Chcesz dodać piękne pejzaże dźwiękowe do swojego miksu lub głębię do brzmienia gitary? Przygotowaliśmy listę najlepszych, naszym zdaniem, pogłosów do montażu w racku, które przeniosą Twoje studio na wyższy poziom!

1. LEXICON PCM96

Lexicon to branżowy standard w tworzeniu pogłosu, a PCM96 nie rozczarowuje swoją nazwą. Ten procesor efektów oferuje szeroki wybór nowych i starych pogłosów Lexicon, a także różnorodne efekty opóźnienia i modulacji. Połączenie brzmień vintage z tworzeniem nowych sprawia, że ​​ta maszyna jest doskonała. Pogłos ma nie tylko porty MIDI/In/Out/Thru, ale także łączność Ethernet, aby umożliwić czystą integrację i automatyzację z oprogramowaniem DAW.

Właściciele urządzenia zwracają uwagę na jakość wykonania, a także na paletę dźwiękową, jaką przekazuje pogłos. Dzięki oryginalnym dźwiękom, dodatkowym algorytmom, kompatybilności z infrastrukturą studyjną i świetnemu interfejsowi użytkownika, PCM96 jest tytanem z odpowiednią ceną (3500 USD).

2. BEHRINGER VIRTUALIZER 3D FX2000

Procesor efektów Behringer Virtualizer 3D FX2000 to jedno z najlepszych urządzeń na rynku, które spełnia najwyższe wymagania i może brzmieć jak najdroższy sprzęt. Posiada szeroką gamę algorytmów pogłosu, a także obsługuje długie opóźnienia i efekty modulacji. Zawiera efekty stereo i 3D (Behringers Real Sound Modeling) do tworzenia przestrzennych palet, z którymi większość urządzeń nie może konkurować.

Ponadto VIRTUALIZER 3D FX2000 posiada wejście/wyjście MIDI oraz poszukiwany port przelotowy MIDI do łączenia się z praktycznie dowolnym sprzętem, który możesz mieć i w pełni zintegrować się z istniejącą konfiguracją studyjną. Niezależnie od tego, czy szukasz swojego pierwszego procesora efektów do montażu w szafie, czy rozszerzasz istniejący asortyment sprzętu, Virtualizer 3D (poniżej 200 USD) jest świetnym dodatkiem.

— Zobacz też: Najlepsze tablety do tworzenia muzyki w 2022 roku! —

3. LEXICON MX200

Lexicon MX200 jest standardowym procesorem efektów dla każdego profesjonalnego studia nagraniowego i stanowi podstawę pogłosu od czasu jego wydania na początku 2000 roku. Nie tylko ukształtował brzmienie Lexiconu, ale utorował drogę do rozwoju procesorów efektów na nadchodzące dziesięciolecia.

Dzięki elastycznym konfiguracjom routingu i funkcjom VST, MX200 wyprzedził swoje czasy i zapewnił kompatybilność z nadchodzącą erą nagrywania cyfrowego i pudełkowego. Lexicon MX200 zawiera około 100 presetów – od dużych i małych pogłosów po różnego rodzaju modulacje, opóźnienia, a nawet dynamikę. Procesor efektów nie jest sprzedawany ani produkowany przez Lexicon w nowej formie (wycofany), ale na rynku wtórnym można znaleźć urządzenie już przetestowane przez innych inżynierów.

4. EVENTIDE REVERB 2016

W przeciwieństwie do PCM96, Eventide Reverb 2016 jest prawie dokładną kopią pogłosu Eventide SP2016. Firma Eventide odtworzyła swoje klasyczne brzmienie pogłosu i umieściła je w procesorze efektów ze zaktualizowanym panelem przednim i interfejsem użytkownika. Nie chodzi tylko o odtworzenie klasyki i pracę nad tabliczką znamionową, Eventide poszło o krok dalej. Zaktualizowali go do pracy w nowoczesnym studiu nagraniowym z analogowym, cyfrowym interfejsem I/O i MIDI.

Algorytm pogłosu Eventide ma wspaniały, przewiewny dźwięk, który sprawdza się od lat 80-tych. Nowe urządzenie jest zgodne z nazwą i uzupełnia je o cyfrową funkcjonalność i prosty interfejs użytkownika. Mimo że jest to czysto pogłos, pomyśleliśmy, że zasługuje na pierwsze miejsce na liście i powinien być świetnym dodatkiem do każdego studia w tej nowoczesnej erze. Będziesz musiał szukać tego urządzenia na rynku wtórnym, ponieważ nie jest już produkowane i ma dość wysoką cenę.

— Zobacz też: 6 najlepszych laptopów do pisania muzyki w 2022 roku! —

5. YAMAHA SPX2000

Nie możemy mówić o sprzęcie studyjnym, nie mówiąc o Yamasze, która od dziesięcioleci jest standardem w branży nagraniowej. Ta iteracja ich klasycznej linii SPX, Yamaha SPX2000, zawiera klasyczne dźwięki pogłosu z przeszłości, a także aktualizacje i kilka nowych dodatków. REV-X to ich nowy algorytm pogłosu, który oferuje najbogatsze dotychczas brzmienie pogłosu i ma zaktualizowane zanikanie.

Większość recenzji pogłosu SPX2000 mówi o łatwości obsługi interfejsu na panelu przednim i wspomina o legendarnej jakości wykonania. Łatwość obsługi rozciąga się również na tył, tworząc bardzo przejrzysty panel wyjściowy z wieloma opcjami. Zdolność Yamaha SPX2000 do odtwarzania pełnego zakresu stylów pogłosu czyni go godnym dodatkiem do tej listy.

Każdy z tych procesorów efektów zasługuje na uwagę i należy wziąć pod uwagę przy zakupie sprzętu. Jest jednak jedno wyraźne urządzenie, które wyróżnia się na tle innych, a mianowicie Lexicon PCM96. Lexicon przeniósł to na wyższy poziom, tworząc procesor multiefektów, który nie pozostanie w cieniu przez wiele lat. Dodając łączność cyfrową, możliwości MIDI i rozszerzając pulę efektów, to urządzenie jest niszczycielskim konkurentem dla innych procesorów efektów i zasługuje na najlepszą ocenę!

Wybór odpowiedniej stacji roboczej audio (oprogramowanie DAW) to jeden z najważniejszych wyborów, jakich może dokonać producent muzyczny. DAW lub Digital Audio Workstation to aplikacja komputerowa, która umożliwia tworzenie, edycję, nagrywanie, miksowanie i mastering muzyki.

Dzisiaj przyjrzymy się trzem programom do produkcji muzyki elektronicznej:

• Ableton Live 11
• FL Studio
• Logic Pro X

Ableton Live 11

Ableton Live 11 to naszym zdaniem najlepsze oprogramowanie do tworzenia muzyki elektronicznej w 2022 roku. Wyróżnia się na tle innych produktów inteligentnym i szybkim przepływem pracy. Program został wydany po raz pierwszy 30 października 2001 roku i zawiera wszystkie narzędzia do produkcji, nagrywania, miksowania i masteringu muzyki. Ableton obsługuje wszystkie standardowe funkcje, takie jak kontrola tempa, odtwarzanie MIDI, wybór plików, próbek i wtyczek, łączenie przetwarzania, a także zawiera całą listę unikalnych narzędzi.

Ableton oferuje dwa interfejsy: do tworzenia aranżacji oraz czysty projekt do pracy z dźwiękiem. Interfejs do tworzenia aranżacji zawiera ścieżki audio i MIDI po prawej stronie, a także pokrętła do regulacji głośności, panoramowania, włączania i wyłączania wybranej ścieżki, przycisk nagrywania itp. Możesz grupować utwory razem i kierować je między sobą. Drugi interfejs jest odpowiedni do występów na żywo, DJ-ów i dźwięku DIY.

Ableton Live jest dostępny w trzech różnych poziomach cenowych: 109 USD Intro, 519 USD Standard i 859 USD Live 11 Suite. Do tworzenia muzyki elektronicznej ten program wybierają tacy artyści: Flume, Diplo, Deadmau5, Skrillex, Marshmello, DJ Snake, The Chainsmokers i wielu innych.

— Zobacz też: 5 najlepszych analogowych pogłosów do montażu w racku (na każdą kieszeń) —

FL Studio

FL Studio, wcześniej znane jako Fruity Loops, to cyfrowa stacja robocza audio stworzona przez Image-Line. Został zaprojektowany przez Didiera Dambrina w 1997 roku jako 4-kanałowy automat perkusyjny MIDI, ale z biegiem lat Dombrin przekształcił go w popularną i wyrafinowaną stację cyfrową, później przemianowując ją na FL Studio (w 2003 r.) po groźbie podjęcia kroków prawnych przez Kellogg’s, dziecko firma zbożowa o nazwie „Fruity Loops”).

FL Studio słynie z prostoty, użyteczności i przystępności cenowej. Działa zarówno w systemie Windows, jak i macOS, a także ma aplikację na telefon o nazwie FL Studio Mobile. Dostępne są 4 edycje: Fruity Edition, Producer Edition, Signature Bundle i All Plugins Edition, w cenie odpowiednio 99 USD, 199 USD, 299 USD i 499 USD.

— Zobacz też: Najlepsze wtyczki do masteringu (kolejność przetwarzania i lista narzędzi vst) —

Logic Pro X

Logic Pro X to stacja dźwiękowa opracowana przez Logic, która działa wyłącznie na macOS i jest drugim najpopularniejszym oprogramowaniem DAW po Ableton Live.

Początkowo zaprojektowany jako sekwencer MIDI na platformę Atari ST w 1987 r., Logic Pro X ewoluował z czasem na różnych platformach technologicznych, aż został kupiony przez Apple w 2002 r. Twórcy stopniowo ulepszali oprogramowanie Logic, ale w przeciwieństwie do Ableton Live, Logic przez większość swojej kariery koncentrował się na byciu kompletnym programem DAW dla producentów i muzyków. Logic Pro X ma tylko jedną wersję standardową za 199 USD i 90-dniowy bezpłatny okres próbny.

Mikser obsługuje do 1000 stereofonicznych kanałów audio, do 1000 kanałów pomocniczych, do 256 szyn, do 1000 zewnętrznych ścieżek MIDI, 15 modułów wtyczek, 8 modułów wtyczek MIDI i jednostek audio, 12 wysyłek na kanał, 32 grupy dla audio, instrumentów programowych lub linii kanałów MIDI.

Logic Pro X jest używany przez artystów takich jak Calvin Harris, Disclosure, Kygo, Swedish House Mafia, Hardwell i Alesso oraz wielu innych producentów muzyki elektronicznej.

Od 2014 roku nasz zespół przeprowadził mastering ponad 2000 utworów — w różnych stylach, o zróżnicowanym mixie, jakości oraz produkcji. Część materiałów powstała w warunkach domowych, inne to pełnoprawne produkcje komercyjne, które trafiły na stacje radiowe, wytwórnie, telewizję, YouTube i inne platformy.

Nie twierdzimy, że jedna metoda promocji jest najlepsza — jednak praca naszego inżyniera od masteringu została doceniona przez artystów i fachowców na różnym poziomie. Każdy inżynier ma prawo mieszać etapy i techniki obróbki, by uzyskać najlepszy rezultat. W tym artykule znajdziesz obszerną listę instrumentów VST i wtyczek, które mogą być używane we wszystkich gatunkach — i które brzmią naprawdę soczyście, miękko i profesjonalnie. Łącz nowoczesne technologie z emulacjami sprzętu analogowego podczas masteringu.

1. Łańcuch obróbki i kolejność wtyczek

Wybór wtyczek masteringowych jest ogromny — wiele z nich pozwala osiągać wysoką jakość dźwięku. By uzyskać najlepszy efekt, przetestuj różne zestawy i posłuchaj dokładnie, jakie brzmienie Ci odpowiada. W naszym łańcuchu efektów obecnie działa ponad 10 narzędzi — i lista może się rozszerzyć, gdy mix pozostawia do życzenia. Kluczowa jest kolejność wtyczek, bo kombinacji i możliwości są setki.

Kompresory i korektory można stosować wielokrotnie w łańcuchu, by wydobyć mocne strony poszczególnych VST. Dowiedz się, jak robić mastering: przetestuj najlepsze wtyczki masteringowe dostępne dziś.

2. Ekualizator chirurgiczny (neutralny) w masteringu

Dzięki chirurgicznym equalizerom możesz kontrolować balans tonalny i regulować cały zakres częstotliwości. Chodzi o precyzyjną edycję — wzmacnianie lub cięcie. Equalizery liniowo-fazowe zapewniają dużą przejrzystość, pozwalając usuwać problematyczne rezonanse.

Korzystając z ekualizatora masteringowego, możesz wyeliminować dudnienie w niskich częstotliwościach i wzmocnić bas — co pozytywnie (lub negatywnie, gdy mix jest słaby) może wpłynąć na utwór. Takie EQ ustalają cały spektrum wszystkich instrumentów, by uzyskać klarowność i przejrzystość. Z użyciem techniki M/S (mid/side) możesz poszerzyć stereo i dodać przestrzenny, powietrzny sopran. Oto kilka naszych ulubionych EQ do masteringu:

• DMG Audio – EQuilibrium
• Three Body Technology – Kichhoff EQ
• Sonnox  – Oxford EQ
• Maat – TheEQ
• Fabfilter Pro-Q
• Softube – Weiss EQ1
• Brainworx – BX_Digital
• Tokio Dawn Labs – Slick EQ M Mastering Edition
• Newfangled Audio – Equivocate
• Crave DSP – Crave EQ
• Sonnox – Claro

3. Najlepsze kompresory do masteringu

Możesz zagęścić utwór, uczynić go bardziej zwartym i „sklejonym” dzięki kompresorowi masteringowemu. Aby uniknąć problemów z dynamiką, nie należy kompresować więcej niż -2 do -5 dB. Zbyt mocna kompresja sprawia, że utwór brzmi płasko i bez wyrazu. Możesz także zastosować kompresję równoległą, o której wspomnieliśmy wcześniej. Oto niektóre z najlepszych kompresorów do masteringu:

• Weiss Compressor
• Softube – Drawmer S73
• Cytomic – The Glue
• Tokyo Dawn Labs – TDR Kotelnikow GE
• Pulsar Audio – Mu
• Vertigo Sound – VSC-3
• Softube Chandler Limited – Germanium Compressor
• DDMF – Magic Death Eye
• DMG Audio – TrackComp
• UAD – Shadow Hills
• Shadow Hills Mastering Compressor
• SKNote SDC Stereo Double Compressor
• SPL – Iron Mastering Compressor

— Zobacz także: Rzadki „Mix Me DJ” – zabawkowa konsola DJ (ok. 2004) z mini-grooveboxem lo-fi —

4. Ekualizatory dodające „kolor” i harmoniczne

Ekualizatory koloryzujące mogą sprawić, że Twój dźwięk stanie się bardziej przestrzenny i ciepły. Wiele z tych pluginów to emulacje klasycznych equalizerów:

• Chandler Limited – Curve Bender
• Waves – PuigTec EQP-1A
• Softube – Tube-Tech
• Sonimus – Burnley 73
• Maat – TheEQOrange
• Kush Audio – Electra DSP
• Kush Audio – Clariphonic
• Maag Audio – EQ
• Manley – Massive Passive
• Native Instruments – Passive EQ
• Elysia – Musseq
• SPL – PassEQ
• Pulsar – Massive

5. Wtyczki do usuwania sykli (de-esser)

Dlaczego stosować de-esser w masteringu? Dzięki tym narzędziom można złagodzić ostry wokal, hi-hat i dźwięki syntetyczne. Nasze uszy są bardzo wrażliwe na pewne wysokie częstotliwości — można je zredukować, by uzyskać delikatne, przyjemne brzmienie. Oto nasza rekomendacja:

• Airwindows – DeEss
• Fabfilter Pro-DS
• Oeksound – Soothe
• Oxford – SuperEsser
• DMG Audio – Essence
• Hofa IQ DeEsser
• Hornet – Sybilla
• Eiosis – E²Deesser
• WEISS DS-1

6. Ekualizator dynamiczny i kompresor wielopasmowy

Mastering nie zawsze wymaga dynamicznych EQ czy kompresorów wielopasmowych. W niektórych przypadkach warto uzyskać dostęp do poszczególnych pasm częstotliwości (gdy chcesz kontrolować przenikliwe częstotliwości w częściach utworu). Nasz ranking:

• Oxford – Dynamic EQ
• Fabfilter Pro-Q 3
• Izotope Ozone
• Fabfilter Pro-MB
• Leapwing Audio – Dynone
• Waves – C6
• Softube – Drawmer 1973
• DMG Audio – Multiplicity

— Zobacz także: Zawód realizatora dźwięku — połączenie sztuki i technologii —

7. Maszyny taśmowe i saturacja transformatorowa

To narzędzia, które tworzą analogowy dźwięk pełny, ciepły i nasycony. Dodajoklory, podkreśl górę lub wprowadź harmonię — oto najlepsze pluginy do saturacji lub koloryzacji:

• Tone Projects Kelvin Tone Shaper
• Vertigo Sound – VSM-3
• Wavesfactory – Spectre
• Shatteres Glas Audio – SGA1566
• Kazrog – True Iron
• Kush Audio – Omega
• SKnote – Roundtone
• Klanghelm – SDRR
• SPL – Twin Tube
• IK Multimedia T-Racks – Tape Machine
• Slate Digital – VTM
• London Acoustics – Taipei
• U-He – Satin
• Waves – Kramer Master Tape

8. Rozszerzanie stereo i głębia dźwięku

Dodaj głębi i szerokości swoim utworom za pomocą pluginów stereo. Przy obróbce uwzględnij kompatybilność mono oraz możliwe problemy fazowe. Spróbuj niektórych z tych:

• Leapwing StageOne
• Mathew Lane DrMS
• Side Minder ME
• Goodhertz Midside
• Leapwing Stageone
• Waves S1 / Center
• Flux Stereo Tool
• Nugen Audio Stereoizer
• TokyoDawnLabs – Proximity

9. Limitery

Zachowaj dynamikę utworu z limitatorami przejrzystymi i neutralnymi. Nie mogą tłamsić przejść ani zniekształcać częstotliwości. Oto topowe rozwiązania:

• DMG Audio Limitless
• A.O.M. Invisible Limiter
• Izotope Ozone Maximizer
• Eventide Elevate
• IK Multimedia Stealth Limiter
• Sonnox Oxford Limiter
• Voxengo Elephant
• Sonible – Smart:Limit
• Chandler Limited – Zener Limiter

— Zobacz także: Kim są inżynierowie miksu i masteringu? —

10. Analizatory i narzędzia pomiarowe

Pomiar loudness (PLR, RMS, LUFS) umożliwia porównanie poziomów finalnych. Wtyczki referencyjne także wizualizują balans tonalny, średni poziom głośności lub widmo częstotliwości:

• Voxengo Span
• Maat 2BC MultiCORR
• Youlean Loudness Meter
• Melda Production MLoudnessAnalyzer
• Nugen Audio VisLM / Mastercheck
• Izotope Ozone Tonal Balance Control / Insight
• Mastering The Mix Reference
• Sample Magic Magic AB
• Meter Plugs Loudness Penalty
• Sonnox Frauenhofer Pro Codec
• Maat DR Meter MKII
• ADPTR Audio MetricAB
• Orban Loudness Meter

11. Programy do korekcji monitorów i słuchawek

Dzięki tym narzędziom zoptymalizujesz akustykę pomieszczenia i poprawisz jakość dźwięku na słuchawkach i monitorach. Przykładowe programy:

• Sonarworks Reference Headphone / Speaker
• IK Multimedia Arc
• Dsoniq Realphones
• Tonebooster Morphit
• Room EQ Wizard
• 112 DB Redline Monitor
• Slate VSX Headphone
• Goodhertz CanOpener
• Waves Audio NX
• Audified Mixchecker

12. Definicja masteringu — co to jest mastering utworu?

Mastering optymalizuje brzmienie i siłę utworu: zagęszcza pasma średnie, formuje i zaokrągla niskie częstotliwości oraz dodaje blasku i bogactwa wysokim częstotliwościom. Reguluj dynamikę, osiągaj konkurencyjne poziomy loudness, zachowując wyważony mix.
Osiągaj poziomy dźwięku konkurencyjne przy użyciu kompresji, by być gotowym na platformy takie jak Spotify, Apple Music, YouTube, Beatport (korzystamy z pomiarów PSR i LUFS).
Opanuj problematyczne częstotliwości, stłum szorstkość light EQ i de-essingiem, by brzmić naturalnie i przyjemnie. Równoległe EQ i przetwarzanie Mid/Side idealnie nadają się do subtelnych korekt.
Dodaj ciepły, szczegółowy analogowy dźwięk, by stworzyć nostalgiczny klimat klasycznych nagrań elektronicznych, lub wzbogacaj charakter za pomocą Vintage Console Sound. Dodaj harmonię i błysk do miksu, by brzmiał czysto i poruszał słuchacza.

13. Rekomendowane programy do masteringu

Oto kilka interesujących programów (DAW) do masteringu muzyki. Są zoptymalizowane, by oszczędzić Twój czas, dodać metadane, tworzyć obrazy DDP dla płyt CD, przygotowywać pre-mastering do winylu/kasety lub po prostu usprawnić workflow:

• Reaper
• Pyramix
• WaveLab
• Sequoia
• Presonus Studio One
• Samplitude
• SADiE
• DSP-Quattro

14. Mastering dla winylu

Mastering dla winylu nie zawsze wymaga całkowicie nowego projektu — ale pewne aspekty trzeba wziąć pod uwagę:

• Filtr wysokich częstotliwości: odciąć od ~16 kHz nachyleniem ~18 dB/okt., by uniknąć przesterów

• Filtr niskich częstotliwości: przyciąć poniżej ~30 Hz, by igła się nie zerwała

• Sibilanty / de-essing: bardzo wysokie częstotliwości między ~3–9 kHz mogą powodować zniekształcenia przy tłoczeniu — wygładzaj hi-hat i wokal

• Mono Low-end: poniżej ~150 Hz wszystkie basy trzeba centrować, by uniknąć problemów z groove

• Unikaj zbyt mocnego limitowania: mastering dynamiczny lepiej się sprawdza na winylu; unikaj drastycznego tłamszenia, które może zniekształcać

• Kolejność utworów: spokojne kawałki lepiej umieścić w środku albumu z uwagi na ograniczenia dynamiki i częstotliwości; utwory energiczne umieszczaj na początku lub końcu albumu

Wypróbuj niektóre z wymienionych pluginów i tchnij nowe życie w swoje produkcje muzyczne. Brakuje Ci doświadczenia lub wiedzy? Prześlij nam swój zmiksowany materiał — nasze studio oferuje demo-mastering za darmo lub w promocyjnej cenie.

Waves Audio CLA-2A

Waves Audio CLA-2A to doskonały wybór dla każdego, kto chce dodać do swojego studia odtworzenie słynnego lampowego kompresora optycznego Teletronix LA-2A. Doda ciepło Twoim utworom, sprawi, że będą gładkie i generalnie nasycone.

CLA-2A to jeden z najlepszych kompresorów firmy Waves Audio. Czego nie kochać w kompresorze stworzonym z inspirującej współpracy Wavesa i Chrisa Lorda-Alge’a? Kompresor jest dość wszechstronny i nadaje się do wszystkiego, od instrumentów po wokale. Podobnie jak oryginalny sprzęt, wtyczka oferuje bogaty dźwięk i płynną reakcję.

Waves Audio CLA-76

Waves Audio CLA-76 to wierna reprodukcja słynnego kompresora 1176. Nic dziwnego, że CLA-76 jest uważany za popularny wybór użytkowników. Zainspirowany słynnym wzmacniaczem z połowy lat 60., CLA-76 został zaprojektowany tak, aby pokochało go wielu inżynierów dźwięku i producentów muzycznych. Oferuje jakość wzmacniacza klasy A i ultraszybkie czasy ataku i zwolnienia. Bardziej nowoczesny moduł 1176 LN i dobrze znany UREI 1176 można przełączać wewnątrz wtyczki. Ta wtyczka ma również „tryb brytyjski”, podobnie jak oryginalny sprzęt. Podoba nam się agresywny i przesterowany dźwięk, jaki w rezultacie otrzymujemy.

Waves Audio SSL G-Master

SSL G-Master wykonuje nienaganną pracę, łącząc ze sobą miksy, a także wykonuje niesamowitą pracę dodawania uderzenia do dźwięków perkusyjnych i oswajania dynamiki fortepianu.

Uwielbiamy to, jak SSL G-Master sprawia, że ​​bas brzmi naprawdę świetnie, jakby był wypełniony dodatkowymi harmonicznymi. Poza tym używaliśmy go kilka razy na bębnach i zawsze podobały nam się wyniki, jakie otrzymujemy. Jest to dokładne odtworzenie sprzętowe kultowego brzmienia konsoli.

— Zobacz też: 3 najlepsze oprogramowanie do tworzenia muzyki elektronicznej w 2022 r. —

Waves Audio C6

Waves Audio C6 jest uważany za jeden z najbardziej elastycznych kompresorów, jakie można znaleźć obecnie na rynku. Oferuje 2 pływające paski i funkcję łańcucha bocznego z poprzedniej wersji (Waves C4). To wszechstronne narzędzie do kontrolowania każdego rodzaju kształtowania i szerokich możliwości brzmieniowych. Ponadto świetnie nadaje się do usuwania esencji (eliminowania sybilantów) partii wokalnych.

Waves Audio API 2500

Waves Audio API 2500 to dokładna emulacja API 2500. Ten niesamowity procesor dynamiki oferuje 3 wyjątkowe tryby kompresji, 3 zmienne typy filtrów i wiele przydatnych elementów sterujących. Użytkownicy zgadzają się, że Waves Audio API 2500 jest wszechstronny i ogólnie jest świetnym wyborem do dodania do utworów klasycznych lub hard rockowych. Uwielbiamy to, jak dodaje odpowiednią ilość analogowych akcentów do dźwięku, ożywiając suche utwory.

— Zobacz też: Najlepsze wtyczki do masteringu (kolejność przetwarzania i lista narzędzi vst) —

Waves Audio PuigChild

Waves Audio PuigChild jest drobiazgowym odtworzeniem znakomitego i zabytkowego kompresora lampowego Fairchild 670. Jest wysoce nieprawdopodobne, że w dzisiejszych czasach znajdziesz oryginalną jednostkę sprzętową (nie mówiąc już o jej kosztach), ale ta wtyczka zapewnia wszystko, czego potrzebujesz . PuigChild oferuje przetwarzanie kanałów Mid-Side dla doskonałego obrazowania stereo. Waves Audio współpracowało z Jackiem Josephem Puigiem, a rezultatem była wtyczka PuigChild vst. Można tam również znaleźć presety tego inżyniera. Doskonały wybór dla tych, którzy szukają wszechstronnego kompresora lampowego w stylu vintage, który zapewnia bogaty, ale surowy dźwięk.

Waves Audio Abbey Road RS124

Abbey Road RS124 to szczegółowe i drobiazgowe odtworzenie legendarnego sprzętu RS124, który był powszechnie używany przez The Beatles. Wtyczka została stworzona we współpracy z Abbey Road Studios i oferuje ten sam dźwiękowy charakter, co oryginalna wtyczka. Nie jest tajemnicą, że uwielbiamy dźwięk, który można znaleźć we wszystkich utworach The Beatles i za to możemy podziękować RS124. Ponieważ Waves Audio Abbey Road RS124 jest drobiazgowym odtworzeniem tego urządzenia, dodaje do wszystkich utworów prawdziwe, niemal niesamowite ciepło w niskich i średnich tonach. To jest coś do wypróbowania.

Przedwzmacniacze i interfejsy audio są niezbędne w każdej nowoczesnej konfiguracji nagrywania cyfrowego. Często te dwa terminy są używane obok siebie i postaramy się zagłębić w różnice między przedwzmacniaczem a kartą dźwiękową. Jaka jest różnica i co konkretnie wybrać – odpowiedź znajdziesz poniżej.

Jaka jest kluczowa różnica?

Przedwzmacniacz służy do wzmacniania sygnału o poziomie instrumentu lub mikrofonu do poziomu liniowego w celu nagrywania.

Interfejs audio robi znacznie więcej niż przedwzmacniacz. Interfejsy audio są zaprojektowane tak, aby ułatwić nagrywanie dźwięku i odsłuch za pomocą komputera, z wejściami dla mikrofonów i instrumentów, a także wyjściami dla monitorów studyjnych i słuchawek. Prawie wszystkie interfejsy audio zawierają co najmniej jeden przedwzmacniacz do podłączenia instrumentów i mikrofonów.

Przedwzmacniacze

Przedwzmacniacze są niezbędne podczas nagrywania. W profesjonalnym audio są najczęściej używane w mikrofonach, dlatego ludzie często nazywają je przedwzmacniaczami mikrofonowymi. Przedwzmacniacz (inaczej przedwzmacniacz) wzmacnia (wzmacnia) sygnał do poziomu liniowego przed (wstępnym) nagraniem sygnału i przetworzeniem go. Bez tego procesu sygnał będzie zbyt słaby. Aby tak się stało, wzmacniane są sygnały mikrofonowe lub instrumentalne o stosunkowo niskim napięciu, takie jak gitary, syntezatory itp.

— Zobacz też: 3 najlepsze oprogramowanie do tworzenia muzyki elektronicznej w 2022 r. —

Przedwzmacniacze występują w wielu formach, w zależności od ich przeznaczenia. Na przykład można je znaleźć w produktach konsumenckich, takich jak zestawy stereo, miksery i mikrofony USB. Ale ich główna funkcja pozostaje taka sama: wzmacnianie słabego sygnału i ułatwianie jego nagrywania.

Oczywiście istnieją niezliczone różnice w dźwięku, jakości wykonania i designie. Zewnętrzne przedwzmacniacze mogą mieć wiele wejść, mogą używać wzmacniaczy klasy A lub klasy A/B, używać technologii lampowej lub półprzewodnikowej, a lista jest długa. Podobnie jak w przypadku sprzętu audio, niektóre przedwzmacniacze zyskały reputację dzięki swojemu charakterystycznemu brzmieniu. Oto krótka lista świetnych zewnętrznych przedwzmacniaczy / listew kanałowych, które możesz sprawdzić:

• API 512c
• Neve 1073
• Tube-Tech MP2A
• Avalon VT-737SP

Interfejsy audio

Interfejs audio łączy się z komputerem i umożliwia nagrywanie i sterowanie dźwiękiem łatwiej niż przy użyciu wbudowanej karty dźwiękowej. Zadaniem urządzenia jest konwersja sygnałów analogowych na dane cyfrowe zrozumiałe dla komputera i odwrotnie, dzięki czemu cyfrowe dane audio z komputera mogą być przesyłane do monitorów lub słuchawek.

W porównaniu do przedwzmacniaczy interfejsy audio są bardziej wszechstronne. Interfejsy audio zapewniają wejścia XLR i TRS, przedwzmacniacze, wyjścia głośnikowe i słuchawkowe. Ponadto wiele interfejsów audio ma również porty MIDI In i MIDI Out. Przedwzmacniacze na kartach dźwiękowych zapewniają w razie potrzeby zasilanie fantomowe 48 V, umożliwiają regulację wzmocnienia, głośności, a nawet zapewniają wizualne sprzężenie zwrotne dzięki fantazyjnym diodom LED i podświetleniu. Jednak w większości przypadków ich najważniejszym zadaniem jest konwersja analogowo-cyfrowa lub cyfrowo-analogowa, umożliwiająca podłączenie do komputera sprzętu analogowego, takiego jak instrumenty, mikrofony lub głośniki.

— Zobacz też: Waves Najlepsze kompresory VST do miksowania i masteringu —

Konwersja A/D i D/A

Zadanie interfejsu audio można sprowadzić do konwersji dźwięku analogowego na cyfrowy (i odwrotnie). Przyjrzyjmy się najpierw dźwiękowi wchodzącemu do komputera:

• Dźwięk analogowy jest podawany do interfejsu jako napięcie i konwertowany na dane cyfrowe za pomocą konwertera analogowo-cyfrowego (ADC).
• ADC wykonuje migawki w bardzo krótkich odstępach czasu zgodnie z częstotliwością próbkowania. Zazwyczaj częstotliwość próbkowania wynosi 44 100 lub 48 000 próbek na sekundę.
• Te ujęcia są nazywane próbkami i można je traktować jako piksele, ale tylko w przypadku cyfrowych sygnałów audio.
• Próbka/próbka zawiera wartość reprezentującą amplitudę sygnału w danym czasie. Rozdzielczość tej wartości jest określona przez liczbę użytych bitów (zwykle 16, 24 lub 32). Jest to również znane jako głębia bitowa.
• Użycie większej liczby bitów może zapewnić większy zakres dynamiki (nasze miksy studyjne i mastery przy 96000-32bit float). Zazwyczaj każdy bit daje dodatkowe 6 dB. Dlatego zwykła płyta CD (częstotliwość próbkowania 44,1 kHz z 16 bitami) ma zakres dynamiki 96 dB (16 x 6 = 96), który jest wystarczający dla wszystkich rodzajów muzyki.

Zanim będzie można usłyszeć dźwięk z komputera, interfejs audio musi przekonwertować go z powrotem na analogowy sygnał audio, który jest przesyłany do głośników i słuchawek. Jak można się domyślić, w proces ten zaangażowany jest przetwornik cyfrowo-analogowy (DAC). Wartość każdej cyfrowej próbki audio jest dopasowywana do napięcia, tworząc analogowy sygnał audio. Dlatego interfejsy audio integrują komponenty ADC i DAC, umożliwiając nagrywanie i kontrolę cyfrowego dźwięku.

Czego szukać w interfejsach audio

Interfejs audio (karta dźwiękowa) jest często centrum, wokół którego obraca się cały twój sprzęt studyjny, zwłaszcza jeśli twój interfejs ma wyjście MIDI. Możesz mieć świetne instrumenty, mikrofony, monitory studyjne i potężny komputer, ale każdy sygnał musi przejść przez kartę dźwiękową.

Jakie są specyficzne wymagania dotyczące interfejsu audio w twoim studiu?

• Czy chcesz nagrywać dźwięk za pomocą interfejsu? A może po prostu miksujesz i masterujesz?
• Ile kanałów chcesz nagrywać jednocześnie?
• Czy planujesz używać mikrofonów wymagających zasilania phantom 48V?
• Masz dwa zestawy monitorów i chcesz się między nimi przełączać?
• Potrzebujesz więcej niż jednego wyjścia słuchawkowego?

Wszystkie te kwestie można połączyć z budżetem i jakością komponentów, a otrzymasz dla siebie najlepszy (przystępny cenowo) interfejs audio. Na rynku jest wiele produktów i znalezienie idealnego może być męczące. Postaraj się być uczciwym wobec siebie w kwestii tego, jakie funkcje i ile wkładu naprawdę potrzebujesz, i rozważ zainwestowanie trochę więcej w jakość niż w ilość. Interfejsy audio są sercem każdego nowoczesnego systemu rejestracji cyfrowej.

— Zobacz też: Najlepsze wtyczki do masteringu (kolejność przetwarzania i lista narzędzi vst) —

Zewnętrzny przedwzmacniacz czy zewnętrzna karta dźwiękowa, co wybrać?

Po co kupować zewnętrzny przedwzmacniacz, gdy interfejs audio ma już (często kilka) przedwzmacniaczy, których potrzebujesz, już wbudowanych w interfejs audio?

Kilka powodów:

• Więcej wzmocnienia: Zewnętrzne przedwzmacniacze często zapewniają większe wzmocnienie, co może być szczególnie interesujące, gdy używasz mikrofonów dynamicznych o niskim wzmocnieniu, które wytwarzają słabe sygnały.
• Jakość: wysokiej jakości przedwzmacniacze analogowe pozostaną czyste i przejrzyste z niewielkimi lub żadnymi zniekształceniami, nawet przy wysokich wzmocnieniach.
• Mniej hałasu: Niski poziom hałasu zapewnia szerszy zakres dynamiki i lepszy dźwięk.
• Kolor: Słynne zewnętrzne przedwzmacniacze znane są z wyraźnego smaku, ciepła i lekkości, które nadają nagraniom.

Przedwzmacniacze w interfejsach audio muszą być po prostu „wystarczająco dobre”, jednak wiele interfejsów wykorzystuje jakość swoich przedwzmacniaczy jako punkt sprzedaży. Pamiętaj też, że jakość nagrania będzie pasować do najsłabszego ogniwa w Twoim łańcuchu.

Gibson Les Paul jest jedną z najbardziej kultowych gitar elektrycznych, obok Fender Stratocaster i Telecaster, a każdy muzyk miał w pewnym momencie pokusę, by ją mieć. Dla większości muzyków koszt oryginalnego modelu jest nieopłacalny. Ale na szczęście dostępne są gitary o bardzo podobnym brzmieniu, których koszt nie przekracza 1000 dolarów.

KTÓRE KOPIE LES PAUL SĄ NAJLEPSZE?

Nasz wybór na tej liście to Epiphone Limited Edition 1959 Les Paul Standard, który jest wierną repliką legendarnego Gibsona Les Paula z 1959 roku. Dla tych, którzy szukają jeszcze tańszej opcji, Epiphone Les Paul Special to najlepszy stosunek jakości do ceny.

• Epiphone Limited Edition 1959 Les Paul Standard (nasz wybór)
• Epiphone Les Paul Special (najlepsza cena)
• Schecter Solo II Custom (wybór premium)
• Epiphone Les Paul Standard lata 60.
• PRS SE 245
• ESP LTD EC-256
• PRS SE Mark Tremonti

1. EPIPHONE LIMITED EDITION 1959 LES PAUL STANDARD

Epiphone Limited Edition 1959 Les Paul Standard to rzadkie znalezisko, ponieważ oferuje niesamowitą jakość za przyzwoitą cenę i jest szansą dla graczy, aby doświadczyć cech charakterystycznych najbardziej legendarnego modelu Les Paul. Gitara zapewnia niezwykle dokładną reprodukcję wielu legendarnych cech, takich jak drewno korpusu, profil szyi i przetworniki.

Wybraliśmy tę gitarę jako najlepszą replikę Les Paula poniżej 1000 USD. Epiphone Limited Edition Les Paul jest tak autentyczny, jak może być kopia Les Paula. Podstawowy przepis na Les Paul z późnych lat 50-tych to połączenie dobrej jakości mahoniu i klonu, a ta gitara ma piękny, pełny mahoniowy korpus z solidnym topem AAA. To drewno zapewnia kwintesencję bogatego, dźwięcznego i mocnego brzmienia Les Paul, które wszyscy znamy i kochamy. Posiada również amerykańskie przetworniki Burstbucker. Najwyższej jakości są również potencjometry i nasadki wewnątrz gitary – komplet nasadek z folii poliestrowej Mallory 150 z potencjometrami CTS, przełącznikiem Switchcraft i gniazdem.

— Zobacz też: 10 najlepszych symulatorów wzmacniaczy gitarowych z 2022 roku —

2. EPIPHONE LES PAUL SPECIAL

Dalej mamy replikę Les Paula, którą można uznać za gitarę dla początkujących, ale z zabójczym brzmieniem i wyglądem, który czyni ją lepszą. Les Paul Special zajmuje szczególne miejsce w historii gitar elektrycznych, ponieważ były jedną z pierwszych wersji Les Paul w latach 50-tych.

Wizualnie wygląda jak oryginalna gitara Gibsona z lat 50-tych, a jej korpus i gryf są w całości wykonane z mahoniu. Epiphone Les Paul Special jest również dostępny w kultowym żółtym kolorze. Mahoń zapewnia solidną podstawę dla brzmienia pełnego tłustości i klarowności, a w połączeniu z gryfem Vintage 50s, możesz uzyskać grube i harmonicznie bogate brzmienia z tej gitary. Jedną z unikalnych cech Epiphone Les Paul Special jest zastosowanie przetworników P-90 zamiast humbuckerów. Te przetworniki z pojedynczą cewką wytwarzają bogaty i musujący dźwięk, który naprawdę się wyróżnia.

3. SCHECTER SOLO II CUSTOM

Wybraliśmy Schecter Solo II Custom jako najlepszą replikę Les Paula klasy premium, a ta gitara to nowoczesny Les Paul, którego można używać do rocka i popu. Schecter Solo II Custom kosztuje niecałe 1000 USD i ma klasyczny wygląd, ale ma możliwości nowoczesnego, high-endowego Les Paula.

Schecter wykorzystuje kombinację mahoniu i klonu do budowy ciała, a ta idealna kombinacja zapewnia pełne i ciepłe brzmienie z dużą ilością podtrzymania. Trzyczęściowy, mahoniowy gryf w kształcie litery „C” zwieńczony jest hebanową podstrunnicą. Jest to idealne rozwiązanie do mielenia szybkich nut i wykonywania dzikich podbić lub vibrato. Przetworniki to humbuckery Schecter USA Pasadena wyprodukowane w USA. Zostały pierwotnie opracowane dla Zacky Vengeance z Avenged Sevenfold, więc mogą pochwalić się wysokimi i średnimi częstotliwościami. Schecter Solo II Custom jest wyposażony w funkcję dzielonej cewki z pokrętłem push-pull, która zapewnia dostęp do dźwięków z pojedynczą cewką na przetwornikach humbucker.

4. EPIPHONE LES PAUL STANDARD 60S

Epiphone Les Paul Standard 60s to jedna z najlepiej sprzedających się replik Les Paul na świecie. To wszechstronny Les Paul o klasycznym wyglądzie i wydajności.

Dzięki Epiphone Les Paul Standard z lat 60. masz to, co widzisz. Konstrukcja korpusu wizualnie zachwyca świetnym wykończeniem i wyglądem vintage, a gitara gra i brzmi jak vintage Gibson Les Paul.

Epiphone Les Paul Standard 60s ma mahoniowy korpus z topem z klonu płomienistego AAA. Brzmienie jest bogate harmonicznie, z dużą ilością uderzenia i ataku, a w połączeniu z pewnym przesterowaniem, możesz uzyskać całkiem zabójcze brzmienia w mgnieniu oka. Przetworniki na tej gitarze to Epiphone ProBuckers, które zostały zaprojektowane do emulacji starych humbuckerów PAF.

5. PRS SE STANDARD 245

PRS SE Standard 245 to wersja Gibsona Les Paula autorstwa Paula Reeda Smitha. Jest to lekka gitara, która prezentuje oldschoolowe brzmienie w przystępnej cenie. Jeśli lubisz gitary w stylu PRS i gitary Les Paul, dostaniesz to, co najlepsze z obu światów.

Nazwa SE 245 pochodzi od długości skali 24,5″, a zgodnie z tradycją Gibsona, PRS SE 245 ma mahoniowy korpus z klasycznym przezroczystym wykończeniem. Całkowicie mahoniowy korpus i szyjka SE 245 odtwarzają ciepłe tony przypominające Gibsona Les Paula, ale nieco zaktualizowane o nowoczesny akcent. Po stronie sprzętu otrzymujesz zaprojektowane przez PRS tunery i regulowany stoper PRS, które są znane ze swojej niezawodności i stabilności. Humbuckery PRS 245 „S” są grube i mocne i działają dobrze z dużą ilością wysokiego wzmocnienia, a także z podstawowymi czystymi tonami.

— Zobacz też: Czym jest DSP w muzyce? Miksowanie i mastering z procesorami DSP —

6. ESP LTD EC-256

ESP LTD EC-256 to potężny instrument, jeden z klonów Les Paula stworzonych dla rocka i metalu. Potężne i bogate tony są tym, czego można oczekiwać od ESP LTD EC-256, a jeśli lubisz dużo zniekształceń, ten model może być właśnie dla Ciebie.

ESP LTD EC-256 ma mahoniowy korpus z falistym klonowym blatem. Konstrukcja szyi naprawdę podkreśla sustain. Profil szyi ma cienki kształt litery U i został zaprojektowany z myślą o maksymalnej grywalności i szybkości. Firma ESP zaprojektowała obudowę bardzo ergonomicznie, a lekko zakrzywiony górny kształt obudowy ułatwia znalezienie wygodnej pozycji dłoni. Ta gitara posiada zaprojektowane przez ESP tunery i mostek Tune-o-Matic, które zapewniają doskonałą stabilność strojenia. Przetworniki na tej gitarze to humbuckery ESP LH-150N i ESP LH-150B. Są bardzo mocne i idealne do rocka i metalu. Otrzymujesz pokrętło push-pull dla funkcji dzielenia cewki, co otwiera możliwości dla wielu różnych tonów.

7. PRS SE MARK TREMONTI

PRS SE Mark Tremonti to charakterystyczna gitara Marka Tremonti, współzałożyciela Creed i Alter Bridge.

Gitary PRS SE są produkowane w Korei Południowej, kraju znanym z doskonałej jakości wykonania. Podobnie jak wszystkie inne Les Pauls, które testowaliśmy, Tremonti ma atrakcyjny mahoniowy korpus z topem z klonowego forniru. Charakterystyczna szyja Tremonti ma szeroki, cienki gryf klonowy z podstrunnicą z palisandru. PRS i Mark Tremonti wspólnie opracowali trzyczęściowy klon, który jest idealny do szybkich solówek i potężnych rockowych riffów.

Sprzęt jest również imponujący, a PRS jest znany ze swojego wytrzymałego i niezawodnego sprzętu, takiego jak opatentowane przez PRS formowane tremolo i zaprojektowane przez PRS tunery. Humbuckery Tremonti „S” zapewniają maksymalną moc i responsywny, jasny dźwięk. PRS SE Mark Tremonti to doskonały wybór dla gitarzystów w przystępnej cenie do nagrywania i wykonywania gitar.

W 2011 roku producent Curtiss King (aka Dwan Howard) mógł współpracować z kilkoma odnoszącymi sukcesy raperami, takimi jak Ab-Soul, był w stanie nagrać bit z dwoma artystami na Young Money, a ponadto udało mu się nawet zapalić w XXL.

Aby to uczcić, poszedł do sklepu monopolowego w pobliżu swojego domu w południowej Kalifornii i po drodze do kasy wziął egzemplarz magazynu. Ale gdy tylko dotarł do kasy, pojawił się problem. Był bez pieniędzy. King powiedział później Complexowi: „Nie było mnie nawet stać na magazyn. Podchodzę do kasy i mówię: „Hej, to moje imię”. On na to: „Ok, jasne, stary”.

Jego historia jest dość niezwykła w świetle obecnego problemu. Nawet jeśli jesteś producentem znanym daleko poza granicami swojego kraju, nadal będziesz odczuwać brak pieniędzy. Dużo czasu zajmuje artystom i wykonawcom decyzja, czy użyją sugerowanych przez Ciebie bitów. Gdy bity zostaną przeniesione, można tylko czekać i mieć nadzieję, że przynajmniej jeden z nich znajdzie się w finalnym albumie. Innymi słowy, może upłynąć trochę czasu, zanim otrzymasz zapłatę.

Tak czy inaczej King musiał coś zdecydować. W 2013 roku, kiedy był „w naprawdę trudnym miejscu w życiu”, jego przyjaciel i mentor wprowadził go w zupełnie inny sposób zarabiania pieniędzy jako producent, co King zmienił jego zwykłe poglądy na to, jak powinni zarabiać beatmakerzy i jak raperzy powinien znaleźć bity, aby w procesie wszystkie strony były na plusie (nie było sporów). Zaczął wypożyczać bity.

Zwykle przy tworzeniu albumu odpowiedzialność za tworzenie muzyki w hip-hopie tradycyjnie dzieli się równo między rapera i producenta. Ten podział pracy przeniósł się z czasów klasycznego rapu, kiedy istniała wyraźna różnica między DJem a raperem. Co więcej, taki split został uwieczniony w tytule klasycznego albumu DJ Jazzy Jeff & the Fresh Prince z 1988 roku „On jest DJ, jestem raperem”. Początkowo duet współpracował wyłącznie w celu dokończenia projektu. Jednak wraz z komercyjnym sukcesem debiutanckiego albumu Nas z 1994 roku, Illmatic, który podzielił obowiązki tworzenia bitów między zespół marzeń L.E.S., Large Professor, Q-Tip, DJ Premier i Pete Rock, zaczął się model niezależnego producenta dostarczającego bity różnym artystom. nabrać rozpędu.

Ale jedna rzecz pozostała taka sama. Z wyjątkiem przypadku lub całkowitej kradzieży, każdy konkretny rytm został sparowany tylko z jedną piosenką. Trudno było sobie nawet wyobrazić, że ktoś taki jak DJ Premier nagrał ten sam beat dla Gang Starr i Nas i wydał oba utwory.

— Zobacz też: 7 najlepszych replik gitar LES PAUL (poniżej 1000 USD) —

Jak czaty AOL zmieniły zasady gry

(AOL to firma, która kiedyś była właścicielem ICQ, a pokój rozmów jest w zasadzie tylko pokojem rozmów online tej firmy)

W 1996 roku Abe Batshon był początkującym autorem piosenek, który często wchodził w interakcje z producentami na czatach AOL. Nie mógł sobie pozwolić na bity, które prosiły o cztery czy pięć zer, nawet jeśli naprawdę je lubił. Jednak dzięki swojej zaradności i „desperackiej” sytuacji wpadł na pomysł bezprecedensowy.
Skontaktował się z producentem na czacie, poprosił o użycie bitu i zaoferował kwotę, która choć znacznie niższa niż podano, dała producentowi możliwość odsprzedania bitu komuś innemu. W ten sposób narodziła się koncepcja niewyłącznych praw do bitów.

Do 2008 roku Bashton wykorzystywał ten pomysł tylko do celów osobistych, ale nieco później przekształcił go w pełnoprawny biznes, zakładając Beatstars, internetową platformę dla bitów. Do tego czasu idea nabywania niewyłącznych praw do bitów, czyli wypożyczania ich zamiast kupowania, zaczynała zyskiwać popularność wśród młodszego pokolenia producentów, dla których prowadzenie biznesu w sieciach społecznościowych było generalnie kolejność rzeczy.

Zasadą tej dzierżawy jest to, że producent/beatmaker pozwala wykonawcy na używanie jego bitów za cenę i na warunkach ustalonych przez producenta. Na przykład artysta może mieć dostęp do swojej piosenki tylko przez ograniczony czas lub sprzedawać tylko określoną liczbę kopii. Haczyk polega na tym, że producent może ponownie zawrzeć tę samą umowę, ale z drugim artystą, a potem trzecim i tak dalej. Dzięki temu wielu artystów może recytować swoje teksty w tym samym rytmie.

Ze względu na niewyłączny charakter umowy ceny wychodzą znacznie niższe niż w przypadku wyłącznych praw do bitu. Ceny wynajmu czasami idą do absurdalnych 99 centów, ale zwykle wahają się od 20 do 50 USD, w zależności od formatu, w jakim artysta chce użyć beatu. Na przykład gotowe pliki mp3 wychodzą najtaniej, a uzyskanie oddzielnych ścieżek bitowych, aby artysta mógł zremiksować lub w inny sposób opanować utwór, będzie już znacznie droższe.

Jak facet z MySpace stał się supergwiazdą

SuperStar O, beatmaker z Ohio, stał się swego rodzaju supergwiazdą w tym nowym świecie. Jeśli nie jesteś producentem, możesz nie znać jego nazwiska. Ale zapytaj swojego przyjaciela, który w wolnym czasie gra muzykę, a zobaczysz, jak bardzo jego oczy się rozszerzają.

W 2008 roku SuperStar O był tylko kolejnym nastolatkiem nagrywającym bity i umieszczającym je na swojej stronie MySpace. Ale po tym, jak mógł rozmawiać online z bardziej doświadczonymi twórcami bitów, w końcu odkrył internetowe strony z beatami, a wkrótce potem zaczął wypożyczać swoje dzieła. Teraz może zarobić nawet 30 000 dolarów miesięcznie wynajmując swoje bity za 20-50 dolarów za utwór.

— Zobacz też: 10 najlepszych symulatorów wzmacniaczy gitarowych z 2022 roku —

SuperStar O zna wielu producentów, którzy zarobili duże pieniądze na wynajmie swoich bitów od początku 2000 roku i widzi, jak bardzo rynek wynajmu urósł, odkąd naprawdę wszedł w biznes.

«Teraz należymy do pokolenia, w którym wielu ludzi pasjonuje się tworzeniem muzyki i to jest naprawdę fajne. A jak tylko ludzie coś naprawdę pasjonują, prędzej czy później w ich głowach pojawiają się pytania: „Czy mogę na tym zarobić? Czy mogę to sprzedać?”. Zaczynając od tej realizacji udało mi się urosnąć do obecnego poziomu».

Co mają ze sobą wspólnego bity i pasta do zębów?

Aby zrozumieć, dlaczego wypożyczanie bitów stało się tak popularne, warto przyjrzeć się zarówno podaży, jak i popytowi. Bariery wejścia dla beatmakera dramatycznie spadły w ostatnich latach dzięki postępowi technologicznemu. J Hatch, współzałożyciel koalicji produkcyjnej istandard, zauważa, że ​​kiedyś bycie beatmakerem lub producentem kosztowało dużo pieniędzy.

«Trzeba było kupić MPC [sampler/maszynę perkusyjną], która kosztowała mniej więcej 1000 dolarów”, wspomina. „Powinieneś kupić talię. Trzeba było znaleźć budkę [nagraniową]. Te rzeczy kosztowały wtedy dużo więcej niż teraz. Na nominalne miano producenta można było wydać 10-12 tysięcy dolarów. Obecnie możesz pobrać oprogramowanie do tworzenia bitów bezpośrednio na swój telefon. Możesz kupić Kaotica Eyeball [mała kabina do nagrywania w kształcie kuli], aby nagrać własny głos, a następnie wykonać całą obróbkę na swoim laptopie. Tak więc jeśli wcześniej trzeba było wydać około 12 000, aby zacząć robić znośne bity, teraz jest to około 1000».

Ponieważ teraz łatwiej jest zacząć od zera, coraz więcej osób zostaje producentami, co prowadzi do nadpodaży na platformach takich jak Beatstars czy RawHeatz: są dosłownie miliony bitów na każdy „smak i kolor”. Z kolei osób rapujących jest coraz więcej i potrzebują stosunkowo niedrogich bitów, bo ich budżet jest bardzo ograniczony. Nawet artyści, którzy podpisali kontrakty z wytwórniami, doświadczyli w ostatnich latach cięć budżetowych. Tak więc pomysł taniego zdobycia bitu, nawet jeśli ryzykujesz, że ktoś inny go użyje, staje się niezwykle atrakcyjny.

Ale czy jakość cierpi, ponieważ rynek jest wypełniony tanimi bitami? Według Curtiss Kinga nie. Koszt wypożyczenia bitów od Kinga może wynieść 30 dolarów, ale nie oznacza to, że za te pieniądze artysta otrzyma materiał gorszy niż ten, który przygotował dla TDE. Najlepszym sposobem na zilustrowanie tego punktu, jak mówi, jest porównanie bitów do… pasty do zębów.

«Zawsze porównuję [bity wypożyczane] do [pasty do zębów] Colgate” – mówi. „Colgate nie zrobi złego produktu. Firma utrzymuje wysoką jakość wszystkiego, co jest związane z tym znakiem towarowym. Nawet jeśli pracujesz ze znanymi i sławnymi artystami, nie oznacza to, że ich profesjonalizm lub wymagania są ważniejsze niż artysta, który choć nie tak sławny, nadal jest gotów ci zapłacić».

„Cóż, czego można oczekiwać za 99 centów?”

Oczywiście nie wszyscy są zadowoleni z tego nowego stanu rzeczy. Producent J.Oliver napisał piosenki dla Meek Mill, Trey Songz, French Montana i Young Thug. O artystach, którzy wypożyczają bity, mówi, że „podążają ścieżką najmniejszego oporu” (wybierając najtańszy sposób). Według niego wykonawcy po prostu nie chcą płacić za bity.

Czasami użycie wypożyczonych bitów może obrócić się przeciwko samym wykonawcom. Jeśli pojawi się jakiś inny wykonawca i uzna, że ​​podoba mu się użyty przez Ciebie bit, może go po prostu wykupić, czyli zapłacić za wyłączne prawa. Jay Oliver mówi, że często otrzymuje prośby o przerobienie rytmu od ludzi, którzy nie mogą przedłużyć umowy najmu, ponieważ wyłączne prawa do niej zostały sprzedane komuś innemu.

«Zrobiłem to samo w zeszłym tygodniu dla kogoś innego – mówi ze śmiechem. „Ktoś zadzwonił do mnie i powiedział: „Hej, moja córka zaśpiewała do tego utworu, a producent już go sprzedał, więc możesz to przerobić?»

Jay Hatch wyjaśnia, że ​​wynajem powoduje również tarcia w samej społeczności producentów, a niektórzy kompozytorzy uważają, że wynajem obniża ogólne ceny i wygląda na to, że rynek jest zdominowany przez utwory o niższej jakości.

«Można zakochać się w czymś, co jest przedstawiane jako droższe, a przez to wyższej jakości” – wyjaśnia. „Większość ludzi zakłada, że ​​wypożyczone płyty i tak zostały nagrane przez beatmakerów, albo po prostu mają kilka płyt leżących w pobliżu i są gotowi, by je tanio sprzedać. Innymi słowy, tok myślenia jest tutaj dokładnie taki sam, jak przy wyborze produktu w zwykłym sklepie. Na przykład masz wybór: iść do drogiego butiku lub sklepu za dolara (uwaga red.: coś w rodzaju stałej ceny). Chcę kupić parę rękawiczek. Jeśli pójdę do drogiego butiku, to spodziewam się, że skoro kosztują 20-25 dolarów, będą dobrej jakości i prawdopodobnie przetrwają kilka lat. Jeśli pójdę do sklepu dolarowego i wybiorę parę rękawiczek za 99 centów, to… cóż, czego można się spodziewać po rękawiczkach za 99 centów?»

Jednak ludzie tacy jak SuperStar O i Curtis King próbują walczyć z uprzedzeniem, że niska cena oznacza niską jakość. Na przykład King nie jest już zainteresowany sprzedażą bitów słynnym raperom. Mówi, że w ciągu pierwszych kilku miesięcy dzierżawy zarobił tyle samo pieniędzy, co w ciągu 10 lat z największymi artystami i firmami, i może wykorzystać czas zaoszczędzony na uczęszczaniu na niekończące się nocne sesje studyjne, aby po prostu połączyć się z rodziną.

«A kto wie, może jeden z klientów wynajmujących bity nagle stanie się supergwiazdą. Świadomość, że możesz pracować z następnym Kendrickiem Lamarem i nadal zarabiać uczciwe i stabilne pieniądze, pomagać w opłacaniu rachunków, dbać o rodzinę – stała się dla mnie teraz bardzo ważna ”- mówi. „Nie wrócę już do wielkiego przemysłu, nie obchodzi mnie, ile pieniędzy jest oferowanych, nie jest to warte bólu głowy».

Antyspołeczny Klub Raperów

Batshon zwraca uwagę, że takie rynki przełamują granice przemysłu muzycznego. Wielkie hity, takie jak Future i „Self” Rihanny, zostały stworzone przez producenta za pomocą swojej platformy. I zauważa, że ​​najwięksi wydawcy zaczynają dostosowywać się do nowej rzeczywistości, którą pomógł stworzyć.

«Staje się jasne, że wszyscy ci duzi wydawcy zmieniają swoje priorytety i coraz częściej zwracają się ku platformom internetowym” – mówi. „Ponieważ producent internetowy stał się samowystarczalny, może decydować o własnym losie, zbudował własny biznes bez pomocy Wielkiego Brata».

Ponadto Batshon zwraca uwagę, że pokolenie artystów „wychowanych” w mediach społecznościowych uważa, że ​​używanie Internetu do wyszukiwania bitów jest całkowicie naturalne, nawet po tym, jak odnieśli sukces. Nie może się doczekać przyszłości, która jest bardzo podobna do jego własnej przeszłości z połowy lat 90.

“Wielu młodych artystów jest z natury bardzo antyspołecznych. Wielu z nich to introwertycy, więc w życiu towarzyskim polegają na Internecie. Ale pomimo swojej młodości są dość żądni przygód i samowystarczalni, ponieważ tak blisko kontaktują się ze swoimi fanami w mediach społecznościowych, że nie czują, że muszą na nikim polegać. Nie czekają, aż zarząd wyśle ​​im bity. Nie czekają, aż A&R, wydawcy czy wytwórnie wyślą im bity. Wielu z tych artystów najpierw wchodzi do internetu. Sprawdzają odpowiedzi na kontach twitterowych od samych producentów, chodzą na BeatStars, wchodzą na YouTube i szukają dla siebie odpowiednich bitów. Tak pracują młodzi ludzie. Myślę, że przyszłość jest naprawdę niesamowita”.

Istnieją setki symulatorów wzmacniaczy gitarowych i wybór może być trudny. Wybraliśmy 10 najlepszych naszym zdaniem symulatorów vst (płatnych i darmowych), które brzmią niesamowicie. Większość z nich oferuje bezpłatne wersje próbne, masz pełny dostęp do oprogramowania przez kilka tygodni, co pozwala w pełni poznać i przetestować urządzenie.

Najlepiej płatne wzmacniacze VST

1. Archetype Plini by Neural DSP

Twórcy Plini połączyli siły z Neural DPS, aby współpracować nad symulatorem wzmacniacza, który brzmi absolutnie niesamowicie! Archetype ma trzy różne wzmacniacze: Clean, Crunchy i Lead, a pedał booster/overdrive zapewnia dodatkową elastyczność i możliwość dostosowania do różnych stylów i instrumentów (wtyczka zawiera 9-pasmowy korektor oraz efekty pogłosu i opóźnienia).

Jeśli chcesz symulatora wzmacniacza, który nie oferuje ogromnej wszechstronności, ale brzmi fenomenalnie, pobierz bezpłatną wersję próbną Archetype Plini i przetestuj jego możliwości.

2. BIAS FX II

Chociaż nie jest to oprogramowanie wyłącznie do symulacji metalowych wzmacniaczy, BIAS FX II zawiera dziesiątki różnych wzmacniaczy, które zdecydowanie mają coś do zaoferowania dla metalu.

BIAS FX pozwala wybrać mikrofony, których chcesz używać, a także ich pozycję przed głośnikami. Na koniec fajną cechą tego symulatora wzmacniacza jest to, że pozwala on podzielić sygnał na dwa różne wzmacniacze i dodać efekty do tych dwóch ścieżek sygnałowych osobno, a następnie ponownie je zmiksować.

3. BIAS AMP II

BIAS Amp II jest ostatnio naszym ulubionym symulatorem wzmacniacza, ponieważ brzmi absolutnie niesamowicie i masz całkowitą kontrolę nad każdym pojedynczym komponentem, co naprawdę pozwala na dogłębne dostosowanie dźwięku. BIAS Amp II i BIAS FX II zostały zaprojektowane do współpracy, co ma swoje wady i zalety. Możesz dostroić wzmacniacz w BIAS Amp, a następnie użyć ustawienia wstępnego w BIAS FX, aby uzyskać jak najwięcej z obu wtyczek.

— Zobacz też: Waves Najlepsze kompresory VST do miksowania i masteringu —

4. Toneforge by JST

Toneforge autorstwa Joey’a Sturgisa Tones to linia symulatorów wzmacniaczy, których głównym celem jest metal i inne style o wysokim wzmocnieniu. Wszystkie wzmacniacze mają oryginalny design i charakter, co w przeciwieństwie do większości innych symulatorów oznacza, że ​​nie naśladują żadnego z klasycznych wzmacniaczy. Jakość dźwięku jest znakomita! Niektóre z sygnowanych wzmacniaczy są własnością Jasona Richardsona, Misha Mansour i innych, a ich ceny wahają się od 59 do 129 USD.

5. Amplitube 4

Zawsze lubiliśmy Amplitube, zwłaszcza ich wzmacniacze o wysokim wzmocnieniu, chociaż czyste tony też brzmią imponująco. Wtyczka została zaprojektowana z myślą o wszystkich, co oznacza, że ​​kupując wersję standardową, otrzymasz kilka różnych wzmacniaczy i obudów, wiele efektów, różne modele głośników itp. Jeśli potrzebujesz innych wzmacniaczy i efektów, możesz zawsze kupuj więcej w ich specjalistycznym sklepie. W zasadzie jest to oprogramowanie uniwersalne, ale bez szczególnych wad.

Najlepsze darmowe symulatory wzmacniaczy gitarowych do metalu

Wszystkie te symulatory wzmacniaczy są w 100% darmowe, bez żadnych ograniczeń.

6. Amped Roots Free

Amped Roots Free to najlepsze darmowe oprogramowanie do modelowania wzmacniaczy metalowych, jakie kiedykolwiek wypróbowaliśmy. To jedyna wtyczka vst, która brzmi idealnie od razu po wyjęciu z pudełka. Zawiera kilka podstawowych ustawień wstępnych, których można używać i dostosowywać do własnych potrzeb.

7. LePou Amp Pack

Te symulatory wzmacniaczy istnieją już od jakiegoś czasu i są często chwalone jako najlepsze darmowe alternatywy o wysokim wzmocnieniu. Teraz nie mają wbudowanej odpowiedzi impulsowej / szafki, więc możesz albo pobrać LeCab2, który również pochodzi z LePou, ale działa tylko na 32-bitach, lub możesz wypróbować NadIR z Ignite Amps.

Otrzymujesz:

• LeCto oparty na podwójnym prostowniku Mesa Boogie.
• Le456 na podstawie Engl Powerball
• LeGion, który nie jest oparty na żadnym wzmacniaczu. To jest oryginalny LePou.

8. Emissary by Ignite Amps

Emissary ma czysty kanał, który brzmi cholernie dobrze i kanał o wysokim wzmocnieniu, który jest jednym z najlepiej brzmiących ciężkich wzmacniaczy. Nie ma wbudowanej obudowy, więc będziesz potrzebować NadIR, symulatora obudowy, tak jak w przypadku wzmacniaczy LePou. NadIR Impulse Response Loader pozwala wybierać spośród różnych mikrofonów i miksować je ze sobą, zapewniając doskonałą kontrolę nad brzmieniem. Emissary jest podobny do wzmacniacza Amped Roots Free pod tym względem, że brzmi zaskakująco dobrze, zwłaszcza że jest darmowy.

9. Amplifikation Lite by Kuassa

Zawsze byliśmy fanami Kuassa, zwłaszcza po tym, jak mogliśmy wypróbować ich wtyczkę Matchlock. Mimo że większość wtyczek jest premium, wydali symulator wzmacniacza Amplification Lite, z którego można korzystać całkowicie za darmo i bez ograniczeń. Posiada trzy kanały: czysty, overdrive i lead.

— Zobacz też: Interfejs audio VS przedwzmacniacz. Jaka jest różnica? —

10. NRR-1 by Ignite Amps

Jeśli jeden wzmacniacz (Emissary) to za mało, Ignite Amps wypuściło kolejną darmową wtyczkę – HPP-1. Wzmacniacz składa się z trzech kanałów: Clean, Rhythm i Lead. Kanał prowadzący jest świetny do metalu, zarówno do partii rytmicznych, jak i ołowianych, podczas gdy kanał rytmiczny nie ma wystarczającego wzmocnienia dla metalu.

Podsumowując, NRR-1 to kolejna świetna darmowa wtyczka; brzmi świetnie, łatwo i za darmo. Podobnie jak w przypadku Emissary, będziesz musiał załadować NadIR, aby działał jako szafka, w przeciwnym razie sam będzie brzmiał okropnie.