La flûte est l’un des instruments les plus charmants jamais fabriqués. Bien que la flûte ait certainement un timbre unique et attrayant, la fascination qu’elle suscite provient également du fait que la plupart des cultures du monde n’ont produit qu’une poignée d’instruments pouvant être classés comme flûte. Sa construction peut être étonnamment simple – prenez un tube creux (dans la culture occidentale, il est généralement fait d’un métal spécial, tandis que dans d’autres, le bois est souvent utilisé) et percez-y une série de trous. Un trou doit être situé près de l’extrémité du tube, et c’est dans celui-ci (ou plutôt dans celui-ci) que le musicien souffle pour obtenir le timbre chaud, clair et mélodieux pour lequel la famille des flûtes est célèbre. Une autre rangée de trous est située sur toute la longueur du tube et, selon qu’ils sont fermés ou ouverts, le pas peut être ajusté. Bien que la flûte ait une construction très simple, la technique de jeu de cet instrument a évolué au fil des siècles dans différentes cultures, c’est pourquoi il existe une large gamme de sons et d’articulations qu’un flûtiste expérimenté peut jouer.

Par rapport aux instruments de la famille des percussions tels que le piano ou le vibraphone, l’échantillonnage d’instruments à vent tels que les flûtes présente un énorme défi pour les développeurs de bibliothèques de sons. Pensez à ceci : une fois que le pianiste a appuyé sur une touche et a tiré le marteau pour frapper la ou les cordes correspondantes à l’intérieur du piano, l’entrée de cette note est pratiquement terminée. À ce stade, le musicien n’a aucun contrôle sur la note sonore et ne peut la terminer qu’en abaissant l’étouffoir sur la ou les cordes. Cela signifie que l’échantillonnage de quelque chose comme un piano peut être relativement simple – il suffit d’enregistrer chaque note à différents niveaux dynamiques et d’attribuer à chaque niveau dynamique les paramètres de configuration MIDI correspondants. Bien sûr, l’explication est plutôt exagérée, mais c’est l’idée générale. Lorsqu’un claviériste joue des échantillons de piano avec un clavier MIDI, la sensation n’est pas si différente de la réalité – les frappes douces créent une faible force de captation MIDI, ce qui oblige l’échantillonneur à capter et à jouer des enregistrements de piano à des niveaux dynamiques plus silencieux. Une forte pression sur les touches entraînera des valeurs de force d’extraction MIDI plus élevées et obligera l’échantillonneur à extraire et à lire des enregistrements plus forts. Tout est très simple.

Les instruments à vent (comme les cordes frottées) sont plus difficiles à échantillonner d’une manière qui semble réaliste. Sur ces instruments, une fois qu’une note commence à retentir, le joueur a toujours un contrôle total sur la dynamique et la hauteur dans le temps, entre autres choses. Le son peut potentiellement changer tout au long de la durée de la note. Comme il s’agit d’une situation complètement différente par rapport aux instruments de percussion mentionnés précédemment, les développeurs d’instruments à vent et à cordes échantillonnés ne peuvent pas se fier uniquement aux configurations MIDI. La vélocité n’est définie qu’au début de la lecture, ce qui la rend insuffisante pour les instruments capables de jouer des notes qui peuvent changer avec le temps. Au lieu de cela, les développeurs utilisent des contrôleurs continus MIDI (généralement abrégés en CC MIDI). Alors que la vélocité MIDI vous permet de définir une valeur unique au début d’une note, les CC MIDI créent un flux continu de données – exactement ce dont vous avez besoin pour contrôler les changements au fil du temps. Les développeurs peuvent utiliser les CC MIDI pour contrôler les changements de dynamique (c’est-à-dire le rendre plus fort ou plus silencieux au fil du temps), la vitesse et la profondeur du vibrato, les changements de tonalité, etc. De plus, certaines articulations, telles que les liaisons et le legato, doivent être échantillonnées et incorporées séparément dans le moteur de lecture pour obtenir un son réaliste.

Compte tenu de ces facteurs, nous devrions être heureux qu’il existe de très bonnes bibliothèques de sons de flûte qui peuvent offrir au joueur la possibilité non seulement de créer des pistes, mais même de rivaliser avec des parties jouées sur de vrais instruments. Cependant, pour devenir un utilisateur expérimenté de ces bibliothèques, il en faudra beaucoup. Vous devez avoir une bonne compréhension des fonctionnalités et des sons proposés dans des bibliothèques spécifiques, de la manière dont ils sont programmés, ainsi que des techniques utilisées lors de l’extraction des sons dans un programme DAW.

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De plus, il y a certains problèmes avec les échantillonneurs logiciels eux-mêmes. Alors que la plupart des bibliothèques suivantes fonctionnent à l’aide de l’échantillonneur Kontakt standard de Native Instruments, il est de plus en plus courant que les développeurs de bibliothèques d’échantillons créent leur propre logiciel à cette fin, qui est généralement déployé en tant que plug-in dans votre programme DAW. Ainsi, la question de savoir combien de ces programmes vous voulez apprendre est une question qui doit également être prise en compte lors du choix de différentes bibliothèques.

Voici donc notre sélection des meilleures flûtes échantillonnées sur le marché en 2022, ainsi qu’un instrument très impressionnant qui va complètement au-delà du paradigme de la bibliothèque d’échantillons.

Berlin Woodwinds – Orchestral Tools

Orchestral Tools propose ses flûtes en deux variétés : soit comme une collection d’instruments détaillés et bien enregistrés de toute la famille des bois, soit chaque instrument est tarifé séparément. Berlin Woodwinds propose les instruments à vent suivants : piccolo, trois flûtes solo différentes, flûte alto, deux hautbois, cor anglais, deux clarinettes et deux bassons. Pour chaque instrument présenté, vous avez le choix entre cinq et six positions de micro, et chaque position contient sa propre signature sonore unique, ce qui est un excellent choix pour ceux qui aiment avoir plusieurs options tonales et spatiales pendant la post-production.

Orchestral Tools possède son propre outil de lecture d’échantillons appelé Sine Player. Il est intuitif, flexible et bien pensé, et possède en plus des fonctionnalités introuvables dans NI Kontakt : vous pouvez charger et gérer des bibliothèques d’échantillons directement depuis l’application Sine Player.

Le son de la flûte de cette bibliothèque était de premier ordre. Les enregistrements sont de très haute qualité et sonnent vraiment juteux. Le legato et le vibrato sonnent doux et surtout naturels, et il n’a pas fallu trop de travail pour obtenir le bon son.

Il convient de noter que Orchestral Tools propose une autre flûte dans le cadre de l’ensemble Whisper. C’est un instrument complètement différent, bien que la qualité et la richesse du son soient inhérentes à cette flûte. Ce qui est également agréable, c’est la bonne collection de bibliothèques d’échantillons gratuites accessibles via le lecteur Sine. Les échantillons des kits gratuits sont tout aussi bons que les échantillons du produit principal. Les enregistrements au cœur de ces bibliothèques ont été conçus par des experts et s’intègrent parfaitement.

SWAM Flutes – Audio Modeling

C’est un outil très, très intéressant. SWAM Flutes n’est pas à proprement parler une bibliothèque d’échantillons, mais nous l’incluons dans cet article pour plusieurs raisons. Tout d’abord, les développeurs semblent vraiment être cotés sur le marché des bibliothèques d’échantillons. Deuxièmement, bien que le produit soit plus susceptible d’être classé comme un synthétiseur, les développeurs ont affiné leurs méthodes de synthèse pour atteindre un objectif étroitement lié, voire identique, à ce que les développeurs de bibliothèques d’échantillons essaient généralement de faire : précis modélisation sonore et comportement des instruments acoustiques traditionnels.

Malgré le fait que SWAM Flutes génère un son comparable à celui de bonnes bibliothèques d’échantillons, le résultat est néanmoins assez bon. Bien qu’elle diffère des meilleures flûtes samplées, au moins elle ne leur est nullement inférieure. SWAM Flutes a sa propre signature sonore unique qui est étonnamment différente de toutes les variantes échantillonnées ; nous pensons que cette caractéristique unique peut être tout à fait souhaitable dans certaines circonstances. Par exemple, le son synthétisé donne un très bon son legato doux, ce que nous avons le plus aimé parmi toutes les options présentées. Mais lorsqu’on le compare directement avec des instruments échantillonnés, c’est-à-dire avec des enregistrements d’instruments réels, la nature synthétisée de SWAM Flute se fait sentir. Cependant, cela peut être bien masqué avec une bonne réverbération convolutive/convolutive. Pour nous, ce produit est un exemple de véritable prouesse dans le domaine de la synthèse sonore.

C’est un excellent outil pour ceux qui veulent travailler avec des sons synthétisés qui ressemblent fortement à une flûte acoustique. Il a une grande tonalité riche et une grande expressivité.

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Stefania Maratti: Solo Flute – FluffyAudio

La flûte de FluffyAudio propose une large gamme d’articulations, un large contrôle legato, trois positions de micro et trois niveaux dynamiques. Quant au son, il est par défaut un peu plus dur et moins arrondi que certaines des autres flûtes de cette liste. Cependant, basculer le micro sur la position « F » la plus éloignée fournit un joli son chaud et rond pour les solos. L’ensemble contient également des options de tonalité. Chaque position de microphone a des filtres, ce qui est un ajout intéressant pour affiner le ton. Cette bibliothèque a moins de réverbération des positions de micro que les autres bibliothèques, mais si vous aimez travailler avec vos propres réverbérations, ce n’est pas un problème.

Cette bibliothèque fonctionne dans Kontakt, bien que FluffyAudio ait sa propre interface utilisateur. Il est intuitif et offre de nombreuses commandes. La bibliothèque a l’air très avancée techniquement, ce qui est admirable. L’interface utilisateur comporte six pages bien organisées, et les fonctions de la page « compensateur » sont la cerise sur le gâteau pour cette bibliothèque. Ces fonctions de contrôle dynamique de FluffyAudio vous permettent d’affiner le niveau de chaque échantillon, ce qui rend le son global plus fluide.

Hollywood Orchestral Woodwinds – EastWest

Une autre bibliothèque exceptionnelle, cette fois d’EastWest. Il comprend à la fois des flûtes solo et d’ensemble. Il dispose de quatre positions de micro qui peuvent être utilisées et mixées simultanément, chaque position ayant un commutateur « surround » ou un commutateur « vintage ». En termes de son, cette bibliothèque rivalise définitivement avec les autres répertoriées ici; les échantillons sont bien enregistrés et leur incorporation dans l’échantillonneur s’est faite de la meilleure façon possible. Il nous a semblé que le legato est particulièrement bien fait ici – les transitions entre les notes sonnent très naturellement. L’une des meilleures bibliothèques de cuivres samplés que nous ayons jamais entendues.

Cette bibliothèque fonctionne dans le lecteur Opus relativement nouveau d’EastWest. Nous avons déjà utilisé un outil plus ancien du même développeur EastWest, et nous devons dire qu’Opus semble être une avancée majeure pour nous. Une refonte majeure de l’apparence de l’interface utilisateur a été effectuée, ce qui est une bonne nouvelle. Il semble plus élégant et plus facile à utiliser.

EastWest propose ses produits sur la base d’un abonnement ou après un paiement unique du prix total du produit. Cette bibliothèque particulière comprend une large sélection d’autres instruments à vent. Il contient des flûtes solo et d’ensemble, des clarinettes et des bassons. De plus, vous trouverez des instruments solistes tels que des flûtes piccolo, alto et basse, des clarinettes pour basse et contrebasse, hautbois et cor anglais. L’option d’abonnement offre l’accès à un vaste catalogue d’instruments échantillonnés bien au-delà des bois mentionnés ici. Si vos besoins vont au-delà de ces outils et si vous êtes à l’aise avec un modèle d’abonnement, alors ComposerCloud+ vaut le détour.

Vento – Heavyocity

Cette bibliothèque de Heavyocity se compose de sept instruments distincts pour Kontakt, divisés en groupes « traditionnels » et « évolués ». La bibliothèque fonctionne à la fois dans Kontakt et dans le lecteur Kontakt gratuit.

Le groupe « traditionnel » est conçu pour imiter le son de vrais instruments acoustiques. Il se compose de sections flûte et clarinette, ensemble mixte haut (piccolos, flûtes, clarinettes et hautbois) et bas (deux clarinettes basses et deux bassons) et contrebasse (deux clarinettes contrebasse et deux contrebasses). Ces instruments traditionnels fonctionnent bien dans les parties d’orchestre standard et offrent une large gamme d’articulations et de positions de micro.

Le groupe « évolué » comprend un outil intéressant appelé « woodwind designer » qui vise à fournir à l’utilisateur des outils de conception sonore avancés. Vous trouverez ici des modificateurs assez inhabituels pour une bibliothèque d’échantillons d’orchestre typique. Il existe des catégories préinstallées telles que les pads, les textures et les effets spéciaux, et un certain nombre d’effets sonores sont intégrés que vous ne trouverez normalement pas dans la bibliothèque orchestrale standard. Les sons ici ont tendance à ressembler à des timbres d’orchestre à vent et sont susceptibles d’être un ajout bienvenu pour les compositeurs qui s’éloignent de temps en temps des parties orchestrales traditionnelles.

Autre

Il existe plusieurs autres sociétés proposant des échantillons de flûte que nous n’avons pas pu tester, mais qui ont tendance à être très appréciées des compositeurs. Il convient de noter ce qui suit:

• • Claire Virtuose par 8Dio.
  • deux flûtes de Native Instruments : l’une est incluse dans la série Symphony – Woodwind, et l’autre est incluse dans la version allégée de Symphony Essentials – Woodwind.
  • Spitfire Audio propose plusieurs options.
  • bibliothèque de la Bibliothèque symphonique de Vienne.

IK Multimedia propose le téléchargement gratuit d’un compresseur nommé « Comprexxor » jusqu’au 20 septembre 2022 ! Comprexxor est une émulation du compresseur analogique Empirical Labs Distressor sous forme logicielle. Polyvalent pour le mixage et le mastering, mais avec quelques fonctionnalités supplémentaires non disponibles sur l’unité matérielle.

Le plugin peut fonctionner comme un outil de saturation pour ajouter des harmoniques et une distorsion analogique. Comme le Distressor original, le Comprexxor propose deux modes de saturation différents, accessibles via le bouton DIST 2/3.

«RackS Comprexxor est basé sur l’un des compresseurs analogiques les plus flexibles et les plus créatifs jamais créés. Avec huit courbes sélectionnables, une saturation harmonique de 2e ou 3e ordre sélectionnable, des filtres passe-haut/passe-bande sidechain et plus encore, le Comprexxor offre une flexibilité sonore sans fin et l’inspiration de demain».

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Contrairement à Distressor, qui est monophonique, Comprexxor propose des modes de traitement supplémentaires, notamment stéréo et midside. Plus important encore, le plugin sonne très bien. Et il n’y a pas que la richesse sonore et analogique convaincante. Le plugin VST a un flux de travail Comprexxor simple et rapide, et j’aime particulièrement la possibilité de contrôler l’intensité de la compression avec le bouton de gain d’entrée, tout comme dans le Distressor original.

Le Comprexxor coûte 129,99 €, mais la bonne nouvelle est que vous pouvez l’obtenir gratuitement jusqu’au 20 septembre. Tout ce que vous avez à faire est de visiter la page de promotion ci-dessous et de répondre au sondage. Vous devrez également installer le logiciel d’autorisation IK Multimedia afin d’installer et d’activer le plugin.

Téléchargement Gratuit: IK Multimedia T-RackS Comprexxor.

Avez-vous déjà pensé que le son de votre ordinateur était trop silencieux et que les programmes et paramètres standard ne suffisaient pas à l’augmenter ? Peut-être avez-vous essayé de regarder un film ou de la musique, mais ce n’est pas assez fort. Ou vous ne pouvez pas vous concentrer sur une réunion en ligne en raison du faible volume de l’interlocuteur. Ne vous inquiétez pas – nous avons une solution. Dans cet article, vous trouverez 12 meilleurs boosters de volume pour Windows et plus encore. Ces programmes permettront d’améliorer et d’augmenter le son jusqu’à 500% !

Equalizer APO 

Ce logiciel open source vous permet d’ajuster les paramètres sonores de votre ordinateur pour obtenir l’équilibre parfait entre volume et clarté. Avec Equalizer APO, vous pouvez amplifier votre son en quelques clics et son utilisation est entièrement gratuite. Toutes ces fonctionnalités en font l’un des meilleurs boosters de volume pour Windows 10.

En outre, il offre également un certain nombre d’autres fonctionnalités telles que la possibilité de créer des préréglages personnalisés et de contrôler le volume d’entrée du microphone. L’Equalizer APO est également livré avec un analyseur de spectre intégré pour suivre et résoudre les problèmes audio.

L’interface de l’application peut ne pas sembler la plus conviviale, mais il est toujours facile de commencer. L’application ne consomme pas beaucoup de ressources système et fonctionne avec presque tous les types de fichiers audio.

DFX Audio Enhancer 

DFX Audio Enhancer est une autre excellente option pour améliorer le son de votre ordinateur. Ce logiciel est livré avec diverses fonctionnalités qui vous permettent de personnaliser le son à votre guise. Avec DFX Audio Enhancer, vous pouvez augmenter le volume, la clarté et la profondeur de l’audio de votre PC.

DFX Audio Enhancer est disponible dans de nombreuses langues et est compatible avec toutes les versions de Windows. Le logiciel est également très facile à utiliser – vous pouvez ajuster les paramètres en quelques clics. DFX Audio Enhancer est gratuit pour une durée limitée, mais après cela, vous devrez acheter une licence.

Boom 3D

Boom 3D est un amplificateur de son qui apporte un son 3D à votre ordinateur. Avec Boom 3D, vous pouvez augmenter le volume et la clarté sans aucune distorsion. Le logiciel est également livré avec un certain nombre d’autres fonctionnalités, telles que la possibilité de personnaliser les paramètres d’égalisation et de créer des préréglages personnalisés.

Boom 3D est disponible pour Windows et Mac. L’application est facile à utiliser et possède une interface interactive et conviviale. Boom 3D est livré avec des fonctionnalités telles que le son surround 3D, le maximiseur de volume et l’égaliseur.

Letasoft Sound Booster

Letasoft Sound Booster est une application légère et facile à utiliser qui peut augmenter considérablement le volume des haut-parleurs ou des écouteurs de votre PC connectés à votre ordinateur. Le programme offre deux options d’utilisation. Tout d’abord, vous pouvez utiliser Letasoft Sound Booster pour Windows pour augmenter le volume de toute application installée. Par exemple, vous pouvez augmenter le volume de votre lecteur multimédia ou de votre navigateur Web au niveau souhaité. Deuxièmement, le programme peut amplifier tous les sons du système, y compris les notifications, les alertes et les autres sons joués sur votre PC.

La version gratuite de Letasoft Sound Booster offre certaines fonctionnalités de base telles que la possibilité d’augmenter le volume des applications Windows et des sons système. La version pro du programme offre des fonctionnalités supplémentaires telles que la possibilité d’enregistrer vos paramètres sonores actuels en tant que profil, d’ajuster le niveau de gain pour différentes applications et de désactiver les sons du système. Letasoft Sound Booster est disponible pour Windows XP, Vista, 7, 8, 10 et le dernier Windows 11.

Fidelizer Audio Enhancer

Fidelizer Audio Enhancer est un programme pour améliorer la qualité de la musique. L’application utilise un algorithme sophistiqué pour analyser les fichiers audio, puis les optimiser pour la meilleure expérience d’écoute. Il s’agit d’un excellent booster de volume pour Windows 10 et d’autres versions. Si vous cherchez un moyen simple d’améliorer la qualité de votre son, vous devriez essayer Fidelizer Audio Enhancer. L’application est disponible gratuitement, et il existe également une version payante qui offre plus de fonctionnalités.

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Viper4Windows

Viper4Windows est un booster de volume incroyable pour Windows. Ce booster audio gratuit vous permet d’augmenter le volume jusqu’à 200% du volume système par défaut.

Viper4Windows prend également en charge les paramètres de son surround, ce qui peut être très pratique si vous utilisez des écouteurs haut de gamme. De plus, il dispose également d’un égaliseur qui peut être utilisé pour améliorer la qualité du son. C’est l’un des meilleurs boosters de volume pour Windows et il vaut la peine d’essayer.

Audio Retoucher

Audio Retoucher est un logiciel gratuit d’édition et d’amélioration audio pour Windows. Il offre une interface facile à utiliser qui vous permet d’éditer vos fichiers audio en un rien de temps. L’une des meilleures fonctionnalités d’Audio Retoucher est sa capacité à augmenter le volume de vos fichiers audio. En quelques clics, vous pouvez augmenter le volume de vos fichiers audio jusqu’à 400 %.

Cela peut être extrêmement utile si vous avez un fichier audio trop silencieux ou si vous souhaitez augmenter le son dans un but précis.

DeskFX Audio Enhancer

DeskFX Audio Enhancer est l’un des meilleurs amplificateurs de volume pour Windows que vous pouvez utiliser. Il s’agit d’un outil gratuit qui permet d’améliorer la qualité de la sortie audio. Avec DeskFX Audio Enhancer, vous pouvez facilement améliorer les basses, les aigus et les voix.

L’une des meilleures choses à propos de DeskFX Audio Enhancer est qu’il est très facile à utiliser. Vous n’avez pas besoin d’être un expert technique pour utiliser cet outil. Tout ce que vous avez à faire est de lancer le programme, puis de sélectionner le périphérique de sortie audio que vous souhaitez utiliser.

Après cela, vous pouvez ajuster les paramètres en fonction de vos préférences. Par exemple, vous pouvez amplifier les basses ou les hautes fréquences. Vous pouvez également ajouter des effets tels que la réverbération et l’écho.

Chrome Volume Booster

Chrome Volume Booster est une extension gratuite pour le navigateur Web Google Chrome qui vous permet d’augmenter le volume de vos fichiers audio et vidéo. Avec l’extension, vous pouvez augmenter le volume jusqu’à 400 %. Cela peut être extrêmement utile si vous avez un fichier audio ou vidéo trop silencieux ou si vous souhaitez que l’audio ou la vidéo soit aussi fort que possible. Vous pouvez également régler le niveau du volume en cliquant sur l’icône d’extension, puis en ajustant le curseur « Niveau du volume ».

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VLC Media Player

VLC Media Player est un lecteur multimédia gratuit et open source qui lit la plupart des fichiers multimédias, ainsi que des disques, des appareils et des protocoles de diffusion en réseau. Il est disponible pour Windows, macOS, Linux et d’autres systèmes d’exploitation. Ce lecteur multimédia est populaire pour gérer tous les types de formats audio et vidéo.

En plus d’être un lecteur multimédia, VLC dispose d’un amplificateur de volume. Il prend en charge l’augmentation du volume allant de 200% à 400%.

Ainsi, si vous souhaitez simplement augmenter le volume lors de la lecture audio et vidéo locale sur votre système, le lecteur multimédia VLC est le meilleur amplificateur de volume pour PC.

Comment fonctionne un booster de volume ?

L’amplificateur de volume augmente le niveau sonore du signal audio. La plupart des amplificateurs utilisent le traitement numérique du signal (DSP) pour augmenter le volume. Le DSP est une technique utilisée pour améliorer la qualité d’un signal audio en modifiant son contenu fréquentiel.

Comment augmenter le volume sur PC ?

Il y a plusieurs choses que vous pouvez faire pour augmenter le volume de votre PC:

• Augmentez le volume dans les paramètres audio de Windows.
• Utilisez un outil d’augmentation du volume comme Equalizer APO, VLC Media Player ou DeskFX (ainsi que d’autres programmes de notre liste).
• Utilisez un haut-parleur externe ou un amplificateur.
• Changez le format audio du fichier en un format sans perte tel que FLAC ou WAV.

Est-il sûr d’utiliser des amplificateurs audio sur PC ?

Oui, les amplificateurs audio sont sûrs sur un PC Windows. Cependant, vous devez toujours être prudent lorsque vous utilisez un logiciel tiers sur votre PC. Assurez-vous de télécharger le logiciel à partir d’une source fiable et de l’exécuter sur un système sans virus.

Un microphone XLR, comme vous l’avez peut-être deviné, utilise une connexion XLR pour convertir l’énergie sonore en énergie électrique, tandis qu’un microphone USB utilise simplement un câble USB pour se connecter à un ordinateur et enregistrer le son. Cela peut ne pas sembler être une grande différence, mais leur utilisation et l’équipement nécessaire pour faire le travail varient considérablement, et vous pouvez trouver quelque chose de mieux adapté à vos besoins spécifiques.

Un microphone XLR est le type de microphone le plus courant que vous rencontrerez. Ils se répartissent en trois catégories:

• Microphones à condensateur
• Micros dynamiques
• Microphones à ruban

1. MICROPHONES À CONDENSATEUR

Le microphone à condensateur est le type de microphone le plus sensible. Ils sont souvent utilisés pour enregistrer des voix ou des instruments à bas volume. Le condensateur nécessitera une petite charge électrique, connue sous le nom d’alimentation fantôme, pour fonctionner.

2. MICROPHONES DYNAMIQUES

Les microphones dynamiques sont également extrêmement courants dans les studios et les performances en direct. Le SM58 est un exemple de microphone dynamique qui a résisté à l’épreuve du temps et peut être vu à peu près n’importe quel concert en direct. Les microphones dynamiques ne nécessitent pas d’alimentation fantôme et sont moins sensibles que les microphones à condensateur.

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3. MICROPHONES À RUBAN

Moins courants que les microphones à condensateur et dynamiques, mais toujours largement utilisés, les microphones à ruban utilisent généralement une fine bande métallique pour capturer le son pendant l’enregistrement. Ils sont moins durables que les microphones dynamiques et à condensateur, mais sont néanmoins populaires dans les studios du monde entier.

Comment fonctionne un micro XLR ?

Un microphone XLR fonctionne en convertissant l’énergie sonore en énergie électrique (via le câble XLR lui-même), qui est à son tour reconvertie en énergie sonore sur la console de mixage, les écouteurs ou les moniteurs. Pour pouvoir utiliser un microphone XLR, vous aurez besoin d’un préampli. En effet, le niveau audio d’entrée est généralement très faible, c’est pourquoi un préamplificateur est utilisé pour l’augmenter à un niveau adapté à l’enregistrement ou à la diffusion.

Si vous enregistrez numériquement, vous aurez besoin d’une carte son externe pour pouvoir convertir l’audio en un signal numérique que votre logiciel DAW peut comprendre. La plupart des interfaces audio incluent un préampli tel que le Focusrite Scarlett qui est très abordable et facile à utiliser.

Comment fonctionne un microphone USB ?

Jusqu’en 2005 environ, les microphones étaient presque exclusivement des microphones XLR. Un microphone USB utilise en fait la même théorie qu’un microphone XLR, mais il utilise simplement un câble USB pour convertir l’audio en un signal numérique qui peut être transmis à un ordinateur. Pour que le microphone USB fonctionne, il vous suffit de le connecter à un ordinateur ou un ordinateur portable. Vous n’aurez pas besoin d’une interface audio pour enregistrer, c’est pourquoi ils deviennent de plus en plus populaires en raison de leur faible prix, de leur facilité d’utilisation et de leurs fonctionnalités.

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Quel est le meilleur, micro USB ou micro XLR ?

Si vous recherchez quelque chose que vous pouvez brancher et utiliser avec un minimum d’effort, un microphone USB peut répondre à tous vos besoins. Cependant, si vous êtes un compositeur, un chanteur, un artiste ou un ingénieur du son cherchant à capturer des voix de qualité, un micro XLR avec une carte son pourrait être plus approprié.

Il y a quelques autres facteurs à considérer. Par exemple, vous pouvez constater que les microphones USB ne sont pas aussi durables que les microphones XLR, et généralement toute casse ou dysfonctionnement entraînera la nécessité d’acheter un nouveau microphone. D’un autre côté, les micros USB peuvent être assez bon marché, compensant la casse et le remplacement.

La qualité que vous obtiendrez avec un micro XLR sera généralement meilleure qu’un micro USB, et bien plus adaptée pour faire de la musique.

Quel microphone la plupart des streamers utilisent-ils ?

Il existe une large gamme de microphones que l’on peut voir sur les streamers. En règle générale, il s’agit d’un Blue Yeti économique (version USB, dans l’image ci-dessus). En ce qui concerne les micros XLR, il s’agit de l’indispensable Shure SM7b avec une qualité sonore et une durabilité fantastiques. Si vous recherchez un microphone similaire à un prix inférieur, pensez au Shure MV7.

Lorsqu’un studio d’enregistrement est rempli de nouveaux équipements, la gestion des câbles devient incontrôlable. Il semble que même dans les petites pièces et avec une petite configuration: sur la table, sous la table, près de la prise – il y a un million de câbles. Ils se glissent sous le bras, gênent sous les pieds et s’emmêlent sous la chaise. Heureusement, vous pouvez investir un peu d’argent et organiser vos câbles de manière à ce qu’ils soient pratiquement invisibles pour le confort de votre travail et de vos clients.

1. boîte de câble

CableBox by Bluelounge est une solution innovante pour une gestion rapide et facile des câbles. La boîte est assez grande pour contenir une rallonge et des câbles supplémentaires enroulés et placés à l’intérieur. Visuellement, ce n’est pas une boîte en plastique délicate qui s’intégrera succinctement dans la conception de votre studio. Disponible en blanc et noir.

2. Manchons pour la gestion des câbles

Il est bon marché et pratique d’utiliser des manchons en tissu avec une fermeture éclair pour la gestion des câbles (par exemple de Joto). Le manchon recueille tous les câbles afin qu’ils ne soient pas éparpillés. La société recommande également de percer des trous afin que les câbles puissent sortir de n’importe où.

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3. Attaches de câble

Rien d’extraordinaire ici, juste une solution utilitaire rapide pour les câbles non gérés. Idéalement, vous devriez utiliser plusieurs serre-câbles pour fixer le câble dans un serpent plus serré. Vous pouvez utiliser les attaches les plus économiques, ou ringard – des élastiques pour de l’argent (mais ils ont une courte durée de vie et avec le temps, ils se cassent. Nous recommandons des attaches en tissu avec velcro).

4. Rack de gestion des câbles (1U)

Le rack est conçu spécifiquement pour les équipements en rack et vous permet d’organiser tous les câbles à l’intérieur du boîtier. Il suffit de les faire passer dans les emplacements spéciaux pour qu’ils ne s’emmêlent pas les uns avec les autres. Avec d’autres équipements sur votre rack, ce panneau aura l’air assez concis.

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5. Porte-câble mural « Gator Frameworks »

Lorsque nous pensons à la gestion des câbles dans un studio, nous pensons généralement à organiser tout ce que nous avons déjà connecté. Mais qu’en est-il du rangement pratique et pratique des câbles ? La tenture murale et l’organisateur de câbles Gator Frameworks offrent exactement cela ; montez-le au mur, ou même à l’intérieur d’un placard pour accrocher tous les câbles pour un accès facile.

6. Boîte de rangement pour câbles D-Line

La boîte de rangement des câbles de D-Line est similaire à l’idée Bluelounge, où vous pouvez gérer et cacher les câbles à l’intérieur d’une boîte élégante. Il existe en petites et grandes tailles en fonction de la taille de votre barrette d’alimentation et du nombre de câbles que vous prévoyez d’organiser.

L’utilisation la plus courante d’une tablette dans la production musicale consiste à la traiter comme un ordinateur portable. Premièrement, il existe des versions mobiles complètes du logiciel DAW (par exemple Garageband, Auria Pro, Cubase, FL Studio, BandLab et SoundTrap) que vous pouvez considérer comme des versions portables de votre logiciel préféré. Vous pouvez obtenir des tonnes d’effets et d’instruments virtuels sur votre tablette comme vous le feriez sur votre ordinateur. Par exemple, Waves propose un ensemble de plugins pour iOS (à utiliser dans Cubasis), et même FabFilter propose un ensemble de plugins pour iOS et Android.

Quelle tablette est la meilleure pour faire de la musique : Apple ou Android ?

Tout dépend de la compatibilité logicielle. Garageband est une exclusivité iOS, tout comme Auria Pro. Heureusement, il existe de nombreuses applications pour Android et iOS, donc les problèmes de compatibilité ne devraient pas être un problème. Quoi qu’il en soit, il est préférable de déterminer comment vous allez utiliser la tablette et de partir de là. En plus de cela, le prix est également un facteur important, et vous constaterez peut-être que vous n’avez pas besoin de la plus grande tablette pour les besoins de production musicale de base.

Les autres éléments clés sont la capacité du processeur, de la RAM et du disque dur. Faites attention aux spécifications minimales des applications de production musicale, cela leur permettra de fonctionner sans distorsion/retard du son/avec une compatibilité totale.

Les meilleurs iPads pour faire de la musique

1. Apple iPad Pro 12,9″

L’Apple iPad Pro 12.9″ est une machine de première classe. Il est équipé d’une puce M1 qui fournit 8 Go de RAM dans les modèles jusqu’à 512 Go de stockage et 16 Go de RAM dans les modèles avec 1 To et 2 To de stockage. Pour référence, les performances seront comparables à un MacBook Pro 13 pouces également équipé d’une puce M1.

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2. Apple iPad Air

Le nouvel iPad Air est plus abordable que la version Pro, avec un peu moins de puissance. Son cœur est également une puce M1 avec 8 Go de RAM. Vous pouvez choisir Air avec 64 Go ou 256 Go de mémoire – il est préférable d’en utiliser plus pour créer de la musique (la mémoire se remplit rapidement). L’iPad Air est finalement un bon compromis entre performances pures et prix abordable.

Meilleures tablettes Android pour écrire de la musique

1. Microsoft Surface Pro 8

La Microsoft Surface Pro 8 est une tablette impressionnante dotée de puissantes capacités de production musicale. Les options vont de 8 Go de RAM et 128 Go de SSD à 32 Go de RAM et 1 To de SSD. Les prix varient également de 1 099 $ à 2 599 $, vous pouvez donc facilement obtenir plus sur une tablette que sur un ordinateur portable ou de bureau. Néanmoins, même la Surface Pro 8 la moins chère couvrira complètement tous les besoins du futur compositeur et hitmaker.

2. Samsung Galaxy Tab S8

La série Galaxy S8 de Samsung propose trois tablettes puissantes. Chacun utilise le même processeur octa-core et 8 Go de RAM. Vous pouvez choisir une tablette avec 128 Go ou 256 Go de stockage, tandis que le S8 Ultra peut être sélectionné avec 12 Go ou 16 Go de RAM et 512 Go de stockage. La taille de l’écran varie également de 11 pouces (S8), 12,4 pouces (S8+) et 14,6 pouces (S8 Ultra). La série S8 offre beaucoup de puissance à un prix avantageux.

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Vous ne pouvez jamais vous tromper avec un iPad car il existe de nombreuses applications pour iOS. Avec le modèle Pro, vous pouvez atteindre le niveau de performance d’un ordinateur portable, et même l’Air a suffisamment de puissance pour créer de la musique. Selon la façon dont vous configurez votre Microsoft Surface Pro, vous vous retrouverez avec la tablette la plus puissante de cette liste. Vous pouvez y créer de grands projets, avec un grand nombre d’outils et de plug-ins pour le traitement. La gamme Samsung Galaxy est sans doute la meilleure option de milieu de gamme, offrant beaucoup de puissance à un prix avantageux.

La bonne nouvelle pour les débutants est que vous pouvez créer de la musique sur n’importe quel ordinateur portable. Si vous recherchez un ordinateur portable de composition de taille moyenne (avec beaucoup de pistes et d’instruments dans votre projet), cet article examinera certaines des options les plus populaires.

Faire de la musique peut être très exigeant sur un ordinateur, et c’est pourquoi plus le projet est complexe et de haute qualité, plus l’ordinateur doit être puissant. Voici les principales fonctionnalités à rechercher :

• Processeur : les processeurs multicœurs délèguent la puissance pour le multitâche. Il est rare de voir moins de processeurs à 8 cœurs dans les studios d’enregistrement de nos jours.
• RAM : Si vous allez utiliser beaucoup de plug-ins et d’instruments virtuels, choisissez la quantité maximale de RAM que vous pouvez vous permettre. Un bon minimum pour la production musicale est de 16 Go.
• Disque dur : choisissez un disque SSD rapide pour enregistrer, lire et exporter des fichiers. Les logiciels et les fichiers peuvent occuper beaucoup d’espace, vous aurez donc probablement besoin d’au moins 256 Go (ce qui peut rapidement se remplir avec les seules bibliothèques de sons !). Vous pouvez toujours étendre avec des disques externes si nécessaire, ce qui est de toute façon une bonne idée pour une sauvegarde.
• Connectivité : Quels périphériques avez-vous ? Assurez-vous que votre ordinateur portable dispose des ports appropriés ou envisagez d’étendre sa connectivité.

Est-il préférable d’utiliser des ordinateurs portables Mac ou Windows ?

Le Mac est une plate-forme créative et la norme de l’industrie pour les studios professionnels. Vous trouverez peu ou pas de restrictions de compatibilité logicielle/matérielle, et vous pourrez plus facilement importer/exporter des sessions et des fichiers entre d’autres Mac du studio. Le plus gros inconvénient est que les MacBook ont ​​tendance à être plus chers que les PC, et il n’y a pas de place sur le Mac lui-même pour mettre à niveau les composants à l’avenir.

Si vous êtes à l’aise avec Windows, c’est très bien ! Les PC sont parfaits pour faire de la musique, et il n’y a pas beaucoup de problèmes de compatibilité logicielle ou matérielle de nos jours. La plupart des principaux plugins et DAW sont multiplateformes, il n’y a donc aucun problème ici. Les PC ont tendance à être plus abordables et plus évolutifs que les Mac.

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Le meilleur MacBook pour faire de la musique

1. La meilleure option budgétaire: MacBook Air

Le MacBook Air a à peu près le même budget que les autres ordinateurs portables d’Apple (ils sont tous chers). Le modèle de base dispose d’une puce M1 à 8 cœurs, de 8 Go de RAM (configurable jusqu’à 16 Go), d’un SSD de 256 Go et de deux ports Thunderbolt 4. Il est également léger si une portabilité maximale est importante pour vous.

2. MacBook Pro 13″

Le MacBook Pro 13 pouces comprend une puce Apple M1 à 8 cœurs, 16 Go de RAM, un SSD de 512 Go et deux ports Thunderbolt 4. Vous devrez probablement étendre sa connectivité car les deux ports Thunderbolt se remplissent rapidement.

3. La meilleure option professionnelle: MacBook Pro 16″

Le MacBook Pro 16 pouces haut de gamme est le plus puissant pour un usage professionnel. Il est livré avec une puce M1 Max à 10 cœurs, 32 Go de RAM, un SSD de 1 To, trois ports Thunderbolt 4, un port HDMI et un port SDXC. Vous pouvez éventuellement mettre à niveau vers 64 Go de RAM et 8 To de SSD si vous en avez besoin !

Les meilleurs ordinateurs portables Windows pour la production musicale

1. La meilleure option budgétaire: Microsoft Surface Laptop 4

Le Surface Laptop 4 est un ordinateur portable à petit budget pour faire de la musique. Le modèle 13,5 pouces peut être équipé d’un processeur Intel i7, de 16 Go de RAM et de 512 Go de SSD. La connectivité comprend un port USB-A et un port USB-C, que vous devrez probablement étendre avec des accessoires.

2. ASUS ZenBook Pro Duo 15

Le ZenBook Pro est un PC fantastique pour les créatifs. Choisissez parmi les puissants processeurs Intel i7 ou i9, jusqu’à 32 Go de RAM et un SSD de 1 To. Il comprend également un ScreenPad en plus de l’écran principal, ce qui vous permet de répartir votre flux de travail entre deux moniteurs directement sur l’ordinateur portable lui-même.

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3. La meilleure option professionnelle: Razer Blade 17 Studio Edition

Razer est connu pour ses ordinateurs portables de jeu, mais leur série Studio Edition a beaucoup de potentiel pour les créateurs de contenu. Cette bête comprend un processeur Intel i9 à 14 cœurs, 32 Go de RAM, 1 To de stockage NVMe, deux ports Thunderbolt 4, un port USB-C alimenté et trois ports USB-A. Ce n’est en aucun cas un ordinateur portable bon marché et sera probablement exagéré pour beaucoup. Mais si vous recherchez le meilleur ordinateur portable de la génération actuelle, c’est le Razer Blade 17 Studio Edition.

Vous cherchez à ajouter de beaux paysages sonores à votre mix ou de la profondeur à votre son de guitare ? Nous avons compilé une liste de ce que nous pensons être les meilleures réverbérations en rack qui feront passer votre studio au niveau supérieur !

1. LEXICON PCM96

Lexicon est le standard de l’industrie en matière de création de réverbération, et PCM96 ne déçoit pas avec son nom. Ce processeur d’effets offre une vaste sélection de réverbérations Lexicon nouvelles et anciennes, ainsi qu’une variété d’effets de retard et de modulation. La combinaison de sons vintage avec la création de nouveaux rend cette machine excellente. La réverbération possède non seulement des ports MIDI/In/Out/Thru, mais également une connectivité Ethernet pour permettre une intégration et une automatisation propres avec votre logiciel DAW.

Les propriétaires de l’appareil font attention à la qualité de fabrication, ainsi qu’à la palette sonore transmise par la réverbération. Avec des sons originaux, des algorithmes supplémentaires, une compatibilité avec l’infrastructure de studio et une excellente interface utilisateur, le PCM96 est un titan avec un prix correspondant (3 500 $).

2. BEHRINGER VIRTUALIZER 3D FX2000

Le processeur d’effets Behringer Virtualizer 3D FX2000 est l’un des meilleurs appareils du marché pour répondre aux exigences les plus élevées et peut ressembler à l’équipement le plus cher. Il dispose d’une large gamme d’algorithmes de réverbération et prend également en charge les longs retards et les effets de modulation. Il comprend des effets stéréo et 3D (Behringers Real Sound Modeling) pour créer des palettes spatiales avec lesquelles la plupart des appareils ne peuvent rivaliser.

De plus, le VIRTUALIZER 3D FX2000 dispose d’une entrée/sortie MIDI et du port d’intercommunication MIDI recherché pour se connecter à pratiquement n’importe quel matériel que vous pourriez avoir et s’intégrer pleinement dans votre configuration de studio existante. Que vous recherchiez votre premier processeur d’effets monté en rack ou que vous élargissiez votre liste d’équipements existants, le Virtualizer 3D (moins de 200 $) est un excellent ajout.

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3. LEXICON MX200

Le Lexicon MX200 est le processeur d’effets standard pour tout studio d’enregistrement professionnel et a été l’épine dorsale des sons de réverbération depuis sa sortie au début des années 2000. Il a non seulement façonné le son Lexicon, mais a également ouvert la voie au développement de processeurs d’effets pour les décennies à venir.

Avec ses configurations de routage flexibles et ses fonctionnalités VST, le MX200 était en avance sur son temps et garantissait la compatibilité avec l’ère à venir de l’enregistrement numérique et en boîte. Le Lexicon MX200 contient environ 100 préréglages – des grandes et petites réverbérations à divers types de modulation, de retards et même de dynamique. Le processeur d’effets n’est pas vendu ou fabriqué par Lexicon sous une nouvelle forme (discontinué), mais vous pouvez trouver un appareil déjà testé par d’autres ingénieurs sur le marché secondaire.

4. EVENTIDE REVERB 2016

Contrairement au PCM96, l’Eventide Reverb 2016 est presque une copie exacte de la reverb Eventide SP2016. Eventide a recréé son son de réverbération classique et l’a intégré dans un processeur d’effets avec un panneau avant et une interface utilisateur mis à jour. Il ne s’agit pas seulement de recréer un classique et de travailler sur une plaque signalétique, Eventide est allé encore plus loin. Ils l’ont mis à jour pour qu’il fonctionne dans un studio d’enregistrement moderne avec une interface E/S analogique, numérique et MIDI.

L’algorithme de réverbération Eventide a un grand son aéré qui a fait ses preuves depuis les années 80. Le nouvel appareil porte bien son nom et le complète avec des fonctionnalités numériques et une interface utilisateur simple. Même s’il s’agit purement d’une unité de réverbération, nous avons pensé qu’elle méritait bien d’être sur la liste des meilleures et qu’elle devrait être un excellent ajout à n’importe quel studio de cette ère moderne. Vous devrez rechercher cet appareil sur le marché secondaire, car il n’est plus produit et a un prix plutôt élevé.

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5. YAMAHA SPX2000

Nous ne pouvons pas parler d’équipement de studio sans parler de Yamaha, qui est la norme dans l’industrie du disque depuis des décennies. Cette itération de leur ligne SPX classique, la Yamaha SPX2000, propose des sons de réverbération classiques du passé, ainsi que des mises à jour et quelques nouveaux ajouts. REV-X est leur nouvel algorithme de réverbération qui présente la tonalité de réverbération la plus riche à ce jour et a une décroissance mise à jour.

La plupart des critiques de la réverbération SPX2000 parlent de la facilité d’utilisation de l’interface du panneau avant et mentionnent la qualité de construction légendaire. Sa facilité d’utilisation s’étend également à l’arrière, créant un panneau de sortie très clair avec de nombreuses options. La capacité du Yamaha SPX2000 à jouer une gamme complète de styles de réverbération en fait un ajout digne de cette liste.

Chacun de ces processeurs d’effets mérite attention et doit être pris en compte lors de l’achat d’équipement. Cependant, il y a un appareil clair qui se démarque des autres, et c’est le Lexicon PCM96. Lexicon l’a fait passer au niveau supérieur en créant un processeur multi-effets qui ne restera pas dans l’ombre pendant de nombreuses années. En ajoutant une connectivité numérique, une capacité MIDI et en élargissant le pool d’effets, ce bloc est un concurrent dévastateur des autres processeurs d’effets et mérite la meilleure note !

Des informations intéressantes et utiles sur les ventes de musique, les tendances actuelles, l’argent, le streaming et les marchés. Voyez combien vous pouvez gagner rien qu’en créant des pistes, et même sans avoir de fans. Entrez dans des listes de lecture, publiez régulièrement de nouveaux documents, faites-vous entendre et le succès vous rattrapera sûrement !

Spotify a publié un nouveau rapport qui présente de nombreux chiffres vraiment intéressants. Les trois choses les plus étonnantes à souligner sont :

• Combien d’artistes indépendants gagnent de l’argent sur Spotify.
• Il y avait plus de musiciens gagnant de l’argent grâce à la musique en 2021 qu’en 2001.
• Les auteurs-compositeurs gagnent en fait PLUS d’argent à l’ère du streaming qu’à l’ère du CD.

La thèse, principalement de la National Music Publishers Association (NMPA), dirigée par David Israelite, est que Spotify déteste les auteurs-compositeurs et ne les paie pas. Malheureusement, bon nombre des plus performants ne comprennent pas très bien l’économie de l’ère du streaming. Et ils aiment intentionnellement compliquer les choses et confondre les autres musiciens. N’oublions pas que les NMPA représentent des éditeurs MAJEURS détenus par des labels MAJEURS.

15 140 artistes qui ont sorti leurs propres albums ont gagné au moins 10 000 $ de Spotify en 2021.

Mon plus gros reproche avec le rapport 2020 de Spotify était qu’il ne séparait pas les artistes du label des artistes auto-publiés. Ainsi, lorsque Spotify indique que 52 600 artistes ont gagné au moins 10 000 dollars, nous ne savions pas auparavant combien d’entre eux avaient ou non des labels. Maintenant, nous savons. 28% des artistes ont obtenu leur diplôme de manière indépendante.

• 203 300 artistes ont gagné plus de 1 000 $
• 81 500 artistes ont gagné plus de 5 000 $
• 52 600 artistes ont gagné plus de 10 000 $
• 16 500 artistes ont gagné plus de 50 000 $
• 9 500 artistes ont gagné plus de 100 000 $
• 2 170 artistes ont gagné plus de 500 000 $
• 1040 artistes ont gagné plus d’un million de dollars

Maintenant, pour être clair, ces chiffres sont en fait le nombre d’artistes dont les catalogues ont généré des redevances à la fois de l’enregistrement unique et de la publication de l’album. En bref, c’est le montant que Spotify a payé pour le travail des artistes.

En ce qui concerne les artistes de label, nous ne savons pas vraiment combien chaque artiste individuel est crédité. Les labels indépendants proposent généralement une répartition 50/50. Les grands labels en conservent généralement 82 % – et ne paient l’argent à leurs artistes qu’après avoir récupéré leurs avances/dépenses (ce qui n’arrive presque jamais). Les artistes auto-édités peuvent conserver la totalité ou la majeure partie de leur argent.

DistroKid, Tunecore, Amuse permettent de conserver 100% des royalties. D’autres comme CD Baby, Stem, AWAL, Symphonic facturent une petite commission de 9 à 15 %. D’autres, comme UnitedMasters, Songtradr, Landr, Horus, fonctionnent sur un modèle hybride et donnent à l’artiste le choix de payer une petite redevance d’édition et de conserver 100 % des redevances, ou de renoncer à la commission mais laisser un pourcentage des ventes au distributeur.

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Spotify verse 2/3 des revenus aux détenteurs de droits d’auteur. En d’autres termes, Spotify conserve environ 33% de commission sur les ventes. À titre de comparaison, Apple Music détient à peu près le même montant. Environ 80 % de cet argent va aux principaux détenteurs de droits (maisons de disques/artistes) et environ 20 % aux détenteurs de droits d’édition (éditeurs/auteurs-compositeurs).

Pourquoi un tel écart ? Pourquoi les éditeurs et les auteurs-compositeurs gagnent-ils tellement moins que les labels et les artistes ?

Eh bien, en fait, cela n’a rien à voir avec Spotify. C’est parce que les majors veulent que ça reste comme ça. Je pense que cette répartition devrait être 50/50 – éditeur/label (auteur-compositeur/interprète). Mais, bien sûr, les majors ne veulent pas baisser leurs salaires. L’industrie de la musique à l’ère du CD favorisait les superstars deux fois plus qu’elle ne le fait aujourd’hui.

Dans ce rapport, Spotify affirme :

« Au plus fort de l’ère du CD, 25 % des ventes aux États-Unis provenaient des 50 meilleurs artistes. En 2021, seuls 12 % des flux américains sur Spotify provenaient des 50 meilleurs artistes, ce qui signifie que les opportunités de revenus s’étendent désormais bien au-delà des plus grandes stars.

Plus de 9 000 artistes sur Spotify comptent plus d’un million d’auditeurs mensuels. De plus, 718 000 chansons ont plus d’un million d’écoutes !

En 2020, les auteurs-compositeurs ont perçu plus de revenus qu’en 2001.

Le rapport de l’IFPI note qu’en 2020, les éditeurs, les auteurs-compositeurs et leurs organisations de gestion collective (CMO) ont gagné 3,5 milliards de dollars rien qu’en streaming. En 2001, les revenus étaient inférieurs à 3 milliards de dollars.

À l’ère du CD, les CD eux-mêmes se vendaient environ 18 $ au public à leur apogée (vers 2001). Le magasin de disques a conservé environ 8 $ (44 %), le label a conservé le reste (56 %), puis a versé ce montant aux éditeurs/auteurs-compositeurs et à leurs artistes (peut-être). Sur un seul CD de 10 titres, les auteurs/éditeurs gagnaient 7,55 cents par chanson en 2001. Donc dans ce cas, les éditeurs ont été payés environ 75 centimes par vente de CD, soit seulement 4% du total ! À l’ère du CD, les éditeurs réalisaient environ 4 % des ventes totales de CD. Les éditeurs reçoivent désormais un peu plus de 15 % des revenus totaux du streaming. À l’ère du CD, les labels représentaient environ 56 % des revenus totaux.

Maintenant, le gros problème est que si vous êtes un auteur-compositeur qui n’a pas atteint le record, vous n’obtenez pas une part égale. Alors qu’avant, à l’ère du CD, si vous aviez quelques hits sur un album, les gens achetaient tout l’album. Désormais, seuls les hits sont diffusés. L’argent n’est plus que dans les hits. Ainsi, les auteurs de hits gagnent aujourd’hui beaucoup plus qu’à l’ère du CD. Alors que les auteurs-compositeurs sans succès gagnent beaucoup moins d’argent.

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Les auteurs-compositeurs devraient-ils gagner plus d’argent ? Absolument! Est-ce que je pense que les labels et les éditeurs devraient recevoir des sommes égales du streaming ? Oui. Cela n’arrivera que si les majors l’acceptent (ce qu’elles ne feront certainement pas car cela signifie qu’elles devront être moins payées).

Lucian Grange, PDG d’Universal Music Group (la maison de disques la plus rentable au monde), a gagné 200 millions de dollars en 2021, soit plus que le revenu total d’écriture de chansons pour chaque auteur-compositeur au Royaume-Uni.

Spotify héberge 200 000 groupes de disques « professionnels »

Spotify note (sur la base d’une grande partie des critiques qu’ils reçoivent) que si 8 millions de personnes ont téléchargé de la musique sur Spotify, seuls environ 200 000 d’entre eux sont des « artistes professionnels ou professionnels de l’enregistrement ». La plupart de ces 8 millions de personnes n’ont mis en ligne qu’une ou deux chansons et n’ont jamais joué en direct. Nous osons noter que notre studio « AREFYEV Studio » travaille souvent avec des artistes professionnels et la qualité du mixage et du mastering a été approuvée en intégrant les matériaux dans les meilleures listes de lecture, et les morceaux occupent avec succès des positions honorifiques sur les stations de radio.

Le nombre dans le rapport Spotify est basé sur deux facteurs :

1. Vous jouez en live ?
   En 2019, 199 000 artistes sur Spotify ont joué au moins 1 émission.
2. Avez-vous au moins 10 000 auditeurs par mois ?
   Spotify note également que 165 000 artistes ont au moins 10 000 auditeurs mensuels.

Spotify est prêt à passer à un modèle de paiement « centré sur l’utilisateur ». SoundCloud, Tidal et bientôt Pandora s’orientent vers un modèle de paiement dit « user centric ». Cela signifie que si les artistes ont des fans qui écoutent beaucoup leur musique, ils seront mieux payés. Si un auditeur dépense 10 $ pour un abonnement Spotify et n’écoute qu’un seul artiste ce mois-ci, ces 10 $ seront répartis entre CHAQUE flux sur Spotify. Avec un modèle de paiement centré sur l’utilisateur, la totalité de ces 10 $ ira à cet artiste (moins la commission Spotify de 30 %).

Il récompenserait les artistes avec des fans

De nombreux artistes obtiennent des millions de pièces tout en gagnant beaucoup d’argent, mais ne peuvent pas vendre 50 billets pour des concerts dans leur ville natale. Comment est-ce possible?

Eh bien, les chansons sont constamment incluses dans les listes de lecture populaires. Ce qui, à son tour, leur apporte beaucoup de flux (et beaucoup d’argent). Mais ils n’ont pas de fans. Ces auditeurs jouent simplement la liste de lecture sans sélectionner un artiste spécifique. Un modèle de paiement centré sur l’utilisateur récompense les artistes avec des fans fidèles. Peu importe le nombre de flux que vous obtenez. Il n’y aura plus de calcul « par flux ». Seule compte la fréquence à laquelle vos fans vous écoutent par rapport à tout le monde. Si un fan qui a payé 10 $ pour un abonnement vous écoute ainsi que 9 autres artistes ce mois-ci, vous gagnerez 1 $ ce mois-ci grâce à ce fan. Si vous n’avez que 1 000 fans dédiés qui vous écoutent 1/10 du temps, alors dans le cadre d’un modèle de paiement centré sur l’utilisateur, vous recevrez environ 1 000 $ de revenus de streaming par mois.

— Voir également: Meilleurs plugins de mastering (ordre de traitement et liste des outils vst) —

2021 a été l’année la plus rentable pour l’industrie de la musique

Sur les 25,9 milliards de dollars que l’industrie de la musique a gagnés en 2021, 7 milliards de dollars provenaient de Spotify.

Spotify estime que 50 000 artistes ont gagné plus de 40 000 $ grâce au streaming en un an. Il s’agit de mathématiques d’extrapolation sérieuses. Spotify affirme qu’il représente plus de 20% des revenus de la musique enregistrée. Ainsi, y compris d’autres services de streaming, ils estiment que 50 000 artistes gagnent encore 4 fois ce qu’ils gagnent grâce aux flux Spotify (50 000 artistes ont gagné plus de 10 000 $ rien qu’avec Spotify).

Je doute fortement que ce soit réellement exact. La plupart des artistes occidentaux tirent l’essentiel de leurs revenus du streaming sur Spotify. Je suppose que les 80 % restants des revenus de la musique enregistrée proviennent en grande partie d’autres territoires avec d’autres plateformes. Et les artistes qui composent ces 80% ne gagnent pas des sommes égales sur Spotify, tout comme les artistes occidentaux ne gagnent pas des sommes égales sur Apple Music, Tidal, Pandora, Deezer, JioSaavn, NetEase, QQ, etc.

Vous pouvez vous familiariser avec le rapport « Fort et clair » sur le site Web: Spotify.