Dzięki ogromnemu rozpowszechnieniu technologii cyfrowej i oprogramowania sprzedaż utworów muzycznych stała się łatwiejsza niż kiedykolwiek. Dziś, dzięki różnym platformom internetowym, każdy może sprzedać swój utwór i otrzymać za to pieniądze. W tym artykule przyjrzymy się niektórym z najpopularniejszych platform, na których możesz sprzedawać swój utwór.

Gdzie sprzedać swój utwór?

iTunes/Apple Music

iTunes to jedna z najstarszych i najpopularniejszych platform sprzedaży muzyki online. Aby sprzedawać swoje utwory w iTunes, musisz utworzyć konto w witrynie iTunes Connect i postępować zgodnie z instrukcjami, aby dodać swoje treści do sklepu. Będziesz potrzebować określonego zestawu metadanych dotyczących Twojej muzyki, w tym tytułu, wykonawcy, gatunku, długości utworu i okładki albumu.

Spotify

Spotify to internetowa platforma do strumieniowego przesyłania muzyki, która zapewnia również możliwość sprzedaży utworów muzycznych. Aby sprzedawać swoje utwory w Spotify, musisz współpracować z agregatorami muzyki, takimi jak TuneCore lub DistroKid, aby dodać swoje utwory do Spotify. Usługi te zwykle pobierają opłatę za swoje usługi, ale zapewniają wiele narzędzi do zarządzania treścią i generowania raportów sprzedaży.

Bandcamp

Bandcamp to platforma sprzedaży muzyki, która powstała w 2008 roku. Zapewnia narzędzia do sprzedaży muzyki, w tym łatwy sposób pobierania i sprzedawania utworów, dostosowywania cen i sprzedaży fizycznej. Bandcamp nie pobiera prowizji za sprzedaż plików cyfrowych, ale pobiera niewielką prowizję za sprzedaż kopii fizycznych.

Amazon Music

Amazon Music jest częścią Amazon i oferuje możliwość sprzedaży muzyki na platformie. Aby to zrobić, musisz utworzyć konto na stronie Amazon Music for Artists i dodać swoje treści. Amazon Music oferuje ponad 50 milionów ścieżek audio i wykorzystuje różne mechanizmy do przeglądania muzyki i znajdowania popularnych utworów, więc sprzedaż muzyki w Amazon Music może być korzystna dla tych, którzy chcą promować swoją muzykę wśród szerszej publiczności.

— Zobacz też: Trudności w kierowaniu artystą (grupą muzyczną) —

YouTube Music

YouTube Music to platforma YouTube do strumieniowego przesyłania muzyki, która umożliwia także sprzedaż utworów muzycznych. Aby sprzedawać swoją muzykę w YouTube Music, musisz utworzyć konto w Google Play i dodać swoje treści. Google Play pobiera 30% prowizji za sprzedaż plików cyfrowych.

Beatport

Beatport to internetowy sklep muzyczny specjalizujący się w elektronicznej muzyce tanecznej. Daje możliwość sprzedawania swoich utworów, tworzenia miksów i remiksów, a także sprzedawania wytwórni. Aby sprzedawać swoją muzykę na Beatport, musisz założyć konto w serwisie i dodać swoje treści. Beatport pobiera 15% prowizji za sprzedaż plików cyfrowych.

SoundCloud

SoundCloud to platforma do udostępniania i sprzedaży muzyki. Zapewnia możliwość przesyłania utworów, tworzenia list odtwarzania i udostępniania muzyki innym użytkownikom. SoundCloud oferuje również funkcje sprzedaży swoich utworów, w tym ustalanie cen i tworzenie linków do sprzedaży. SoundCloud pobiera prowizję za sprzedaż swoich utworów, która zależy od poziomu Twojego konta.

Ponadto istnieją inne platformy sprzedaży muzyki online, takie jak CDBaby, ReverbNation, Amuse, RouteNote itp. Każda z tych platform ma swoje własne cechy i prowizje za sprzedaż muzyki, dlatego ważne jest, aby przeprowadzić badania i wybrać tę, która najlepiej odpowiada Twoim potrzebom.

Zawody twórcze, takie jak aktorzy, muzycy, tancerze i inne, często przyciągają uwagę osób zainteresowanych sztuką i kulturą. Jednocześnie zawody te mogą stać się również źródłem pewnych deformacji zawodowych. W niniejszym artykule przyjrzymy się, czy deformacja zawodowa występuje wśród zawodów kreatywnych i jak może wpływać na życie i karierę twórców.

Deformacja zawodowa to zmiana osobowości lub zachowania osoby, która następuje w wyniku jej aktywności zawodowej. Może to być spowodowane różnymi czynnikami, takimi jak konieczność ciągłego wykonywania tej samej pracy, surowe wymagania dotyczące pracy i ciągły stres. W przypadku zawodów kreatywnych deformacja zawodowa może przejawiać się w różnych formach.

Jedną z form deformacji zawodowej w zawodach kreatywnych jest „identyfikacja z rolą”. Oznacza to, że zawodowy artysta zaczyna identyfikować się z rolą, którą odgrywa, lub z gatunkiem muzycznym, w który się angażuje. Na przykład aktor może zacząć zachowywać się jak postać, którą gra na scenie lub ekranie, a muzyk może zacząć uważać swój gatunek muzyczny za prawdziwy styl życia. Może to prowadzić do tego, że profesjonalny twórca zaczyna doświadczać trudności w oddzieleniu swojej roli zawodowej od swojej osobowości.

Inną formą deformacji zawodowej w zawodach kreatywnych jest „myślenie tunelowe”. Dzieje się tak, gdy profesjonalny twórca skupia się wyłącznie na swojej działalności zawodowej i traci z oczu inne aspekty życia. Na przykład muzyk może całkowicie pogrążyć się w swojej muzyce i zapomnieć o swoich osobistych związkach lub zdrowiu. Może to prowadzić do pogorszenia jakości życia profesjonalnego twórcy i może prowadzić do problemów w życiu osobistym i relacjach.

Trzecią formą deformacji zawodowej w zawodach kreatywnych jest „egocentryzm”. Dzieje się tak, gdy profesjonalny twórca zaczyna uważać się za centrum całego procesu i utwierdza swój punkt widzenia, ignorując opinie i pomysły innych osób. Na przykład reżyser może odrzucić pomysł aktora, ponieważ nie pasuje on do jego wizji, ignorując twórczy wkład aktora. Może to prowadzić do niezadowolenia współpracowników i konfliktów w miejscu pracy.

Chociaż deformacja zawodowa może negatywnie wpłynąć na życie profesjonalnego artysty, może mieć również pozytywne aspekty. Na przykład identyfikowanie się z rolą może pomóc aktorowi lepiej zrozumieć postać i stworzyć głębsze i bardziej wiarygodne przedstawienie. Myślenie tunelowe może pomóc muzykowi lub artyście skupić się na swojej kreatywności i osiągnąć większy sukces. Egocentryzm może pomóc profesjonalnemu artyście zachować twórczą wizję i stworzyć wyjątkową pracę.

— Zobacz też: Ile kosztuje napisanie piosenki w 2023 roku? —

Jednak deformacja zawodowa może być niebezpieczna i prowadzić do poważnych problemów, takich jak zaburzenia psychiczne, zakłócenia relacji w miejscu pracy, a nawet przerwanie kariery zawodowej. Dlatego profesjonalni twórcy powinni zwracać uwagę na ich zachowanie i podejmować działania zapobiegające deformacji zawodowej. Jednym ze sposobów zapobiegania deformacji zawodowej jest znalezienie równowagi pomiędzy aktywnością zawodową a życiem osobistym. Profesjonalni twórcy muszą zwracać uwagę na swoje osobiste zainteresowania i hobby, aby uniknąć myślenia tunelowego i zachować równowagę w życiu. Ważne jest również, aby profesjonalni twórcy byli otwarci na pomysły i opinie innych osób, zwłaszcza podczas współpracy. Muszą pamiętać, że współtworzenie wymaga szacunku i uznania wkładu każdego uczestnika.

Twórcy mogą uniknąć zawodowej deformacji, uczestnicząc we wsparciu psychologicznym i szkoleniu. Na przykład wsparcie psychologiczne może pomóc im radzić sobie z napięciem emocjonalnym i stresem, a szkolenie w zakresie komunikacji i przywództwa może pomóc w rozwijaniu umiejętności współpracy i zarządzania konfliktami.

Deformacja zawodowa może być nieodłącznym elementem zawodów kreatywnych i może negatywnie wpływać na życie twórcy i jego otoczenia. Jednak może mieć też pozytywne aspekty. Twórcy powinni wziąć pod uwagę potencjalne ryzyko deformacji zawodowej i podjąć kroki, aby jej zapobiec, takie jak godzenie pracy z życiem osobistym, otwartość na pomysły i opinie innych ludzi oraz udział we wsparciu i szkoleniach psychologicznych.

Zarządzanie młodym artystą lub zespołem muzycznym to złożony proces, który wymaga wieloletniego doświadczenia i wiedzy w branży muzycznej. Menedżer musi być w stanie zarządzać karierą artysty i procesem twórczym, zarządzać wydatkami i dochodami, planować koncerty i trasy koncertowe, zajmować się promocją i reklamą i wiele więcej. W tym artykule przyjrzymy się głównym wyzwaniom, przed którymi stoją menedżerowie młodych wykonawców.

1. Konkurs
   Przemysł muzyczny jest jednym z najbardziej konkurencyjnych na świecie. Każdego roku na rynek wchodzą setki nowych artystów, którzy walczą o uwagę publiczności i miejsce na szczycie list przebojów. Menedżer młodego wykonawcy musi umieć wyróżnić się z tłumu konkurentów, przyciągnąć uwagę publiczności i stworzyć niepowtarzalny wizerunek.
2. Finanse
   Jednym z największych wyzwań stojących przed menedżerami młodych wykonawców jest zarządzanie finansami. Menedżer musi kontrolować wszystkie wydatki i dochody, planować budżety na nagrywanie albumów, trasy koncertowe, klipy wideo, reklamę i wiele więcej. Musi umieć optymalizować koszty tak, aby nie przekroczyć budżetu i osiągnąć zysk.
3. Proces twórczy
   Proces twórczy młodego wykonawcy jest bardzo ważny dla sukcesu. Menedżer musi umieć kierować tym procesem i zachować swobodę twórczą artysty. Musi być przygotowany na to, że kreatywne pomysły mogą się zmieniać i szybko podejmować decyzje.
4. Relacje z etykietami
   Wytwórnie są ważnym elementem przemysłu muzycznego. Menedżer musi umieć nawiązać i utrzymywać dobre relacje z wytwórniami, aby otrzymać wsparcie i pomoc w promocji artysty. Musi wiedzieć, jak negocjować z wytwórniami w sprawie wydawania albumów, podziału przychodów i innych ważnych kwestii.
5. Organizacja koncertów i wycieczek
   Organizowanie koncertów i tras koncertowych to kolejne wyzwanie, przed którym stoją menedżerowie artystów. Muszą planować wycieczki, rezerwować hotele, bilety lotnicze, wypożyczać sprzęt na występy i wiele więcej. Organizacja koncertów i tras koncertowych wymaga również wiedzy z zakresu marketingu i promocji, aby przyciągnąć publiczność na wydarzenia.
6. Stres i obciążenie emocjonalne
   Menedżer musi być przygotowany na to, że praca z młodymi ludźmi może być bardzo stresująca i obciążona emocjonalnie. Musi umieć porozumieć się z artystą, zrozumieć jego potrzeby i pomóc mu zachować stabilność emocjonalną podczas tras koncertowych, nagrywania płyt i innych wydarzeń.
7. Kontrola obrazu
   Wizerunek młodego wykonawcy jest bardzo ważny dla jego sukcesu. Menedżer musi kontrolować wizerunek wykonawcy, dbać o jego wizerunek i markę, aby przyciągnąć uwagę publiczności. Powinien pomóc wykonawcy stworzyć niepowtarzalny styl i wygląd, który odzwierciedla jego osobowość i kreatywność.

— Zobacz też: 5 Darmowe biblioteki orkiestrowe VST o doskonałej jakości! —

Podsumowując, zarządzanie artystami to złożony proces, który wymaga wieloletniego doświadczenia i wiedzy w branży muzycznej. Menedżer musi umieć kierować karierą artysty, kontrolować finanse, wspierać proces twórczy, nawiązywać relacje z wytwórniami, organizować koncerty i trasy koncertowe. Musi też być przygotowany na stres emocjonalny i stres, a także kontrolować wizerunek wykonawcy. Tylko prawdziwy profesjonalista, który posiada ogromną wiedzę i doświadczenie w tej dziedzinie, pomoże poradzić sobie z tymi wszystkimi trudnościami.

Pomimo wszystkich trudności zarządzanie młodym wykonawcą może być bardzo ekscytującym i interesującym procesem. Menedżerowie mogą być pewni, że pomagają młodym talentom realizować ich cele i marzenia, tworząc z nimi kreatywne projekty i unikalne pomysły. Aby jednak z powodzeniem pokierować karierą młodego wykonawcy, menedżer musi posiadać nie tylko wiedzę zawodową, ale także poczucie odpowiedzialności i umiejętność pracy w zespole. Musi być przygotowany na to, że jego praca będzie wiązała się z ryzykiem i niepowodzeniami, ale jednocześnie mieć entuzjazm i chęć pójścia do przodu.

Generalnie zarządzanie to złożony i wieloaspektowy proces, który wymaga nie tylko wiedzy z zakresu branży muzycznej, ale także zrozumienia psychologii i charakteru młodych ludzi. Jednak jest to możliwe, jeśli jesteś profesjonalistą, masz doświadczenie i umiejętność pracy w zespole, a także nie boisz się podejmować ryzyka i iść do przodu.

Tworzenie nowoczesnej piosenki to żmudny i twórczy proces, który wymaga wielu kosztów i wysiłków. Koszt stworzenia utworu może się znacznie różnić w zależności od wielu czynników, takich jak doświadczenie artysty, wybór studia nagraniowego, wykorzystanie żywych instrumentów i sprzętu technicznego.

Jednym z pierwszych kroków w tworzeniu piosenki jest napisanie tekstu i melodii. Może to zająć różną ilość czasu, w zależności od tego, jak jasno wyartykułowana jest idea piosenki i jak szybko zostanie znaleziona inspiracja. Ponadto za napisanie piosenki artysta może otrzymać tantiemy lub prawa autorskie do swojego dzieła.

Kolejnym krokiem jest nagranie partii instrumentalnych i wokalnych. W zależności od życzeń wykonawcy można wykorzystać żywe instrumenty lub skorzystać z syntezatorów i programów komputerowych. Koszt instrumentów na żywo może być dość wysoki, ponieważ muszą zapłacić muzycy, sprzęt i studio nagrań. Techniczne aspekty nagrywania dźwięku mogą również wpływać na koszt stworzenia utworu. Na przykład korzystanie z profesjonalnego sprzętu do nagrywania i studia nagraniowego może znacznie zwiększyć koszty. Ponadto należy wziąć pod uwagę wynagrodzenie inżynierów dźwięku, którzy odpowiadają za jakość dźwięku utworu.

Po nagraniu części muzycznej i wokalnej następuje etap miksowania i masteringu. Miksowanie to proces miksowania wszystkich ścieżek audio w jedną spójną kompozycję, natomiast mastering to końcowe przetwarzanie dźwięku, które czyni utwór bardziej atrakcyjnym dla słuchacza. Podobnie jak w poprzednich etapach, koszt miksu i masteringu może się znacznie różnić w zależności od poziomu doświadczenia i kwalifikacji realizatora dźwięku oraz używanego sprzętu. Przypomnijmy, że w naszym studiu można zamówić wysokiej jakości miksowanie i mastering, wygodnie jest obliczyć koszt końcowej pracy w zakładce „Kalkulator miksowania i masteringu” w menu strony.

Gdy utwór zostanie nagrany, zmiksowany i zmasterowany, można go udostępniać na wielu platformach muzycznych, takich jak YouTube, Spotify, Apple Music i innych. Aby to zrobić, musisz zawrzeć umowę z firmą dystrybucyjną lub skorzystać z usług online do dystrybucji muzyki. Koszt dystrybucji utworu może się również różnić w zależności od wybranej metody i dostawcy. Dodatkowo trzeba liczyć się z kosztami promocji utworu i stworzenia do niego teledysku, co może jeszcze bardziej zwiększyć popularność.

— Zobacz też: Jakiego sprzętu potrzebuje studio nagrań w 2023 roku? —

Tak więc całkowity koszt stworzenia nowoczesnej piosenki może wynosić od kilkuset do tysięcy dolarów. Warto jednak zauważyć, że obecnie istnieje wiele usług/programów online, takich jak GarageBand, FL Studio i inne, które umożliwiają tworzenie muzyki na komputerze bez konieczności używania żywych instrumentów i profesjonalnych studiów. Takie podejście może znacznie obniżyć koszty tworzenia utworu i uczynić go bardziej dostępnym dla początkujących muzyków i autorów piosenek.

Studio nagrań to miejsce, w którym nagrywane i produkowane są kompozycje muzyczne, audiobooki, reklamy, filmy i inne. Aby stworzyć wysokiej jakości nagranie dźwiękowe, niezbędny jest dobór odpowiedniego sprzętu, który będzie wykorzystywany w studiu. Zacznijmy od podstawowych elementów studia nagraniowego.

Jakiego sprzętu potrzebuje studio nagrań w 2023 roku?

Komputer

Komputer jest głównym elementem każdego nowoczesnego studia nagraniowego. Służy do przechowywania plików audio, miksowania i przetwarzania danych audio. Aby uzyskać najlepszą wydajność i jakość dźwięku, musisz wybrać mocny komputer z dobrą kartą dźwiękową, procesorem i wystarczającą ilością pamięci.

Karta dźwiękowa

Karta dźwiękowa to urządzenie przetwarzające sygnał audio i przesyłające go do głośników lub słuchawek. W studiu nagraniowym musisz wybrać kartę dźwiękową o niskim poziomie szumów i wysokiej jakości dźwięku.

Mikser

Konsola miksująca to urządzenie, które umożliwia miksowanie wielu sygnałów audio w jeden. Służy do regulacji poziomu głośności każdego instrumentu, regulacji tonu i zrównoważenia dźwięku. Do studia nagraniowego należy wybrać konsoletę miksującą z odpowiednią liczbą wejść i wyjść oraz dobrą jakością dźwięku.

Monitory

Monitory to głośniki używane do odtwarzania dźwięku w studiu nagraniowym. Muszą mieć wyraźne i dokładne odwzorowanie dźwięku, aby można było usłyszeć każdy instrument i głos w nagraniu. Ponadto monitory powinny charakteryzować się niskimi zniekształceniami i dobrą charakterystyką częstotliwościową.

Słuchawki

Słuchawki to kolejny element służący do monitorowania dźwięku w studiu nagraniowym. Powinny być lekkie i wygodne podczas długotrwałego użytkowania. Ponadto słuchawki muszą charakteryzować się wysokim pasmem przenoszenia i niskimi zniekształceniami, aby umożliwić inżynierom dźwięku usłyszenie każdego instrumentu i efektu dźwiękowego w nagraniu.

— Zobacz też: 5 Darmowe biblioteki orkiestrowe VST o doskonałej jakości! —

Oprogramowanie

Oprogramowanie to kolejny ważny element studia nagraniowego. Służy do nagrywania, miksowania, przetwarzania i masteringu danych audio. W zależności od potrzeb studia nagraniowego można dobrać różne oprogramowanie, takie jak Pro Tools, Logic Pro, Ableton Live i inne.

Mikrofony

Mikrofony to urządzenia służące do nagrywania głosów, instrumentów i innych dźwięków. Mogą mieć różne typy kapsuł, pasm przenoszenia i charakterystyki biegunowej, które są odpowiednie dla różnych typów nagrań. Studio nagraniowe może wykorzystywać wiele różnych mikrofonów, takich jak pojemnościowy, dynamiczny, wstęgowy i inne.

Przetwarzanie sygnałów

Przetwarzanie sygnału to kolejny ważny element studia nagraniowego. Służy do poprawy dźwięku i eliminacji szumów i zniekształceń. W studiu nagraniowym można zastosować wiele różnych urządzeń do przetwarzania sygnału, takich jak kompresory, korektory, pogłosy, opóźnienia i inne.

Kable i akcesoria

Kable i akcesoria to kolejny ważny element studia nagraniowego. Kable służą do łączenia różnych urządzeń w studiu, takich jak mikrofony, monitory, konsoleta mikserska i karta dźwiękowa. Ważne jest, aby wybrać wysokiej jakości kable o niskim poziomie szumów i zniekształceń. Akcesoria takie jak statywy mikrofonowe, pop filtry, panele akustyczne i inne mogą być użyte do poprawy jakości dźwięku.

Podsumowując, studio nagraniowe to miejsce, w którym wykorzystuje się wiele różnych urządzeń i technologii do tworzenia wysokiej jakości nagrań dźwiękowych. Dzięki odpowiedniemu sprzętowi inżynierowie dźwięku mogą tworzyć profesjonalne nagrania i dostarczać dźwięk wysokiej jakości. Ale oprócz sprzętu dla pomyślnego funkcjonowania studia nagraniowego ważna jest również wiedza i doświadczenie inżynierów dźwięku, którzy potrafią skonfigurować i dostroić cały sprzęt, aby osiągnąć najlepsze wyniki.

Ukraiński rynek muzyczny zawsze był żywy i dynamiczny, ale ze względu na trwającą w tym kraju wojnę, w ostatnich latach musiał stawić czoła pewnym wyzwaniom i zmianom. W 2023 roku zmiany te mają być kontynuowane, a rynek muzyczny na Ukrainie będzie nadal dostosowywał się do nowych realiów.

Jednym z głównych wyzwań stojących przed przemysłem muzycznym na Ukrainie w czasie wojny jest niestabilność gospodarki. Wpływa to negatywnie na sytuację finansową muzyków, ich zdolność do nagrywania i promowania swojej muzyki. Ponadto, ze względu na trudności z trasowaniem i organizowaniem koncertów, wielu artystów jest zmuszonych szukać alternatywnych sposobów promocji swojej muzyki.

Jednak pomimo tych trudności ukraiński przemysł muzyczny nadal się rozwija i kwitnie. W ostatnich latach pojawiło się wielu nowych utalentowanych muzyków, którzy samodzielnie nagrywają i promują swoją muzykę za pomocą mediów społecznościowych i innych platform internetowych. Otwiera to nowe możliwości dla muzyków, którzy wcześniej nie mieli dostępu do studiów nagraniowych i innych zasobów.

Ponadto ostatnio wzrosło zainteresowanie ukraińską kulturą i muzyką ze strony zagranicznych słuchaczy. Wielu ukraińskich muzyków występuje na festiwalach i koncertach za granicą, co przyczynia się do promocji muzyki ukraińskiej na arenie światowej. Ukraińscy muzycy i firmy inwestują w infrastrukturę muzyczną kraju, otwierając nowe studia nagraniowe i sale koncertowe. Pozwala to uzyskać lepsze warunki do nagrywania i występów, a także przyciągnąć więcej widzów.

Ważną zmianą na ukraińskim rynku muzycznym było to, że ukraińscy muzycy przestali podróżować w celu występów w Rosji. Wynika to z ograniczeń politycznych i gospodarczych między obydwoma państwami, które doprowadziły do ​​pogorszenia stosunków. Zamiast tego wielu ukraińskich muzyków zwraca się na rynek międzynarodowy, uczestnicząc w międzynarodowych festiwalach i konkursach oraz współpracując z zagranicznymi muzykami i producentami.

Ta orientacja na rynek międzynarodowy może stać się nowym etapem w rozwoju muzyki ukraińskiej. Ukraińscy muzycy zyskują możliwość zaprezentowania swojej muzyki szerszej publiczności, co może przełożyć się na wzrost zainteresowania muzyką ukraińską i jej popularyzację za granicą. Również ukraińscy muzycy mogą uzyskać dostęp do nowej wiedzy i doświadczenia, które pomogą im udoskonalić swoją muzykę i wznieść się na nowy poziom.

— Zobacz też: 5 Darmowe biblioteki orkiestrowe VST o doskonałej jakości! —

Ogólnie rzecz biorąc, chociaż wojna i ograniczenia polityczne wpływają na sferę muzyczną Ukrainy, ukraińscy muzycy nadal rozwijają się i eksperymentują, pozostając kreatywni i aktywni w promowaniu swojej muzyki.

Jak w każdej innej branży, prognozowanie rozwoju branży muzycznej na Ukrainie w 2023 roku może być trudne i niewiarygodne ze względu na wiele czynników, które mogą mieć wpływ na jej rozwój. Można jednak założyć, że ukraińscy muzycy będą nadal aktywnie koncertować i pracować nad tworzeniem nowych projektów. Można również spodziewać się kontynuacji zmian w branży muzycznej na Ukrainie, takich jak pojawienie się nowych miejsc i serwisów muzycznych, a także poprawa ram prawnych ochrony praw autorskich. W związku z rosnącym zainteresowaniem ukraińską kulturą i muzyką ze strony zagranicznej publiczności można przypuszczać, że ukraińscy muzycy otrzymają nowe możliwości promocji swojej muzyki poza Ukrainą. Jednak wpływ na to może mieć również ogólna międzynarodowa sytuacja polityczna i światowe trendy w przemyśle muzycznym.

Tak więc moja prognoza na rok 2023 dla ukraińskiego przemysłu muzycznego to jego dalszy rozwój i wzrost w zmieniającym się otoczeniu, stwarzanie nowych możliwości dla ukraińskich muzyków i poszerzanie granic dla promocji muzyki ukraińskiej poza Ukrainą.

Przemysł muzyczny w Rosji jest u progu zmian iw nadchodzących latach będzie musiał stawić czoła nowym wyzwaniom. Muzycy i zespoły, które nie dostosują się do politycznych i kulturowych norm rosyjskiego rządu, mogą spotkać się z cenzurą i zakazem rozpowszechniania ich muzyki.

Odpływ kreatywnych jednostek z kraju może mieć również wpływ na rynek muzyczny w najbliższych latach. Nie oznacza to jednak, że rosyjski rynek muzyczny jest całkowicie skazany na porażkę. Najprawdopodobniej sytuacja na rynku będzie się stopniowo zmieniać w ciągu najbliższych lat. Jednym z kluczowych czynników, które mogą wpłynąć na rozwój, jest lokalizacja treści i tworzenie własnych serwisów streamingowych.

Obecnie większość popularnych platform muzycznych (Spotify, Apple Music, YouTube Music itp.) nie działa w Rosji. Jednak w ostatnich latach nastąpił wzrost popularności serwisów krajowych, takich jak Yandex.Music, VK Music i Boom. Tworzenie i rozwój takich usług może doprowadzić do tego, że osoby kreatywne pozostaną w Rosji, aby kontynuować pracę na rynku krajowym i go rozwijać.

Dodatkowo pogarsza się stosunek do rosyjskich artystów ze względów politycznych, co może mieć wpływ także na rozwój całego przemysłu muzycznego. Jedną z przyczyn tego stanu rzeczy może być wzrost kontroli państwa nad treściami publikowanymi w sieci, co może prowadzić do ograniczania wolności twórczości i autoekspresji.

Nie zapominajmy o negatywnym wpływie na rynek muzyczny sankcji nałożonych na sektor finansowy. Jednym z tych problemów jest brak możliwości otrzymania środków pieniężnych za sprzedaż utworów na kartach Visa i MasterCard. Oznacza to również, że muzycy i wytwórnie mogą mieć problemy z uzyskaniem swojego udziału w sprzedaży utworów na różnych międzynarodowych stronach.

— Zobacz też: Oszustwa marketingowe w produkcji i przetwarzaniu muzyki —

W rezultacie muzycy i wytwórnie mogą szukać alternatywnych sposobów sprzedaży muzyki, takich jak sprzedaż bezpośrednio za pośrednictwem swojej strony internetowej lub innych lokalnych platform niezależnych od międzynarodowych systemów płatności. Może to jednak nie być takie proste, zwłaszcza dla muzyków, którzy nie mają wystarczającego doświadczenia i zasobów, aby tworzyć własne lokale. Tym samym brak możliwości otrzymania środków pieniężnych ze sprzedaży utworów na kartach Visa i MasterCard z powodu sankcji może doprowadzić do spadku dochodów muzyków i wytwórni, co jeszcze bardziej skomplikuje i tak już trudną sytuację na rosyjskim rynku muzycznym.

Moja prognoza na rok 2023 dla rosyjskiego rynku muzycznego jest nieco pesymistyczna. Być może niektórzy muzycy i wytwórnie będą szukać alternatywnych sposobów promowania swojej muzyki, takich jak sieci społecznościowe, lokalne platformy i tak dalej. Może to jednak nie wystarczyć, aby utrzymać rosyjski przemysł muzyczny na dotychczasowym poziomie. Mimo to zawsze jest nadzieja. Być może w przyszłości pojawią się nowi utalentowani muzycy i producenci, którzy będą gotowi podjąć się roli liderów w branży i wnieść do niej nowe pomysły. Mogą również pojawić się nowe technologie i platformy, które pomogą zwiększyć konkurencyjność rosyjskiego rynku muzycznego. Ale w tej chwili sytuacja na rynku jest dość skomplikowana, a aby się zmieniła, konieczne jest rozwiązanie wielu problemów i pokonanie przeszkód, w tym politycznych.

Nawet dzisiaj, ze wszystkimi jego wysokimi propozycjami, orkiestra symfoniczna pozostaje decydującym czynnikiem w pracy wielu wielkich kompozytorów. Prawie każdy kompozytor filmowy nagrał narzędzia orkiestrowe na żywo dla przynajmniej jednego z jego filmów. Nic dziwnego, że wynikowy dźwięk jest zawsze niesamowity. Jeśli jednak nie masz hojnego budżetu i czasu na organizację, próby i zapisy ponad 40 żywych wykonawców, może to być trudne do osiągnięcia. W przejściu do bardziej elastycznej i niedrogiej opcji korzystania z biblioteki Samlov Orchestra, najpiękniej brzmiącej orkiestrowej płaszczyzny VST jest często niezwykle drogi. Zebraliśmy listę pięciu najlepszych bezpłatnych bibliotek VST dostępnych dzisiaj.

5 Prawie darmowe biblioteki orkiestrowe VST o doskonałej jakości!

1. ARCADE – Output

Arcade z wyjściowej to wygodna i łatwa w użyciu wtyczka VST z doskonałymi możliwościami używania narzędzi wstępnie zainstalowanych lub programowania własnych dźwięków. Wyjście oferuje nieograniczoną 30 -dniową wersję testową, a następnie skromną subskrypcję za 10 USD miesięcznie (jest to jedyna wtyczka na tej liście z częściową dostępnością, reszta jest w 100% bezpłatna). Podobnie jak w większości wtyczek orkiestrowych VST, do jednego narzędzia można przypisać kilka różnych artykulacji za pomocą jednego klawisza. Ta niezwykle prosta funkcja jest dostępna dzięki przyjemnym interfejsie graficznym. Jedynym nieprzyjemnym aspektem zręcznościowym jest to, że dźwięki instrumentów łańcuchowych całkowicie przesłaniają inne instrumenty (jeśli używasz ich z tej biblioteki). Warto jednak dodać ten produkt do Twojej kolekcji!

2. DSK BRASS

Pomimo faktu, że uciekają od uwagi wiodących komercyjnych gigantów próbkowania, programiści DSK wytwarzają doskonałe produkty wielokrotnie. DSK Brass obnosi się z imponującym zestawem instrumentów wiatrowych z realistycznymi nasionami. Artykulacje są krystalicznie czyste, dźwięki są proste, a każde narzędzie można załadować i regulować indywidualnie. Z tyłu tych czynników jest złożoność składu zespołu wiatrowego za pomocą tej wtyczki VST. Ale to jest całkowicie bezpłatne! To blokuje jego niedociągnięcia.

Niektórzy użytkownicy zgłaszali problemy z wydajnością DSK Brass w FL studio, zauważając „trzaski i trzaski” podczas używania, podczas gdy ładowanie DSK Brass w Reaper może od czasu do czasu „zawieszać oprogramowanie”.

Możesz także uzyskać niesamowite dźwięki instrumentów dętych blaszanych, nakładając tę ​​samą partię muzyczną na kilka różnych pojedynczych instrumentów dętych załadowanych na różne ścieżki.

— Zobacz też: Nowa wtyczka od Waves – Magma Tube Channel Strip —

3. The Free Orchestra – ProjectSAM

Firma ProjectSAM zajmująca się samplowaniem orkiestrowym wydała tę bezpłatną bibliotekę orkiestrową w 2019 roku. „Free Orchestra” zawiera 1 GB kinowych brzmień orkiestrowych, wszystkie pochodzące z płatnych instrumentów VST, takich jak Symphobia i True Strike. „Free Orchestra” zawiera również 15 presetów instrumentów, z których dwa są szczególnie przydatne dla każdego kompozytora filmowego. Z minusów można zauważyć, że dźwięki nie są do końca programowalne, a instrumenty mają postać stałych ustawień fabrycznych.

4. LABS PERCUSSION LIBRARY

Ta wysokiej jakości, bezpłatna orkiestrowa wtyczka VST zawiera beaty perkusyjne, shakery, timbalesy, dzwonki i konga gotowe do ożywienia Twoich kompozycji za pomocą zaledwie kilku kliknięć. Zgodnie z instrukcjami Spitfire Audio dźwięki te są przeznaczone „zarówno do kompozycji medialnych, jak i do produkcji elektronicznej”. Jednak ta bezpłatna orkiestrowa biblioteka sampli to pozycja obowiązkowa dla każdego poważnego kompozytora, który nie chce wydawać dużych pieniędzy na produkty komercyjne.

— Zobacz też: Universal Audio UAD jest teraz dostępny jako natywne wtyczki i tak, można je pobrać —

5. BBC SYMPHONY ORCHESTRA: DISCOVER

Po raz kolejny Spitfire Audio wygrywa! Spitfire Audio’s Discover do pobrania z ich legendarnej serii BBC Symphony Orchestra zajmuje tylko 200 MB. Wewnątrz można znaleźć 33 instrumenty i łącznie 47 artykulacji. Discover zawiera szeroką paletę narzędzi. W sekcji smyczkowej np. pierwsze skrzypce, drugie skrzypce, altówki, wiolonczele i kontrabasy. Na instrumenty dęte drewniane: piccolo, flet, obój, klarnet i fagot. Możemy być pewni, że ta darmowa orkiestrowa wtyczka VST obejmuje prawie wszystko, czego potrzebujemy do tworzenia bujnych części. Wszystkie instrumenty znalezione w Discover nadają się do gry zespołowej, z wyjątkiem harfy, która może niektórych rozczarować.

Audient zaprezentował nowy interfejs audio zasilany przez USB-C, skierowany na potrzeby studiów nagraniowych. Nowy iD24 to 10-wejściowy, 14-wyjściowy interfejs audio zaprojektowany w celu poprawy jakości nagrywania, a pod względem funkcjonalności plasuje się gdzieś pomiędzy iD14 a niedawno wydanym iD44. Całkowicie metalowy korpus oferuje tę samą jakość dźwięku i zestaw funkcji, co brytyjska marka i jej linia produktów.

„iD24 został stworzony z myślą o producentach i inżynierach. Połączyliśmy niesamowitą jakość dźwięku z łatwością obsługi, a także zapewniliśmy dodatkowe funkcje przeznaczone dla profesjonalistów, takie jak możliwość rozbudowy ADAT i konfigurowalne sterowanie monitorem. ”- Andy Allen z Audient

Nowy iD24 zawiera dwa przedwzmacniacze mikrofonowe z konsoli Audient, które, jak każdy interfejs iD, mają te same dyskretne obwody, co flagowa konsoleta ASP8024-HE. Wszystkie wiodące w swojej klasie przetworniki DAC wykorzystują technologię 32-bitową, zapewniając szeroki zakres dynamiki 126 dB. „Chcemy, aby nasi klienci mogli słyszeć dźwięk z niewiarygodną czystością. Możliwość usłyszenia tych subtelnych szczegółów jest naprawdę ważna, ponieważ pomaga użytkownikom czuć się pewniej podczas podejmowania decyzji dotyczących nagrywania i miksowania” — wyjaśnia Andy.

„Wiemy, że nowoczesny inżynier musi być przygotowany na większe sesje, takie jak nagrywanie perkusji lub występ zespołu na żywo, a optyczne gniazda wejściowe i wyjściowe w iD24 dają możliwość szybkiego i ekonomicznego skalowania konfiguracji” — kontynuuje. Obsługując zarówno ADAT, jak i SPDIF do 24-bitów/96 kHz, iD24 pozwala rozszerzyć opcje wejściowe, dodając do ośmiu kanałów zewnętrznych przedwzmacniaczy mikrofonowych.

— Zobacz też: Firma FabFilter wprowadziła zaktualizowany syntezator Twin 3 —

Opisując zalety zbalansowanych wkładek iD24, Andy mówi: „Dla tych klientów, którzy kochają swoje zewnętrzne wzmacniacze, iD24 umożliwia integrację ulubionych efektów zewnętrznych z łańcuchami sygnałowymi podczas nagrywania. Dodatkowo zastosowanie zwrotów daje bezpośredni dostęp do przetworników A/D, zapewniając najczystszą możliwą ścieżkę sygnału, umożliwiając obróbkę łodyg z zewnętrznym wzmacniaczem.” Daje to również klientom Audient możliwość całkowitej rezygnacji z przedwzmacniacza mikrofonowego Audient i zamiast tego korzystania z preferowanych zewnętrznych przedwzmacniaczy mikrofonowych.

Jako zaktualizowany projekt interfejs audio iD24 jest w pełni zasilany z magistrali przez złącze USB-C i korzysta z dodania dwóch wyjść słuchawkowych, czterech wyjść liniowych i dedykowanego miksera programowego o niskim opóźnieniu. Bardzo kompletny i dobrze przemyślany projekt, który jest teraz dostępny w sprzedaży za 399 USD.

Przeczytaj więcej na oficjalnej stronie internetowej: Audient.