Chaque personne a besoin d’un outil pour travailler. Il se trouve qu’une personne a commencé à être qualifiée de rationnelle à partir du moment où l’outil a été utilisé pour tout type d’activité (la formulation est boiteuse, mais en général elle l’est). En fait, tout musicien, étant une personne raisonnable, devrait pouvoir posséder au moins dans une certaine mesure un instrument de musique. Cependant, dans le cadre de cet article, nous ne parlerons pas d’un instrument de musique au sens habituel (guitare, piano, triangle…), mais d’un instrument qui est en outre nécessaire au traitement d’un signal sonore. Il s’agit de l’interface audio.

Base théorique

Réservons tout de suite, l’interface son, l’interface audio, la carte son sont des synonymes contextuels dans le cadre de la présentation. En général, une carte son est un sous-ensemble de l’interface son. Du point de vue de l’analyse des systèmes, une interface est quelque chose conçu pour l’interaction de deux ou plusieurs systèmes. Dans notre cas, les systèmes peuvent ressembler à ceci:

1. appareil d’enregistrement sonore (microphone) – système de traitement (ordinateur);
2. système de traitement (ordinateur) – appareil de reproduction du son (haut-parleurs, écouteurs);
3. hybrides 1 et 2.

Formellement, tout ce dont une personne ordinaire a besoin d’une interface audio est de supprimer des données d’un appareil d’enregistrement et de les donner à un ordinateur, ou vice versa, de prendre des données d’un ordinateur en les envoyant à un appareil de lecture. Lors du passage du signal à travers l’interface audio, une transformation spéciale du signal est effectuée afin que le côté récepteur puisse continuer à traiter ce signal. Le dispositif de lecture (final) reproduit en quelque sorte un signal analogique ou sinusoïdal, qui s’exprime sous la forme d’une onde sonore ou élastique. Un ordinateur moderne fonctionne avec des informations numériques, c’est-à-dire des informations codées sous la forme d’une séquence de zéros et de uns (plus précisément, sous la forme de signaux de bandes discrètes de niveaux analogiques). Ainsi, une obligation est imposée à l’interface audio de convertir le signal analogique en numérique et/ou inversement, qui est en fait le cœur de l’interface audio: un convertisseur numérique-analogique et analogique-numérique (DAC et ADC ou DAC et ADC, respectivement), ainsi que la liaison à la forme d’un codec matériel, toutes sortes de filtres, etc.
En règle générale, les PC, ordinateurs portables, tablettes, smartphones, etc. modernes disposent déjà d’une carte son intégrée, qui vous permet d’enregistrer et de lire des sons, s’il existe des appareils d’enregistrement et de lecture.

— Voir également: Les 10 meilleures bibliothèques de batterie pour NI Kontakt 5 pour 2017! —

C’est là que se pose l’une des questions les plus fréquemment posées:

la carte son intégrée peut-elle être utilisée pour l’enregistrement et/ou le traitement du son?

La réponse à cette question est très ambiguë.

Comment fonctionne une carte son

Voyons ce qui arrive au signal qui traverse la carte son. Essayons d’abord de comprendre comment un signal numérique est converti en analogique. Comme mentionné précédemment, un DAC est utilisé pour ce type de conversion. Nous n’entrerons pas dans la jungle du remplissage matériel, compte tenu des différentes technologies et éléments de base, nous désignerons simplement « sur nos doigts » ce qui se passe dans le «matériel».

Nous avons donc une certaine séquence numérique, qui est un signal audio à transmettre à l’appareil.

111111000011001001100101010100111111001100101000000110100001011101100110110001

00000001000110001010111110010100010010110011101111111110111001111001110010010

Ici, les couleurs sont les petits morceaux de son codés. Une seconde de son peut être codée avec un nombre différent de ces morceaux, le nombre de ces morceaux est déterminé par la fréquence d’échantillonnage, c’est-à-dire que si le taux d’échantillonnage est de 44,1 kHz, alors une seconde de son sera divisée en 44100 de ces morceaux. Le nombre de zéros et de uns dans une pièce est déterminé par la profondeur d’échantillonnage ou la quantification, ou, simplement, la profondeur de bits.

Maintenant, pour imaginer le fonctionnement du DAC, rappelons le cours de géométrie de l’école. Imaginez que le temps est l’axe des X, le niveau est Y. Sur l’axe des X nous marquons le nombre de segments qui correspondront au taux d’échantillonnage, sur l’axe des Y – 2n segments, qui indiqueront le nombre de niveaux d’échantillonnage , après quoi, progressivement, nous marquons les points qui correspondront à des niveaux sonores spécifiques.

Il convient de noter qu’en réalité, le codage selon le principe ci-dessus ressemblera à une ligne brisée (graphique orange), cependant, lors de la conversion, ce qu’on appelle. approximation à une sinusoïde, ou simplement approximation du signal à la forme d’une sinusoïde, ce qui conduira à un lissage des niveaux (graphique bleu).

— Voir également: Où est-il plus rentable de vendre votre musique? Comparez CDBaby et Tunecore —

Quelque chose comme ça ressemblera à un signal analogique, qui est obtenu à la suite d’un décodage numérique. Il est à noter que la conversion analogique-numérique s’effectue exactement à l’opposé: toutes les 1 / sample_frequence secondes, le niveau du signal est supprimé et codé en fonction de leur profondeur d’échantillonnage.

Nous avons donc compris comment fonctionnent (plus ou moins) le DAC et l’ADC. Il convient maintenant de considérer quels paramètres affectent le signal final.

Paramètres de base de la carte son

Au cours de l’examen du fonctionnement des convertisseurs, nous nous sommes familiarisés avec deux paramètres principaux, à savoir la fréquence et la profondeur d’échantillonnage, nous les examinerons plus en détail.
Le taux d’échantillonnage est, approximativement, le nombre d’intervalles de temps par lesquels 1 seconde de son est divisée. Pourquoi est-il si important pour les gens du son d’avoir une carte son capable de fonctionner à une fréquence supérieure à 40 kHz ? Cela est dû à la soi-disant. Le théorème de Kotelnikov (oui, oui, encore des mathématiques). Si c’est trivial, alors, selon ce théorème, dans des conditions idéales, un signal analogique peut être reconstruit à partir d’un signal discret (numérique) de manière arbitrairement précise si la fréquence d’échantillonnage est supérieure à 2 gammes de fréquences de ce même signal analogique… Autrement dit, si nous travaillons avec le son qu’une personne entend (~ 20 Hz – 20 kHz), alors la fréquence d’échantillonnage sera (20 000 – 20) x2 ~ 40 000 Hz, d’où la norme de facto 44,1 kHz, c’est la fréquence d’échantillonnage pour le plus précis encoder le signal plus un peu plus (ceci, bien sûr, est exagéré, puisque cette norme est fixée par Sony et les raisons sont beaucoup plus prosaïques). Cependant, comme indiqué précédemment, c’est dans des conditions idéales. Les conditions idéales signifient ce qui suit : le signal doit être infiniment long dans le temps et ne pas présenter de singularités sous la forme d’une puissance spectrale nulle ou de pics de salves de grande amplitude. Il va sans dire qu’un signal audio analogique typique n’est pas adapté aux conditions idéales, du fait que ce signal est fini dans le temps et présente des rafales et des disparitions (en gros, des intervalles de temps).

La profondeur d’échantillonnage ou le bit est le nombre de puissances de 2, qui détermine en combien d’intervalles l’amplitude du signal sera divisée. Une personne, en raison de l’imperfection de son appareil sonore, se sent généralement à l’aise dans la perception avec une profondeur de bits de signal d’au moins 10 bits, c’est-à-dire 1024 niveaux, il est peu probable qu’une personne ressente une nouvelle augmentation de la profondeur de bits , ce qui ne peut pas être dit de la technologie.

Comme vous pouvez le voir ci-dessus, lors de la conversion d’un signal, la carte son fait certaines « concessions ».

Tout cela conduit au fait que le signal résultant ne répétera pas exactement l’original.

Problèmes lors du choix d’une carte son

Ainsi, un ingénieur du son ou un musicien (choisissez le vôtre) a acheté un ordinateur avec un tout nouveau système d’exploitation, un processeur sympa, une grande quantité de RAM avec une carte son intégrée à la carte mère, qui est promue par le fabricant, a des sorties à fournir un système de son 5.1, le DAC-ADC a une fréquence d’échantillonnage de 48 kHz (ce n’est plus 44,1 kHz !), 24 bits et ainsi de suite et ainsi de suite… Pour fêter ça, l’ingénieur installe le logiciel de prise de son et découvre que cette carte son ne peut pas simultanément « tirer » du son, appliquer des effets et le lire instantanément là-bas. Le son, même s’il s’avère de très haute qualité, cependant, entre le moment où l’instrument joue la note, l’ordinateur traite le signal et le rejoue un certain temps ou, pour faire simple, il y a un décalage. C’est étrange, car le consultant de l’Eldorado a tant fait l’éloge de cet ordinateur, a parlé de la carte son et en général… et voilà… hein. Avec chagrin, l’ingénieur retourne au magasin, remet l’ordinateur acheté, verse une somme fabuleuse supplémentaire afin de remplacer celui rendu par un ordinateur avec un processeur encore plus puissant, plus de RAM, une carte son à 96 (!!! ) kHz et 24 bits et… au final la même chose.

— Voir également: Qu’est-ce que LUFS et pourquoi est-ce important? —

En fait, les ordinateurs typiques avec des cartes son intégrées standard et des pilotes de stock pour eux ne sont pas conçus à l’origine pour traiter le son et le lire en mode quasi temps réel, c’est-à-dire qu’ils ne sont pas conçus pour le traitement VST-RTAS. Il ne s’agit pas du tout ici du bourrage « de base » sous la forme d’un processeur-RAM-disque dur, chacun de ces composants est capable d’un tel mode de fonctionnement, le problème est que cette carte son, parfois, se contente ne peut pas « travailler » en temps réel…
Pendant le fonctionnement de tout appareil informatique, en raison de la différence de vitesse de fonctionnement, le soi-disant. retards. Il en résulte que le processeur attend un ensemble de données qu’il doit traiter. De plus, lors du développement du système d’exploitation et des pilotes, ainsi que du logiciel d’application, les programmeurs ont recours à ce qu’on appelle. création de ce qu’on appelle abstraction logicielle, c’est à ce moment que chaque couche supérieure du code du programme « cache » toute la complexité du niveau inférieur, ne fournissant à son niveau que les interfaces les plus simples. Parfois, il existe des dizaines de milliers de ces niveaux d’abstraction. Cette approche simplifie le processus de développement, mais augmente le temps nécessaire aux données pour voyager de la source à la destination et vice versa.

En fait, des décalages peuvent survenir non seulement avec les cartes son intégrées, mais aussi celles qui sont connectées via USB, WireFire (repose en paix à lui), PCI, etc.

Pour éviter ce type de décalage, les développeurs utilisent des solutions de contournement qui éliminent les abstractions et les transformations logicielles inutiles. L’une de ces solutions est l’ASIO préféré de tous pour OS Widows, JACK (à ne pas confondre avec un connecteur) – pour Linux, CoreAudio et AudioUnit – pour OSX. Il convient de noter qu’OSX et Linux se débrouillent très bien sans les « béquilles » comme Windows. Cependant, tous les appareils ne sont pas capables de fonctionner à la vitesse et à la précision requises.
Disons que notre ingénieur/musicien appartient à la catégorie des Kulibins et a pu mettre en place JACK/CoreAudio ou faire fonctionner sa carte son avec un driver ASIO de la société « folk craft ».

Dans le meilleur des cas, de cette façon, notre maître a réduit le décalage d’une demi-seconde à 100 ms presque acceptable. Le problème des dernières millisecondes réside dans tout le reste et dans la transmission interne du signal. Lorsque le signal passe de la source via l’interface USB ou PCI au processeur central, le signal est supervisé par le pont sud, qui s’occupe en fait du fait qu’il fonctionne avec la plupart des périphériques et est directement subordonné au processeur central. Néanmoins, le processeur central est un personnage important et occupé, il n’a donc pas toujours le temps de traiter le son en ce moment, donc notre maître devra soit accepter que ces 100 ms puissent « sauter » de ± 50 ms sinon plus. La solution à ce problème peut être l’achat d’une carte son avec son propre microcircuit pour le traitement des données ou DSP (Digital Signal Processor).

En règle générale, la plupart des cartes son « externes » (appelées cartes son de jeu) ont un coprocesseur de ce type, mais il est assez rigide à travailler et est essentiellement destiné à « améliorer » le son reproduit. Les cartes son conçues à l’origine pour le traitement du son ont un coprocesseur plus adéquat ou, dans la version Edge, un tel coprocesseur est vendu séparément. L’avantage d’utiliser un coprocesseur est le fait que s’il est utilisé, un logiciel spécial traitera le signal pratiquement sans utiliser le processeur central. L’inconvénient de cette approche peut être le prix, ainsi que l' »affûtage » de l’équipement pour travailler avec un logiciel spécial.

Séparément, je voudrais noter l’interface pour coupler une carte son et un ordinateur. Les exigences ici sont tout à fait acceptables : pour une vitesse de traitement suffisamment élevée, des interfaces telles que l’USB 2.0, le PCI suffiront. Un signal audio n’est pas vraiment une grande quantité de données comme un signal vidéo, les exigences sont donc minimes. Cependant, j’ajouterai une mouche dans la pommade : le protocole USB ne garantit pas la livraison à 100 % des informations de l’expéditeur au destinataire.
Nous avons choisi le premier problème – de longs délais lors de l’utilisation de pilotes standard ou un prix élevé pour l’utilisation d’une carte son avec une latence adéquate.
Auparavant, nous avons réalisé que ce n’est pas une tâche facile d’atteindre la transmission de signal analogique idéale. En plus de cela, il convient de mentionner le bruit et les erreurs qui surviennent lors du processus de suppression / conversion / transmission d’un signal en tant que données, car, si vous vous souvenez de la physique, tout appareil de mesure a sa propre erreur et tout algorithme a sa propre précision.

Une blague du domaine de l’ingénierie radio: dans la communication radio, il existe un soi-disant. Q-codes, désignations à trois lettres de diverses questions et réponses, utilisées pour réduire le nombre de caractères transmis. L’un des codes non officiels « QZZ » signifie « Est-ce que ce bourdonnement est à 60 Hz ou ronflez-vous? »

Cette blague est très indicative au vu du fait que le fonctionnement de la carte son est également influencé par le rayonnement des équipements voisins, jusqu’aux ultrasons émis par le processeur central lors du fonctionnement. A tout le reste, il convient d’ajouter des distorsions aux caractéristiques du signal enregistré/restitué, qui dépendent de l’appareil final (microphone, micro, haut-parleurs, casque, etc.). Souvent, pour le marketing, les fabricants de divers appareils audio augmentent délibérément la fréquence possible du signal reçu / reproduit, à partir duquel une personne qui a enseigné la biologie et la physique à l’école a une question tout à fait consciente « pourquoi, si une personne n’entend pas en dehors du gamme de 20-20 kHz? » Comme on dit, dans chaque vérité, il y a un grain de vérité. En effet, de nombreux fabricants n’indiquent que sur le papier des caractéristiques de meilleure qualité de leurs équipements. Néanmoins, si le fabricant a effectivement fabriqué un appareil capable de supprimer/reproduire un signal dans une plage de fréquences légèrement plus large, il vaut la peine de penser à acheter cet équipement au moins pendant un certain temps.
Voici la chose. Tout le monde se souvient parfaitement de la réponse en fréquence, de beaux graphiques avec des irrégularités, etc. Lorsqu’il capte un son (considérez uniquement cette option), le microphone le déforme en conséquence, ce qui se caractérise par une irrégularité de sa réponse en fréquence dans la plage qu’il « entend ».

Ainsi, ayant un microphone capable de capter un signal dans la plage standard (20-20k), nous n’obtiendrons de distorsion que dans cette plage. En règle générale, les distorsions obéissent à la distribution normale (rappelez-vous la théorie des probabilités), avec de petites entrecoupées d’erreurs aléatoires. Que se passe-t-il si, toutes choses étant égales par ailleurs, nous élargissons la portée du signal capté? Si nous suivons la logique, alors le «plafond» (graphique de la densité de probabilité) s’étirera dans le sens d’une augmentation de la plage, déplaçant ainsi les distorsions en dehors de la plage audible qui nous intéresse.

En pratique, tout dépend du concepteur du matériel et doit être vérifié très attentivement. Néanmoins, le fait demeure.

Si nous revenons à notre matériel, alors, malheureusement, tout n’est pas si rose. Semblable aux affirmations des fabricants de microphones et de haut-parleurs, le fabricant de cartes son ment également souvent sur les modes de fonctionnement de leurs appareils. Parfois, pour une carte son spécifique, on peut voir qu’elle fonctionne en mode 96k/24bit, alors qu’en réalité c’est toujours le même 48k/16bit. Ici, le problème peut être qu’à l’intérieur du pilote, le son peut vraiment être codé avec les paramètres spécifiés, bien qu’en réalité la carte son (DAC-ADC) ne puisse pas produire les caractéristiques nécessaires et rejeter simplement les bits les plus significatifs à la profondeur d’échantillonnage et sauter partie des fréquences à la fréquence d’échantillonnage. Les cartes son intégrées les plus simples ont souvent péché avec cela. Et bien que, comme nous l’avons découvert pour l’audition humaine, des paramètres tels que 40k / 10 bits soient tout à fait suffisants, pour le traitement du son, cela ne sera pas suffisant en raison des distorsions introduites lors du traitement du son. C’est-à-dire que si un ingénieur ou un musicien a filmé le son à l’aide d’un microphone ou d’une carte son moyen, alors en utilisant même les meilleurs logiciels et matériels, il sera très problématique de nettoyer tout le bruit et les erreurs qui ont été introduits au stade de l’enregistrement. Heureusement, les fabricants d’équipements audio semi-professionnels ou professionnels ne sont pas coupables de cela.

— Voir également: Les meilleures librairies de 2017 pour NI Kontakt 5! —

Le dernier problème est que les cartes son intégrées n’ont tout simplement pas un nombre suffisant de connecteurs nécessaires pour connecter les périphériques nécessaires. En fait, même un ensemble pour homme sous la forme d’un casque et d’une paire de moniteurs n’aura tout simplement nulle part où se connecter, et même des délices tels que des sorties avec alimentation fantôme et des commandes séparées pour chacun des canaux devront être complètement oubliés.

Total: la première chose qui doit être déterminée pour le choix ultérieur du type de carte son est ce que l’assistant va faire. Il est probable que pour un traitement approximatif, lorsqu’il n’est pas nécessaire d’enregistrer en haute qualité ou de simuler les « oreilles » de l’auditeur final, une carte son intégrée ou externe, mais relativement bon marché, peut suffire. Il peut également être utile pour les musiciens novices, s’ils ne sont pas trop paresseux pour gérer la réduction des retards dans le traitement en temps réel. Pour les maîtres qui sont exclusivement engagés dans le traitement hors ligne, vous ne devriez pas vous soucier de réduire les délais et de vous concentrer sur les appareils qui donneront réellement les hertz et les bits qu’ils sont censés fournir. Pour cela, il n’est pas nécessaire d’acheter une carte son trop chère ; dans la version la moins chère, une carte son « jeu » plus ou moins adéquate peut convenir. MAIS, j’attire votre attention sur le fait que les pilotes pour de telles cartes son essaient d’améliorer le son d’une certaine manière, ce qui est inacceptable, car pour le traitement, il est nécessaire d’obtenir le son aussi propre et équilibré que possible avec un minimum entrecoupé de pilote « amélioration ».

Cependant, si vous, en tant que maître, avez besoin d’un appareil qui répondra aux exigences de qualité du signal enregistré-reproduit, ainsi que de vitesse de traitement de ce signal, alors vous devrez soit payer un supplément, après avoir reçu un appareil de bonne qualité, ou choisissez 2 choses à sacrifier: haute qualité, bas prix, haute vitesse.

Nous ne doutons pas que les personnes qui travaillent chez iZotope connaissent bien le domaine pratique et théorique du son. Plus récemment, ils ont montré leur top des meilleures chansons (en termes de mixage et de mastering). À certains égards, nous ne sommes pas d’accord, quelque part le temps et son changement brutal de perception et de décisions importantes affectent notre impression, mais nous ne pouvons que les partager avec vous. Certaines descriptions des auteurs ont également été ajoutées.

1. “Rocket #9” by Zombie Zombie

Arrangement / Mixage: Joakim (Brooklyn, USA. A travaillé avec des artistes tels que Zombie Zombie, Charlotte Gainsbourg, Guillaume Teyssier…)
Mastering: Benjamin Joubert (il a une longue feuille de route, le public (clients) est plus français: Tomalone, Electric Egypt, Gaspar Claus et bien d’autres)

L’un des groupes qui m’a fait changer d’avis à l’Austin Psych Fest (célèbre festival). Le groupe s’est produit en duo disco expérimental. Leur chanson « Rocket Number 9 » présente des batteries live folles, du saxophone et des synthés massifs.

— Voir également: Un ensemble complet de préréglages pour le synthétiseur Sylenth1 gratuitement! —

2. “Gayatri Mantra” by Existence

Mixage: Tom Bates (Paul Simon, Matt Savage, David Darling…)
Maîtrise: Christoph Stillell

Grâce à l’ensemble de la production, la chanson a un bon équilibre d’instruments. Cela fonctionne comme l’hypnose. A chaque fois, comme un mantra, une nouvelle voix s’ajoute et elle s’inscrit très bien dans l’idée générale. Le mélange est en parfaite proportion. Il y a aussi des basses profondes, de la réverbération, de la clarté du son et la présence de l’auteur dans chaque note. Le mixage a été réalisé par l’un des plus grands ingénieurs du mixage avec lesquels les auteurs aient jamais pu travailler. Même si tout était fait numériquement (avant même que ce soit populaire). Asseyez-vous, le temps ralentit et vous emmène directement sur scène!

3. “Gimme Shelter” by The Rolling Stones

Produit par: Jack Nietzsche / Jimmy Miller
Mixage: Glyn Jones

Nous adorons les ingénieurs qui ont travaillé sur la composition « Gimme Shelter » car ils ont tout fait pour obtenir le son rock riche, la richesse et l’idéologie de la guerre du Vietnam. Et la saturation du ruban… une saturation du ruban solide ! Lors de l’enregistrement de telles compositions aujourd’hui, beaucoup seront tentés de corriger tous les bruits et effets qui sont rares aujourd’hui. Mais c’est un bon mixage et mastering d’une chanson de cette époque et mérite une panne ! Peut-être que cette chanson vous inspirera.

— Voir également: 5 plugins pour faire briller votre voix ! —

4. “I Courted A Sailor” by Kate Rusby

Produit par: John McCusker
Mixé par: Andy Seward, Joe Rusby
Maîtrise: Randy Leroy

Nous avons choisi cette composition au sommet en raison de l’enregistrement fantastique, de l’idée, de la sélection des instruments, du mixage et du mastering. L’ensemble de l’album (Little Lights), et cette chanson en particulier, sont des exemples exemplaires de travail responsable. Des voix très légères et agréables qu’on a envie d’écouter! Il convient de noter que l’enregistrement et la mise en œuvre de la chanson ont eu lieu à une époque où les voix n’étaient pas corrigées par l’accordage. A notre époque, c’est important.

5. “One Armed Bandit” by Jaga Jazzist

Produit par: Jaga Jazzist et Jørgen Træen
Mixé par John McEntire (Jeff Parker, Modest Mouse, Mouse on Mars…)
Mastering: Chris Sansom

Jaga Jazzist présente un ensemble norvégien. Le compositeur Lars Hornweth développe habilement le thème musical en utilisant une variété de couches et d’effets sonores. Tout au long de la piste, vous entendrez une large gamme de sons qui ont leur propre espace et textures. Vu le nombre d’instruments, il était difficile de les combiner pour obtenir un son clair. Six guitares basses jouant dans le registre grave… Sans aucun doute, ce morceau mérite une attention et une place élevée dans le classement des morceaux les plus purement mixés!

Si vous avez aimé l’article, partagez-le avec vos amis!

Waves a récemment publié une liste des plugins les plus populaires et les plus vendus de 2017. A noter qu’il y en a déjà plus de 520 au total ! Et, peut-être, pendant que cette petite critique était en cours, plusieurs autres nouvelles sont sorties.

Vitamin SonicEnhancer

La 10ème place revient à Vitamin Sonic Enhancer, qui est un activateur d’harmoniques multibande. Soit dit en passant, Tony Visconti a parlé de lui plus tôt dans son top des outils les plus fréquemment utilisés. Il s’agit d’un appareil simple et de haute qualité qui est utilisé par de nombreux ingénieurs lors du mixage et du mastering de la musique.

NLS Non-LinearSummer

Cet additionneur analogique est explicite. Le plugin contient l’émulation de trois consoles sous le capot :

• Spike est une « console à semi-conducteurs magique ».
• Mike – console classique Mike Hedges (les chansons The Cure, Siouxsie and the Banshees, Dido, Faithless, Manic Street Preachers, U2 ont été faites dessus)
• Nevo – Console britannique Yoad Nevo (Bryan Adams, Pet Shop Boys, Sugababes, Goldfrapp, Air)

C6 MultibandCompressor

Le prochain article le plus vendu est le compresseur multibande C6. Comme son nom l’indique, il s’agit d’un compresseur multibande, qui est devenu la continuation du compresseur C4 bien-aimé. Idéal pour le de-essering (élimination des sifflantes) et les pop-up pop.

H-Reverb HybridReverb

H-Reverb est l’un des premiers plug-ins à utiliser la technologie d’impulsion qui délivre une réverbération douce et réaliste. Une large gamme de préréglages et de boutons de commande flexibles vous permettront d’obtenir l’effet de n’importe quelle pièce souhaitée.

— Voir également: 11 meilleurs livres sur le mixage musical et l’ingénierie du son —

WavesTune Real-Time

Si vous souhaitez que l’interprète frappe les notes avec plus de précision, qu’il enregistre en studio ou chante sur scène, vous pouvez corriger ses erreurs en temps réel. C’est un excellent plugin qui peut sauver les jeunes musiciens ! La seule mise en garde est que cela n’inclut pas la correction de la diction et du timbre. Le meilleur chanteur est celui qui peut chanter magnifiquement sans l’aide d’instruments tiers.

J37 Tape

Waves et Abbey Road Studio présentent un émulateur de bande appelé J37 Tape, qui reproduit fidèlement le comportement d’un magnétophone (années 60-70) et sature le son de bruit analogique. Vous obtenez 3 algorithmes de saturation à une fraction du coût d’une telle technologie.

— Voir également: Meilleur logiciel DJ —

CLA-2A Compressor / Limiter

Le compresseur émule un Teletronix analogique des années 60, avec son genou doux et son son très riche. Il a un nombre minimum de boutons de commande, c’est pourquoi les jeunes ingénieurs en sont tombés amoureux. Le plus souvent utilisé pour le traitement vocal.

API 2500

La troisième place est occupée par l’émulation du compresseur par API Audio, qui a longtemps gagné le respect sur le marché de la musique. Il dispose de trois algorithmes de traitement et d’une méthode qualitativement transférée pour influencer le son. Bien sûr, il ne remplacera pas son père analogique pour plus de 3000$, mais il fait son travail dignement.

— Voir également: 10 meilleures bibliothèques de guitares virtuelles pour NI Kontakt 5 —

VocalRider

En deuxième lieu se trouve une sorte de compresseur / fader automatisé qui, lorsque vous travaillez avec des voix, égalise les parties à voix haute et augmente les parties faibles (exactement ce que vous devez faire manuellement lors du mixage). Le plugin est bon, mais il ne fonctionne pas correctement dans certains cas. Vous pouvez également régler la plage de volume et la vitesse de réponse.

Grand RhapsodyPiano

En premier lieu, le plug-in, qui est sorti l’autre jour et a reçu des critiques flatteuses de la part des compositeurs et des producteurs. Il s’agit d’un piano à queue virtuel échantillonné qui recrée fidèlement le piano à queue italien Fazioli F228. Vous l’avez peut-être entendu dans la chanson « Hello » d’Adele, mais maintenant vous pouvez l’utiliser dans vos œuvres.

Les claviers MIDI sont un moyen d’augmenter la vitesse de composition et d’améliorer le processus créatif lui-même. Malheureusement, tout le monde n’a pas les moyens de s’offrir un équipement coûteux, nous avons donc sélectionné pour vous les 5 meilleurs claviers midi (contrôleurs midi) à moins de 500€.

1. CME Xkey 37

L’un des meilleurs claviers MIDI minimalistes de cette liste. Le Cme Xkey 37 est un contrôleur doté de nombreuses fonctionnalités qui satisferont tous les besoins de base d’un jeune musicien. Le design est attrayant, concis et l’appareil est facile à transporter d’un endroit à l’autre. Fonctionne sur le protocole Bluetooth 4.0. La grande chose est que pour le prix, le clavier a des touches sensibles à la pression (plein poids) pour une sensation complète.

Prix: $199

2. Novation Impulse 49

Grands boutons doux, section pad intégrée pour les sons de percussion à faible latence, intégration profonde avec une large gamme de logiciels DAW populaires. Au total, il dispose de 49 touches, d’un rétroéclairage LCD et d’un poids de 5 kg. Livré avec le pack logiciel Xcite+ et Ableton Live Lite. C’est déjà un bourreau de travail à part entière pour les beatmakers à un prix abordable.

Prix: $300

— Voir également: Le compresseur T-RackS – Comprexxor (d’une valeur de 130 euros) est téléchargeable gratuitement ! —

3. Nektar Panorama P4

Le clavier midi complet se classe troisième dans notre classement non officiel. 49 touches tactiles, neuf faders de 45 mm, 12 pavés tactiles, écran couleur et plus encore. Il a tout ce dont vous avez besoin pour un travail rapide. Si vous créez de la musique dans Reason, il est entièrement intégré à ce programme DAW.

Prix: $399

4. Axiom 49

La combinaison de performances et de puissance est ce que vous obtenez avec ce clavier. Pads intégrés pour percussions et batterie, faders et autres commandes. Amélioration de l’ergonomie de l’écran (ainsi que de l’angle de vision), ce qui est certainement un plus dans les performances en direct. A une bonne réputation à un prix abordable!

Prix: 499 $

— Voir également: 12 meilleurs amplificateurs de volume pour Windows : un programme pour augmenter le son jusqu’à 500 % —

5. Akai MPK 249

Ce contrôleur midi calculera complètement sa valeur. Compte tenu du nombre de fans d’Akai, il est devenu une sorte de standard pour les claviers économiques dotés de nombreuses fonctionnalités. De nombreux faders, contrôleurs et un design coloré qui vous remonteront sûrement le moral ! Livré avec Ableton Live Lite, Hybrid 3 par AIR Music Tech, SONiVOX Twist 2.0 et Akai Pro MPC Essentials.

Prix: $399

Ce sont d’excellents contrôleurs midi pour le prix ! Si vous pouvez vous permettre des options haut de gamme coûteuses, considérez les avantages que vous en retirerez. Si la tâche est d’écrire de la musique – alors pourquoi payer plus ?

Vous n’avez pas besoin d’une licence logicielle DAW coûteuse pour produire un son de qualité! Il est important d’utiliser correctement vos compétences, votre expérience et votre propre audition. Il convient également de considérer l’équipement sur lequel vous écrivez de la musique ou effectuez le mixage et le mastering. S’il n’est pas possible d’équilibrer correctement le projet – envoyez-nous votre travail pour le mixage et le mastering, nous ferons de notre mieux pour satisfaire vos goûts ! Vous trouverez ci-dessous une liste des programmes gratuits les plus fonctionnels, prenez note.

1. AUDACITY

Ce programme est très connu des musiciens et des ingénieurs, et ce n’est pas surprenant. Audacity est développé par un groupe de bénévoles qui fournissent une licence gratuite et soutiennent le projet depuis plus de 17 ans. Vous pouvez convertir, couper, copier, croiser et même écrire vos propres plugins. Un outil très utile si vous travaillez dans une agence gouvernementale et que vous devez effectuer de toute urgence et efficacement des opérations avec du son.

2. T5 Tracktion

C’est une station de travail musicale complète qui offre tout ce dont vous avez besoin pour créer une démo ou un enregistrement d’instrument en direct. Le T5 de base a un égaliseur, un limiteur, quelques plugins supplémentaires et des boutons de mixage standard. C’est un programme incroyablement simple et gratuit qui fonctionnera sur tous les systèmes d’exploitation (Mac, Linux, Windows)

— Voir également: 7 plugins de kit de batterie dont chaque producteur aura besoin! —

3. LMMS (Linux MultiMedia Studio)

LMMS a été développé à l’origine sur Linux, mais a dépassé les capacités de base et fonctionne désormais sur Mac et Windows. C’est l’un des logiciels DAW gratuits les plus populaires. Dans l’ensemble de base, vous recevrez des synthétiseurs, des effets et peuvent être complétés par des plugins tiers. Les instruments VST intégrés sont étonnamment de très haute qualité et font un excellent travail.

4. Rosegarden

Le programme est développé et soutenu depuis 1993. Tout est comme dans des programmes à part entière pour la musique, le multilinguisme et la facilité d’utilisation. Rien de plus et de surnaturel. Installez et vous pouvez commencer à travailler immédiatement!

— Voir également: 5 meilleurs micros pas chers pour le home studio —

5. PreSonus Studio One 3 “Prime”

Il s’agit d’une version allégée de PreSonus et c’est un bon début pour les débutants. Vous recevrez non seulement un programme complet pouvant être utilisé gratuitement, mais également une technologie de traitement de haute qualité. Le programme est livré avec plus de 1,5 Go d’échantillons, d’effets et de plugins. Si vous vous ennuyez avec l’ensemble intégré, il existe une option pour télécharger le contenu gratuitement. Essayez-le et vous tomberez amoureux de ce programme!

Nous continuons à couvrir le sujet de l’équipement pour le mixage et le mastering de la musique. Les cartes son pour les home studios ont été évoquées plus haut. Il est maintenant temps pour les écouteurs. Nous avons quelque chose à vous offrir !

Il est important de noter que les écouteurs sont une chose très subjective. Ce qu’une personne choisit pour elle-même, basé sur l’audition, la qualité et le confort, peut ne pas être agréable pour une autre personne. Par conséquent, cette note est purement nos favoris. Si vous pouvez mettre en évidence des écouteurs qui n’étaient pas inclus dans la liste, écrivez-les dans les commentaires.

 KRK KNS 8400

Je porte souvent des écouteurs et je m’habitue à leur son. Ces écouteurs sont parfaits pour l’enregistrement et le monitoring en studio. Les écouteurs sont actifs (chargés par USB). Ils ont une légère surestimation dans les basses fréquences, ce qui sera sans aucun doute un plus pour les batteurs. Ce ne sont pas des écouteurs bon marché, mais je pense qu’ils en valent la peine.

• Capture de fréquence 15 Hz – 20 kHz
• Résistance – 42 Ohm
• Puissance 240 mW
• Coût – à partir de 400 $

– James Ivery

Ce sont des écouteurs très compacts et de haute qualité de Shure. Bon pour l’écoute mobile. Ils ne sont pas tout à fait adaptés au mixage et au mastering de la musique, mais dans le contexte des bouchons d’oreilles, avec suppression des bruits extérieurs, c’est un excellent produit. Shure prétend fournir une isolation de -37 dB. Ils ne sont pas donnés, mais à mon avis, la santé des oreilles est plus importante.

• Capture de fréquence: 20 – 19000Hz
• Résistance: 22 ohms
• Sensibilité: 109 dB
• Coût – à partir de 280$

– Alan Shallabank

Notons les leaders de notre liste – ce sont des casques de mixage et de mastering de type ouvert, choisis par de nombreux musiciens éminents. Les écouteurs sont assez spécifiques, et si vous avez de gros lobes d’oreilles, vous devez absolument les essayer avant d’acheter, car ils peuvent ne pas vous convenir. Mais malgré ce petit inconvénient, les écouteurs reflètent assez fidèlement la composante fréquentielle du projet et n’exercent pas de pression sur la tête. Vous pouvez y travailler pendant des heures.

Les écouteurs commencent à 500 $, ce qui est l’article le plus cher de notre liste. Mais ces écouteurs sont sans aucun doute les leaders.

Si la tâche consiste à ouvrir un studio d’enregistrement (domestique ou commercial), beaucoup se posent des questions: – par où commencer? quoi acheter en premier? qu’est-ce qui est obligatoire en studio? sur quoi se concentrer?

Afin de répondre à ces questions, réfléchissez bien à vos projets futurs et décidez, allez-vous enregistrer uniquement des voix et des instruments, ou allez-vous également enregistrer un kit de batterie en direct? Si vous voulez un complexe complet, la pièce sera plusieurs fois plus grande. Si vous créez un studio uniquement pour vous-même et que vous souhaitez obtenir une qualité d’enregistrement décente, vous n’aurez pas besoin d’autant d’équipement:

L’ordinateur est un bourreau de travail. Ce devrait être un appareil puissant pour qu’il puisse tirer non seulement un projet, mais aussi 50-70 prises de voix chantées avec une clarté cristalline. Quelle DAW choisir pour le travail est une question de goût. Il n’y a pas de différence de qualité entre eux. Si auparavant certains programmes étaient conçus pour fonctionner avec le midi, d’autres pour le traitement et avaient des fonctionnalités plus avancées, maintenant ce sont de grandes stations qui incluent tout ce qui est possible. Nous avons opté pour la suite Samplitude Pro X3, qui n’est pas aussi annoncée que ses confrères de la boutique, mais qui a tout ce qu’il faut pour le mixage et le mastering.

Carte son. Pour l’avenir, je tiens à souligner d’emblée que les cartes intégrées dans un PC ne conviennent pas au travail professionnel. Ils ne sont pas destinés à la musique, mais à la reproduction technique. Inutile de dire que grâce à de telles cartes, vous ne réaliserez un enregistrement de haute qualité d’aucun instrument. La seule carte son de ce type que je voudrais souligner (qui peut être intégrée dans un ordinateur) est une carte de chez RME. Ils ont de nombreux modèles de cartes externes et internes, mais leur coût commence à 400 $. Mais cela ne résoudra toujours pas le problème de l’enregistrement de haute qualité des instruments, et vous devez regarder de près les cartes externes avec DI-Box (afin que les bruits de la même guitare électrique ne soient pas capturés).

Microphone. Qu’est-ce qu’un studio d’enregistrement sans microphone? à droite – aucun! 🙂 Le microphone est la chose la plus délicate qui puisse s’y trouver. Si vous construisez un studio pour vous-même, ne vous laissez pas guider par le coût, mais venez dans les magasins de musique et essayez comment votre voix y sonnera. Il arrive souvent que la voix de quelqu’un sonne mieux dans un microphone à 200 $ que dans un microphone à 1000 $. Cela se passe aussi dans l’autre sens. Ne regardez pas les titres et les stratagèmes marketing. Un micro de studio à 90$ ne vous garantit pas un bon enregistrement. Regardez de plus près les modèles classiques utilisés depuis de nombreuses années et toujours en production. On n’ose pas conseiller quelque chose de précis, c’est plutôt une question de goût.

Moniteurs. Si vous voulez entendre le bon son, les haut-parleurs de cinéma maison ne fonctionneront pas. Vous avez besoin de moniteurs de studio conçus pour calibrer le son et ayant une réponse en fréquence plate. Il est important de souligner que le mixage sur des moniteurs 3 pouces ne vaut pas la peine d’être fait. Vous perdrez beaucoup d’informations dans les bas et bas médiums. Considérez 5 – 8″ (selon la pièce) tout de suite, et de préférence avec un caisson de basse. Le coût d’un bon moniteur (et le plus souvent leur coût est indiqué pour une colonne) commence à 300$ (une paire coûtera 600$ ou plus).

Écouteurs. S’il n’est pas possible d’acheter des moniteurs, prenez de bons écouteurs (la solution ne convient qu’à un home studio). Naturellement, avec un casque, vous ne pourrez pas contrôler le comportement du mixage sur une grande acoustique, vous devriez donc immédiatement regarder l’étape 4. Si vous ne savez pas comment mixer et masteriser, ou si vous n’avez pas l’équipement, ou si vous avez besoin faire vite, ou… autre chose – venez nous voir sous n’importe quel prétexte ! Nous réaliserons le mixage et le mastering de manière économique et efficace, ce qui vous fera considérablement économiser du temps et de l’argent.

Préamplificateur (préampli). Pour un micro, il faut un préamplificateur de bonne qualité pour saturer et enrichir immédiatement l’enregistrement. Si vous comparez l’accumulation dans le microphone directement à partir de la carte et à travers elle, la différence sera très importante. Cela simplifie le travail et vous permet d’ouvrir votre voix.

Mixer. Un studio d’enregistrement doit simplement avoir au moins une console de mixage peu coûteuse à bord. Lors de l’enregistrement de voix ou d’instruments, il vous sera très pratique de créer un équilibre et même un panoramique. Faites attention aux « anciens » de ces appareils et n’achetez pas d’analogues bon marché qui introduiront du bruit et des artefacts dans le matériel enregistré.

Insonorisation. Il est intéressant d’enregistrer du matériel, mais pendant le traitement, il peut s’avérer que des bruits de fond, des pas, des clics et d’autres artefacts seront capturés par le microphone. De plus, lors du mixage et du mastering, le son peut rebondir sur les murs et cela créera une confusion de fréquence. Pour éliminer cela autant que possible, vous devez isoler la pièce. Pour cela, un caoutchouc mousse absorbant spécial est suffisant. Le coût est différent – à partir de 3 $ par couche 50*50 cm.

Contrôleur DAW. Vous serez surpris de la facilité et de la rapidité avec lesquelles vous pouvez contrôler un projet via le mélangeur pour le programme. Vous n’avez pas à faire de mouvements inutiles de la souris sur les petits éléments du mixeur sur le moniteur et vous pouvez tout arranger avec vos doigts. Malheureusement, les consoles de mixage ne remplissent pas cette fonction, bien que cela simplifierait grandement le processus.
Parmi les plus populaires figurent Avid Artist Control V2, Preconus FADEPORT, Avid Artist Mix et Behringer X-Touch Universal.

Commutation et UPS. Peu importe à quel point cela semble amusant, mais un onduleur (alimentation sans coupure) doit être présent dans chaque studio en cas d’imprévu. C’est extrêmement offensant et ennuyeux lorsque la sauvegarde automatique du projet n’est pas configurée dans le programme DAW, puis la lumière s’éteint en un instant et votre travail de 3 ou 5 heures s’envole tout simplement sans possibilité de récupération. Dans ce cas, l’onduleur vous fera économiser, ce qui vous donnera 10 à 15 minutes pour enregistrer et éteindre l’ordinateur en silence.

Si vous créez un studio commercial, vous devriez examiner de plus près ces détails.

1. Il est impératif que pour contrôler et surveiller le projet que vous avez mixé, vous devez effectuer le contrôle du son.
2. Au fur et à mesure que votre gamme de moniteurs s’étend, il s’agit d’ajuster l’équilibre des moniteurs. D’accord, il sera extrêmement gênant d’exécuter des moniteurs marche / arrêt pour écouter comment et quels sons. Pour ce faire, vous avez besoin d’un contrôleur de moniteur. Parmi les plus populaires figurent deux modèles que l’on trouve souvent dans les studios de mixage et de mastering du monde: Mackie BIG KNOB et Behringer Xenyx CONTROL2USB.
3. Il arrive souvent que des clients demandent d’enregistrer ou de réécrire certaines parties des instruments. Les guitares sont les plus populaires dans les studios d’enregistrement. Apportez à bord une paire de guitares acoustiques et électriques pour ces besoins.
4. Micros. Si vous prévoyez d’enregistrer des instruments et des kits de batterie, vous aurez besoin d’un type de microphone différent pour chaque tâche. Cela coûtera beaucoup d’argent, car pour chaque instrument, cymbale, caisse claire, etc., vous aurez besoin de microphones séparés qui transmettront le son le plus précisément et correctement.
5. Grande console de mixage. Nous avons écrit plus tôt qu’une petite console suffira pour un home studio d’enregistrement, mais si vous enregistrez un kit de batterie ou des groupes de reprises, tout cela devra être sorti via la console vers le programme et faire ressortir immédiatement l’équilibre et le panorama. Ici, vous ne pouvez pas vous passer d’une bonne télécommande coûteuse. Sinon, vous risquez une confusion fréquente et un désordre complet dans le projet.

Partager votre travail avec les auditeurs, c’est bien, mais partager un morceau avec quelqu’un dont les goûts correspondent aux vôtres, c’est encore mieux!

Cela arrive souvent lorsqu’une idée musicale n’est pas aboutie, et ce brouillon prend la poussière dans les archives de vos développements. Pourquoi ne pas finir avec quelqu’un qui cherche aussi de l’aide pour faire le morceau? Nous avons sélectionné les meilleurs sites de collaborations (co-création de musique), afin que vous puissiez vous inscrire et contacter en ligne avec le monde entier! L’avantage de la participation active de ces ressources est colossal. Vous pouvez rencontrer de nouvelles personnes, élargir votre audience, élargir votre base et obtenir des conseils de professionnels. Eh bien, si vous rencontrez des difficultés avec le mixage et le mastering, notre studio est toujours prêt à vous aider!

1. Splice

Sur ce site, vous pouvez non seulement trouver des personnes partageant les mêmes idées dans l’écriture musicale, mais aussi télécharger des plugins gratuits, créer votre propre communauté et ouvrir une session publique. Tout cela est magnifiquement et commodément mis en œuvre. Vous n’êtes pas obligé de charger le morceau sur vous-même à chaque fois et de l’écouter dans le lecteur. Ce site dispose d’un acteur interne pour ces besoins! Il est à noter qu’il n’est pas multilingue, donc une connaissance de base de l’anglais ne vous gênera pas!

Site: Splice

2. Kompoz

Cette incroyable plateforme vous permet de créer de la musique en temps réel où que vous soyez. Si vous trouvez une personne partageant les mêmes idées d’un autre pays, vous pouvez créer des soirées en même temps (à l’aide d’outils cloud). Même si vous ouvrez un compte gratuit et fabriquez un bon produit, vous pouvez le vendre là-bas et réaliser un profit.

Site: Kompoz

— Voir également: TOP 5 des meilleurs logiciels de musique DAW gratuits! —

3. Blend

Sur ce site, vous pouvez partager vos projets musicaux et décider avec qui vous voulez travailler. Il est possible de définir une restriction d’accès. Vous pouvez couper des extraits d’autres remix et les intégrer à votre projet et montrer aux autres musiciens votre point de vue sur leur idée. Blend sauvegarde également votre poste de travail (DAW), donc si quelque chose arrive à votre ordinateur, vous pourrez restaurer tous les projets.

Site: Blend

4. Vocalizr

Vocalizr est une ressource qui sort du lot. Le site est destiné non seulement aux producteurs de musique, mais aussi aux chanteurs. Si vous cherchez une bonne voix, mais que vous n’avez pas la possibilité de l’enregistrer, ou que vous n’avez pas la bonne voix, ce site vous aidera à trouver cette personne.

Publiez simplement votre projet et choisissez la voix que vous aimez le plus.

Site: Vocalizr

— Voir également: 5 meilleurs sites pour faire de la musique en ligne —

5. ProCollabs

ProCollabs est un site qui propose non seulement des producteurs de musique, mais aussi des ingénieurs du son, des compositeurs, des chanteurs et d’autres créatifs. Si vous avez besoin d’un riff de guitare, de paroles de choeur ou de choeurs, vous pouvez les trouver sur ce site. En devenant membre du club, et après avoir vérifié le système de paiement, vous pouvez vendre vos services et même vos projets.

Site: ProCollabs

6. Bandhub 

C’est une énorme communauté de musiciens et de producteurs à la recherche de nouveaux contacts pour des collaborations. En fait, vous pouvez créer vos propres groupes à partir de musiciens du monde entier. Chaque membre du groupe enregistrera sa partie, et à la sortie vous obtiendrez un mix complet. Le site dispose d’une application d’enregistrement en ligne. Vous pouvez également enregistrer non seulement du son, mais également de la vidéo via une webcam ou une caméra professionnelle. Et le meilleur de tous, c’est gratuit!

— Voir également: Les 7 meilleurs compresseurs multibandes au monde! —

7. Melboss

Melboss est un centre musical où se côtoient musiciens et producteurs. Partagez vos compositions, trouvez de nouveaux contacts et communiquez avec des professionnels ! Ici vous pouvez trouver et choisir votre mentor. L’examen individuel des erreurs du projet dure au moins 30 minutes.

Site: Melboss

Média social

Cela peut sembler trivial, mais la majeure partie du trafic quotidien moyen se dirige vers les réseaux sociaux tels que Facebook, Twitter, Youtube, Reddit et autres. N’excluons pas la possibilité de trouver un musicien pour une collaboration dans certains groupes et pages thématiques. Si vous faites un travail intéressant, vous serez certainement remarqué!

Vous pouvez économiser de l’argent en achetant immédiatement un ensemble de plugins plutôt que de les collecter séparément. Voici quelques-unes des meilleures collections à travers le monde.

Universal Audio fabrique des logiciels pour une grande variété d’appareils, et la plupart de leurs plug-ins ont à la fois les approbations officielles de la société d’équipement analogique et sont de qualité comparable. Ils proposent plusieurs packages, qui sont regroupés en groupes de compresseurs, d’égaliseurs ou de divers appareils. Nous aimons la teinte que ces appareils donnent.

Cette collection comprend des modèles de quatre processeurs vintage: Teletronix LA-2A, compresseurs 1176, égaliseurs Pultec EQP-1A et MEQ-5. Tous ces appareils introduisent le caractère à tube et à transistor des originaux, que de nombreuses entreprises essaient de copier. En bonus, vous recevrez 3 versions des compresseurs LA-2A et 1176. Chaque version transmet un son différent au modèle, ce qui en fait un bon choix pour ceux qui recherchent un son analogique vintage.