Chaque musicien, au moins une fois, a entendu parler des plug-ins d’iZotope. Leurs outils sont très flexibles dans le travail et sont devenus à un moment une percée. La principale caractéristique est les algorithmes de travail qui sont développés en collaboration avec le grand spécialiste Alexei Lukin. Le prix des produits est assez élevé, de 50 $ à 1200 $ (pour les versions avancées). La liste comprend les plugins les plus populaires et les plus pratiques.

DDLY Dynamic Delay

L’un des plugins les moins chers d’iZotope.
La particularité de DDLY Dynamic Delay réside dans ses réflexions polyvalentes. Un délai unique en son genre qui retarde le signal de différentes manières (selon la nature du son) et ne se transforme pas en un espace désordonné. Chaque élément peut être répondu pour la tâche souhaitée.

Prix ​: 49 $

— Voir également: Plugin Alliance lance Brainworx bx_console AMEK 9099 —

Insight

Si vous mixez et masterisez sur deux moniteurs, alors ce visualiseur est un must!

Insight est une suite complète de modules permettant de visualiser les modifications apportées lors du mixage et du mastering. Vous permet d’identifier et d’éliminer rapidement les zones à problèmes en temps réel. Entièrement personnalisable et évolutif.

Prix​​: 699 $

Iris 2

Créez des sons musicaux que vous n’avez jamais entendus auparavant. Iris 2 est un synthétiseur moderne avec tous les filtres nécessaires. Commencez avec les préréglages prédéfinis (basse, touches, leads, pads et rhythmickey). Personnalisez-les vous-même et obtenez une synthèse de haute qualité pour vos morceaux! Quelques exemples de la page officielle iZotope.

Prix​: 149 $

Nectar 2

Le plugin est conçu pour gérer les voix et est une solution tout-en-un. Vous permet d’accorder et de remplir rapidement les voix avec des effets. Sous le capot il y a des modules: pitch, gate, harmonie, saturation, eq, compresseurs, de-esser, limiteur, fx, delay et reverb. Cela ne veut pas dire qu’il convient à tous les cas (puisque vous ne pouvez utiliser que des algorithmes prédéfinis pour le traitement spatial), mais c’est un outil pratique avec une petite charge sur le processeur et sera utile à de nombreux musiciens.

Prix: 299 $

Neutron

Neutron est le dernier produit d’iZotope. Il s’agit d’un nouveau plug-in pour mixer de la musique, qui est une sorte de suite d’Ozone 7. Comprend des algorithmes de traitement innovants, pour lesquels il a reçu de nombreux prix. Avec les nouvelles fonctionnalités Track Assistant et Masking Meter, Neutron vous aide à obtenir rapidement un son optimal. Les principaux modules plug-in: Masking Meter, Track Assistant, Transient Shaper, EQ, Compressor, Exciter, Limiter. Plus de 500 préréglages préinstallés seront un bonus.

Prix​​: 249 $

Ozone 7

Ozone 7 est l’un des produits iZotope les plus populaires. Possède tous les éléments nécessaires pour mixer et masteriser la musique. La version étendue (Ozone Advanced) comprend des modules supplémentaires Vintage EQ, Vintage Compressor et Vintage Tape. Avant de rendre le mixage final, vous aurez la possibilité d’écouter le son de la piste dans des formats compressés tels que MP3 et AAC. De plus, les versions standard et étendues ont Maximizer, Dynamic EQ, le nouveau Vintage Limiter, les formats d’exportation et plus encore.

Prix: 249 $ (Ozone 7 Avancé – 499 $)

— Voir également: Harrison 32 Series EQ, filtres et plug-in de compresseur —

Izotope RX 6

Le RX 6 est le produit phare et le standard de la restauration sonore. Il est très souvent utilisé lors du montage d’enregistrements pour la télévision et Youtube. Les modules vous permettent de supprimer le bruit, les clics, les distorsions et autres artefacts. La version étendue du plugin a des fonctionnalités accrues et sera utile pour nettoyer les dialogues et la post-production.

Prix: 799 $

Trash 2

Le plugin s’adapte à tous les types de distorsions possibles. En plus du module principal (dans lequel, d’ailleurs, vous pouvez régler l’onde), vous aurez la possibilité de compresser le son avec un compresseur, de filtrer avec un égaliseur et de mélanger l’effet de retard. Qu’il s’agisse de guitare ou de basse, ajoutez de la densité au mix pour plus de lisibilité.

Prix: 99 $

VocalSynth

Prêt pour une expérience vocale transformationnelle ? Obtenez une distorsion moderne et des teintes sauvages avec le plugin VocalSynth. Contrôlez votre voix en ajoutant des textures électroniques, des sons de robots, des harmonies informatisées, des effets de vocodeur et de talk box. Tout est dans les préréglages prédéfinis.

Prix: 199 $

La liste complète des produits d’iZotope peut être consultée sur le site officiel avec une description plus détaillée et des exemples vidéo.

Les meilleurs emplois n’ont souvent pas de postes vacants. On ne parle pas d’eux publiquement et ils ne publient pas d’offres d’emploi dans les annonces. Le métier d’ingénieur du son recouvre de nombreuses structures, vous pouvez donc prêter attention à ces établissements :

Barres

Les bars sont un endroit facile pour une première expérience événementielle. Ils sont dans toutes les villes et ont souvent des spectacles en direct le week-end. Au niveau du travail, en tant que personne qui travaille avec le son, vous serez responsable de tout ce qui concerne le spectacle : chargement audio, mise en place du matériel, vérification du son, éclairage et autres aspects techniques. Cela semble intimidant, mais en règle générale, avoir une petite quantité d’équipement ne nécessite pas beaucoup d’argent. Pour un tel poste, ils prennent une personne avec un minimum d’expérience et d’éducation. Le salaire pour le travail est faible et peut également dépendre des pourboires de la journée. Pour obtenir un poste d’ingénieur du son dans un bar, parlez au gérant/propriétaire et il signera un contrat avec vous. Si le poste vacant est fermé – prenez les coordonnées pour de futures informations.

Théâtres et maisons de la culture

Ces salles sont construites pour des concerts, elles ont donc un personnel plus spécialisé. Le travail n’est pas pour une seule personne, ce qui signifie qu’il est plus facile de trouver un poste vacant. Les assistants son et lumière sont souvent requis dans les boîtes de nuit, les théâtres, les salles de concert et les centres culturels.

Si vous débutez en tant qu’ingénieur du son live, vous avez plus de chances d’être embauché en tant que stagiaire. Le stagiaire effectue les tâches les plus énergivores, du type « apporter-donner » : apporter, décharger, monter, mettre en place des lumières, des racks et autres petites choses. Si vous êtes intéressé par l’éclairage, vous pouvez demander s’il est possible de travailler comme spécialiste de l’éclairage.

Les clubs sont un endroit idéal pour une personne talentueuse. Vous aurez l’occasion d’explorer tous les aspects des spectacles en direct. Le paiement est généralement effectué en espèces à la fin de la nuit (partagé entre tout le personnel)

— Voir également: Le compresseur T-RackS – Comprexxor (d’une valeur de 130 euros) est téléchargeable gratuitement ! —

Entreprises de fabrication

Les campagnes de production sont des prestataires de services pour les entreprises. La gamme comprend la fourniture de matériel de sonorisation et d’éclairage, ainsi que l’intervention de spécialistes sur sites tiers. Pour obtenir un poste dans ce domaine, il suffit de trouver le site et de postuler. Certains d’entre eux peuvent être nationaux (gouvernementaux), d’autres – locaux.

Free-lance

Si vous voulez être un travailleur indépendant, alors le travail à la pige est l’option idéale. De nos jours, le marché est encombré et il sera assez difficile de trouver un emploi à temps partiel. Certains pigistes préfèrent travailler en groupe et visiter des lieux et des villes tous les soirs. L’avantage est qu’en rejoignant un tel groupe, vous n’avez pas besoin d’acheter de matériel (il est pris pour l’ensemble du groupe). Moins – dans des salaires instables.

Des hauts et des bas

Quelle que soit la voie que vous empruntez, rappelez-vous qu’une carrière d’ingénieur du son a ses hauts et ses bas. L’été est la période la plus occupée de l’année (de nombreux artistes planifient des tournées pour l’été), tandis que l’hiver est la moins active (les gens ne sont pas d’humeur à geler dans les salles de concert). Les postes vacants apparaissent au printemps et, en raison de la forte concurrence, sont rapidement fermés.

Les plugins de tuner vocal sont parmi les plus populaires sur le marché. Autotune est utilisé dans chaque projet vocal, quel que soit le niveau de performance de l’artiste. Tous les artistes et producteurs ne peuvent pas se permettre d’acheter une licence Antares Auto-Tune pour 400 $. Pour ce cas, nous avons sélectionné plusieurs plugins gratuits de traitement vocal.

— Voir également: TOP 7 des meilleurs plugins et programmes pour nettoyer le son du bruit —

La correction de hauteur peut être utilisée à la fois pour une correction subtile des notes manquées et pour un traitement extrême, avec l’effet « T-Pain ».

Plugins Autotune gratuits

1. Graillon 2 by Auburn Sounds (VST/AU)

Le plugin le mieux noté de la liste. Graillon 2 est plus qu’un simple plugin avec des paramètres automatiques. Son correcteur de pitch est si simple d’utilisation que nous avons dû le mettre en tête de cette liste. Il est également compatible avec toutes les stations DAW numériques capables de charger VST et AU sur PC et MAC. Il suffit de le placer comme effet sur un canal avec une piste vocale, d’activer la correction et d’obtenir une correction douce ! Tous les réglages nécessaires se trouvent sur le panneau avant du plug-in.

Télécharger: Graillon 2 (32/64bit)

2. MAutoPitch by MeldaProduction (VST/VST3/AU/AAX)

MeldaProduction a fait de grands progrès ces dernières années. Leur MAutoPitch gratuit n’est toujours pas inférieur dans la fixation des voix par partition. Alors que les fonctionnalités de Graillon et MAutoPitch sont similaires, Melda a ajouté quelques boutons bonus intéressants (réglage de la largeur stéréo, vitesse de réponse, limiteur, etc.). La raison pour laquelle ce plugin ne se classe pas en premier dans notre classement est que son installation nécessite un installateur encombrant. Ce plugin est un excellent effet gratuit. Compatible avec tous les hôtes modernes.

Télécharger: MAutoPitch

— Voir également: Meilleurs plugins VST pour le traitement vocal en 2018! —

3. GSnap by Graham Yeadon (VST)

GSnap est une autre bonne alternative. C’était le premier plugin de correction vocale gratuit qui est toujours d’actualité aujourd’hui. En termes de design, toute la gamme de plugins gratuits de Graham Yeadon n’a que les boutons nécessaires. GSnap est quelque peu similaire aux deux concurrents susmentionnés, mais sa particularité est la possibilité d’accorder le signal sonore traité aux notes à l’entrée. L’algorithme de correction automatique fait également bien son travail, bien qu’il n’ait pas de fonction de commutation de formants (comme Graillon 2 et MAutoPitch).

Télécharger: GSnap (Windows)

4. KeroVee by g200kg (VST)

KeroVee est un outil de correction de hauteur sorti en 2010. Ce plugin, comme GSnap, n’est disponible que pour Windows. Malgré sa conception, ses capacités ne sont pas pires et avec une charge de processeur minimale.

Télécharger: KeroVee

Vous ne savez pas comment corriger les voix à partir des notes ? Vous avez besoin d’une correction urgente et efficace ? Commandez l’accordage vocal manuel dans notre studio. Nous ferons toutes les manipulations nécessaires pour un résultat invisible et agréable pour l’auditeur!

A quoi sert l’accordage vocal ? Pour de nombreux jeunes artistes, cette question est déroutante et parfois embarrassante. Voyons à quoi il sert, quelles sont ses capacités et s’il est vraiment nécessaire !

1. Accordage vocal – utilisé par tous, sans exception, les interprètes.

Lorsqu’une chanson est interprétée lors d’un concert, avec des instruments live ou avec une piste d’accompagnement, alors une légère intonation ou des notes manquantes seront presque imperceptibles (en raison de la qualité de l’équipement ou de l’acoustique de la salle). Bien sûr, il y a des chanteurs qui mettent la technique nécessaire pour ajuster la performance en temps réel (dans certains styles).

Lors de l’enregistrement du son (en particulier avec un mixage et un mastering de haute qualité), ces détails deviendront plus visibles et un réglage vocal facile aidera à corriger les inexactitudes sans artefacts évidents pour l’auditeur. Même les chanteurs les plus expérimentés ne peuvent pas chanter parfaitement. Ils tombent dans les notes, mais les demi-tons sont présents et cela se remarque.

2. Auto-tune voix comme effet artistique.

En particulier, dans des styles tels que le RnB, le hip-hop et le rap, l’autotune peut être utilisé comme effet pour accentuer ou modifier le message mélodique d’une chanson. Très souvent cela est mis en œuvre par des artistes dont les capacités vocales ne sont pas idéales, ou nécessitent une formation avec un professeur. Loc-Dog, dont nous entendons le travail sur les stations de radio en Russie, prend des cours de chant et cela augmente le niveau de sa créativité. Il en a parlé dans l’une des séries « Rapper Profession ».

— Voir également: 10 meilleures bibliothèques de guitares virtuelles pour NI Kontakt 5 —

3. Autotune fera de n’importe qui un grand chanteur!

Vous avez probablement entendu parler des Quest Pistols (débuts en 2007 avec la chanson « Je suis fatigué »), à propos de laquelle il y avait initialement une rumeur selon laquelle ils ne pouvaient pas chanter (parce qu’ils sont danseurs) et tout ce qu’une personne entend, c’est l’accordage vocal. Tout cela est un mythe, étant donné que les principales capacités de réglage sont les corrections de notes et de durée.

Si la personne parle dans le microphone, ce sera juste une conversation. Peu importe comment l’ingénieur du mixage corrige l’enregistrement, le résultat ne sera pas réconfortant.

Notre studio fournit gratuitement le service « auto-tune vocals ».

Lors de la commande d’informations et de mastering, il vous suffit de l’indiquer dans le message ci-joint. Mais il convient de garder à l’esprit que le réglage automatique de la voix est une solution logicielle, tandis que le réglage manuel de la voix est un processus totalement créatif et vous permet de corriger plus précisément la performance du chanteur. Le réglage manuel est un service payant.

Les compresseurs multibandes sont parfaits pour compresser des instruments et « coller » le mix global. Ces plugins permettent aux utilisateurs de compresser des zones spécifiques pour un son plus transparent. Les compresseurs conventionnels gèrent la dynamique du spectre de fréquences global, ce qui ne résout pas toujours le problème. Dans cet article, nous examinerons les plugins les plus flexibles et les plus populaires, dont l’efficacité a été testée par les ingénieurs de mixage / mastering du temps et du monde.

Waves Linear Phase Multiband Compressor

Compresseur multibande à phase linéaire Waves (appelé LinMB en abrégé). Il existe depuis de nombreuses années et est à notre avis un plugin classique de Wave.

Si vous le mélangez dans de petites proportions, le compresseur fonctionne de manière très douce et transparente. Pour plus d’informations, visitez le site Web de Vagues.

BlueCat MB-5 Dynamix

Le Blue Cat MB-5 Dynamix est bien plus qu’un compresseur multibande. Il s’agit d’un processeur multibande qui comprend un limiteur, un limiteur, un gate, un expandeur et un waveshaper. Le plugin a un analyseur bien conçu et chaque contrôle.

Si vous êtes un utilisateur avancé, vous devez l’avoir dans votre collection ! Si vous trouvez cela difficile, regardez de plus près le MB-7 de Blue Cat. Sa gestion est plus facile.

— Voir également: 8 meilleurs sites Web pour vendre des beats rapidement en ligne —

iZotope Multiband Dynamics – Neutron

Les processeurs multibandes sont au cœur de nombreux outils d’iZotope tels que Ozone, Trash et autres.

L’avantage de ce plugin est que vous pouvez l’utiliser comme processeur multitâche (tout-en-un) et comme compresseur autonome (dans le cadre de Neutron Advanced). Malheureusement, il n’y a que trois bandes pour le traitement dedans (il est possible qu’elles soient corrigées dans les prochaines mises à jour), mais il y en a plus qu’assez!

Softube Drawmer S73 & 1973

En 2016, Softube a publié deux nouveaux plugins nommés Drawmer. Le S73 est basé sur le Drawner analogique de 1973 et est décrit comme un processeur de mastering. Il est équipé d’un ensemble de préréglages pour tous les styles et toutes les tâches.

Drawner 1973 est sorti peu de temps après le S73, qui est une émulation d’une machine analogique. Les deux produits méritent votre attention.

— Voir également: 5 meilleurs plugins pour changer le formant de la voix —

FabFilter Pro-MB

Les plugins de FabFilter sont des outils pour l’ingénieur moderne. Ce que fait ce plugin est unique.

Vous pouvez ajouter jusqu’à 6 bandes qui ne sont pas fixées à une plage de fréquences spécifique. Le Pro-MB ressemble plus à un égaliseur avec une compression très douce. Mais Pro-MB et Pro-Q2, à notre avis, sont très fonctionnels et nécessaires.

UAD-2 PrecisionMultiband

Le plug-in multibande pour la plate-forme UAD-2 est un excellent outil qui non seulement compresse mais étend également le son.

Comme Waves LinMB, il existe depuis de nombreuses années et a fait ses preuves. L’utilisation de la compression multibande peut être un défi pour les débutants, mais aucun bon mix n’est complet sans elle!

AvidPro MultibandCompressor

De tous les compresseurs de cette liste, le compresseur multibande Avid Pro est le seul module prenant en charge AAX HDX. Ses caractéristiques et capacités sont classiques et ne diffèrent que par la conception visuelle et la charge du processeur.

Fin mai, Spotify a modifié ses exigences en matière de contenu. Les ingénieurs du son et les studios d’enregistrement ont été contraints d’envoyer des fichiers à volume réduit.

Si vous utilisez un logiciel appelé Dynameter et analysez les modifications apportées aux listes de lecture populaires telles que le Global Top 50 (dans des styles allant du chell au rock), vous pouvez déterminer que les répertoires sont devenus un peu plus silencieux. Dans ce cas, nous utilisons le terme « intensité sonore » pour décrire la perception humaine du son. Par conséquent, écouter quelque chose – cela signifiera une perception physiologique, et non le niveau de rms et de décibels.

En 2011, l’Union européenne de radiodiffusion (l’un des plus grands organismes de radiodiffusion au monde) a créé une unité de mesure avec la norme EBU-R128, également appelée LUFS. En fait, c’est une valeur plus intelligente que les décibels pour comprendre la perception humaine du son. LUFS ignore les basses fréquences et se concentre plutôt sur les médiums et les aigus. Le cri, par exemple, a plus de sensation volumétrique que la contrebasse, bien que le RMS fasse mieux. Cette unité a été créée pour représenter et comprendre comment fonctionne notre audition.

De nombreux ingénieurs ont découvert par eux-mêmes que Spotify avait abaissé l’indice LUFS sur sa plate-forme de -11 à -14lufs, ce qui correspond à un certain nombre de plates-formes musicales concurrentes telles que YouTube (-13FUFS), Tidal (-14LUFS) et Apple Music ( -16 LUFS).

Nous avons contacté Spotify pour obtenir des commentaires sur la fin de la course au volume sonore, à laquelle la réponse était « La plate-forme teste toujours de nouvelles fonctionnalités au profit des auditeurs. Les changements récents font partie d’un aspect précédemment planifié. »

Donc pourquoi est-ce important?

Meilleur son

La norme EBU-R128 n’a pas été approuvée à l’origine pour les plateformes de streaming et le monde de la musique. L’objectif était de normaliser les modèles sonores du contenu télévisé. Avez-vous remarqué que certaines publicités sonnent plus fort que d’autres ? ou quand le film est silencieux et que la publicité fait sursauter l’auditeur? La norme était censée rationaliser ces différences et normaliser la diffusion.

— Voir également: Pistes de référence: 5 morceaux parfaitement mixés par iZotope —

L’une des principales méthodes pour augmenter le volume des chansons est la compression (compression). Cela peut être fait avec du matériel dédié ou un logiciel de mastering. Si vous rencontrez des difficultés avec la qualité ou l’équilibre des compositions, vous pouvez toujours contacter notre studio AREfyEV Studio et nous concrétiserons toutes vos idées.

« En essayant d’augmenter le volume, ils ont sacrifié leur qualité. »

La course au volume le plus élevé a commencé avec l’avènement de la programmation numérique et la simplification de la création musicale. Avant cela, lorsque le vinyle existait, il y avait des limitations physiques qui garantissaient que le son ne devenait pas boueux. Un enregistrement qui produisait des sons suffisamment forts pouvait faire sauter l’aiguille (cela modifiait l’apparence du CD). De plus, à l’ère du vinyle, il était normal d’écouter un album entier d’un artiste du premier au dernier morceau (le vinyle coûtait cher, de gros budgets étaient alloués à la création musicale, ce qui l’améliorait). Il n’était pas nécessaire de comparer et de combiner différents enregistrements. A notre époque, il est difficile de trouver des personnes qui écoutent deux ou plusieurs chansons du même auteur. Consultez le diagramme généré par Sample Magic.

L’un des enregistrements qui symbolise jusqu’où le groupe ira pour augmenter la compression est Death Magnetic Metallica. Au moment de la sortie (en 2008), de nombreux fans se sont plaints de la différence trop forte avec le reste des chansons. Des mois plus tard, le groupe sort Guitar Hero: Metallica, qui présente les mêmes versions des chansons, mais dans une version plus silencieuse.

— Voir également: Guide d’achat: moniteurs de studio audio Kali —

Protégez vos oreilles

Connaissez-vous la sensation de pression sur l’oreillette après avoir écouté de la musique pendant longtemps ? On arrête d’entendre les petits détails du quotidien. Ce phénomène est appelé « fatigue de l’auditeur » (ou fatigue de l’oreille).

« Les effets de la fatigue de l’auditeur sont bien connus, bien que les gens ne les associent pas toujours à la fatigue musicale », a déclaré le Dr Tanit Ganz Sanchez, professeur à l’Université de médecine de São Paulo (FMUSP) et fondateur de l’Institut Ganz Sanches de l’audition.

Les symptômes provoquent de la fatigue, de l’irritabilité et de l’insomnie.

Sanchez explique que nous avons un petit muscle dont la fonction est de protéger l’audition. Elle s’appelle « stapédien ». Il évite les sons durs et agressifs (resserre le tympan et agit comme un filtre). Le problème est qu’une exposition prolongée à des ondes agressives fatiguera ce muscle.

« Je compare » stapedius « à un muscle du bras. Supposons que vous passiez une demi-heure dans la salle de gym, après quoi le muscle dira » assez « et la séance d’entraînement sera terminée. Le muscle de l’oreille fonctionne de la même manière. »

La seule différence entre « stapedius » et biceps est que nous ressentons rarement une douleur dans l’oreille (le plus souvent elle irradie vers l’arrière de la tête).

On peut dire que Spotify contribue à la santé des auditeurs en mettant fin à la course au loudness.

Si vous êtes un musicien débutant et que vous souhaitez vous procurer un instrument pour la première fois, il existe désormais un très grand choix de guitares économiques et plutôt bonnes sur le marché de la musique. Vous pourrez apprendre pleinement sur eux et même enregistrer des chansons ! Voici le top 5 des meilleures guitares électriques à petit budget pour 2017.

1. Squier Bullet by Fender

La Squier Bullet est la guitare pour débutant la moins chère. Malgré son faible prix, l’outil répondra pleinement aux attentes. Il s’agit d’une guitare en forme de C avec une construction solide et un bois simple. Le chevalet est équipé d’un trémolo synchrone et flexible pour les effets de vibrato. Matériel – érable, manche en palissandre. Les prix commencent à 150 $ par instrument.

Avantages:

• un grand nombre de fonctions
• HSS à 3 systèmes
• prix abordable
• conception attrayante
• son pur

Inconvénients:

• qualité d’enregistrement difficile à contrôler
• quelques questions sur le réglage et l’assemblage

2. Epiphone Les Paul Electric Guitar

Epiphone est une excellente alternative à la chère Gibson. Il présente le son traditionnel Les Paul à bobine ouverte 200T / 650R qui élimine l’encombrement et maintient l’auditeur concentré sur la mélodie. Cette guitare a la signature du luthier Les Paul et c’est génial ! L’instrument est en bois massif et est livré avec un amplificateur de 10 W doté d’un câble de 3 mètres. Le kit comprend également un accordeur chromatique, une sangle de guitare et un étui de transport. Prix ​​à partir de 195$ pour un ensemble complet (hors frais de port).

— Voir également: 5 meilleurs sites pour faire de la musique en ligne —

Avantages:

• prix abordable
• Conception Les Paul
• vendu comme un ensemble complet
• Moulinet Humbuckers 700T / 650R
• Logiciel eMedia pour jouer dans différentes langues

Inconvénients:

• cordes de mauvaise qualité

3. Full-Size Blue Electric Guitar

Une guitare Blue pleine grandeur est la voie à suivre si vous avez un budget serré. Il est également vendu comme un ensemble complet, comprenant une guitare, une sangle, un amplificateur, des cordes et quelques éléments supplémentaires. La guitare comprend un corps en nylon et est en bois dur. Forfait de démarrage à partir de 95$ (pour les débutants).

Avantages:

• le prix
• ensemble complet
• Système SSS
• 6 cordes en acier
• disponible en plusieurs assemblages

Inconvénients:

• Contrôle de qualité

4. Jackson JS23 Dinky DKA

Cette guitare pèse environ 3,5 kg avec un corps en tilleul et un manche en érable. Fournit d’excellents sons à moyenne et haute fréquence. La particularité de l’instrument dans la forme et la qualité de l’exécution. Vendu en couleurs noir et blanc (boisé). Les prix commencent à 299 $.

— Voir également: TOP 7 des meilleurs plugins et programmes pour nettoyer le son du bruit —

Avantages:

• système de trémolo Floyd Rose sous licence
• haute performance et excellente construction
• interrupteur à trois positions

Inconvénients:

• il faut s’habituer aux frettes (dû aux particularités du broyage)

5. Gibson Les Paul Standard 2016 T

Pour les petits budgets, jetez un œil à la légendaire guitare électrique Gibson Les Paul Standard 2016 T. Le manche est en acajou, le manche est une épaisse dalle de palissandre avec de l’huile de toile. Prix ​​à partir de 2269$ pour un ensemble de base.

— Voir également: Meilleur logiciel DJ —

Avantages:

• Micros Burstbucker Pro
• tous les articles de qualité supérieure
• poids léger

Inconvénients:

• le prix

Toutes les guitares électriques présentées ici sont un excellent point de départ. Si vous pouvez vous permettre une Gibson, achetez en toute confiance. Si le budget est limité, la guitare électrique Les Paul est une excellente option, qui a un design et un son très similaires.

Chaque personne a besoin d’un outil pour travailler. Il se trouve qu’une personne a commencé à être qualifiée de rationnelle à partir du moment où l’outil a été utilisé pour tout type d’activité (la formulation est boiteuse, mais en général elle l’est). En fait, tout musicien, étant une personne raisonnable, devrait pouvoir posséder au moins dans une certaine mesure un instrument de musique. Cependant, dans le cadre de cet article, nous ne parlerons pas d’un instrument de musique au sens habituel (guitare, piano, triangle…), mais d’un instrument qui est en outre nécessaire au traitement d’un signal sonore. Il s’agit de l’interface audio.

Base théorique

Réservons tout de suite, l’interface son, l’interface audio, la carte son sont des synonymes contextuels dans le cadre de la présentation. En général, une carte son est un sous-ensemble de l’interface son. Du point de vue de l’analyse des systèmes, une interface est quelque chose conçu pour l’interaction de deux ou plusieurs systèmes. Dans notre cas, les systèmes peuvent ressembler à ceci:

1. appareil d’enregistrement sonore (microphone) – système de traitement (ordinateur);
2. système de traitement (ordinateur) – appareil de reproduction du son (haut-parleurs, écouteurs);
3. hybrides 1 et 2.

Formellement, tout ce dont une personne ordinaire a besoin d’une interface audio est de supprimer des données d’un appareil d’enregistrement et de les donner à un ordinateur, ou vice versa, de prendre des données d’un ordinateur en les envoyant à un appareil de lecture. Lors du passage du signal à travers l’interface audio, une transformation spéciale du signal est effectuée afin que le côté récepteur puisse continuer à traiter ce signal. Le dispositif de lecture (final) reproduit en quelque sorte un signal analogique ou sinusoïdal, qui s’exprime sous la forme d’une onde sonore ou élastique. Un ordinateur moderne fonctionne avec des informations numériques, c’est-à-dire des informations codées sous la forme d’une séquence de zéros et de uns (plus précisément, sous la forme de signaux de bandes discrètes de niveaux analogiques). Ainsi, une obligation est imposée à l’interface audio de convertir le signal analogique en numérique et/ou inversement, qui est en fait le cœur de l’interface audio: un convertisseur numérique-analogique et analogique-numérique (DAC et ADC ou DAC et ADC, respectivement), ainsi que la liaison à la forme d’un codec matériel, toutes sortes de filtres, etc.
En règle générale, les PC, ordinateurs portables, tablettes, smartphones, etc. modernes disposent déjà d’une carte son intégrée, qui vous permet d’enregistrer et de lire des sons, s’il existe des appareils d’enregistrement et de lecture.

— Voir également: Les 10 meilleures bibliothèques de batterie pour NI Kontakt 5 pour 2017! —

C’est là que se pose l’une des questions les plus fréquemment posées:

la carte son intégrée peut-elle être utilisée pour l’enregistrement et/ou le traitement du son?

La réponse à cette question est très ambiguë.

Comment fonctionne une carte son

Voyons ce qui arrive au signal qui traverse la carte son. Essayons d’abord de comprendre comment un signal numérique est converti en analogique. Comme mentionné précédemment, un DAC est utilisé pour ce type de conversion. Nous n’entrerons pas dans la jungle du remplissage matériel, compte tenu des différentes technologies et éléments de base, nous désignerons simplement « sur nos doigts » ce qui se passe dans le «matériel».

Nous avons donc une certaine séquence numérique, qui est un signal audio à transmettre à l’appareil.

111111000011001001100101010100111111001100101000000110100001011101100110110001

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Ici, les couleurs sont les petits morceaux de son codés. Une seconde de son peut être codée avec un nombre différent de ces morceaux, le nombre de ces morceaux est déterminé par la fréquence d’échantillonnage, c’est-à-dire que si le taux d’échantillonnage est de 44,1 kHz, alors une seconde de son sera divisée en 44100 de ces morceaux. Le nombre de zéros et de uns dans une pièce est déterminé par la profondeur d’échantillonnage ou la quantification, ou, simplement, la profondeur de bits.

Maintenant, pour imaginer le fonctionnement du DAC, rappelons le cours de géométrie de l’école. Imaginez que le temps est l’axe des X, le niveau est Y. Sur l’axe des X nous marquons le nombre de segments qui correspondront au taux d’échantillonnage, sur l’axe des Y – 2n segments, qui indiqueront le nombre de niveaux d’échantillonnage , après quoi, progressivement, nous marquons les points qui correspondront à des niveaux sonores spécifiques.

Il convient de noter qu’en réalité, le codage selon le principe ci-dessus ressemblera à une ligne brisée (graphique orange), cependant, lors de la conversion, ce qu’on appelle. approximation à une sinusoïde, ou simplement approximation du signal à la forme d’une sinusoïde, ce qui conduira à un lissage des niveaux (graphique bleu).

— Voir également: Où est-il plus rentable de vendre votre musique? Comparez CDBaby et Tunecore —

Quelque chose comme ça ressemblera à un signal analogique, qui est obtenu à la suite d’un décodage numérique. Il est à noter que la conversion analogique-numérique s’effectue exactement à l’opposé: toutes les 1 / sample_frequence secondes, le niveau du signal est supprimé et codé en fonction de leur profondeur d’échantillonnage.

Nous avons donc compris comment fonctionnent (plus ou moins) le DAC et l’ADC. Il convient maintenant de considérer quels paramètres affectent le signal final.

Paramètres de base de la carte son

Au cours de l’examen du fonctionnement des convertisseurs, nous nous sommes familiarisés avec deux paramètres principaux, à savoir la fréquence et la profondeur d’échantillonnage, nous les examinerons plus en détail.
Le taux d’échantillonnage est, approximativement, le nombre d’intervalles de temps par lesquels 1 seconde de son est divisée. Pourquoi est-il si important pour les gens du son d’avoir une carte son capable de fonctionner à une fréquence supérieure à 40 kHz ? Cela est dû à la soi-disant. Le théorème de Kotelnikov (oui, oui, encore des mathématiques). Si c’est trivial, alors, selon ce théorème, dans des conditions idéales, un signal analogique peut être reconstruit à partir d’un signal discret (numérique) de manière arbitrairement précise si la fréquence d’échantillonnage est supérieure à 2 gammes de fréquences de ce même signal analogique… Autrement dit, si nous travaillons avec le son qu’une personne entend (~ 20 Hz – 20 kHz), alors la fréquence d’échantillonnage sera (20 000 – 20) x2 ~ 40 000 Hz, d’où la norme de facto 44,1 kHz, c’est la fréquence d’échantillonnage pour le plus précis encoder le signal plus un peu plus (ceci, bien sûr, est exagéré, puisque cette norme est fixée par Sony et les raisons sont beaucoup plus prosaïques). Cependant, comme indiqué précédemment, c’est dans des conditions idéales. Les conditions idéales signifient ce qui suit : le signal doit être infiniment long dans le temps et ne pas présenter de singularités sous la forme d’une puissance spectrale nulle ou de pics de salves de grande amplitude. Il va sans dire qu’un signal audio analogique typique n’est pas adapté aux conditions idéales, du fait que ce signal est fini dans le temps et présente des rafales et des disparitions (en gros, des intervalles de temps).

La profondeur d’échantillonnage ou le bit est le nombre de puissances de 2, qui détermine en combien d’intervalles l’amplitude du signal sera divisée. Une personne, en raison de l’imperfection de son appareil sonore, se sent généralement à l’aise dans la perception avec une profondeur de bits de signal d’au moins 10 bits, c’est-à-dire 1024 niveaux, il est peu probable qu’une personne ressente une nouvelle augmentation de la profondeur de bits , ce qui ne peut pas être dit de la technologie.

Comme vous pouvez le voir ci-dessus, lors de la conversion d’un signal, la carte son fait certaines « concessions ».

Tout cela conduit au fait que le signal résultant ne répétera pas exactement l’original.

Problèmes lors du choix d’une carte son

Ainsi, un ingénieur du son ou un musicien (choisissez le vôtre) a acheté un ordinateur avec un tout nouveau système d’exploitation, un processeur sympa, une grande quantité de RAM avec une carte son intégrée à la carte mère, qui est promue par le fabricant, a des sorties à fournir un système de son 5.1, le DAC-ADC a une fréquence d’échantillonnage de 48 kHz (ce n’est plus 44,1 kHz !), 24 bits et ainsi de suite et ainsi de suite… Pour fêter ça, l’ingénieur installe le logiciel de prise de son et découvre que cette carte son ne peut pas simultanément « tirer » du son, appliquer des effets et le lire instantanément là-bas. Le son, même s’il s’avère de très haute qualité, cependant, entre le moment où l’instrument joue la note, l’ordinateur traite le signal et le rejoue un certain temps ou, pour faire simple, il y a un décalage. C’est étrange, car le consultant de l’Eldorado a tant fait l’éloge de cet ordinateur, a parlé de la carte son et en général… et voilà… hein. Avec chagrin, l’ingénieur retourne au magasin, remet l’ordinateur acheté, verse une somme fabuleuse supplémentaire afin de remplacer celui rendu par un ordinateur avec un processeur encore plus puissant, plus de RAM, une carte son à 96 (!!! ) kHz et 24 bits et… au final la même chose.

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En fait, les ordinateurs typiques avec des cartes son intégrées standard et des pilotes de stock pour eux ne sont pas conçus à l’origine pour traiter le son et le lire en mode quasi temps réel, c’est-à-dire qu’ils ne sont pas conçus pour le traitement VST-RTAS. Il ne s’agit pas du tout ici du bourrage « de base » sous la forme d’un processeur-RAM-disque dur, chacun de ces composants est capable d’un tel mode de fonctionnement, le problème est que cette carte son, parfois, se contente ne peut pas « travailler » en temps réel…
Pendant le fonctionnement de tout appareil informatique, en raison de la différence de vitesse de fonctionnement, le soi-disant. retards. Il en résulte que le processeur attend un ensemble de données qu’il doit traiter. De plus, lors du développement du système d’exploitation et des pilotes, ainsi que du logiciel d’application, les programmeurs ont recours à ce qu’on appelle. création de ce qu’on appelle abstraction logicielle, c’est à ce moment que chaque couche supérieure du code du programme « cache » toute la complexité du niveau inférieur, ne fournissant à son niveau que les interfaces les plus simples. Parfois, il existe des dizaines de milliers de ces niveaux d’abstraction. Cette approche simplifie le processus de développement, mais augmente le temps nécessaire aux données pour voyager de la source à la destination et vice versa.

En fait, des décalages peuvent survenir non seulement avec les cartes son intégrées, mais aussi celles qui sont connectées via USB, WireFire (repose en paix à lui), PCI, etc.

Pour éviter ce type de décalage, les développeurs utilisent des solutions de contournement qui éliminent les abstractions et les transformations logicielles inutiles. L’une de ces solutions est l’ASIO préféré de tous pour OS Widows, JACK (à ne pas confondre avec un connecteur) – pour Linux, CoreAudio et AudioUnit – pour OSX. Il convient de noter qu’OSX et Linux se débrouillent très bien sans les « béquilles » comme Windows. Cependant, tous les appareils ne sont pas capables de fonctionner à la vitesse et à la précision requises.
Disons que notre ingénieur/musicien appartient à la catégorie des Kulibins et a pu mettre en place JACK/CoreAudio ou faire fonctionner sa carte son avec un driver ASIO de la société « folk craft ».

Dans le meilleur des cas, de cette façon, notre maître a réduit le décalage d’une demi-seconde à 100 ms presque acceptable. Le problème des dernières millisecondes réside dans tout le reste et dans la transmission interne du signal. Lorsque le signal passe de la source via l’interface USB ou PCI au processeur central, le signal est supervisé par le pont sud, qui s’occupe en fait du fait qu’il fonctionne avec la plupart des périphériques et est directement subordonné au processeur central. Néanmoins, le processeur central est un personnage important et occupé, il n’a donc pas toujours le temps de traiter le son en ce moment, donc notre maître devra soit accepter que ces 100 ms puissent « sauter » de ± 50 ms sinon plus. La solution à ce problème peut être l’achat d’une carte son avec son propre microcircuit pour le traitement des données ou DSP (Digital Signal Processor).

En règle générale, la plupart des cartes son « externes » (appelées cartes son de jeu) ont un coprocesseur de ce type, mais il est assez rigide à travailler et est essentiellement destiné à « améliorer » le son reproduit. Les cartes son conçues à l’origine pour le traitement du son ont un coprocesseur plus adéquat ou, dans la version Edge, un tel coprocesseur est vendu séparément. L’avantage d’utiliser un coprocesseur est le fait que s’il est utilisé, un logiciel spécial traitera le signal pratiquement sans utiliser le processeur central. L’inconvénient de cette approche peut être le prix, ainsi que l' »affûtage » de l’équipement pour travailler avec un logiciel spécial.

Séparément, je voudrais noter l’interface pour coupler une carte son et un ordinateur. Les exigences ici sont tout à fait acceptables : pour une vitesse de traitement suffisamment élevée, des interfaces telles que l’USB 2.0, le PCI suffiront. Un signal audio n’est pas vraiment une grande quantité de données comme un signal vidéo, les exigences sont donc minimes. Cependant, j’ajouterai une mouche dans la pommade : le protocole USB ne garantit pas la livraison à 100 % des informations de l’expéditeur au destinataire.
Nous avons choisi le premier problème – de longs délais lors de l’utilisation de pilotes standard ou un prix élevé pour l’utilisation d’une carte son avec une latence adéquate.
Auparavant, nous avons réalisé que ce n’est pas une tâche facile d’atteindre la transmission de signal analogique idéale. En plus de cela, il convient de mentionner le bruit et les erreurs qui surviennent lors du processus de suppression / conversion / transmission d’un signal en tant que données, car, si vous vous souvenez de la physique, tout appareil de mesure a sa propre erreur et tout algorithme a sa propre précision.

Une blague du domaine de l’ingénierie radio: dans la communication radio, il existe un soi-disant. Q-codes, désignations à trois lettres de diverses questions et réponses, utilisées pour réduire le nombre de caractères transmis. L’un des codes non officiels « QZZ » signifie « Est-ce que ce bourdonnement est à 60 Hz ou ronflez-vous? »

Cette blague est très indicative au vu du fait que le fonctionnement de la carte son est également influencé par le rayonnement des équipements voisins, jusqu’aux ultrasons émis par le processeur central lors du fonctionnement. A tout le reste, il convient d’ajouter des distorsions aux caractéristiques du signal enregistré/restitué, qui dépendent de l’appareil final (microphone, micro, haut-parleurs, casque, etc.). Souvent, pour le marketing, les fabricants de divers appareils audio augmentent délibérément la fréquence possible du signal reçu / reproduit, à partir duquel une personne qui a enseigné la biologie et la physique à l’école a une question tout à fait consciente « pourquoi, si une personne n’entend pas en dehors du gamme de 20-20 kHz? » Comme on dit, dans chaque vérité, il y a un grain de vérité. En effet, de nombreux fabricants n’indiquent que sur le papier des caractéristiques de meilleure qualité de leurs équipements. Néanmoins, si le fabricant a effectivement fabriqué un appareil capable de supprimer/reproduire un signal dans une plage de fréquences légèrement plus large, il vaut la peine de penser à acheter cet équipement au moins pendant un certain temps.
Voici la chose. Tout le monde se souvient parfaitement de la réponse en fréquence, de beaux graphiques avec des irrégularités, etc. Lorsqu’il capte un son (considérez uniquement cette option), le microphone le déforme en conséquence, ce qui se caractérise par une irrégularité de sa réponse en fréquence dans la plage qu’il « entend ».

Ainsi, ayant un microphone capable de capter un signal dans la plage standard (20-20k), nous n’obtiendrons de distorsion que dans cette plage. En règle générale, les distorsions obéissent à la distribution normale (rappelez-vous la théorie des probabilités), avec de petites entrecoupées d’erreurs aléatoires. Que se passe-t-il si, toutes choses étant égales par ailleurs, nous élargissons la portée du signal capté? Si nous suivons la logique, alors le «plafond» (graphique de la densité de probabilité) s’étirera dans le sens d’une augmentation de la plage, déplaçant ainsi les distorsions en dehors de la plage audible qui nous intéresse.

En pratique, tout dépend du concepteur du matériel et doit être vérifié très attentivement. Néanmoins, le fait demeure.

Si nous revenons à notre matériel, alors, malheureusement, tout n’est pas si rose. Semblable aux affirmations des fabricants de microphones et de haut-parleurs, le fabricant de cartes son ment également souvent sur les modes de fonctionnement de leurs appareils. Parfois, pour une carte son spécifique, on peut voir qu’elle fonctionne en mode 96k/24bit, alors qu’en réalité c’est toujours le même 48k/16bit. Ici, le problème peut être qu’à l’intérieur du pilote, le son peut vraiment être codé avec les paramètres spécifiés, bien qu’en réalité la carte son (DAC-ADC) ne puisse pas produire les caractéristiques nécessaires et rejeter simplement les bits les plus significatifs à la profondeur d’échantillonnage et sauter partie des fréquences à la fréquence d’échantillonnage. Les cartes son intégrées les plus simples ont souvent péché avec cela. Et bien que, comme nous l’avons découvert pour l’audition humaine, des paramètres tels que 40k / 10 bits soient tout à fait suffisants, pour le traitement du son, cela ne sera pas suffisant en raison des distorsions introduites lors du traitement du son. C’est-à-dire que si un ingénieur ou un musicien a filmé le son à l’aide d’un microphone ou d’une carte son moyen, alors en utilisant même les meilleurs logiciels et matériels, il sera très problématique de nettoyer tout le bruit et les erreurs qui ont été introduits au stade de l’enregistrement. Heureusement, les fabricants d’équipements audio semi-professionnels ou professionnels ne sont pas coupables de cela.

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Le dernier problème est que les cartes son intégrées n’ont tout simplement pas un nombre suffisant de connecteurs nécessaires pour connecter les périphériques nécessaires. En fait, même un ensemble pour homme sous la forme d’un casque et d’une paire de moniteurs n’aura tout simplement nulle part où se connecter, et même des délices tels que des sorties avec alimentation fantôme et des commandes séparées pour chacun des canaux devront être complètement oubliés.

Total: la première chose qui doit être déterminée pour le choix ultérieur du type de carte son est ce que l’assistant va faire. Il est probable que pour un traitement approximatif, lorsqu’il n’est pas nécessaire d’enregistrer en haute qualité ou de simuler les « oreilles » de l’auditeur final, une carte son intégrée ou externe, mais relativement bon marché, peut suffire. Il peut également être utile pour les musiciens novices, s’ils ne sont pas trop paresseux pour gérer la réduction des retards dans le traitement en temps réel. Pour les maîtres qui sont exclusivement engagés dans le traitement hors ligne, vous ne devriez pas vous soucier de réduire les délais et de vous concentrer sur les appareils qui donneront réellement les hertz et les bits qu’ils sont censés fournir. Pour cela, il n’est pas nécessaire d’acheter une carte son trop chère ; dans la version la moins chère, une carte son « jeu » plus ou moins adéquate peut convenir. MAIS, j’attire votre attention sur le fait que les pilotes pour de telles cartes son essaient d’améliorer le son d’une certaine manière, ce qui est inacceptable, car pour le traitement, il est nécessaire d’obtenir le son aussi propre et équilibré que possible avec un minimum entrecoupé de pilote « amélioration ».

Cependant, si vous, en tant que maître, avez besoin d’un appareil qui répondra aux exigences de qualité du signal enregistré-reproduit, ainsi que de vitesse de traitement de ce signal, alors vous devrez soit payer un supplément, après avoir reçu un appareil de bonne qualité, ou choisissez 2 choses à sacrifier: haute qualité, bas prix, haute vitesse.

Nous ne doutons pas que les personnes qui travaillent chez iZotope connaissent bien le domaine pratique et théorique du son. Plus récemment, ils ont montré leur top des meilleures chansons (en termes de mixage et de mastering). À certains égards, nous ne sommes pas d’accord, quelque part le temps et son changement brutal de perception et de décisions importantes affectent notre impression, mais nous ne pouvons que les partager avec vous. Certaines descriptions des auteurs ont également été ajoutées.

1. “Rocket #9” by Zombie Zombie

Arrangement / Mixage: Joakim (Brooklyn, USA. A travaillé avec des artistes tels que Zombie Zombie, Charlotte Gainsbourg, Guillaume Teyssier…)
Mastering: Benjamin Joubert (il a une longue feuille de route, le public (clients) est plus français: Tomalone, Electric Egypt, Gaspar Claus et bien d’autres)

L’un des groupes qui m’a fait changer d’avis à l’Austin Psych Fest (célèbre festival). Le groupe s’est produit en duo disco expérimental. Leur chanson « Rocket Number 9 » présente des batteries live folles, du saxophone et des synthés massifs.

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2. “Gayatri Mantra” by Existence

Mixage: Tom Bates (Paul Simon, Matt Savage, David Darling…)
Maîtrise: Christoph Stillell

Grâce à l’ensemble de la production, la chanson a un bon équilibre d’instruments. Cela fonctionne comme l’hypnose. A chaque fois, comme un mantra, une nouvelle voix s’ajoute et elle s’inscrit très bien dans l’idée générale. Le mélange est en parfaite proportion. Il y a aussi des basses profondes, de la réverbération, de la clarté du son et la présence de l’auteur dans chaque note. Le mixage a été réalisé par l’un des plus grands ingénieurs du mixage avec lesquels les auteurs aient jamais pu travailler. Même si tout était fait numériquement (avant même que ce soit populaire). Asseyez-vous, le temps ralentit et vous emmène directement sur scène!

3. “Gimme Shelter” by The Rolling Stones

Produit par: Jack Nietzsche / Jimmy Miller
Mixage: Glyn Jones

Nous adorons les ingénieurs qui ont travaillé sur la composition « Gimme Shelter » car ils ont tout fait pour obtenir le son rock riche, la richesse et l’idéologie de la guerre du Vietnam. Et la saturation du ruban… une saturation du ruban solide ! Lors de l’enregistrement de telles compositions aujourd’hui, beaucoup seront tentés de corriger tous les bruits et effets qui sont rares aujourd’hui. Mais c’est un bon mixage et mastering d’une chanson de cette époque et mérite une panne ! Peut-être que cette chanson vous inspirera.

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4. “I Courted A Sailor” by Kate Rusby

Produit par: John McCusker
Mixé par: Andy Seward, Joe Rusby
Maîtrise: Randy Leroy

Nous avons choisi cette composition au sommet en raison de l’enregistrement fantastique, de l’idée, de la sélection des instruments, du mixage et du mastering. L’ensemble de l’album (Little Lights), et cette chanson en particulier, sont des exemples exemplaires de travail responsable. Des voix très légères et agréables qu’on a envie d’écouter! Il convient de noter que l’enregistrement et la mise en œuvre de la chanson ont eu lieu à une époque où les voix n’étaient pas corrigées par l’accordage. A notre époque, c’est important.

5. “One Armed Bandit” by Jaga Jazzist

Produit par: Jaga Jazzist et Jørgen Træen
Mixé par John McEntire (Jeff Parker, Modest Mouse, Mouse on Mars…)
Mastering: Chris Sansom

Jaga Jazzist présente un ensemble norvégien. Le compositeur Lars Hornweth développe habilement le thème musical en utilisant une variété de couches et d’effets sonores. Tout au long de la piste, vous entendrez une large gamme de sons qui ont leur propre espace et textures. Vu le nombre d’instruments, il était difficile de les combiner pour obtenir un son clair. Six guitares basses jouant dans le registre grave… Sans aucun doute, ce morceau mérite une attention et une place élevée dans le classement des morceaux les plus purement mixés!

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