Choisir le bon casque pour mixer de la musique est très important car le type de casque que vous utilisez peut affecter le son final. Il existe trois principaux types d’écouteurs : ouverts, fermés et semi-ouverts. Les écouteurs à dos ouvert offrent une représentation honnête et précise de la scène sonore, mais peuvent ne pas être idéaux pour les environnements bruyants. Les écouteurs fermés offrent isolation et silence, mais peuvent limiter la précision du mixage. Les écouteurs semi-ouverts offrent une combinaison équilibrée de précision et d’isolation, mais peuvent ne pas offrir les performances extrêmes des écouteurs ouverts ou fermés. Pensez à vos besoins de mixage spécifiques et choisissez le casque qui vous donne la représentation la plus précise de votre mix.

Examinons chaque type afin que vous puissiez prendre la bonne décision. Nous recommandons également plusieurs modèles au choix.

Casque pour le mixage et le mastering

Si vous envisagez d’utiliser un casque de référence pour le mixage ou le mastering, voici quelques conseils. La plupart d’entre eux sont des écouteurs de type ouvert.

Casques de 100 à 300 € :

• Sennheiser HD600
• AKG K-612 Pro
• AKG K702
• Audio-Technica ATH-AD900X
• Massdrop x Sennheiser HD 58X 
• Massdrop x Sennheiser HD 6XX 
• Beyerdynamic DT-880 Pro
• Beyerdynamic DT-990 Pro

300-600€

• Sennheiser HD650
• Audio-Technica ATH-R70 X
• Beyerdynamic DT-1990 Pro
• Shure SRH1840
• Slate Audio VSX
• Neumann NDH 30
• HifiMan Ananda

600-5000€

• Focal Clear MG Professional
• Focal Utopia
• Audeze LCD-4z
• Audeze LCD-X
• Audeze LCD-XC
• Hifiman Arya
• Hifiman – HE1000se
• Hedd Audio Heddphone

écouteurs ouverts

Les écouteurs de studio de style ouvert sont pour la plupart « ouverts » à l’arrière des oreillettes. Ils ont généralement des grilles ou des ouvertures qui permettent à l’air de circuler vers les composants internes des haut-parleurs tels que les haut-parleurs. En ce qui concerne la qualité sonore, les écouteurs à dos ouvert se classent systématiquement parmi les meilleurs écouteurs de mastering et de mixage que vous puissiez acheter. Pourquoi? Parce qu’ils offrent une qualité sonore supérieure !

La conception offre une scène sonore plus naturelle lorsque le son atteint vos oreilles et s’échappe dans l’environnement. Il y a aussi peu d’écho et une pression minimale. Ces qualités signifient que la musique semble plus naturelle et donne l’impression qu’elle vient de vous, pas seulement des haut-parleurs eux-mêmes. Si vous êtes un professionnel de la musique, vous avez besoin d’un casque ouvert pour le mixage ou le mastering. La mauvaise nouvelle est que lorsque le son se répand dans l’environnement, tout le monde peut entendre ce que vous écoutez et vous pouvez entendre ce qui se passe autour de vous. Il est préférable d’utiliser ces écouteurs dans un environnement calme et privé.

— Voir aussi : 8 façons de compresser les voix dans un mix —

Si l’argent n’est pas un problème, le Sennheiser HD 800 S est considéré comme l’un des meilleurs écouteurs à dos ouvert. Nous ne vous en voulons pas si le prix est trop élevé. Dans ce cas, le Sennheiser HD 600 est également un excellent choix. Sinon, jetez un coup d’œil à l’AKG K240, qui peut être acheté pour moins de 100 $.

Parmi les pros :

• Son naturel et ouvert : les écouteurs de type ouvert offrent un son plus naturel et ouvert car la scène sonore n’est pas limitée par la conception fermée du casque.
• Confort : Les écouteurs à dos ouvert sont souvent plus confortables, car la conception sans pression des oreillettes permet une meilleure ventilation et moins d’accumulation de chaleur.
• Réduction de la fatigue auditive : les écouteurs à dos ouvert peuvent réduire la fatigue auditive.

Moins :

• Manque d’insonorisation. Les écouteurs à dos ouvert n’offrent pas d’isolation phonique, ce qui peut être problématique dans les environnements bruyants.
• Les écouteurs ouverts ne conviennent pas à un usage public car ils permettent au son de s’échapper.

casque fermé

Comme son nom l’indique, les écouteurs fermés ont des oreillettes fermées. Naturellement, cela leur permet de bloquer parfaitement les bruits ambiants. En règle générale, ils peuvent réduire le bruit ambiant de plus de 10 dB, et si vous augmentez le volume, vous pouvez pratiquement éliminer tout bruit autre que celui que vous écoutez. Certains sont même équipés d’une suppression active du bruit, émettant des ondes qui annulent le son extérieur.

Par conséquent, les écouteurs fermés sont idéaux pour l’enregistrement. Disons que vous écoutez une piste et que vous devez ensuite vous enregistrer en train de jouer d’un instrument ou de chanter. Un son minimal sortira du casque, de sorte que l’enregistrement ne sera pas déformé par ce son supplémentaire.

De plus, ces écouteurs sont idéaux pour une utilisation dans les espaces publics car les sons ambiants seront réduits au minimum et ne dérangeront pas ceux qui vous entourent. La mauvaise nouvelle est que cela limite la scène sonore en ne dirigeant le son que vers votre oreille, donc bien sûr le son n’est pas aussi naturel qu’avec un design ouvert. Cela crée une sorte d’expérience d’écoute « dans votre tête ». De plus, vos oreilles auront moins d’espace pour respirer, ce qui les rendra plus chaudes, plus étouffantes et plus inconfortables après de longues sessions d’écoute.

Pour toutes ces raisons, nous ne préférerions pas ce type de mixage au casque.

Lorsqu’il s’agit d’équilibrer prix et performances, l’Audio-Technica ATH-M50x est le meilleur. Il est largement admis parmi les audiophiles et les ingénieurs du son que ces écouteurs de studio fermés sont parmi les meilleurs.

Avantages:

• Écoute immersive : les écouteurs fermés offrent une expérience d’écoute plus intime et immersive car le son est contenu dans les écouteurs.
• Isolation acoustique. Les écouteurs fermés offrent une excellente isolation phonique, ce qui les rend idéaux pour les environnements bruyants.

Moins :

• Les écouteurs fermés peuvent offrir une expérience d’écoute plus personnelle et immersive, mais limitent également la scène sonore, ce qui entraîne un manque de son naturel.
• Oreilles fatiguées. Les écouteurs fermés peuvent provoquer une fatigue auditive car la pression de la conception scellée peut devenir inconfortable avec le temps.
• Dissipation thermique accrue. Les écouteurs fermés peuvent augmenter la dissipation de la chaleur car la conception scellée ne fournit pas de ventilation.

Casque semi-ouvert

Les écouteurs semi-ouverts sont un compromis entre les écouteurs fermés et ouverts. Ils sont similaires aux écouteurs fermés, mais exposent également certains des composants internes, permettant à l’air de passer à travers les oreillettes. Fondamentalement, ils ont les avantages et les inconvénients des écouteurs ouverts et fermés, mais dans une moindre mesure. Le son s’échappe, mais dans une moindre mesure. Dans le même temps, l’isolation phonique peut être bonne, mais pas aussi bonne que celle des écouteurs fermés. En plus de cela, l’audio a une scène sonore plus large, mais encore une fois, ce n’est pas aussi complet que dans les écouteurs à dos ouvert.

Alors qu’est-ce que cela signifie dans un sens pratique? Eh bien, puisqu’il y a une fuite audio, vos séances d’écoute doivent se faire en toute intimité. De plus, le son peut fuir et obscurcir votre musique si vous devez enregistrer.

Les professionnels de la musique ont des attitudes différentes envers les casques semi-ouverts. Alors que certains les considèrent comme offrant une approche équilibrée, d’autres remettent en question leurs avantages s’ils ne peuvent pas fournir des performances de mixage ou d’enregistrement supérieures. En fin de compte, la décision d’investir dans une telle paire d’écouteurs vous appartient. Mais si vous allez spécifiquement enregistrer ou mixer, vous feriez probablement mieux de choisir une option ouverte ou fermée.

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Il peut être difficile de choisir quel casque semi-ouvert recommander. Après tout, définir ce type de casque n’est pas une science exacte. Le Beyerdynamic DT 880 Pro ne vous décevra pas et établit un équilibre entre des prix abordables et des normes industrielles exceptionnellement élevées.

Avantages:

• Équilibrez le son naturel avec l’isolation du bruit : les écouteurs semi-ouverts offrent un équilibre entre le son naturel et l’isolation du bruit, ce qui les rend idéaux pour une utilisation dans une variété d’environnements.
• Réduction de la fatigue auditive : les écouteurs semi-ouverts peuvent réduire la fatigue auditive car la pression de la conception scellée n’est pas aussi intense qu’avec les écouteurs fermés.
• Confort : Les écouteurs semi-ouverts sont souvent confortables car la conception partiellement ouverte permet une meilleure ventilation et moins d’accumulation de chaleur.

Moins :

• Manque d’isolation phonique : les écouteurs semi-ouverts offrent moins d’isolation phonique que les écouteurs fermés, ce qui peut être problématique dans les environnements bruyants.
• Manque de son naturel : les écouteurs semi-ouverts peuvent ne pas avoir un son aussi naturel et ouvert que les écouteurs à dos ouvert, car la conception partiellement ouverte limite la scène sonore.

La vérité sur les types d’écouteurs

Les étiquettes de type peuvent être utiles lors du choix d’un casque, mais il est important de se rappeler que le marketing joue souvent un rôle important dans le processus de prise de décision. Malheureusement, le marketing n’est pas toujours axé sur les intérêts de l’acheteur, mais plutôt sur l’augmentation des ventes et des profits du fabricant.

Certains écouteurs fermés ont beaucoup de fuites sonores, tandis que certains écouteurs ouverts ne sonnent pas aussi bien. Au fur et à mesure que vous entrez dans la fourchette de prix supérieure, vous remarquerez que de nombreux modèles fermés sonnent aussi bien, sinon mieux, que d’autres modèles ouverts ou semi-ouverts.

L’une des meilleures façons de savoir si les casques de mixage de studio valent leur pesant d’or est de regarder depuis combien de temps ils sont dans l’industrie. Les fabricants de casques de studio ont tendance à s’en tenir à ce qui fonctionne, contrairement aux autres produits technologiques. S’ils peuvent perfectionner une paire d’écouteurs, vous verrez ces écouteurs circuler pendant des années, parfois des décennies.

Reconnu par les professionnels du studio depuis des années, il est sûr de supposer que les écouteurs sont une option fiable et supérieure.

Bien sûr, il existe d’autres moyens de faire preuve de diligence raisonnable avant d’acheter un nouvel ensemble. Lisez les critiques sur plusieurs sites réputés et testez-les dans un magasin si vous le pouvez. Cela vous permettra de prendre la bonne décision d’achat.

Quel type d’écouteurs vous convient

Le choix entre un casque ouvert, fermé et semi-ouvert dépend en fin de compte de vos préférences personnelles et de l’expérience d’écoute souhaitée. Si vous préférez un son plus naturel et ouvert, les écouteurs à dos ouvert sont votre meilleur choix. Les écouteurs fermés peuvent être meilleurs si vous voulez une expérience d’écoute plus intime et immersive. Et si vous recherchez un équilibre entre son naturel et isolation phonique, les écouteurs semi-ouverts peuvent être le choix parfait.

Lors de la prise de décision, il est également important de tenir compte de l’environnement dans lequel vous utiliserez le casque. Les écouteurs fermés peuvent être le meilleur choix pour l’isolation du bruit si vous utilisez des écouteurs dans un environnement bruyant. D’autre part, si vous utilisez des écouteurs dans un environnement calme, les écouteurs ouverts peuvent être préférables car ils offrent un son plus naturel et ouvert.

Le choix entre un casque ouvert, fermé et semi-ouvert dépend de vos préférences personnelles et de l’expérience d’écoute dont vous souhaitez profiter. Lors de la prise de décision, il est important de tenir compte de l’environnement et de ce que vous attendez de votre casque. En comprenant les avantages et les inconvénients de chaque type de casque, vous pouvez choisir le meilleur casque pour vos besoins et tirer le meilleur parti de votre expérience d’écoute.

Dans tout style musical qui inclut le chant comme élément de signature, une voix intelligible – correctement conçue pour fonctionner avec les autres éléments de l’arrangement – est la clé d’une production réussie. La compression, qui peut faire bien plus que simplement contrôler la dynamique d’un signal, est l’un des principaux processeurs que l’on trouve dans la boîte à outils d’un ingénieur du son. Avant de décrire comment nous utilisons la compression lors du mixage des voix, il est important de souligner que la compression ne peut pas corriger les erreurs de performance, de technique d’enregistrement ou de tout autre traitement du signal.

Si vous ne l’aimez pas, nous vous recommandons vivement de ne pas utiliser la compression pour les chanteurs dynamiques, car une compression mal appliquée peut réduire la durée de vie d’une performance, entraînant de nombreux artefacts non musicaux difficiles à corriger ultérieurement. Au contraire, la compression peut potentiellement entraîner une mauvaise acoustique, des erreurs de performances vocales et une mauvaise application de l’égaliseur, de la saturation, de la réverbération, etc. Cependant, lorsqu’elle est bien faite, la compression peut faire passer la production au niveau supérieur.

Un autre point qui mérite d’être mentionné est que vous devez vous méfier des réglages de compresseur sévères – des temps d’attaque et de relâchement très rapides, des gains élevés et une réduction drastique du gain peuvent être amusants (et se produire dans la production vocale), mais comme point de départ, vous pouvez utiliser plus réglages modérés pour un son plus naturel.

Voici donc comment nous utilisons les compresseurs lors du mixage des voix.

1. Égalisez votre voix avec Clip Gain avant d’appliquer la compression

Alors que l’égalisation d’amplitude est l’une des utilisations les plus courantes des compresseurs, en utilisant des gains de clip pour fournir un niveau plus uniforme de passages doux et forts, la compression sera appliquée plus uniformément tout au long de la chanson. Cela évitera la compression et le pompage audibles que les compresseurs peuvent parfois donner aux signaux extrêmement dynamiques, y compris les voix.

2. Utilisez plusieurs compresseurs en série

Cela pourrait être utilisé à la place du premier conseil, bien que nous préférions utiliser les deux. Prenez le compresseur et ajustez les paramètres de sorte qu’il applique une réduction de gain modérée (1-4 dB) uniquement aux passages les plus forts. Insérez ensuite un deuxième compresseur plus tard dans la chaîne du signal qui appliquera la réduction de gain de manière plus uniforme (encore une fois, juste quelques dB) tout au long de la performance.

Le but de tout cela est d’éviter les artefacts de compression négatifs en utilisant prudemment deux compresseurs différents – le premier compresseur ne prendra que les parties les plus bruyantes, ce qui empêchera alors le second compresseur de travailler trop fort. L’appariement le plus courant pour cette application est le 1176 éprouvé et le LA-2A moelleux, mais essayez votre propre combinaison de compresseurs – même ceux fournis avec votre DAW préféré peuvent bien fonctionner. De plus, il est recommandé d’utiliser plusieurs compresseurs dans la même chaîne, éventuellement pas les uns après les autres.

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3. Utiliser la compression parallèle

Le mixage d’une piste brute avec une piste traitée est un phénomène courant dans les workflows de production musicale d’aujourd’hui. De nombreux plugins incluent désormais une fonctionnalité de mélange sec et humide, permettant aux utilisateurs de profiter du traitement parallèle. Certains de nos compresseurs préférés avec cette capacité incluent FabFilter Pro-C 2, UAD Empirical Labs Distressor, Soundtoys Devil-Loc Deluxe et plus encore.

Dans des mixages particulièrement serrés, il peut être difficile pour les voix de percer. Dans cette situation, nous pourrions envoyer des voix brutes (ou peu traitées) à une ou plusieurs pistes auxiliaires/de retour, puis leur ajouter divers effets, y compris la compression. Une de ces pistes peut avoir un timbre brillant et aéré, une autre une gamme de bas-médiums prononcée pour la plénitude et la chaleur. Au niveau de la compression, on peut se permettre d’utiliser des réglages plus prononcés, car on va mixer ces pistes avec l’original, ce qui préserve la dynamique globale naturelle.

4. Attention au souffle et au sifflement

La compression a tendance à accentuer la luminosité et la dureté des passages sibilants, et bien que les de-essers soient un outil utile pour résoudre ce problème, trop de compression entraîne une qualité vocale « lisante ». Dans certains mixages pop mettant l’accent sur les hautes fréquences et environ 10 dB de réduction de gain sur les voix, le son peut commencer à sembler grésillant et dur. Nous traquons souvent les passages sifflants et utilisons l’amplification de clip pour réduire leur niveau jusqu’à ce qu’ils nous conviennent. De même, une forte compression sur les respirations profondes avant de chanter peut faire gonfler le son, la respiration sonnant aussi fort ou même plus fort que les paroles. Pour résoudre ce problème, nous pouvons les faire glisser vers une autre piste afin que le traitement ne soit pas affecté.

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5. Connaître les différents types de compresseurs et les mettre en contexte

Il est utile de comprendre les différents types de compresseurs (VCA, FET, optique, MU variable) et comment ils peuvent affecter la dynamique du signal.

Les compresseurs VCA (Voltage Controlled Amplifier) ​​sont populaires pour les bus de mixage en raison de leur capacité à coller l’ensemble du mixage ensemble. Ils donnent une certaine attitude au matériel du programme et ont un rythme distinct qui fonctionne bien à la batterie. Les unités populaires incluent le compresseur stéréo SSL de la série G, l’API 2500 et l’une des deux sections de compresseur de mastering Shadow Hills.

Peut-on les utiliser au chant ? Bien sûr, mais les blocs ci-dessus ont historiquement été davantage utilisés comme post-compresseurs et ont peut-être été considérés comme exagérés lorsque les compresseurs trouvés dans les tranches de console ou d’autres monoblocs matériels étaient disponibles.

Les compresseurs à transistors à effet de champ ou FET font partie des dispositifs dynamiques les plus populaires de tous les temps, y compris pour les applications vocales. Ils sont rapides, brillants et même agressifs lorsqu’ils sont fortement compressés. Ils sont populaires pour leur son vocal simple. Les appareils bien connus qui peuvent être mentionnés sont le 1176 original de Bill Putnam et les nombreux successeurs qui l’ont suivi. Overstayer, les fabricants de l’une de nos unités matérielles préférées, ont leur propre vision unique du compresseur FET. Cela a été appelé l’effet de champ stéréo, qui contient des commandes similaires à celles du style 1176, mais avec des fonctionnalités supplémentaires, notamment :

• Circuit harmonique discret pour donner à la compression une couleur et un caractère riches. Cette intégration vous offre une chaîne d’enregistrement/mixage transparente.
• Contrôle de mélange parallèle – Réglez la compression et les harmoniques aussi agressivement que nécessaire et équilibrez à votre goût.
• Les gains multiples vous permettent de passer d’un contrôle fin à une limitation plus stricte, tandis que la boucle de sidechain externe peut être utilisée pour façonner davantage ou contourner complètement la compression, en pilotant uniquement les harmoniques analogiques.
• Le mode non linéaire apporte un punch créatif et extrême pour une compression énergique équilibrée avec des harmoniques supplémentaires.

Compresseur FET Overstayer. Effet de champ stéréo Overstayer.

Une autre conception de compresseur classique, l’optique ou optocompresseur, utilise un élément lumineux et une cellule optique pour modifier la dynamique d’un signal. Lorsque l’amplitude augmente, l’élément émet plus de lumière, amenant ainsi la cellule optique à atténuer l’amplitude du signal de sortie. Les compresseurs optiques sont connus pour leur réponse dynamique relativement lente et fluide, ce qui les rend plus utiles lorsque vous avez besoin d’un son vocal plus doux et plus détaillé. Cependant, n’hésitez pas à traiter une piste vocale hurlante avec un optocompresseur tel que le célèbre LA-2A, Tube Tech CL 1B ou Manley ELOP. Les compresseurs optiques peuvent être trouvés sous la forme de pédales de guitare, notamment Mira de Walrus Audio. Avec toutes les commandes que vous attendez d’un appareil de compression de qualité studio, le tout logé dans un excellent boîtier, le Mira est un excellent choix pour les guitaristes, bien sûr, mais aussi pour tout ingénieur du son qui réamplifie leurs signaux, y compris les voix.

Et enfin, la conception MU variable, qui comprend des lampes pour effectuer des fonctions d’amortissement. Plus le signal est appliqué au compresseur, plus le courant fourni à la grille du tube diminue, ce qui entraîne une diminution du gain. Bien sûr, selon les performances, les conceptions MU variables ont généralement un genou souple, ce qui se traduit par une qualité de compression douce. Les appareils/plugins populaires incluent Fairchild 660/670, Manley Variable Mu et Arturia Comp Tube-STA.

6. Utiliser les compresseurs pour leurs qualités tonales

Tout comme différentes topologies de compression gèrent la dynamique, chaque compresseur fournira des harmoniques au matériel de programme d’une manière unique et utile. De la chaleur de l’opto LA-2A, des médiums percutants du FET 1176, de la richesse à tube ouvert des variables UAD 175b et 176 mu, à la polyvalence du VCA Empirical Labs Distressor, chaque compresseur a son propre harmonica et saveur qui peut colorer les pistes vocales. Passez du temps avec chaque compresseur, apprenez sa tonalité en plus de la façon dont il gère la dynamique du signal.

— Voir également: Premier plugin en 5 ans de Soundtoys – SuperPlate —

7. Utilisez la compression pour rapprocher les voix de l’auditeur

En utilisant les paramètres appropriés, la compression peut donner aux signaux une meilleure qualité. Nous utilisons souvent la technique des multi-basses parallèles pour donner une immédiateté aux voix, donnant l’impression qu’elles sortent directement des enceintes. L’astuce ici est de ne pas trop compresser chaque pneu. Dans la plupart des cas, une réduction de gain de 3 à 5 dB (et une compensation de gain) avec des réglages d’attaque et de décroissance modérés permettront à la voix de s’asseoir correctement. Nous pourrions utiliser des réglages plus extrêmes sur un bus différent, mais la compression a tendance à réduire la réponse globale des basses, ce qui rend tout signal (y compris les voix) moins ressenti. Une fois que vous avez compris comment rapprocher les voix de l’auditeur, vous pouvez utiliser des effets temporaires tels que la réverbération et le retard pour donner une impression d’espace. Nous pensons que des voix de réverbération trop dynamiques sont une recette pour un désastre. Les passages calmes ne seront pas affectés, tandis que les passages forts flotteront dans la réverbération. Utilisez la compression pour plus de cohérence avant de mélanger avec d’autres effets.

8. Enfin, tenez toujours compte du contexte

La compression n’est qu’un des nombreux outils que nous utilisons pour améliorer un morceau vocal. La façon dont vous appliquez la compression affectera tout égaliseur, saturation, dé-essing, retard, automatisation, etc. que vous pouvez également utiliser sur vos pistes vocales. Pensez à la manière dont la compression modifie ces autres processus et effectuez des ajustements en fonction des besoins du morceau, et non de votre indicateur de réduction de gain.

Soundtoys est une société de logiciels renommée spécialisée dans les effets sonores hautement expressifs pour la production musicale et la conception sonore. Fondée en 1996 et basée à Burlington, dans le Vermont, la société est à la pointe du développement de plugins audio innovants et de haute qualité pour les musiciens, producteurs et ingénieurs. Avec une large gamme de produits, Soundtoys est devenu un favori dans de nombreux studios professionnels et installations d’enregistrement à domicile. Au-delà de la production musicale, les plugins Soundtoys, avec leur capacité à transformer radicalement les signaux, sont parfaits pour la conception sonore dans les films, la télévision et les jeux.

Les produits Soundtoys sont connus pour leur son distinctif, leur facilité d’utilisation et leur polyvalence. En mettant l’accent sur la fourniture d’outils créatifs et intuitifs, Soundtoys a reçu plusieurs prix pour sa qualité sonore exceptionnelle et son design innovant. Si vous deviez ouvrir notre projet de mixage, vous trouveriez des dizaines de leurs plugins, y compris EchoBoy, Decapitator, Little Plate, et plus encore. Chacun de leurs plugins peut être modifié, réorganisé et peaufiné dans un rack d’effets ingénieux qui fait passer un ensemble de plugins déjà polyvalent au niveau supérieur. Dans le rack d’effets, vous pouvez insérer plusieurs instances d’effets Soundtoys avec l’avantage supplémentaire d’un contrôle de niveau d’E/S global. Il y a aussi un bouton de recyclage qui affecte les effets basés sur le temps, et il y a un bouton de mélange pour le chargement.

Dans cet article, nous listons nos plugins préférés de cette entreprise innovante et décrivons comment nous les utilisons lors du mixage de musique.

1. EchoBoy

Il existe depuis plus de dix ans, mais c’est toujours le meilleur. Il y a eu des dizaines de retards de plugins fantastiques qui ont fait leurs débuts depuis cette suggestion de Soundtoys, mais pour diverses raisons, le plus souvent, Echoboy est celui vers lequel nous nous tournons.

EchoBoy offre une large gamme d’effets de retard, y compris l’écho de style analogique vintage, le slapback et le retard rythmique. Il dispose également d’une gamme impressionnante de commandes de mise en forme de tonalité, y compris une section de filtre, une modulation LFO et des commandes de panoramique. Les utilisateurs peuvent facilement tout créer, des échos simples aux paysages sonores riches et évolutifs. Que vous cherchiez à ajouter de la profondeur à votre mix, à créer une atmosphère épaisse ou même à saturer une seule piste, EchoBoy est un plugin puissant et polyvalent qui est utilisé dans toutes nos sessions.

Ne l’utilisez pas uniquement comme un délai. Plongez profondément dans le menu de style et vous trouverez bien plus que les types de délai classiques. Il y a du chorus, de la réverbération, de la saturation et plus encore – l’EchoBoy est si bon en retard qu’il est au-dessus.

2. Decapitator

Conçu pour ajouter une saturation subtile, une distorsion explosive et tout le reste, le plug-in Soundtoys Decapitator présente une interface conviviale qui facilite l’apprentissage et ajoute instantanément du caractère aux pistes individuelles ou aux sous-groupes. Il propose cinq styles de distorsion analogique au choix, chacun pouvant être adapté aux besoins spécifiques de l’utilisateur. De plus, le plugin fournit également des commandes de mise en forme de tonalité, notamment un filtre passe-bas, un filtre passe-haut réglable, un mixage et une commande de gain de sortie. Cela permet une large gamme de sons de distorsion, de la chaleur subtile à la distorsion excessive. Decapitator est un plugin puissant et polyvalent qui est devenu une partie importante de notre son.

Oubliez les subtilités – utilisez-en deux à la suite. Bien que nous n’utilisions souvent qu’une pincée de Decapitator, nous sommes fans de l’extension des fonctionnalités de ce plugin. Le contrôle de punition multiplie plusieurs fois la quantité de distorsion, donnant une qualité extrêmement agressive à toute piste que vous parcourez. Si cela ne suffit pas, mettez une deuxième instance juste après la première et résumez encore plus le son.

— Voir également: LUFS : Quel niveau fixer ? —

3. Little Plate

Little Plate est un plug-in de réverbération conçu pour capturer le son des appareils à plaque classiques tels que l’EMT 140. Little Plate offre une reproduction précise du son de la réverbération à plaque classique, et comprend également des fonctionnalités modernes telles que le réglage (jusqu’à l’infini) temps de réverbération, filtre passe-bas, modulation et un bouton pour régler le mélange traité/sec. L’interface utilisateur est soignée et facile à utiliser.

Little Plate produit des queues de réverbération chaudes, spacieuses et naturelles qui sont parfaites pour à peu près n’importe quelle source, et nous l’aimons sur les voix, les synthés, les guitares semi-distordues et même la batterie.

La fonction de temps de réverbération infini est très amusante. Choisissez un extrait de votre chanson, qu’il s’agisse d’une seule ligne vocale, d’un riff de guitare ou d’un coup de pied de caisse claire, puis passez-le dans la Little Plate. Enregistrez la queue de réverbération de 30 secondes à une minute et traitez-la comme une toute nouvelle piste. Peut-être pourriez-vous traiter ce son comme un pad ou le découper dans une grille pour créer un élément rythmique. C’est une transition amusante d’un élément sec à un paysage sonore long et succulent à notre avis, et Little Plate excelle dans ce domaine.

4. Devil-Loc Deluxe

Un hommage au matériel Shure Level Loc utilisé à l’origine dans les systèmes de sonorisation avant que les ingénieurs musicaux ne découvrent à quel point ils étaient amusants lorsqu’ils étaient mis en mode saturation.

Devil-Loc Deluxe a les contrôles suivants :

• Écrasement – taux de compression.
• Crunch, une forte saturation qui change radicalement le ton et l’impact de vos pistes.
• Commutateur de libération rapide ou lente.
• Mix, qui vous permet de mixer le signal d’origine, vous permettant d’appliquer l’effet plus subtilement.

Les fans de Soundtoys attendent depuis longtemps leur approche de la compression, et même si nous aimerions voir un plugin avec des contrôles de temps d’attaque et de relâchement plus fins (et peut-être plus de réglages tonals), Devil-Loc est une bête si vous le prenez. Ce n’est pas un compresseur doux – il est conçu pour transformer les pistes audio en versions déformées et agressives d’elles-mêmes. Que ce soit pour faire sonner un batteur comme s’il ruinait complètement un kit, un son de piano comme une maison ou faire hurler un chanteur à partir d’un arrangement dense, Devil-Loc fait exactement cela.

— Voir également: Premier plugin en 5 ans de Soundtoys – SuperPlate —

5. MicroShift

Acclamé comme un effet d’extension vocale, MicroShift peut certainement ajouter de la richesse et de la dimension aux voix principales et d’accompagnement. Des synthés aux guitares et même aux sons de batterie dans le bon arrangement, MicroShift améliore rapidement et facilement la qualité spatiale de vos pistes. Les fondateurs de Soundtoys ont participé à la création du pitch shifter Eventide H3000 et l’ont reproduit dans l’un des trois styles utilisés dans MicroShift.

Avec une interface utilisateur petite et simple, MicroShift vous permet de contrôler les éléments suivants :

• Mix pour mixer le signal d’origine.
• Concentrez-vous pour déterminer où dans le spectre de fréquences le chorus/l’expansion se produira.
• Un style qui comprend trois variations de chœur distinctes.
• Detune, pour ajuster la quantité de déviation dans la hauteur du chorus.
• Un retard pour créer une impression de rythme dans l’effet de chorus.

Bien que MicroShift soit certainement excellent sur des pistes individuelles, essayez de l’utiliser sur une réverbération ou un retard pour ajouter un éclat subtil à vos effets.

6. PanMan

Un bon panoramique est essentiel pour la perception de l’espace et de la clarté dans le mixage, en particulier dans les arrangements denses. Nous avions l’habitude de penser que les plugins d’autopan étaient un peu inutiles, mais comme Soundtoys émulait plusieurs dispositifs d’autopan matériels classiques, y compris le Spanner et le PanScan, PanMan fournit beaucoup de caractères analogiques pour correspondre à la flexibilité du numérique.

Les commandes PanMan incluent :

• Décalage pour accentuer l’effet de panoramique d’un côté.
• Largeur pour déterminer jusqu’où l’effet de panoramique automatique s’étend en stéréo.
• Lissage pour sélectionner la douceur avec laquelle l’effet se déplace dans le champ stéréo.
• Direction incluant gauche et droite
• Une entrée qui peut être amenée à une belle richesse croquante.
• Sortie pour contrôler le niveau général.
• Tweak est une autre section de PanMan qui permet aux utilisateurs d’appliquer l’effet très précisément. Tweak offre plus de contrôle en fonction du type de modulation sélectionné.
• Type et source de modulation. C’est là que PanMan commence à aller très loin. Si vous appuyez sur le bouton LFO, plusieurs options vous seront présentées pour modifier le comportement du plugin. Les types incluent : LFO (par défaut), Rhythm Step, Rhythm Shape, Ping-Pong (Start), Random et Step.
• Enfin, il existe des modes analogiques et numériques qui modifient la façon dont PanMan sature le signal d’entrée.

Parfois, nous utilisons PanMan sur des synthés ou des charleys électroniques pour qu’ils flottent autour du centre afin de ne pas obscurcir les voix principales. D’autres fois, nous utiliserons PanMan de manière dramatique, en déplaçant rapidement les percussions ou même les voix dans le champ stéréo. Il peut également être amusant de l’utiliser sur des retards ou des réverbérations, en déplaçant subtilement (ou agressivement) les effets temporels autour de l’image stéréo.

Qu’est-ce que LUFS ?

LUFS signifie Loudness Full Scale et mesure le volume des signaux audio. Il s’agit de la norme internationale pour juger de l’intensité sonore quel que soit l’équipement de lecture. LUFS garantit une qualité de lecture constante dans la production musicale, la diffusion et la production sonore pour le cinéma et la télévision. Il vous permet également de normaliser le volume des morceaux de musique. De nombreux services de streaming ont des cibles de normalisation de l’intensité sonore entre -13 et -16 LUFS. Si la musique que vous avez téléchargée est plus forte, le volume sera réduit au niveau cible. Cela garantit que chaque chanson sera diffusée à un niveau de volume presque constant.

Le mastering de vos morceaux vise à obtenir la meilleure qualité sonore possible. L’objectif est de maximiser le volume mais de se concentrer sur un son transparent et dynamique. Pour faire passer votre son au niveau supérieur, trouvez le bon équilibre entre mastering fort et dynamique.

Nos objectifs de volume LUFS préférés pour les genres Techno, House et Hip-Hop vont généralement de -7 LUFS à -10 LUFS. Vous pouvez également vérifier la mesure LUFS à court terme et définir un objectif entre -6 LUFS et -9 LUFS. Pour maîtriser les styles Ambient ou Singer-Songwriter, les valeurs LUFS de -10 à -14 LUFS sont également acceptables, car la dynamique prime.

— Voir également: Premier plugin en 5 ans de Soundtoys – SuperPlate —

Il est important de noter que le choix de la valeur LUFS dépend également des préférences personnelles et des décisions artistiques de l’ingénieur de mastering. Chaque artiste a sa propre vision sonore et il n’y a pas de « bonne » ou de « mauvaise » LUFS.

Le mastering est un processus créatif, et s’il est important de tenir compte des objectifs de volume fixés par les services de streaming, il est tout aussi important de donner la priorité à l’intégrité artistique et au son souhaité de la musique. Certains artistes préfèrent un son plus fort et plus agressif, tandis que d’autres préfèrent un son plus dynamique et naturel.

En fin de compte, la valeur de LUFS doit être déterminée en fonction du genre spécifique, de l’intention artistique et de l’esthétique sonore globale que vous souhaitez atteindre. C’est toujours une bonne idée de se référer à d’autres morceaux commercialisés dans votre genre pour avoir une idée des niveaux de volume typiques. Gardez à l’esprit que le mastering consiste à améliorer la qualité sonore globale et à fournir une expérience d’écoute cohérente sur différents systèmes de lecture. C’est un équilibre entre les exigences techniques et l’expression artistique.

Les meilleurs outils pour mesurer les lectures LUFS

Afin de comparer vos chansons avec d’autres œuvres, vous devez utiliser une variété d’outils pour vous aider à analyser le volume, la dynamique et l’équilibre tonal.

A notre avis, les plugins VST les plus utiles sont les suivants :

• Tonal Balance Control
• Sonible Metering Bundle
• Reference 2
• Insights 2

AI-JE BESOIN DE RÉGLER -14 LUFS POUR SPOTIFY ?

L’idée du mastering 14 LUFS est souvent mal comprise et considérée comme un mythe. De nombreux musiciens qui sortent leurs chansons à un niveau aussi bas ont tendance à rencontrer des problèmes. Nous ne recommanderions pas de bricoler avec -14 LUFS, malgré le fait qu’il s’agit d’un sujet pour de nombreuses discussions. La première chose à faire est de tester le volume des autres chansons de votre genre en désactivant le contrôle automatique du volume dans les paramètres de Spotify. Téléchargez ensuite la version de démonstration de Sidify Music Converter, enregistrez la chanson sur votre disque dur et vérifiez le volume des autres chansons. Vous remarquerez que pratiquement aucun des interprètes ne maîtrise ses chansons à -14 LUFS.

Voici pourquoi les gens ne le font pas :

Il est important de noter que tous les utilisateurs n’ont pas activé la normalisation du volume. Par exemple, alors que YouTube est normalisé, « YouTube Music » ne l’est pas. De même, le lecteur Web de l’application Apple Music et Spotify intégré aux appareils tiers peut ne pas toujours avoir de normalisation du volume. Cela signifie que si la normalisation est désactivée, une piste avec -14 LUFS peut sembler beaucoup plus silencieuse que les autres pistes.

Même si la normalisation du volume a été activée, de nombreux utilisateurs ont signalé que leurs masters -14 LUFS semblent plus silencieux que les autres pistes de leurs listes de lecture.

— Voir également: Wavesfactory a introduit un nouvel égaliseur appelé – Equalizer —

Il convient de noter que différents services de streaming suivent différentes normes d’intensité sonore, et il n’est pas clair si ces normes resteront les mêmes. Par exemple, Spotify a abaissé son objectif de volume de 3 dB en 2017 et est passé de la mesure ReplayGain à la mesure LUFS en 2021. De plus, les utilisateurs de l’application Spotify Premium peuvent choisir parmi trois réglages de volume différents : Silencieux, Normal et Fort. AES suggère actuellement que toutes les plates-formes de diffusion de musique utilisent -16 LUFS comme norme préférée. En conséquence, le volume sonore idéal fluctue souvent ces derniers temps.

Il y a une suggestion de certaines personnes de créer des assistants séparés pour les magasins de streaming et de téléchargement. Cependant, il convient de noter que les agrégateurs numériques tels que Distrokid et Tunecore n’autorisent généralement pas plusieurs versions d’une chanson. Par conséquent, si vous décidez de publier différentes versions, elles devront être publiées séparément.

En matière de mastering audio, de nombreuses personnes recommandent de viser -14 LUFS. Cependant, nous vous conseillons de vous concentrer sur l’obtention d’un son dont le volume est comparable à celui d’autres artistes à succès. Cette approche vous sera utile jusqu’à ce que la normalisation de l’intensité sonore devienne plus standardisée.

Notre recommandation actuelle est de créer un master numérique qui sonne de manière exceptionnelle mais pas trop fort. Vous pouvez ensuite utiliser cet assistant pour tous les magasins de téléchargement et services de streaming. Laissez la normalisation du volume aux différents fournisseurs de streaming car cela n’affectera généralement pas la qualité de votre son. La normalisation LUFS ajuste simplement le volume de lecture, donc si votre piste principale sonne bien, elle sonnera également de manière incroyable sur les plateformes de streaming.

Pourquoi LUFS a été introduit

L’industrie de la musique a subi des changements importants avec l’introduction de la Full Loudness Unit Scale (LUFS) en tant que mesure standardisée de la sonie du contenu audio. Cette unité de mesure a joué un rôle essentiel dans la résolution du problème des niveaux sonores incohérents dans le contenu audio. Avant son introduction, différents systèmes et plates-formes de diffusion avaient des normes d’intensité sonore différentes, ce qui entraînait une mauvaise expérience d’écoute pour le public. Le traitement excessif du volume dans la musique était une pratique courante pour tenter de se démarquer, mais cela dégradait la qualité sonore et entraînait la fatigue de l’auditeur.

LUFS fournit des mesures et des recommandations unifiées de l’intensité sonore pour les producteurs de contenu audio, les diffuseurs et les plateformes de streaming. Cela garantit les mêmes niveaux de volume pour différents contenus, ce qui se traduit par une expérience d’écoute plus équilibrée et plus agréable pour le public. La normalisation de l’intensité sonore basée sur LUFS aide à éviter les fluctuations soudaines de volume entre différentes chansons et garantit que le contenu est lu à un niveau d’intensité sonore perçu cohérent, quel que soit le système ou la plate-forme de lecture.

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L’industrie de la musique a connu une guerre du volume dans laquelle des morceaux de musique hautement compressés ont entraîné une réduction de la plage dynamique. Cependant, les principales plates-formes de streaming telles que YouTube, Spotify et Apple Music ont mis en œuvre la normalisation LUFS et d’autres techniques pour garantir une qualité audio juste et équilibrée. Il est généralement considéré comme inutile de sur-compresser les chansons masterisées au-dessus de 3db car cela peut entraîner un son plus silencieux et moins dynamique sur les plateformes de streaming. Actuellement, le mastering pour les plateformes de vinyle et de streaming est axé sur la transparence et la préservation de la plage dynamique pour offrir une expérience d’écoute optimale.

QU’EST-CE QUE LA NORMALISATION AUDIO SPOTIFY ?

Les fichiers audio sont envoyés de divers distributeurs de musique vers des plateformes de streaming. Étant donné que la musique diffusée a été traitée à différents niveaux de volume, Spotify, Apple Music et YouTube Music souhaitent offrir la meilleure expérience d’écoute lors de la lecture de chansons.

Imaginez à quel point ce serait gênant si vous deviez régler manuellement le volume de chaque piste lors de la lecture de listes de lecture. C’est là que la normalisation du volume entre en jeu, garantissant que toutes les chansons sont perçues de la même manière.

Cependant, vous pouvez désactiver ce paramètre dans Spotify pour voir si les chansons ont été traitées à différents niveaux de volume.

Pour ce faire, allez dans Paramètres / Qualité de la musique / Normalisation du volume et activez ou désactivez la fonction.

Voici notre aperçu des normes d’intensité sonore LUFS des fournisseurs de streaming :

1. Spotify: -14 LUFS
2. YouTube: -14 LUFS
3. Apple Music: -16 LUFS
4. SoundCloud: pas de normalisation
5. Amazon Music: -14 LUFS
6. Tidal: -14 LUFS
7. Pandora: -14 LUFS
8. Bandcamp: pas de normalisation
9. Deezer: -14 LUFS
10. Napster: -14 LUFS

BOUCHONS GRATUITS POUR LA MESURE LUFS

Il existe plusieurs analyseurs plug-in gratuits disponibles pour mesurer LUFS, RMS et True Peaks. Vous pouvez les télécharger à partir de diverses sources. Ajoutez-les simplement à votre DAW et visualisez le véritable volume de vos pistes en les comparant à d’autres chansons de référence.

• DP Meter 3
• Youlean Loudness Meter 2
• Loudness Penalty Analyzer

Un nouveau plugin de Soundtoys est toujours un événement, et SuperPlate est leur première version depuis plus de cinq ans. Comment est-il bon?

En 2017, Soundtoys a introduit un plugin appelé Little Plate. Comme les autres « petits » plugins de leur gamme, il était initialement gratuit et destiné principalement à aiguiser l’appétit pour la prochaine version complète. Cependant, Soundtoys n’était pas pressé de publier la version complète, et pendant ce temps, Little Plate est devenu un plugin extrêmement populaire à part entière.

La version « complète » a été annoncée au NAMM de cette année, et à première vue, la SuperPlate ressemble à une extension assez naturelle de Little Plate, les principaux ajouts étant une sélection de différentes émulations de plaques et un aperçu indispensable du matériel sortant. Cependant, ne vous y trompez pas : il y a beaucoup plus dans SuperPlate qu’il n’y paraît.

SuperPlate est vendu séparément et dans le cadre du package Soundtoys 5.4. Il est disponible dans tous les principaux formats et est autorisé à l’aide du système iLok. Contrairement à Little Plate, SuperPlate peut également être utilisé comme module dans la chaîne de plugins Soundtoys EffectRack. Cela signifie que si, par exemple, vous souhaitez utiliser leur plug-in de retard EchoBoy classique pour émuler une bande de retard introduite dans la SuperPlate, vous pouvez enregistrer toute la chaîne en tant que préréglage de plug-in portable.

Le Little Plate s’est inspiré du classique EMT 140 et de nombreux samples de l’original ont été testés lors de sa création, mais le but n’a jamais été de recréer le son à l’identique. Au lieu de cela, Soundtoys a tenté de capturer le personnage sous-jacent et de l’implémenter d’une manière qui pourrait être utilisée en dehors de la plage de temps de fondu normale. Avec SuperPlate, ils ont étendu la même approche à quatre autres modèles de réverbération à plaque historiques. L’EMT 240 était une conception ultérieure qui utilisait une feuille d’or étirée au lieu de la plaque d’acier 140, lui permettant d’être beaucoup plus compact et lui donnant un son sensiblement différent. Deux autres modèles sont basés sur des réverbérations américaines populaires localement des années 1970 et 80, et un cinquième est basé sur le rare suédois Stocktronics RX4000. Les cinq modèles offrent la même plage de temps de décroissance étendue, d’une demi-seconde à l’infini (RT60 à 500 Hz), et le nouveau pré-retard peut être ajusté jusqu’à 250 ms pour les effets spéciaux.

Afin de créer une réverbération, la plaque physique doit être stimulée, et cela se fait en amplifiant le signal d’origine pour alimenter un pilote connecté à la plaque. Dans les premières réverbérations EMT, l’amplificateur était une conception à tube, tandis que les modèles ultérieurs utilisaient un amplificateur à semi-conducteurs. Chacun d’eux a un son caractéristique, surtout lorsqu’il est surchargé. (De manière inhabituelle, presque tous les ingénieurs semblent convenir que la version à semi-conducteurs est meilleure, peut-être en partie parce qu’elle est moins bruyante.) Soundtoys les a modélisés tous les deux et a également proposé une alternative propre. L’alimentation d’un niveau plus chaud dans le plug-in ou l’amplification de la commande de gain d’entrée augmente progressivement la quantité de compression et de couleur provenant du circuit d’ampli simulé, s’il est activé.

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La réverbération a toujours cette qualité de « plaque » complexe et dense, même lorsque vous poussez le temps de décroissance bien au-delà des capacités d’un vrai disque.

Comme la plupart des plugins Soundtoys avancés, SuperPlate dispose d’un bouton Tweak qui ouvre un panneau de commandes supplémentaires. Ceux-ci incluent un égaliseur à deux bandes supplémentaire câblé dans la sortie du plug-in. Bien qu’il apparaisse sur le même tracé, le filtre passe-bas hérité de Little Plate se trouve côté entrée ; ici, il est rejoint par un filtre passe-bas extrêmement utile, et les deux peuvent être commutés entre des pentes de 6, 12 et 24 dB/octave. Le panneau Tweak vous permet également de modifier le taux de modulation et d’ajuster la largeur stéréo (voir la section Superstereo ci-dessous), mais l’élément le plus intrigant est ce que Soundtoys appelle Auto-Decay.

La plupart d’entre nous connaissent probablement le concept de ducking, où un compresseur est placé après une réverbération et déclenché par le signal sec qui alimente la réverbération. Si vous obtenez les bons réglages, cela peut vous permettre de baisser le niveau de réverbération pendant, par exemple, une partie vocale avant de l’augmenter à la fin de chaque phrase. Le ducking peut aider à garder l’intelligibilité et à garder les voix au début du mixage, tout en les rendant riches et riches.

Auto-Decay est une autre façon d’atteindre un objectif similaire en modulant la longueur de la réverbération au lieu de son amplitude. Vous définissez le seuil et le temps de décroissance cible ; lorsque le signal d’entrée dépasse la valeur de seuil, le temps de décroissance de la réverbération est réduit de la valeur principale à la valeur cible. Dès que le signal redescend sous le seuil, le temps de décroissance revient à sa valeur normale à un rythme déterminé par l’échelle de récupération.

Il s’agit d’une implémentation intelligente et très efficace. Dans un contexte vocal, l’Auto-Decay permet d’obtenir quasiment le même résultat que le muting et est très simple à mettre en place, mais il a aussi de nouvelles utilisations. Par exemple, si vous réglez un temps de relâchement lent pour le son de la caisse claire, vous pouvez créer une fantastique réverbération non linéaire qui s’épanouit après avoir frappé la batterie. C’est suffisant pour me faire souhaiter que la SuperPlate puisse prendre un signal de sidechain externe pour déclencher Auto-Decay, car cela peut être très amusant, surtout avec des réverbérations sans fin. Les expérimentateurs peuvent également déplorer le fait que Auto-Decay ne peut pas être utilisé à l’envers pour allonger plutôt que raccourcir le temps de décroissance.

Cependant, dans l’ensemble, malgré les réverbérations sans fin, la SuperPlate n’est pas avant tout un instrument expérimental. C’est censé être une sacrée bonne réverbération de mixage – et c’est exactement ce que c’est. Comme pour de nombreux autres plug-ins Soundtoys, le génie réside dans la façon dont les concepteurs ont tout réduit au minimum pour trouver le juste équilibre entre polyvalence, facilité d’utilisation et qualité sonore.

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Les paramètres sont suffisamment peu nombreux pour que l’action devienne instinctive, mais il y en a suffisamment pour que l’on veuille rarement contrôler quelque chose de fixe. Le déplacement de n’importe quel contrôle a des résultats clairement audibles, mais aucun d’entre eux n’a un sweet spot étroit. Et la réverbération a toujours cette qualité de « plaque » complexe et dense, même lorsque vous poussez le temps de décroissance bien au-delà des capacités d’un vrai disque.

Si vous pensez que les ingénieurs de mixage ne peuvent pas vivre uniquement de la réverbération à plaque, une heure ou deux avec SuperPlate pourraient bien vous faire changer d’avis.

L’EMT 140 est encore probablement le roi de la colline en termes de création d’un son qui fonctionne pour absolument tout, mais d’autres modèles de plaques sont très pratiques et parfois préférables, en particulier pour des sources comme les caisses claires. Le 240 a une qualité plus carrée et plus prosaïque qui pourrait être juste le billet où vous ne voulez pas la flottabilité rêveuse complète du 140, tandis que l’Audicon a un ton impétueux et légèrement carrelé avec un fort accent sur les médiums supérieurs. L’Ecoplate III est chaud et durable et est souvent une bonne alternative de viande au 140, tandis que la cymbale Stocktronics est distinctement brillante et accrocheuse. SuperPlate est un plug-in qui porte bien son nom.

Le dernier plugin de Wavesfactory adopte une nouvelle approche de l’égaliseur, effectuant automatiquement la plupart de son travail sur le signal entrant automatiquement, puis permettant aux utilisateurs d’affiner le signal de sortie résultant. L’égaliseur promet de fournir des résultats transparents sans aucun artefact, tout en accélérant le processus de mixage.

Le plugin divise le signal audio entrant en 32 bandes, calcule le gain de chaque bande, puis détermine le niveau cible. Il applique ensuite des réductions ou des amplifications à chaque bande selon les besoins pour s’assurer que toutes les fréquences sont au même niveau. Après avoir effectué ce traitement, les utilisateurs se voient présenter un ensemble de commandes qui ajustent la quantité de traitement appliquée à l’ensemble du spectre ou à des plages de fréquences individuelles.

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Les paramètres Cut et Boost vous permettent de diminuer ou d’augmenter le niveau d’effet d’un pourcentage, et le temps de réaction global de l’algorithme peut être modifié à l’aide des commandes Attack et Release. La molette Amount vous permet de contrôler l’effet en modifiant le gain de chaque bande, et vous pouvez donner la priorité au contenu haute ou basse fréquence à l’aide de la commande Tilt. Vous pouvez même dessiner directement sur l’affichage du spectre dans l’interface graphique pour déterminer la quantité de traitement appliquée à des bandes de fréquences spécifiques.

Le réglage M/S vous permet de concentrer le traitement exclusivement sur les éléments médians ou latéraux d’un signal stéréo, placés quelque part entre les deux, tandis que les filtres passe-bas et passe-haut garantissent que le traitement est limité à des plages de fréquences spécifiées. Le traitement parallèle peut être appliqué rapidement et facilement avec l’inclusion d’un contrôle Mix, et la fonction Auto Gain permet au plug-in d’appliquer une compensation de gain en réponse à tout changement de niveau causé par le traitement.

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Utile, l’égaliseur permet également aux utilisateurs d’écouter le signal de différence entre les signaux traités et non traités (quels que soient les paramètres Cut et Boost) pour montrer ce qu’ils ajoutent ou suppriment.

L’égaliseur est pris en charge sur les PC exécutant Windows 7 et versions ultérieures, et les Mac exécutant macOS 10.13 et versions ultérieures. Des versions de plug-in VST, VST3, AU et AAX sont disponibles.

L’égaliseur est disponible dès maintenant et est actuellement proposé au prix de lancement de 59 € (le prix total sera de 99 €). En savoir plus sur le site officiel: Wavesfactory.

La création de contenu sur YouTube prend du temps, et cela peut être un temps d’arrêt en temps réel. Si vous êtes dans le domaine de la production vidéo, cela vous empêchera d’être le meilleur de l’industrie audio. YouTube n’est pas une baguette magique de carrière comme certains le pensent, en fait, il peut tuer votre carrière avant même qu’elle ne commence !

Discutons de trois raisons pour lesquelles les gens se retrouvent sur YouTube

Tout d’abord, le désir d’aider les autres. Nous tenons à remercier ceux qui créent sincèrement du contenu pour aider les autres. Si vous êtes sur YouTube pour suggérer des solutions, c’est très bien, il y a trop de gens dans le monde qui trouvent des problèmes mais ne pensent pas pouvoir trouver une solution. La deuxième raison est l’exposition. Se faire remarquer sur YouTube est un énorme problème. Pensez à des événements comme le Super Bowl. Il y a des dizaines de milliers de personnes dans le stade, toutes criant à tue-tête, mais seul l’homme au micro se fait entendre. YouTube est comme un énorme Superbowl vidéo et la plupart d’entre nous ne font que faire partie de la foule, nos chances d’être entendus sont nulles. Se démarquer sur YouTube devient de plus en plus difficile, en particulier avec les vignettes de type clickbait qui sont devenues monnaie courante. Une fois que ce style de croquis était unique, maintenant tous les croquis se ressemblent. Si vous cherchez à vous faire connaître, c’est une bataille difficile, même avec des centaines ou des milliers de followers.

La troisième raison est l’argent. Bien que certains YouTubers gagnent des revenus importants, ils sont l’exception plutôt que la règle. Comme pour les plateformes de streaming, nous sommes souvent dupés en pensant que la célébrité est synonyme de succès et d’argent. Cependant, en réalité, les choses sont différentes. Construire une carrière durable uniquement sur YouTube est incroyablement difficile.

J’ai récemment regardé quelques vidéos sur un nouveau produit et j’ai remarqué qu’une personne avait publié une vidéo intitulée Pourquoi vous ne devriez pas acheter ce produit. Deux mois plus tard, ils ont mis en ligne une vidéo supplémentaire dans laquelle ils ont admis qu’ils avaient tort. Chaque vidéo durait 45 minutes. Compte tenu de la difficulté de créer des vidéos, j’ai pensé que le créateur les enregistrait et les téléchargeait à la hâte, ou passait une demi-journée à créer du contenu. Ce temps pourrait être mieux utilisé pour perfectionner les compétences d’un beatmaker, d’un compositeur ou d’un éditeur de dialogue.

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Si vous passez tout votre temps à créer une chaîne YouTube, vous n’aurez pas le temps de développer vos compétences en ingénierie du son dans la production musicale, la composition musicale, la création de rythmes ou le développement de compétences en post-traitement audio. Je comprends les difficultés de faire des vidéos. Il me faut plusieurs heures pour configurer, enregistrer, éditer et télécharger des vidéos YouTube. Ce temps pourrait être mieux utilisé pour perfectionner vos compétences.

Pourquoi quelqu’un comme moi suggérerait-il que vous ne perdiez pas votre temps à créer du contenu YouTube si c’est une si mauvaise idée ?

Passer du temps à créer du contenu pour YouTube qui est déjà saturé de contenu signifie détourner votre attention de la maîtrise de vos compétences, du travail en studio et de l’apprentissage auprès de professionnels chevronnés. Vous risquez de perdre votre concentration. Chaque instant que vous consacrez aux publicités ou aux revenus de YouTube est un moment que vous pourriez utiliser pour devenir un meilleur ingénieur du son, compositeur ou autre.

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La concentration est essentielle et essayer de faire trop de choses à la fois nous empêche de réussir dans l’une d’entre elles. Cet article parle de choix. Voulez-vous être un YouTuber et un influenceur ou aspirez-vous à être le meilleur professionnel de l’audio possible ? Dans ce dernier cas, je vous encourage à reconsidérer votre temps et à vous consacrer plutôt à perfectionner votre métier et à avoir un impact significatif sur l’industrie audio.

Malgré le fait qu’un équipement similaire existe dans divers secteurs de l’industrie audio, le prix auquel il est tarifé peut sembler surprenant. Pour ceux d’entre nous qui travaillent dans la production musicale, il peut sembler que nos collègues des industries du cinéma et de la diffusion paient beaucoup plus pour un équipement capable d’effectuer des tâches similaires. Oui, les spécificités peuvent différer, mais pas suffisamment pour justifier quelques zéros supplémentaires dans le prix du produit.

Pour prendre un exemple simple, un enregistreur de terrain de Sound Devices coûte presque dix fois le prix d’un appareil similaire de Zoom. Pourquoi?

Le mieux résumé par la déclaration ironique des représentants selon laquelle là où la musique coûte 1 $, les films 10 $ et la diffusion 100 $, pour ceux d’entre nous au bas de cette pyramide des dépenses, il peut sembler que ceux qui sont plus élevés sont exploités.

Les radiodiffuseurs comprennent pourquoi ils paient plus. Il y a certainement des rendements décroissants à l’œuvre ici, mais il n’y a pas de collusion entre les producteurs. L’alternative beaucoup moins chère de Zoom à l’enregistreur de terrain susmentionné de Sound Devices illustre le fait que les entreprises se font concurrence, et à moins qu’il n’y ait une protection telle que des brevets pour empêcher cela, les entreprises essaieront et essaieront de se saper les unes les autres. Mais c’est aussi le cas lorsque vous n’obtenez pas quelque chose pour rien. Il y aura des gens pour qui l’enregistreur Zoom sera le choix le plus approprié pour le travail qu’ils font. Alors que pour d’autres, la tranquillité d’esprit offerte par la qualité et la flexibilité de l’option premium en vaut la peine.

Un équipement de qualité supérieure coûte plus cher et chacun doit choisir le niveau d’équipement qui lui convient. Bien qu’il semble à beaucoup qu’un tel écart ne se justifie en aucune façon.

Alors pourquoi y a-t-il une telle disparité entre des équipements qui, bien que différents, font essentiellement le même travail et dont les spécifications sont si similaires ? Qu’il soit utilisé pour enregistrer de la musique dans un studio de musique ou pour enregistrer des dialogues dans un studio de cinéma, tout est un enregistrement. Bien sûr, il existe des différences dans la qualité de construction, mais l’aspect qui n’obtient pas le crédit qu’il mérite est la différence dans les conséquences de l’échec – c’est le véritable facteur derrière ces écarts.

L’équipement de studio à domicile est aussi bon marché que possible, construit au prix, tandis que l’équipement de studio professionnel sera construit selon les spécifications. Si vous voulez enregistrer du matériel de qualité à la maison, vous n’avez vraiment pas besoin de dépenser beaucoup d’argent. Ordinateur, DAW natif, interface de bureau et microphones. Économisez de l’argent sur la surveillance et le traitement acoustique. Que se passe-t-il si quelque chose cesse de fonctionner ? Dans le cas de la production à domicile, pas tellement. Le projet s’arrête tant que le problème n’est pas réglé, si cela fait plusieurs jours, alors s’il y a des co-auteurs, ils attendent. Ils peuvent grogner, mais tout le monde y fait face.

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Dans le cas d’un studio professionnel, la panne d’équipement est un problème plus important et beaucoup plus coûteux. Par exemple, nous entendons des commentaires sur Internet de personnes qui ne sont pas satisfaites du coût du système HDX, mais de nombreux studios professionnels les préfèrent encore en raison des performances garanties en termes de nombre de pistes et de performances du système DSP.

Pour les mêmes raisons, acheter du matériel repensé moins susceptible d’évoluer et de tomber en panne, et l’associer à un contrat de service après-vente approprié pour fournir une assistance prioritaire en cas de panne est coûteux, mais absolument intéressant pour le client visé.

Prenez le pire scénario dans un studio d’enregistrement, s’il s’agissait d’une session orchestrale, les conséquences d’un temps d’arrêt seraient graves. Vous avez besoin d’un plan en cas de problème, car les orchestres coûtent cher. Cependant, une journée d’indisponibilité, même dans ce scénario, n’est rien comparée à une journée d’indisponibilité sur le plateau d’un film ou d’un projet commercial majeur.

Le support coûte cher, et le support prioritaire 24h/24 et 7j/7 est encore plus cher. Nous pouvons nous en plaindre lorsque nous ne pouvons pas l’obtenir aussi rapidement que nous le souhaiterions, mais vous en avez pour votre argent et si vous avez besoin d’une assistance en direct, vous devez payer si votre temps d’arrêt est vraiment coûteux.

Cela peut également se manifester chez différents types de concessionnaires. Alors que le home studio recherche le prix le moins cher sur l’équipement, ce n’est que lorsque quelque chose ne va pas qu’il découvre pourquoi il était si bon marché. Le revendeur le moins cher ne peut se permettre rien de plus qu’une assistance de base, tandis que les revendeurs haut de gamme ne réduisent pas leurs prix, mais cela signifie qu’ils ont la possibilité d’avoir un service d’assistance et de pouvoir emprunter des unités de rechange. fournir au client une couverture jusqu’à ce que l’unité défaillante puisse être réparée.

Les conséquences des temps d’arrêt deviennent plus graves à mesure que l’échelle de production augmente. De l’extérieur, il peut sembler que l’industrie cinématographique (par opposition aux diffuseurs) n’ajoute rien aux coûts, mais au lieu de regarder si les caméras sont impliquées, nous devrions regarder les budgets correspondants. Combien ça coûte de faire un album cher ? Combien coûte la réalisation d’un long métrage ?

Ensuite, il y a la diffusion. Les retards de production de films coûtent cher, mais ils arrivent, les gens se font engueuler, virer, mais à la fin tout le monde s’en remet. La diffusion est différente en ce sens qu’elle ne peut pas être en retard. Vous devez effectuer le transfert. L’échec n’est pas une option. C’est pourquoi si vous ajoutez zéro pour un film non diffusé, vous ajoutez deux pour un film diffusé ! Et ceux qui paient pour ce niveau de soutien s’attendent à obtenir ce pour quoi ils ont payé.

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Tous les clients n’ont pas la même valeur de marque. C’est frustrant d’entendre que tout le monde n’est pas égal si vous êtes au bas de la hiérarchie, mais si vous payez des ordres de grandeur plus à une marque, vous vous attendez naturellement à un niveau de service plus élevé, et c’est exactement ce que nous sommes voyant. Si vous vous souvenez il y a quelques années, lorsque les stations de travail Avid ont soudainement refusé de redémarrer. La situation a évolué très rapidement et d’autres développeurs ont regardé cela avec intérêt.

La rapidité de réponse a été impressionnante, et compte tenu de l’impact potentiel d’un tel incident sur une industrie aussi sensible, c’était exactement le genre de réponse qui, malgré la confusion initiale, s’est avérée être le résultat d’une mise à jour Chrome défectueuse qui n’avait rien à voir. faire avec Avid ou leur logiciel. Un message sur le répondeur expliquant les heures d’ouverture de la ligne d’assistance n’aidera pas dans ce cas.

À quel point la date limite est-elle « morte » ?

Pour certaines personnes, les délais sont souples, ils peuvent décaler. En cas de retards imprévus, par exemple dus à une panne de matériel, le délai est décalé en conséquence. Si le retard entraîne des coûts supplémentaires importants, il est logique de payer un supplément pour les produits et le support qui minimisent les retards. Si vos échéances ne sont pas négociables, le montant que vous êtes prêt à payer pour vous protéger contre les dépassements augmente pour en tenir compte. De ce point de vue, ce qui ressemble à une prime attrayante est en fait le reflet des enjeux dans divers domaines de l’industrie. Ajouter deux zéros au prix pourrait faire économiser à quelqu’un trois zéros ou, dans le pire des cas, sa carrière.

Slate Digital a annoncé aujourd’hui le dernier ajout à sa collection Virtual Mix Rack. Le Transient Shaper permet aux utilisateurs de manipuler les transitoires présents dans leur matériel source et peut appliquer un traitement sur l’ensemble du spectre de fréquences ou cibler des plages spécifiques grâce à l’inclusion d’un contrôle de mise au point unique.

L’option Transient en haut de l’interface graphique contrôle le gain des transitoires détectés. Le plugin utilise une définition indépendante du niveau, ce qui signifie qu’il n’est pas nécessaire de gérer le seuil, et vous pouvez modifier le niveau global du matériel source sans affecter le comportement du plugin. Vient ensuite le contrôle Warmth, qui applique une certaine saturation au transitoire avant d’ajuster son niveau.

La commande Sustain offre une autre commande de gain, mais n’affecte que la « queue » du son qui suit le transitoire initial. Les curseurs de mise au point permettent ensuite à l’utilisateur de réduire la plage de fréquences gérée par les sections Transient et Sustain, les modifications affectant également le signal de la chaîne latérale utilisé pour la détection des transitoires.

La partie inférieure du plugin offre un contrôle supplémentaire sur son traitement. Le paramètre Time ajuste la durée du transitoire en cours de traitement (la modification de la commande affecte également le bouton Sustain), tandis que la commande Makeup permet aux utilisateurs d’appliquer un gain de compensation pour corriger les différences de niveau introduites par le plug-in.

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Le commutateur Stereo Link permet d’utiliser le signal mono additionné pour détecter les sources stéréo, tandis que le bouton Listen permet aux utilisateurs d’écouter les sons transitoires ou soutenus ou la sortie combinée du plug-in. La fonction Safety Clip coupe la sortie du plugin à 0dBFS, et enfin le contrôle Mix facilite le traitement parallèle intégré.

Compatibilité

Transient Shaper est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou 11 et les Mac exécutant macOS 10.15 ou version ultérieure. Les formats de plug-in VST2, VST3, AU et AAX sont disponibles. Le plugin est autorisé via le système iLok PACE ; les licences perpétuelles nécessitent une clé iLok physique, tandis que les abonnements à accès complet peuvent être autorisés via iLok Cloud.

Transient Shaper est maintenant disponible à l’achat et à la mise à niveau. Il est inclus dans le forfait d’abonnement Slate Digital All Access, qui coûte 24,99 $/mois ou 149 $/an. Une licence perpétuelle individuelle peut être achetée pour 149 $.

En savoir plus sur le site officiel: Slate Digital.