Nous vous proposons des synthétiseurs éprouvés qui ont fait leurs preuves dans l’écriture de la basse. Il est probable qu’il existe actuellement des instruments avec de nouveaux algorithmes et de nouveaux sons, mais nous vous proposons les bases des bases que vous ne devez pas connaître. Il suffit de démonter 2-3 synthétiseurs, et cette connaissance peut être appliquée à tout le reste.

1. Native Instruments Massive

Il existe de nombreux cours en ligne sur ce synthétiseur, et parfois vous avez l’impression qu’il est tout simplement impossible de l’apprendre.

Des fonctionnalités incroyables et un son cristallin. Interface conviviale et utilisation relativement faible du processeur. Tout producteur qui se respecte devrait avoir ce synthétiseur!

— Voir également: TOP 7 des meilleurs plugins et programmes pour nettoyer le son du bruit —

2. Spectrasonics Trilian

J’ai mis du temps à découvrir ce module. Ce plugin est très populaire dans l’industrie cinématographique. Il dispose d’un grand nombre de préréglages préinstallés qui conviennent à tous les styles de musique.

3. u-he Diva

Les plugins Urs Heckmann sont très appréciés des musiciens. Et parmi eux, peut-être, la position de leader est occupée par u-he Diva. Récemment, il est devenu de plus en plus populaire et utilisé par les musiciens, en particulier lors de l’écriture de styles électroniques. Il existe déjà de nombreux cours et critiques vidéo sur ce plugin qui montrent les capacités du synthétiseur.

— Voir également: Qu’est-ce que LUFS et pourquoi est-ce important? —

4. Cakewalk z3ta+ 2

Le z3ta + original était populaire pour l’écriture de drum & bass. La deuxième version de ce synthétiseur est tout simplement un plug-in indispensable pour les producteurs d’EDM. Malgré l’interface plutôt douteuse, il dispose de tous les boutons de commande nécessaires. Ce plugin VST peut relever n’importe quel défi!

5. Rob Papen Predator

Predator est l’un des derniers plugins de Rob Papen. Ce développeur est devenu célèbre pour sa première version de SubBoomBass, dans laquelle vous pouvez enrouler n’importe quelle sous-basse pour les styles hip-hop!

Il a également créé Linplug et vous devriez absolument essayer ce synthétiseur spectral!

6. Arturia Minimoog V

Il s’agit du synthétiseur Moog recréé et intégré au plugin. En tant que l’un des plus emblématiques, il a souvent été torturé pour être transféré sur une plate-forme électronique, mais Arturia a mieux géré cela que les autres.

Ce plugin, à notre avis, est la meilleure implémentation!

— Voir également: Meilleurs plugins VST pour le traitement vocal en 2018! —

7. FabFilter Twin 2

Vous savez d’après les articles précédents que nous sommes de grands fans des plugins FabFilter. Et vu qu’ils ont un nouveau limiteur Pro-L de la deuxième version… Cela vaut la peine de regarder de plus près leur synthétiseur!

Twin a d’excellents filtres ainsi qu’une excellente qualité sonore et une belle interface minimaliste.

8. D16 Phoscyon

Nous avons examiné le meilleur synthétiseur jamais conçu pour incarner le son du Minimoog, mais qu’en est-il de l’autre célèbre synthétiseur de basse Rolands TB-303 ? Nous votons pour D16 Phoscyon. Cette société a impeccablement transféré le son caractéristique du Rolands TB-303.

Si vous en avez assez des basses « acides » et que vous voulez un son analogique, ce synthétiseur est fait pour vous!

9. Sugar Bytes Cyclop

Cyclop est un autre monstre monophonique et plutôt unique!

Cyclops fait bien son travail dans les styles de musique électronique lourds. Il a tout ce dont vous avez besoin pour des effets intéressants.

— Voir également: 10 plugins VST les plus populaires de 2018! —

10. sylenth1

Et bien sûr, le synthétiseur le plus célèbre de ces dernières années. Probablement pas un seul morceau populaire de notre époque ne peut s’en passer. Vous pouvez beaucoup parler de lui et l’admirer, mais il vaut mieux essayer. Tout producteur qui se respecte possède ce plugin. Ses capacités et son son peuvent être estimés à partir de milliers de leçons vidéo et de critiques sur Internet.

Si vous cherchez de bons saturateurs gratuits, vous êtes au bon endroit ! Voici une sélection de plugins gratuits que nous avons pu trouver, télécharger et tester. Chacun d’eux fait un excellent travail avec sa tâche dans la licence de base.

FerricTDS Variety Of Sound

Ce plugin remplit plusieurs fonctions à la fois:

• DYNAMIQUE – compresseur doux. L’attaque peut être définie dans le bloc de gauche de l’interface.
• SATURATION – ajoute des harmoniques et de la saturation.
• LIMITATION – contrôle du volume (limiteur).

Description et lien de téléchargement gratuit ici: FerricTDS

NastyVCS Variety Of Sound

Encore un grand saturateur. Le plugin fonctionne avec une latence nulle et est enrichi d’une variété de boutons pour un contrôle flexible des harmoniques mélangées.

Plus de détails ici: NastyVCS

— Voir également: 7 plugins de kit de batterie dont chaque producteur aura besoin! —

TesslaPRO mkII Variety of Sound

TesslaPRO MKII est un nouveau saturateur avec 5 algorithmes de traitement différents (chacun essaie de copier un modèle d’équipement analogique connu, mais les développeurs ne divulguent pas les détails).

En présence de la possibilité de régler les transitoires, les basses et le niveau de saturation.

Plus d’informations sur le site: TesslaPRO mkII

Nebula3 Free от Acustica Audio

Nebula3 – simule une variété d’équipements haut de gamme plutôt coûteux. L’un des premiers produits Acoustica Audio que vous pouvez télécharger gratuitement (bien qu’une version allégée de celui-ci). C’est suffisant pour les tâches de base (par exemple, saturer un groupe de batterie).

X-Tube Xenium Audio

Cet amplificateur simule un saturateur analogique à tube à vide.

• Simulation de tube à vide – 12AX7
• Prise en charge du son mono, stéréo et 5.1
• Traitement audio 64 bits
• Faible utilisation du processeur
• Fonctionne avec n’importe quel taux d’échantillonnage et débit binaire.
• Suréchantillonnage audio 1x, 2x, 4x, 8x, 12x, 16x
• 3 sections d’égalisation avec contrôle jusqu’à +/- 12dB
• Saturation et distorsion flexibles
• 12 préréglages d’usine
• 8 préréglages utilisateur

Télécharger: X-Tube

— Voir également: Qu’est-ce que Kontakt 5 et les différences avec Kontakt 5 PLAYER —

IVGI Klanghelm

IVGI est un saturateur léger et très doux des développeurs renommés Klanghelm.

En détail: IVGI

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Vous êtes producteur de musique, avez beaucoup d’idées et traduisez tout cela en musique? – Il est temps de vendre! Aujourd’hui, le marché regorge de salles de concert et de services de streaming qui permettent d’accéder non seulement aux marchés de la Russie, de l’Ukraine et des pays de la CEI, mais également aux salles américaines.

Bien sûr, la concurrence est grande et vous devrez travailler dur pour commencer à gagner votre premier argent. Avec un petit effort, vous pouvez ouvrir votre propre boutique en ligne, la moderniser et elle vendra votre musique 24h/24 et 7j/7.

En tant que beatmaker, compositeur ou interprète, vous pouvez créer un bon beat en quelques heures et le mettre en vente immédiatement. Dans d’autres professions, il faut beaucoup plus de temps et de coûts pour vendre un produit. Pensez simplement au temps et à l’argent qu’il faut pour créer un programme informatique.

— Voir également: 10 meilleurs plugins de réverbération au monde! —

Alors quels sont les meilleurs sites pour vendre votre musique en ligne? Pour être plus objectif, nous avons posé cette question à plusieurs beatmakers populaires en 2016.

• « Nous avons notre propre site, AnnoDominiNation, qui est accessible au public. Malgré le style particulier, j’ai quand même réussi à implémenter la musique à travers lui. De plus, j’utilise le site BeatStars – c’est une tête et des épaules pour un jeune musicien. Il a tous les services dont vous avez besoin pour promouvoir la musique. Vendre de la musique peut être n’importe où. Par exemple sur YouTube, SoundClick et ContentID », – AnnoDomini
• « Je vends actuellement ma musique sur Beatstars. Avant, je ne vendais que sur Soundclick. Aujourd’hui, vous pouvez obtenir un revenu régulier sur les deux sites (sauf si vous avez un contrat d’exclusivité). Bien sûr, il existe d’autres sites comme MyFlashStore, Rocbattle, etc. « Même YouTube peut être un bon endroit pour monétiser les vues, mais je choisis les sites qui ont le plus grand nombre de personnes intéressées dans mon style » – KrissiO
• « Mon endroit préféré pour vendre de la musique est BeatStars. Le service vous permet de conserver 100% de vos ventes. Il fonctionne également avec YouTube (pour aider à protéger les droits d’auteur). Tout cela me permet de monétiser des chansons sur YouTube et Soundcloud. J’aimerais savoir à propos de ce site il y a 3 ans! »- dit Mantru.

Les meilleurs sites où vous pouvez vendre vos instrumentaux en ligne sont:

BeatStars

Selon les recherches, BeatStars est en effet le site le plus populaire et le plus convivial pour vendre du hip-hop contre. Des instrumentaux du monde entier sont hébergés ici, et vous pouvez également vendre et acheter de la musique. Il contient de nombreux services et services utiles pour la distribution à d’autres sites, ainsi que pour augmenter les écoutes.

Myflashstore

Myflashstore est un autre grand marché pour les producteurs. Principales caractéristiques: 0% de commission sur les ventes, paiement instantané pour la plupart des services de paiement (PayPal, Stripe, etc.), compatible avec les appareils mobiles, offre des réductions, des coupons et des newsletters.

— Voir également: 10 excellents synthétiseurs VST pour écrire de la basse —

Rocbattle

Rocbattle est un site populaire avec plus de 90 000 producteurs du monde entier. Possède un ensemble complet de fonctionnalités gratuites et payantes pour la promotion de la musique. Récemment, il a un faible support et des problèmes de paiement, nous ne recommandons pas de l’utiliser comme plate-forme principale de promotion.

BeatBrokerz 

Le site BeatBrokerz était très prometteur, mais malheureusement, il a complètement cessé d’exister. En 2016, il a accueilli plus de 3 000 producteurs et plus de 40 000 instrumentaux exclusifs.

— Voir également: 7 plugins de kit de batterie dont chaque producteur aura besoin! —

Si vous n’avez aucune expérience de travail avec de telles ressources, vous devrez passer beaucoup de temps à les comprendre et à ne pas vous brûler lors des premières ventes. Si votre objectif est de gagner de l’argent sur la musique, vous devez comprendre qu’il s’agit d’une entreprise dans laquelle vous devez investir dans la publicité, la promotion et les relations publiques, et en retour, recevoir de l’argent et de la popularité. N’oubliez pas d’entretenir les réseaux sociaux (VK, Facebook, Instagram, TikTok…) Si vous venez de poster votre travail, et c’est la fin de la promotion, la musique se noiera tout simplement dans le fond des autres producteurs.

Si vous avez aimé notre article, partagez-le avec vos amis en utilisant les boutons ci-dessous. Avez-vous besoin d’un mastering de haute qualité pour qu’un morceau sonne à la hauteur des œuvres commerciales? Commandez une démo mastering gratuite dans notre studio et sentez la différence.

Je suis producteur de musique depuis 13 ans et j’en suis venu à la conclusion que le moyen le plus rapide de se désintéresser de la profession est le manque d’argent. Cette profession ne garantit pas de gagner de l’argent pour chaque projet et chaque idée. Vous devrez investir suffisamment de temps et d’efforts pour recevoir votre premier cash. J’ai identifié 5 façons principales auxquelles vous devriez prêter attention.

1. Vendre de la musique

Vendez votre musique via votre site Web ou via des services populaires (comme Soundcloud). Les blogs et les sites partenaires élargiront vraiment le cercle de confiance, et les musiciens intéressés par l’achat de backing tracks/instrumentaux seront attentifs à vous.

2. Édition

Abonnez-vous à des sites qui recherchent régulièrement de la musique pour des émissions de télévision et des films. De cette façon, vous pouvez gagner en popularité. Vous attirerez l’attention sur vous et augmenterez ainsi vos ventes. N’oubliez pas la qualité de votre musique. Les réalisateurs sont prêts à payer cher pour de la bonne musique.

— Voir également: A quoi sert une carte son (interface audio)? —

3. Vendez vos propres échantillons sonores

Créez un pack de vos échantillons uniques qui peuvent être utilisés dans certains styles. Concevez-les avec une haute qualité et publiez-les sur des sites populaires (n’oubliez pas de faire quelques exemples). Les échantillons doivent être uniques et conformes à la loi sur le droit d’auteur. Pour les ventes directes, il est souhaitable d’avoir votre propre site Web, où vous réapprovisionnerez régulièrement les packs de sons et publierez les actualités.

4. Services de musique

Vous devez être au courant de toutes les nouveautés et tendances dans le monde de la musique. Abonnez-vous à des sites et blogs intéressants. Il est important d’avoir accès à toutes les parties intéressées possibles à l’achat, telles que les DJ, les chanteurs, les ingénieurs du son, etc. Proposez vos services, mais ne spammez pas. Cela ruinera votre image.

— Voir également: Comment améliorer la qualité des morceaux sur SoundCloud et YouTube? —

5. YouTube

YouTube est la deuxième ressource la plus visitée après Facebook. Téléchargez votre musique là-bas (pas en entier et pas dans la meilleure qualité). Trouvez des followers et obtenez des commandes régulières du monde entier. Vous pouvez retirer de l’argent de YouTube une fois par semaine (de 15 $ à 10 000 $).

Il existe également des dizaines d’autres façons de gagner de l’argent avec la musique. Si vous avez découvert quelque chose de nouveau qui n’est pas décrit ici et que vous souhaitez en savoir plus, écrivez dans les commentaires. Merci!

Bus, auxiliaires, départs et retours – que sont-ils et pourquoi sont-ils utiles? Dans cet article, nous allons essayer de simplifier les informations afin que chaque élément soit facilement perçu. Nous les utilisons dans chaque mélange.

« Bus » est l’un des chemins qui rassemble les pistes en un seul groupe. Le canal de bus le plus populaire auquel tout compositeur travaillant dans un programme doit faire face est le bus principal final.

Comment ça fonctionne:

• vous pouvez créer des « canaux » séparés tels que : groupe de kick, groupe de batterie, groupe de vox, etc.
• vous pouvez traiter différents groupes d’instruments sur le même canal (faire des transitions communes, des filtres, un traitement de fréquence, une compression, etc.).
• on peut régler le volume de chaque groupe, construisant ainsi rapidement, par exemple, le ratio kick/bass avec percussion.

« Aux » = envoi/retour. Lorsque vous travaillez avec de la musique, ce canal vous permet de créer un « bus » Aux séparé sur lequel vous pouvez mettre un effet (par exemple: retard ou réverbération), ce qui est pratique pour mélanger à chaque piste en termes de pourcentage.

— Voir également: 5 compresseurs analogiques sous forme de plugins VST! —

Le signal de sortie peut être écouté en mode solo et traité indépendamment des sons principaux (par exemple : supprimer les fréquences indésirables, le bruit, ajouter des distorsions artistiques). Lors de l’utilisation du bus « Aux », moins de ressources informatiques sont utilisées (moins de charge processeur), un mixage plus léger et plus chaud.

Résultats:

– Le bus « Bus » permet à l’ingénieur de rassembler des instruments dans une piste, qui peuvent être contrôlés séparément. En compressant et en égalisant un groupe de batterie, vous pouvez assembler un kit de batterie. Cela semblera plus complexe que de « rassembler » des instruments sur différentes pistes.

– « Aux » est un départ de son qui permet de mixer en reverb qui n’a pas besoin d’être mis directement sur chaque piste séparément. Vous pouvez créer des valeurs de réverbération génériques que vous pouvez facilement mélanger dans chaque piste pour créer une tonalité unique. Il est à noter qu’il est pratique d’utiliser la compression parallèle sur le bus Aux pour épaissir le mix dans son ensemble.

Nous commençons une série d’articles utiles qui révéleront les côtés et les goûts des ingénieurs du monde. Parlons de nos compresseurs, égaliseurs, réverbérations préférés et de bien d’autres choses utiles ! Dans cet article, nous allons révéler des points de vue sur les égaliseurs. Qui utilise quoi le plus souvent?

«  »EQ-3″ d’Avid est probablement celui que j’utilise le plus souvent. J’utilise également l’égaliseur MH Channel Strip, avec lequel j’ai commencé mon travail. Au début, lorsque le DSP était très important, vous n’aviez pas beaucoup de place pour cinq plug-ins différents, et comme ce plug-in comprenait un égaliseur, un compresseur, etc., c’était le plus couramment utilisé. Il convient également de souligner l’égaliseur Focusrite D2 ».

– Phil Tan (Mariah Carey, Rihanna, Snoop Dogg, Katy Perry)

« J’utilise le plugin Neve 88rs depuis le premier jour où j’ai eu le matériel UAD. Vous pouvez tout faire avec ce plugin. Sonne bien à la fois sur le chant et sur tous les instruments. Ce plugin émule la console Neve. Les personnes qui y ont travaillé disent que c’est une transmission étonnamment précise. Cette console n’était pas très populaire car elle coûtait un million de dollars [rires] donc peu de gens pouvaient se l’offrir en studio, mais ce plugin est génial. »

– Gary Noble (Jessie J, Estelle, Amy Winehouse, Nas)

 « Le plus souvent, j’utilise le plugin Pro-Q 2 de FabFilter. Il est facile à travailler et sonne très transparent. Il a un analyseur intégré qui est souvent utile. Ce plugin peut résoudre tous les problèmes de fréquence.« 

– Paul Gatehouse (Janet Devlin, Nell Bryden, Honey Ryder, Alistair Griffin)

— Voir également: Le meilleur de 2016: les bibliothèques d’échantillons Kontakt —

« Ce que j’aime dans les égaliseurs est une question difficile. Pour moi, c’est plus intéressant – quelque chose comme Soundtoys Radiator ou Decapitator. Ces plugins ajoutent du caractère et de la richesse. C’est mieux que l’égaliseur. J’ai des égaliseurs analogiques, et donc j’utilise rarement des plug-ins. Je n’utilise que les filtres Waves SSL Channel pour le coupe-haut et le coupe-bas. »

– Ethan Mates (Linkin Park, Red Hot Chili Peppers, Tupac, Black Eyed Peas)

« Je suis passé à Universal Audio lorsque j’ai eu une expérience intéressante en enregistrant un multipiste sur une console Neve 88RS à Londres. J’ai rapidement enregistré le signal brut et je suis retourné dans mon studio pour faire le bon mixage. Mais je n’ai pas pu recréer la teinte souhaitée, j’ai donc dû acheter des plugins UAD et émuler le Neve 88RS. Jamais regretté l’achat. Il est impressionnant. »

– Ali Staton (Madonna, Seal, Rufus Wainwright)

« J’utilise le plus UAD Neve. Mais si vous regardez de plus près le processus lui-même, alors le plus souvent, je dois travailler avec des instruments en direct, j’utilise pour eux Waves SSL G, Neve 1081, SPL Twin Tube. Chacun de ces plugins a son propre caractère ! »

– Mark Needham (Fleetwood Mac, The Killers, Imagine Dragons, Elton John)

« Je pense que ProQ 2 [Fabfilter] est le meilleur plugin que j’ai utilisé le plus récemment. Je l’utilise habituellement comme égaliseur Mid/Side. Il a une profondeur de coupe de 72 dB, ce qui vous permet de supprimer les artefacts indésirables. Maintenant, j’expérimente l’égaliseur dynamique de Melda, qui donne un résultat plus unique.« 

– Luca Pretolesi (Diplo, Skrillex, Major Lazer, Lil Jon, Snoop Lion)

 « J’aime vraiment l’égaliseur de l’Izotope 5. Je pense que c’est l’égaliseur le plus transparent que j’ai entendu. Maintenant, j’utilise souvent le canal SSL de Waves. Il donne sa « couleur ». Il y a des moments où j’utilise le Digi EQ7 quand j’ai besoin d’une teinte vintage. Mais de tous les égaliseurs, je recommanderais d’utiliser Waves SSL Channel. Il est pour toutes les occasions.« 

– Lu Diaz (P Diddy, 50 Cent, Beyoncé, Mary J Blige)

— Voir également: Les 7 meilleurs compresseurs multibandes au monde! —

« Les 4 égaliseurs que j’utilise le plus sont le Waves API EQ, le Waves H-EQ, le SSL channel EQ (Duende) et le Wave Arts TrackPlug 5. »

– Adam Barber (Boyce Avenue, Creed, Limp Bizkit, Backstreet Boys)

« Mes égaliseurs préférés sont l’UAD Cambridge EQ, le SSL (plugin UAD ou Waves, selon le matériel) et le Metric Halo Channel Strip. »

– Ariel Barujow (The Black Eyed Peas, P Diddy, Lynyrd Skynyrd, Kanye West)

Examinons de plus près des concepts tels qu’ingénieur du son, ingénieur de mixage et ingénieur de mastering. Bien sûr, tous sont issus de l’ingénierie du son, mais à notre époque, ces concepts s’orientent de plus en plus audacieusement vers la « nage libre ».

Un ingénieur du son est une personne qui peut intervenir à toutes les étapes de l’enregistrement, de la numérisation et de la correction du son en temps réel. C’est une personne qui peut réparer un appareil cassé, brancher tout le matériel nécessaire dans une salle de concert ou dans un studio d’enregistrement. Il doit être capable d’équilibrer le son, de placer des micros, de mettre en place des moniteurs, d’égaliser et de remplir d’effets.

N’est-ce pas ce que fait un ingénieur de mixage?

Vous avez raison, tout ce qui est listé ci-dessus devrait être fait par des ingénieurs de mixage et de mastering, mais leur rôle dans ce cas est plus détaillé. Un ingénieur de mixage doit être capable de mixer professionnellement des projets. Il peut s’agir de projets pour la télévision, la radio ou des projets de studio (chansons). Il doit trouver des conflits de fréquence, faire du panoramique et toute la « cuisine » (pour parler dans le détail : égalisation, compression, reverb et delays, chorus, expandeurs et plein, plein d’autres choses qui sont extrêmement importantes dans ce cas).

— Voir également: Qu’est-ce que la distribution de musique et comment ça marche? —

L’ingénieur de mixage dispose les projets « sur les étagères » afin que chaque son puisse être entendu, les instruments principaux et secondaires sont mis en évidence. Dans le projet, chaque son doit passer de l’un à l’autre.

Quel est le rôle du mastering dans ce cas?

Le mastering représente 10 à 15 % de la qualité d’un morceau. La tâche principale d’un ingénieur de mastering est de travailler sur une piste déjà mixée. Il s’occupe des nuances qui peuvent être corrigées sans danger (si elles ne peuvent pas être corrigées, le projet revient à l’étape de mixage, où l’ingénieur de mixage fait des ajustements). L’ingénieur de mastering analyse le morceau et la référence, évalue le style et l’idée, améliore la qualité et l’équilibre du matériel envoyé. Sa tâche est de rendre la piste forte et dense. Moins il y a de modifications apportées à la piste lors de la phase de mastering, mieux elle est mixée.

On dit souvent qu’un ingénieur du son (concert ou théâtre) ne peut pas mixer et masteriser professionnellement. Il y a beaucoup de vérité là-dedans. Du fait que l’ingénieur du son travaille en temps réel, sa compréhension du son est un peu floue. De plus, le mélange de matériel de concert et de matériel médiatique est deux faces radicalement différentes. Peu importe comment vous le tordez, l’ouïe a tendance à s’y habituer. C’est pourquoi les ingénieurs de mixage n’écoutent que de la musique mixée de haute qualité (à l’écoute pour le travail ou pour leur propre plaisir). Un ingénieur du son peut venir après le travail (ou pire, le faire au travail) et commencer à faire beaucoup d’erreurs de mixage.

Oui, il y a des exceptions et on peut en trouver chez des personnes très connues, mais ce sera quand même mieux si l’ingénieur du son s’arrête à une chose.

Décidez vous-même si vous voulez travailler lors de concerts ou travailler en studio. Si vous choisissez la première option, vous aurez une formation et une expérience suffisantes. Dans le second cas, en plus de tout, vous devrez découvrir une grande quantité d’informations qui ne sont pas données dans les établissements d’enseignement existants (uniquement dans les établissements étrangers).

Si vous cherchez où commander un mixage et un mastering de haute qualité à un prix abordable, contactez notre studio et nous ferons tout au plus haut niveau !

Nous avons décidé de publier quelques blocs de notre livre sur les labels de musique (livre complet – sera disponible pour les abonnés du blog). Dans cet article, nous analyserons ce que sont les étiquettes et les avantages de travailler avec elles.

Il existe plusieurs options pour décoder le concept d’étiquette (de l’anglais « label »).

1. Un label au niveau de l’entreprise (non lié à l’industrie musicale) est un label, un tag, un autocollant.
2. Étiquette de marque sur vêtements, chaussures, accessoires avec le nom du fabricant.
3. Marque déposée, marque déposée d’une marque, fabricant, designer. Une telle étiquette est soit cousue soit collée. Il existe des étiquettes à broder.

Il existe également le concept de « marque privée », qui désigne la marque d’une entreprise (généralement une grande chaîne de vente au détail), et non d’un fabricant.

II. Un label d’enregistrement (de l’English Recordlabel, une marque déposée d’une maison de disques) est une marque créée par des sociétés impliquées dans la production, la distribution et la promotion d’enregistrements audio et parfois vidéo (principalement des clips musicaux et des enregistrements vidéo de concerts) sur des supports de diverses formats appropriés, y compris disques vinyles, cassettes compactes, CD, mini-disques, SACD, DVD.

III. No-label (alias : netlabel, network label, internet label) est un label qui distribue et vend ses produits musicaux sous forme de fichiers audio numériques (tels que MP3, Wave, OggVorbis, FLAC). Les labels de réseau sont comme les labels traditionnels qui distribuent des CD ou des disques phonographiques ; la différence est que la musique des labels Web n’a pas de support physique.

Certaines étiquettes de réseau envoient également des CD contre paiement (par exemple, aux abonnés).

Généralement, un label Internet est un organisme à but non lucratif qui offre l’opportunité de se familiariser avec une musique peu ou pas représentée sur le marché de la musique traditionnelle : dans les magasins, les stations de radio, les émissions de télévision, etc. Puisqu’un label Internet n’exige pas Coûts et temps de prise en charge importants, ils sont souvent organisés et animés par un petit groupe de personnes, voire une seule personne, ce qui n’implique cependant pas un faible matériel musical. Récemment, de nouvelles façons de distribuer la musique sont devenues de plus en plus populaires, c’est pourquoi les no-labels sont plus accessibles aux musiciens en herbe. Ils fournissent la couverture, le placement de matériel sur tous les sites populaires et une publicité promotionnelle à part entière. C’est un bon début.

Les No-labels étaient la prochaine étape dans le marketing de la musique. Avec l’avènement du format de musique compressé MP3, qui a un volume beaucoup plus petit et convient à la transmission sur des réseaux informatiques, et la popularité croissante d’Internet, une grande quantité de musique est apparue, distribuée librement et gratuitement, les sites ont commencé à apparaissent qui recherchent et publient une telle musique. En copiant l’approche des labels de disques et en l’appliquant à la distribution de copies numériques d’enregistrements musicaux, les premiers labels Internet ont émergé, d’abord aux États-Unis, puis dans d’autres pays, dont la Russie et l’Ukraine.

Étant donné qu’historiquement une grande partie de la musique distribuée gratuitement appartenait à des genres électroniques, les premiers labels Internet étaient principalement engagés dans la distribution de musique électronique. À l’heure actuelle, les labels traitant de la musique alternative et indie sont également assez courants, c’est-à-dire qui ne nécessitent pas de gros investissements pour créer.

Les idées fausses des artistes en herbe

– Si je m’abonne à un label, je deviendrai populaire.

Le label c’est avant tout le support/vente de votre matériel, sa diffusion. Développer l’image et la popularité d’un artiste peut prendre des années.

– Si je m’inscris sur un label, je commencerai à gagner de l’argent avec ma musique.

Récemment, les ventes d’étiquettes ont chuté. Cela est dû au fait qu’il existe de nombreuses ressources qui vous permettent de télécharger de la musique gratuitement. Il ne faut pas considérer le label comme la principale source de revenus dans ce domaine. Vous pouvez gagner de l’argent sur la musique par d’autres moyens (par exemple, en l’écrivant sur commande).

– C’est difficile (impossible) d’obtenir une étiquette.

Ce n’est pas vrai. Il existe aujourd’hui des centaines de milliers de labels qui ont besoin de nouveaux musiciens prometteurs, et qui écouteront votre démo avec plaisir.
Même si quelque chose ne leur convient pas dans votre matériel, ils peuvent écrire des commentaires, en les corrigeant, auxquels vous pouvez vous abonner. Bien sûr, si vous êtes un DJ débutant et que vous souhaitez vous diriger directement vers un label mondial avec une longue liste de noms célèbres, alors ce sera impossible.

Souvent, les musiciens, lorsqu’ils commandent le mixage et le mastering, précisent quelles sont les pistes de référence et pourquoi elles sont nécessaires. La plupart des studios, lorsqu’ils acceptent des projets pour le travail, demandent de joindre quelques références aux pistes, qui guideront l’ingénieur du son sur le résultat qu’ils souhaitent obtenir. Et nous ne faisons pas exception.

Les pistes de référence sont des points de référence sonores.
*ces morceaux qui sont proches des vôtres en termes de style, de caractère et de contenu, et que vous aimez en termes de qualité sonore.

Si un ingénieur du son est bien versé dans la musique, pourquoi aurait-il besoin de points de référence?

– Récemment, il y a eu un cas où un client a envoyé un projet (il l’a conçu dans le style deep house, comme on l’a découvert plus tard), et a fourni des directives dans les styles Electro, Eurodance.
L’ingénieur du mixage, en se concentrant sur ce que le client voulait entendre, a rendu le mixage du morceau plus proche de la référence (en termes de dynamique, de fréquences, de brillance et de volume global). Dans ces styles, l’accent est mis sur les synthétiseurs, les aigus et les percussions. La basse n’est pas aussi complète et fondamentale que dans le style profond.

Toute la profondeur du son « profond » a disparu. Le morceau est devenu dansant et transparent.

Après avoir parlé, nous avons découvert qu’il envoyait les morceaux qu’il (!) aime par le son, mais qui ne sont pas des lignes directrices pour un travail spécifique. Du coup, bien sûr, tout a été refait et diffusé avec succès sur les plateformes numériques.

Soumettez des références dans le même style que votre piste

– Si vous avez des doutes à ce sujet, ou si vous ne pouvez tout simplement pas décider comment et ce qui est mieux, écrivez-le à l’ingénieur du son. Laissez-le faire le travail à sa guise. À l’avenir, vous pourrez apporter des modifications et ajuster le travail du côté conçu.

— Voir également: Slate Digital lance Virtual Mix Rack 2.0 —

Vos références doivent-elles être de haute qualité?

– Ce qui sonne fort, large et brillant n’est pas équivalent au concept de « qualité ». Vous l’écoutez sur des moniteurs, dans des écouteurs, dans une voiture ou un téléphone, et dans chacun de ces cas, la même chanson sonnera différemment (en raison de la différence acoustique et technique). La musique, comme tout sur notre planète, ne s’arrête pas. Le même style peut être modifié, complété et amélioré chaque année. Si vous écrivez de la musique en 2019, n’envoyez pas de références, par exemple, de 1998 (bien sûr, à moins que vous n’ayez initialement prévu un tel son artistique). Musique moderne – son moderne!