Джо Чикарелли звукорежиссер, специалист по мастерингу и многократный лауреат премии Грэмми, которому очень повезло, когда звукорежиссер Фрэнк Заппа не смог работать над звукозаписями, он пригласил 20-летнего Джо занять его место. В результате этого Джо Чикарелли за свою карьеру успел поработать с такими исполнителями как: Фрэнком Заппа, as The White Stripes, Elton John, U2, Beck, My Morning Jacket, The Strokes и другими. Один из его более поздних работ является отмеченный критиками альбом английского певца Моррисси “World Peace Is None Of Your Business”.
Интервью с Джо Чикарелли проходило в начале этого года в Санта-Монике (Калифорнии). Журналисту удалось поговорить с ним о его взглядах на аудио технику и о том каково быть музыкальным продюсером и что нужно использовать чтобы всё вышло идеально. И конечно же о важности прослушивания в моно.
Каков ваш взгляд на работу звукорежиссера сегодня?
– Это больше творческая, нежели техническая работа. Лучше всего у меня получается работать, когда я отдаюсь на волю своих эмоций, забывая о технической части проекта. Другими словами, моя душа улетает в творческом потоке, где я соединяю воедино мелодии и звуки. Принимая порой не самые очевидные технические решения, которые в то же время отлично вписываются в рамки данного музыкального произведения. На мой взгляд, чтобы сегодня быть успешным звукорежиссером, нужно обладать эмоциональной и творческой составляющей, а не просто сидеть и нажимать на кнопки.
Разве можно ли быть просто звукорежиссером, и не иметь ничего общего с продюсированием?
– Существует тонкая грань между продюсированием и разработкой. Я из тех людей, кто вовлекает в себя все эти процессы звукозаписи. Создание образа для артиста – это все. Я думаю, что вы можете сделать запись с любым оборудованием, аналоговым, цифровым или с помощью плагинов, но у меня есть мои любимые, которым я доверяю.
В настоящее время большинство людей, которые создают музыку не имеют своей студии и начинают на компьютере у себя дома. Можно ли стать опытным продюсером, не тратя время в студии?
– Я работал со многими людьми, которые просто запирались в ванной с одной составляющей звукозаписи и делали с ней всё что только возможно. У них получались удивительные результаты, они делали то, что я никогда не делал. Я бы использовал другие эффекты для достижения более близкого звучания, но их результат всё же более уникален.
Как вы думаете, самоучки упускают какие либо базовые знания?
– Я не знаю упускают они что либо или нет, но есть вещи которым сейчас никто не учит, а именно – каково быть частью команды. Когда находишься в студии во время процесса звукозаписи, у каждого своя роль. Они уважают друг друга и каждый знает свое место. Чувствуют каждого человека, находящегося в комнате вместе с ними. А работая дома в течении многих лет, можно превратиться в отшельника – вы будете мало контактировать с людьми, тем самым лишая себя возможности впитывать их опыт. А ведь процесс создания музыки это ещё и взаимодействие с музыкантом. Быть чувствительным к настроению команды, знать когда нужно подтолкнуть кого-то, а когда быть строгим и говорить плохие вещи. Это многое для процесса звукозаписи! Во всей творческой роботе есть элемент сомнения. Порой вы не уверены в том что вы делаете, иногда кажется что это ужасно или слишком хорошо.
См. также: 5 лучших сайтов для создания музыки онлайн
Как вы справляетесь с этим, когда вы работаете с музыкантом?
– Каждый раз когда я что-то делаю, возникает мысль, что это за дерьмо?
Существует очень мало вещей в моей жизни, которые, как мне кажется сделаны действительно хорошо. Я всегда думаю, что можно было и лучше. С другой стороны бывают и противоположные случаи, когда хочется сказать «Вау, это песня восхитительна». В эти моменты музыка создаётся без тени сомнения, словно по взмаху волшебной палочки. Я считаю, что пересматривание и переделывание уже существующего трека – это просто нерешительность убивающая процесс. Здесь сочетание интуиции и духа помогает создать первичную идею, перерастающую в полноценный проект. А иногда усовершенствования существующего ухудшает результат.
По моему опыту лучшие музыкальные произведения создаются быстро, словно посланы свыше. Лучший творческий период – это тот, где вы находитесь в гармонии с тем что вы делаете. Когда вы находитесь в гармонии с регуляторами настроек получается нечто невероятное! Я проходил через это много раз. Это словно наваждение, в котором ты забываешься, создавая мелодию. Порой, отходя от этого состояния, я смотрю на настройки, и понимаю что использовал хода, которых обычно стараюсь избегать, но если музыка хороша – какая разница?
Как вы ведёте себя с музыкантами, которые сомневаются в своих работах?
— Конечно я могу взять на себя роль лидера, но если действительно есть поводы для сомнений, я говорю об этом. Я стараюсь быть максимально объективным в том, что может быть не так с треком и как это исправить. Я был честен со всеми, с кем мне довелось работать, чаще это было нечто вроде «Мне кажется тебе нужно доработать эту часть» или «Ты уверен на счёт хоруса в этой мелодии?», но в то же время, слово музыканта закон, как скажет — так и будет записано.
Работа продюсера включает в себя пристальное наблюдение за всеми аспектами создания трека, начиная от первых звуков, заканчивая первым прослушиванием на радио. Это очень важная часть работы, так как нужно исправлять даже миллисекундные погрешности.
И чем больше я занимаюсь и сталкиваюсь с этими нюансами, тем качественнее будет конечный продукт. И я не обязательно говорю о коммерческом успехе, потому что, что это такое? Миллион просмотров на Youtube? Пять миллионов проданных песен? Это конечно же не миллион проданных альбомов. Я думаю, что настоящий музыкальный успех – это качественный трек.
Часто ли вы используете дабл трек вокала?
-Мне нравится думать что песня — это как путешествие, в котором я меняю окружение изменяя настройки. Порой я очень смел в своих решениях, в том смысле, что могу опробовать различные звуковые эффекты в одном припеве. Или же аккуратно микширую. Там могут быть определенные задержки и реверберации, происходящие в хорусе, но их нет в припевах. Я думаю этот процесс очень важен.
См. также: 5 плагинов, которые сделают Ваш вокал блестящим!
Но я не имею ввиду какие либо правила, с помощью которых вы должны использовать дабл трек вокала. Это зависит от певицы. К примеру, дабл трек вокала ужасно звучит у певца Моррисси, так как он эстрадный певец. Я не думал по поводу того, что бы удваивать вокал Синатры. Но у некоторых певцов дабл трек вокала звучит на много лучше.
Используешь ли ты искусственное удвоение эффектов?
— Да, я использую старенький Lexicon delay, плагин Waves Doubler, SoundToys MicroShift и EchoBoy. Возможности SoundToys практически безграничны, ими я пользуюсь чаще всего. В тоже время лучшим способом дублирования голоса остаётся сам певец. Как показывает практика, вторая запись получается гораздо лучше, чем копия первой. Часто приходится использовать и второй микрофон. Получается запись в стиле lo-fi, со звучанием 50х годов.
Вы по прежнему используете аналоговую ленту?
— Не так часто, это скорее всего бюджетный вариант. Все записи я микширую до одного дюйма аналоговой ленты, самые любимые мои саундтреки The White Stripes, The Raconteurs, My Morning Jacket and Elton John. Один дюйм аналоговой ленты это неоспоримое преимущество, вы получаете цифровую четкость и защиту переходной функции.
Существуют ли другие эмуляции ленты?
— Я использую UAD ATR 102 для сглаживания гитар. Но, к примеру, звукорежиссер Эдди Крамер работает с slap delay.
Вы говорили о том, что не прослушиваете отдельно дорожки при сведении. Почему?
— Потому что меня не волнует то, как звучит отдельный звук в треке. Если я запутался в чем то или если есть проблемы, я решаю это через общее звучание. Я никогда не говорю «Хорошо, позвольте мне добавить звук малого барабана и при этом исполняется только звук этого барабана». В ходе сведения, я практически не трачу время на обработку дорожки в сольном режиме.
В чем преимущество прослушивания в моно, когда вы сводите?
— Я трачу больше времени на сведение в моно. Мне кажется, так вы действительно слышите частотные конфликты, особенно в песнях с большим количеством инструментов, где много элементов, гитар, клавишных, которые любят средние частоты (размещаются в области средних частот). Я думаю, что это поможет вам в них разобраться и дать им свое собственное пространство.
См. также: Лучшее 2016-го года: библиотеки для сэмплера Kontakt
Иногда при сведении можно обманывать себя, думая, что вы делаете эту запись очень большой и кинематографической, а затем вы прослушаете ее в моно и понимаете что запись не удалась. Это не всегда фазовые конфликты, возможно накладываются инструменты в одной частотной области. Поэтому иногда приходится звуки гитары поднимать выше, а клавишные наоборот понижать.
Вы используете EQ при прослушивании в моно?
— О да, это помогает мне с такими вещами как вокал, который прыгает в миксе. Его невозможно заметить в стерео. Я наверное трачу треть своего времени на моно во время сведения.
Используете ли вы две колонки или один динамик при прослушивании в моно?
— Я использую две колонки, потому что это способ при котором я настраиваю запись. Некоторые люди используют Auratone, и это здорово. Они не имеют много верхних или нижних частот, поэтому вынуждены убирать СЧ. Вот почему я использую Tannoys уже много лет. Они целенаправленно работают с СЧ и могут показать вам недостатки в них.
Каковы ваши предпочтения, когда дело касается ревебрации?
— Мне нравится использовать Briscasti, AMS, EMT 250, EMT. Сначала можно использовать в миксе аналоговый ревербератор, затем применить ещё десять цифровых – на слух все реверберации реальны. Если говорить о размерности, то аналоговая реверберация, обманывает слух так, что вся картина реверберации кажется реальной.
В таком случае аналоговая реверберация является более лучшей?
— Не обязательно, она хорошо подходит для вокального, малого барабана или струнных инструментов. В миксе я обычно не использую по десять плагинов ревербераций. Чаще использую четыре или пять, одну или две цифровые для барабанов и одну или две реверберации аналогового типа для вокала, струнных и фонов. Бывает так же использую в случае со звуками гитары. Всё зависит от музыки. Иногда хватает и одной реверберации. В тоже время если мне нужно сделать мелодию более тонкой и чувственной, я могу взять все пики шкалы и сделать их короткими. Это несколько расширяет вокал, но вы не слышите его так же, как реверберацию. Самое интересное, в 90-х вы бы не могли использовать её, так как за это могли и уволить. Сейчас же наоборот, все хотят больше и больше реверберации.
