quatre réservoirs de contrôle tactiles Q-Link, un bouton de canal principal et 16 pads de rembourrage sensibles. Une grande batterie et 16 gigaoctets de stockage intégré sont à votre disposition. Les fichiers sont accessibles à l’aide d’une carte SD ou d’un stockage externe via la sortie USB arrière. Powering Live est MPC 2.0, une nouvelle mise à jour d’Akai Professional. Dans la deuxième version, de nombreuses améliorations ont été introduites. Vault 2.0 est préinstallé avec 10 gigaoctets d’échantillons provenant de maisons de disques de premier ordre.

Prix: à partir de 950 $

Nous avons analysé les requêtes modernes, les avis, les recommandations d’experts et résumé certains des résultats. Voici 6 des meilleurs synthétiseurs (mais pas nouveaux) les plus utilisés par les compositeurs du monde entier!

1. LennarDigital Sylenth1

Essentiellement, vous demandez peut-être pourquoi Sylenth1 est si célèbre? Il semblerait (et c’est le cas) qu’il s’agisse d’un autre synthétiseur virtuel simple avec quatre oscillateurs, plusieurs canaux et des commandes simples. Nous avons vu de nombreux outils avec des capacités relativement similaires, dont la plupart sont gratuits. Alors pourquoi est-il?

La réponse devient claire après avoir écouté pendant quelques secondes. Sylenth1 semble écrasant. C’est un synthétiseur riche et simple pour lequel il existe des milliers de préréglages gratuits qui sont plus importants que le plugin lui-même.

Aujourd’hui Sylenth1 est devenu l’instrument « Must Have » qui orne les collections de chaque compositeur contemporain. Vous pouvez également changer le look avec des skins gratuits.

— Voir également: Les 10 plugins Waves les plus populaires de 2017 —

2. Spectrasonics Omnisphere 2

Spectrasonics Omnisphere 2 se positionnait comme un plug-in professionnel complexe, mais ses fonctionnalités en faisaient l’un des meilleurs. Avec sa gigantesque bibliothèque de sons, vous pouvez créer des couches agressives aux couches douces et vertigineuses. Les ventes et la demande pour le synthétiseur jusqu’à aujourd’hui occupent une barre au-dessus des nouveaux plug-ins annoncés.

Il existe de nombreuses mises à jour différentes pour compléter son apparence et sa bibliothèque interne.

3. Xfer Records Serum

En regardant les commandes, il devient évident que Serum s’efforce de créer rien de moins que l’instrument le plus unique en son genre au monde. Les oscillateurs ont un son plus clair et plus clair que ce que nous avons l’habitude d’entendre dans les plugins classiques. Vous pouvez également importer vos propres sons pour créer des tables d’ondes personnalisées.

Nous avons publié de nouveaux préréglages gratuits prêts à l’emploi que vous pouvez télécharger et utiliser dans vos projets.

— Voir également: 10 synthétiseurs VST gratuits à ajouter à votre collection! —

4. Native Instruments Massive

Native Instruments sort un grand nombre de produits chaque année, y compris des instruments virtuels. Considérant que la société est célèbre, ils n’abandonnent pas leurs anciens synthétiseurs, mais continuent de les entretenir et de les compléter avec divers utilitaires. Massive accompagne une gigantesque bibliothèque de sons transformateurs et d’oscillateurs de forme d’onde. De plus, il est conçu de telle manière qu’il ne sera pas difficile de comprendre et de composer vos propres sons intéressants.

Le principal inconvénient est que parmi 600 solutions, il sera difficile de trouver celle qui convient et vous devrez tout personnaliser pour votre projet, ce qui nécessite au moins des connaissances de base en synthèse.

5. Reveal Sound Spire 

Étant donné que le plug-in a été créé assez récemment, il se montre coloré en fonctionnement, ce qui peut être entendu dans les enregistrements de démonstration du fabricant. Si la fonctionnalité des synthétiseurs précédents n’est pas compliquée, alors celui-ci devra « creuser » pendant un certain temps afin d’obtenir des sons et des effets fantaisistes. Spire a un son incroyable et est capable de tout créer, des tonalités harmoniques gigantesques et effrontées aux tonalités cristallines.

— Voir également: 5 analyseurs VST qui seront utiles à chaque musicien —

6. Refx Nexus 2

Nous ne pouvions pas ignorer ce géant bien connu. Le Nexus2 est célèbre depuis longtemps et sert de synthétiseur principal pour la superposition (donnant un son dense et riche). Les paramètres et les effets peuvent être modifiés à l’aide de la section d’effets intégrée, et la bibliothèque de banques (collections de sons) est mise à jour chaque année et est souvent offerte gratuitement.

— Voir également: 11 meilleurs livres sur le mixage musical et l’ingénierie du son —

Au cours de cette année, nous avons essayé et décrit de nombreux nouveaux synthétiseurs qui méritent certainement l’attention. Mais peu importe à quel point elles sont modernes, il est trop tôt pour qu’elles rivalisent avec toutes les moissonneuses-batteuses bien connues et pratiques. Si vous ne les avez pas encore essayés, téléchargez les versions de démonstration gratuitement ou consultez les enregistrements, et vous comprendrez quelles fonctionnalités uniques vous pouvez utiliser aujourd’hui!

Superposition (Layering) – un effet musical qui dénote la saturation du matériel audio à l’aide de couches de sons caractéristiques.

Indirectement à ce terme, on peut également désigner la surproduction – l’utilisation excessive d’effets sonores, de couches ou de manipulations dans la production musicale. Ce n’est pas toujours clair ce que les critiques appellent « leering », mais il y a au moins quelques utilisations courantes du terme :

• Utilisation intensive d’effets de traitement audio tels que la réverbération, la réflexion ou la compression de plage dynamique
• Couche lourde (ou multipiste) dans le contexte de la musique pop et rock pour saturer le matériel source
• Utilisation intensive de la correction de hauteur, du timing et de la quantification.

Les trois significations partagent l’idée que le compositeur ou l’ingénieur du mixage a apporté des ajouts « inutiles » au processus de production, ce qui a directement affecté la qualité de la musique. Il y a peu de consensus parmi les critiques et les producteurs quant au moment où la surutilisation de la technique devient écrasante. Pour cette raison, certains fabricants trouvent le terme inutile, déroutant et subjectif.

Aujourd’hui, l’utilisation de l’expression « leering » désigne la saturation du matériau à l’aide de pistes supplémentaires (sans changer la composante mélodique) d’une caractéristique instruments/sons/synthétiseurs. Avec une bonne maîtrise, vous pouvez obtenir un matériau dense et saturé. Il est utilisé le plus souvent dans les styles de danse dynamique.

La lueur de basse peut s’expliquer par un exemple simple : dans Deep House, la partie de basse principale (allant principalement dans un canal mono) peut être compressée avec deux pistes supplémentaires, qui sont placées (partiellement ou complètement) dans les canaux gauche et droit, et puis le projet est mixé afin d’éliminer les conflits de fréquence entre le kick et les trois couches de basse fréquence.

La lueur de synthétiseur peut avoir une échelle plus globale en 5 voire 7 couches sonores. Ils doivent être nettoyés en détail avec un égaliseur et d’autres méthodes pour obtenir des pièces juteuses.

Glitch est un plugin moderne de l’éclairage, disponible pour tous les systèmes d’exploitation. Il met en évidence les meilleures opportunités que jamais libérées. Utilisez de belles conversions pour chaque note avec des répétitions délicates ou rigides.

Caractéristiques Glitch par illigné:

• 128 pistes avec la possibilité de notes MIDI
• Chaque groupe a ses propres paramètres
• Régler l’heure et le tempo du projet

Le séquenceur vous permet de reproduire de nombreux effets en temps réel pour créer des couches intéressantes. Amélioration de modules de gestion de la synchronisation et d’effets destinés à la coupe, au collage et aux autres fonctions de base.

— Voir également: Meilleurs claviers MIDI pour FL Studio —

Les effets, synchronisés avec tempo, peuvent être facilement modifiés et modifiés par des filtres, des outils de mélange et de la casserole. Des fonctions randomiser et mutate peuvent être trouvées presque tous les niveaux.