Les professions créatives telles que les acteurs, les musiciens, les danseurs et autres attirent souvent l’attention des personnes qui s’intéressent à l’art et à la culture. Dans le même temps, ces professions peuvent aussi devenir source de certaines déformations professionnelles. Dans cet article, nous examinerons si la déformation professionnelle existe parmi les professions créatives et comment elle peut affecter la vie et la carrière des créateurs.

La déformation professionnelle est une modification de la personnalité ou du comportement d’une personne qui survient du fait de son activité professionnelle. Cela peut être causé par une variété de facteurs tels que le fait de devoir faire le même travail encore et encore, des exigences de travail strictes et un stress constant. Dans le cas des professions créatives, la déformation professionnelle peut se manifester sous diverses formes.

L’une des formes de déformation professionnelle dans les métiers de la création est « l’identification au rôle ». Cela signifie que l’artiste professionnel commence à s’identifier au rôle qu’il joue ou au genre musical dans lequel il est impliqué. Par exemple, un acteur peut commencer à agir comme le personnage qu’il joue sur scène ou à l’écran, ou un musicien peut commencer à considérer son genre musical comme un véritable style de vie. Cela peut conduire au fait qu’un créateur professionnel commence à éprouver des difficultés à séparer son rôle professionnel de sa personnalité.

Une autre forme de déformation professionnelle dans les professions créatives est la « pensée en tunnel ». Cela se produit lorsqu’un créateur professionnel se concentre uniquement sur ses activités professionnelles et perd de vue les autres aspects de la vie. Par exemple, un musicien peut devenir complètement immergé dans sa musique et oublier ses relations personnelles ou sa santé. Cela peut entraîner une détérioration de la qualité de vie d’un créateur professionnel et peut entraîner des problèmes dans la vie personnelle et les relations.

La troisième forme de déformation professionnelle dans les métiers créatifs est « l’égocentrisme ». Cela se produit lorsqu’un créateur professionnel commence à se considérer comme le centre de tout le processus et affirme son point de vue, ignorant les opinions et les idées des autres. Par exemple, un réalisateur peut rejeter l’idée d’un acteur parce qu’elle ne correspond pas à sa vision, ignorant l’apport créatif de l’acteur. Cela peut entraîner des collègues insatisfaits et des conflits sur le lieu de travail.

Bien que la déformation professionnelle puisse affecter négativement la vie d’un artiste professionnel, elle peut aussi avoir des aspects positifs. Par exemple, s’identifier à un rôle peut aider un acteur à mieux comprendre le personnage et à créer une performance plus profonde et plus crédible. La pensée tunnel peut aider un musicien ou un artiste à se concentrer sur sa créativité et à obtenir un plus grand succès. L’égocentrisme peut aider un artiste professionnel à maintenir sa vision créative et à créer une œuvre unique.

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Cependant, la difformité professionnelle peut être dangereuse et entraîner de graves problèmes tels que des troubles mentaux, une perturbation des relations sur le lieu de travail et même une interruption de carrière. Par conséquent, les créateurs professionnels doivent être attentifs à leur comportement et prendre des mesures pour prévenir les déformations professionnelles. L’un des moyens de prévenir la déformation professionnelle est de trouver un équilibre entre les activités professionnelles et la vie personnelle. Les créateurs professionnels doivent prêter attention à leurs intérêts personnels et à leurs passe-temps afin d’éviter de penser en tunnel et de maintenir l’équilibre dans la vie. Il est également important que les créateurs professionnels soient ouverts aux idées et aux opinions des autres, en particulier lorsqu’ils travaillent en collaboration. Ils doivent se rappeler que la co-création exige le respect et la reconnaissance de la contribution de chaque participant.

Les créateurs peuvent éviter les déformations professionnelles en participant à un soutien psychologique et à des formations. Par exemple, un soutien psychologique peut les aider à faire face aux tensions émotionnelles et au stress, et une formation à la communication et au leadership peut aider à développer des compétences de coopération et de gestion des conflits.

La déformation professionnelle peut être inhérente aux métiers créatifs, et elle peut affecter négativement la vie du créateur et son environnement. Cependant, cela peut aussi avoir des aspects positifs. Les créateurs doivent tenir compte des risques potentiels de déformation professionnelle et prendre des mesures pour les prévenir, par exemple en conciliant travail et vie personnelle, en étant ouverts aux idées et opinions des autres et en participant à un soutien et à une formation psychologiques.

La gestion d’un jeune interprète ou d’un groupe de musique est un processus complexe qui nécessite de nombreuses années d’expérience et de connaissances dans le domaine de l’industrie musicale. Le manager devrait être en mesure de gérer la carrière de l’interprète et de son processus créatif, de gérer les dépenses et les revenus, les concerts et la tournée de plan, de s’engager dans la promotion et la publicité, et bien d’autres. Dans cet article, nous considérerons les principales difficultés auxquelles les gestionnaires des jeunes interprètes sont confrontés.

1. Concours
   L’industrie musicale est l’une des plus compétitives au monde. Chaque année, des centaines de nouveaux artistes entrant sur le marché, qui se battent pour l’attention du public et une place au sommet des charts. Le directeur du jeune interprète devrait être en mesure de se démarquer du contexte de nombreux concurrents, d’attirer l’attention du public et de créer une image unique.
2. Finance
   L’une des plus grandes difficultés rencontrées par les gestionnaires de jeunes artistes est la gestion financière. Le manager doit contrôler toutes les dépenses et tous les revenus, les budgets de plan pour enregistrer des albums, une tournée, des clips vidéo, de la publicité et bien plus encore. Il devrait être en mesure d’optimiser les dépenses afin de ne pas dépasser le budget et de réaliser un profit.
3. Processus créatif
   Le processus créatif d’un jeune interprète est très important pour le succès. Le gestionnaire doit être en mesure de gérer ce processus et de soutenir la liberté créative de l’entrepreneur. Il devrait être prêt pour les idées créatives peut changer et prendre des décisions rapidement.
4. Relations avec les étiquettes
   Labla est un élément important de l’industrie musicale. Le gestionnaire doit être en mesure d’établir et de maintenir de bonnes relations avec les étiquettes afin de recevoir un soutien et une assistance dans la promotion de l’entrepreneur. Il doit savoir comment négocier avec les étiquettes sur la sortie d’albums, la distribution des revenus et d’autres questions importantes.
5. Organisation des concerts et de la tournée
   L’organisation des concerts et la tournée est une autre difficulté auxquelles les gestionnaires des artistes sont confrontés. Ils devraient planifier la visite, réserver des hôtels, des billets d’avion, un équipement de location pour des performances et bien plus encore. L’organisation des concerts et la tournée nécessitent également des connaissances dans le domaine du marketing et de la promotion afin d’attirer le public vers des événements.
6. Stress et charge émotionnelle
   Le manager doit être prêt pour le fait que travailler avec des jeunes peut être très stressant et chargé émotionnellement. Il doit être capable de communiquer avec l’interprète, de comprendre ses besoins et de l’aider à maintenir la stabilité émotionnelle lors d’une tournée, d’enregistrer des albums et d’autres événements.
7. Contrôler l’image
   L’image d’un jeune interprète est très importante pour son succès. Le gestionnaire doit contrôler l’image de l’entrepreneur, prendre soin de son image et de sa marque afin d’attirer l’attention du public. Il devrait aider l’interprète à créer un style et une apparence uniques qui refléteront sa personnalité et son potentiel créatif.

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En conclusion, la gestion de l’artiste est un processus complexe qui nécessite de nombreuses années d’expérience et de connaissances dans le domaine de l’industrie musicale. Le directeur doit être en mesure de gérer la carrière de l’entrepreneur, de contrôler le financement, de maintenir un processus créatif, d’établir des relations avec les étiquettes et d’organiser des concerts et des tournées. Il devrait également être prêt pour le stress émotionnel et le stress, ainsi que pour contrôler l’image de l’entrepreneur. Seul un vrai professionnel qui possède des connaissances et une expérience larges dans ce domaine aidera à faire face à toutes ces difficultés.

Malgré toutes les difficultés, la gestion d’un jeune interprète peut être un processus très excitant et intéressant. Les managers peuvent être sûrs qu’ils aident les jeunes talents à atteindre leurs objectifs et leurs rêves, créant des projets créatifs et des idées uniques avec eux. Cependant, afin de gérer avec succès la carrière d’un jeune interprète, le manager doit non seulement avoir des connaissances professionnelles, mais aussi un sens des responsabilités et la capacité de travailler en équipe. Il devrait être prêt pour le fait que son travail sera associé à des risques et des échecs, mais en même temps, il y aura de l’enthousiasme et du désir d’aller de l’avant.

En général, la gestion est un processus complexe et multiforme qui nécessite non seulement des connaissances dans le domaine de l’industrie musicale, mais aussi une compréhension de la psychologie et de la nature des jeunes. Cependant, faire face à cette tâche est possible, être un professionnel, avoir de l’expérience et la capacité de travailler dans une équipe, et de ne pas avoir peur de prendre des risques et d’aller de l’avant.

La création d’une chanson moderne est un processus laborieux et créatif qui nécessite de nombreux coûts et efforts. Le coût de création d’une chanson peut varier considérablement en fonction de nombreux facteurs tels que l’expérience de l’artiste, le choix du studio d’enregistrement, l’utilisation d’instruments en direct et l’équipement technique.

L’une des premières étapes de la création d’une chanson consiste à écrire les paroles et la mélodie. Cela peut prendre un temps différent selon la clarté avec laquelle l’idée de la chanson est articulée et la rapidité avec laquelle l’inspiration est trouvée. De plus, pour avoir écrit une chanson, l’artiste peut recevoir des redevances ou des droits d’auteur sur son travail.

L’étape suivante consiste à enregistrer les parties instrumentales et vocales. Selon les désirs de l’interprète, on peut utiliser des instruments en direct ou utiliser des synthétiseurs et des programmes informatiques. Le coût des instruments en direct peut être assez élevé, car les musiciens, l’équipement et un studio d’enregistrement doivent payer. Les aspects techniques de l’enregistrement sonore peuvent également affecter le coût de création d’une chanson. Par exemple, l’utilisation d’un équipement d’enregistrement professionnel et d’un studio d’enregistrement peut augmenter considérablement le coût. De plus, il faut prendre en compte la rémunération des ingénieurs du son qui sont responsables de la qualité sonore de la chanson.

Après l’enregistrement des parties musicales et vocales, vient l’étape du mixage et du mastering. Le mixage est le processus de mixage de toutes les pistes audio en une seule composition cohérente, tandis que le mastering est le traitement final du son qui rend la chanson plus attrayante pour l’auditeur. Comme dans les étapes précédentes, le coût du mixage et du mastering peut varier considérablement en fonction du niveau d’expérience et des qualifications de l’ingénieur du son et du matériel utilisé. Rappelons que vous pouvez commander un mixage et un mastering de haute qualité dans notre studio, il est pratique de calculer le coût du travail final dans l’onglet « calculateur de mixage et de mastering » du menu du site.

Une fois qu’une chanson a été enregistrée, mixée et masterisée, elle peut être partagée sur plusieurs plateformes musicales telles que YouTube, Spotify, Apple Music, etc. Pour ce faire, vous devez conclure un accord avec une société de distribution ou utiliser des services en ligne pour la distribution de musique. Le coût de distribution d’une chanson peut également varier en fonction de la méthode et du fournisseur choisis. De plus, il faut tenir compte des coûts de promotion de la chanson et de création de son clip vidéo, ce qui peut encore augmenter la popularité.

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Ainsi, le coût total de la création d’une chanson moderne peut aller de plusieurs centaines à des milliers de dollars. Cependant, il convient de noter qu’il existe actuellement de nombreux services/programmes en ligne tels que GarageBand, FL Studio et d’autres qui vous permettent de créer de la musique sur votre ordinateur sans avoir besoin d’instruments en direct et de studios professionnels. Cette approche peut réduire considérablement le coût de création d’une chanson et la rendre plus accessible aux musiciens et auteurs-compositeurs en herbe.

Un studio d’enregistrement est un endroit où des compositions musicales, des livres audio, des publicités, des films et plus encore sont enregistrés et produits. Pour créer un enregistrement sonore de haute qualité, il est nécessaire de choisir le bon équipement qui sera utilisé en studio. Commençons par les composants de base d’un studio d’enregistrement.

De quel équipement un studio d’enregistrement a-t-il besoin en 2023 ?

Ordinateur

L’ordinateur est l’élément principal de tout studio d’enregistrement moderne. Il est utilisé pour stocker des fichiers audio, mixer et traiter des données audio. Pour obtenir les meilleures performances et la meilleure qualité sonore, vous devez choisir un ordinateur puissant avec une bonne carte son, un bon processeur et suffisamment de mémoire.

Carte son

Une carte son est un appareil qui traite un signal audio et le transmet à des haut-parleurs ou à un casque. Dans un studio d’enregistrement, vous devez choisir une carte son à faible bruit et de haute qualité sonore.

Mixer

Une console de mixage est un appareil qui vous permet de mixer plusieurs signaux audio en un seul. Il est utilisé pour régler le niveau de volume de chaque instrument, régler la tonalité et équilibrer le son. Pour un studio d’enregistrement, il faut choisir une console de mixage avec un nombre suffisant d’entrées et de sorties, ainsi qu’une bonne qualité sonore.

Moniteurs

Les moniteurs sont des haut-parleurs utilisés pour reproduire le son dans un studio d’enregistrement. Ils doivent avoir une reproduction sonore claire et précise afin que vous puissiez entendre chaque instrument et voix dans l’enregistrement. De plus, les moniteurs doivent avoir une faible distorsion et une bonne réponse en fréquence.

Écouteurs

Les écouteurs sont un autre élément utilisé pour surveiller le son dans un studio d’enregistrement. Ils doivent être légers et confortables pour une utilisation prolongée. De plus, les écouteurs doivent avoir une réponse en haute fréquence et une faible distorsion pour permettre aux ingénieurs du son d’entendre chaque instrument et effet sonore de l’enregistrement.

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Logiciel

Le logiciel est un autre élément important d’un studio d’enregistrement. Il est utilisé pour l’enregistrement, le mixage, le traitement et le mastering des données audio. Selon les besoins du studio d’enregistrement, divers logiciels tels que Pro Tools, Logic Pro, Ableton Live et autres peuvent être sélectionnés.

Micros

Les microphones sont des appareils utilisés pour enregistrer des voix, des instruments et d’autres sons. Ils peuvent avoir différents types de capsules, de réponses en fréquence et de diagrammes polaires adaptés à différents types d’enregistrement. Un studio d’enregistrement peut utiliser de nombreux microphones différents, tels que des microphones à condensateur, dynamiques, à ruban et autres.

Traitement de signal

Le traitement du signal est un autre élément important du studio d’enregistrement. Il est utilisé pour améliorer le son et éliminer le bruit et la distorsion. Dans un studio d’enregistrement, de nombreux dispositifs de traitement du signal différents peuvent être utilisés, tels que des compresseurs, des égaliseurs, des réverbérations, des retards et autres.

Câbles et accessoires

Les câbles et les accessoires sont un autre élément important d’un studio d’enregistrement. Les câbles sont utilisés pour connecter divers appareils dans le studio tels que des microphones, des moniteurs, une console de mixage et une carte son. Il est important de choisir des câbles de qualité avec de faibles niveaux de bruit et de distorsion. Des accessoires tels que des pieds de microphone, des filtres anti-pop, des panneaux acoustiques et autres peuvent être utilisés pour améliorer la qualité du son.

En conclusion, un studio d’enregistrement est un endroit où de nombreux appareils et technologies différents sont utilisés pour créer des enregistrements sonores de haute qualité. Avec le bon équipement, les ingénieurs du son peuvent créer des enregistrements professionnels et offrir un son de haute qualité. Mais en plus de l’équipement, les connaissances et l’expérience des ingénieurs du son qui peuvent configurer et ajuster tout l’équipement pour obtenir les meilleurs résultats sont également importantes pour le bon fonctionnement d’un studio d’enregistrement.

Le marché musical de l’Ukraine a toujours été vivant et dynamique, mais en lien avec la guerre continue dans le pays, il a rencontré certains défis et changements ces dernières années. En 2023, il est prévu que ces changements se poursuivront et le marché de la musique en Ukraine continuera de s’adapter aux nouvelles réalités.

L’un des principaux défis rencontrés par l’industrie musicale de l’Ukraine pendant la guerre est l’instabilité de l’économie. Cela affecte négativement la situation financière des musiciens, leur capacité à enregistrer et à promouvoir leur musique. De plus, en raison de difficultés à la tur soire et aux concerts, de nombreux artistes sont obligés de chercher d’autres moyens de promouvoir leur musique.

Cependant, malgré ces difficultés, l’industrie musicale de l’Ukraine continue de se développer et de prospérer. Ces dernières années, de nombreux nouveaux musiciens talentueux sont apparus qui ont enregistré et promu leur musique par eux-mêmes, en utilisant les réseaux sociaux et autres plateformes en ligne. Cela ouvre de nouvelles opportunités pour les musiciens qui n’avaient pas accès aux studios d’enregistrement et à d’autres ressources.

En outre, récemment, il y a eu un intérêt accru pour la culture et la musique ukrainiennes des auditeurs étrangers. De nombreux musiciens ukrainiens se produisent lors de festivals et de concerts à l’étranger, ce qui aide à promouvoir la musique ukrainienne sur la scène mondiale. Des musiciens et des entreprises ukrainiens investissent dans l’infrastructure musicale du pays, ouvrant de nouveaux studios d’enregistrement et des salles de concert. Cela vous permet d’obtenir de meilleures conditions pour l’enregistrement et les performances, ainsi que pour attirer plus de spectateurs.

Un changement important sur le marché musical ukrainien a été que les musiciens ukrainiens ont cessé d’aller à des spectacles en Russie. Cela est dû aux restrictions politiques et économiques entre les deux pays qui ont conduit à une détérioration des relations. Au lieu de cela, de nombreux musiciens ukrainiens se tournent vers le marché international, participent à des festivals et des compétitions internationaux et coopèrent également avec des musiciens et des producteurs étrangers.

Cette orientation vers le marché international peut être une nouvelle étape dans le développement de la musique ukrainienne. Les musiciens ukrainiens ont l’occasion de présenter leur musique à un public plus large, ce qui peut entraîner une augmentation de l’intérêt pour la musique ukrainienne et sa vulgarisation à l’étranger. En outre, les musiciens ukrainiens peuvent accéder à de nouvelles connaissances et expériences, ce qui les aidera à améliorer leur musique et à atteindre un nouveau niveau.

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En général, bien que la guerre et les restrictions politiques affectent la sphère musicale en Ukraine, les musiciens ukrainiens continuent de se développer et d’expérimenter, restant créatifs et actifs dans la promotion de leur musique.

Comme dans toute autre industrie, la prévision du développement de l’industrie musicale en Ukraine en 2023 peut être complexe et peu fiable en raison de nombreux facteurs qui peuvent affecter son développement. Cependant, on peut supposer que les musiciens ukrainiens continueront de jouer et de travailler activement sur la création de nouveaux projets. On peut également s’attendre à ce qu’en Ukraine, les changements se poursuivent dans l’industrie musicale, tels que l’émergence de nouveaux sites et services musicaux, ainsi qu’une amélioration du cadre juridique de la protection des droits d’auteur. En raison de la croissance de l’intérêt pour la culture et la musique ukrainiennes du public étranger, on peut supposer que les musiciens ukrainiens recevront de nouvelles opportunités pour promouvoir leur musique en dehors de l’Ukraine. Cependant, cela peut également être affecté par la situation politique internationale générale et les tendances mondiales de l’industrie musicale.

Ainsi, mes prévisions pour 2023 pour l’industrie musicale ukrainienne sont une continuation de son développement et de sa croissance dans les conditions d’un environnement en mutation, créant de nouvelles opportunités pour les musiciens ukrainiens et élargissant les frontières pour la promotion de la musique ukrainienne en dehors de l’Ukraine.

L’industrie de la musique en Russie est sur le point de changer, et dans les années à venir, elle devra faire face à de nouveaux défis. Les musiciens et les groupes qui ne se conforment pas aux normes politiques et culturelles du gouvernement russe peuvent être censurés et interdits de distribution de leur musique.

L’exode d’individus créatifs du pays pourrait également affecter le marché de la musique dans les années à venir. Cependant, cela ne signifie pas que le marché russe de la musique est complètement condamné. Très probablement, la situation sur le marché changera progressivement au cours des prochaines années. L’un des facteurs clés qui peuvent influencer le développement est la localisation du contenu et la création de nos propres services de streaming.

À l’heure actuelle, la plupart des plateformes musicales populaires (Spotify, Apple Music, YouTube Music, etc.) ne fonctionnent pas en Russie. Cependant, ces dernières années, la popularité des services nationaux tels que Yandex.Music, VK Music et Boom a augmenté. La création et le développement de tels services peuvent conduire au fait que les créatifs resteront en Russie afin de continuer à travailler sur le marché intérieur et à le développer.

En outre, l’attitude envers les artistes russes se détériore pour des raisons politiques, ce qui peut également affecter le développement de l’industrie musicale dans son ensemble. L’une des raisons en est peut-être le contrôle accru de l’État sur le contenu publié sur le Web, ce qui peut entraîner des restrictions à la liberté de créativité et d’expression.

N’oubliez pas l’impact négatif sur le marché de la musique des sanctions imposées au secteur financier. L’un de ces problèmes est l’impossibilité de recevoir le produit en espèces de la vente de pistes sur les cartes Visa et MasterCard. Cela signifie également que les musiciens et les labels peuvent avoir du mal à obtenir leur part des ventes de titres sur divers sites internationaux.

— Voir également: Fraude commerciale dans la production et le traitement de la musique —

En conséquence, les musiciens et les labels peuvent rechercher d’autres moyens de vendre de la musique, comme la vente directe via leur site Web ou d’autres plateformes locales indépendantes des systèmes de paiement internationaux. Cependant, cela peut ne pas être si facile, surtout pour les musiciens qui n’ont pas assez d’expérience et de ressources pour créer leurs propres salles. Ainsi, l’impossibilité de recevoir le produit en espèces de la vente de titres sur les cartes Visa et MasterCard en raison des sanctions peut entraîner une baisse des revenus des musiciens et des labels, ce qui compliquera davantage la situation déjà difficile du marché musical russe.

Mes prévisions pour 2023 pour le marché russe de la musique sont quelque peu pessimistes. Peut-être que certains musiciens et labels chercheront des moyens alternatifs de promouvoir leur musique, tels que les réseaux sociaux, les plateformes locales, etc. Cependant, cela ne suffira peut-être pas à maintenir l’industrie musicale russe là où elle était. Malgré cela, il y a toujours de l’espoir. Peut-être qu’à l’avenir, il y aura de nouveaux musiciens et producteurs talentueux qui seront prêts à assumer le rôle de leaders dans l’industrie et à y apporter de nouvelles idées. De nouvelles technologies et plates-formes pourraient également émerger pour aider à rendre le marché russe de la musique plus compétitif. Mais pour le moment, la situation sur le marché est assez compliquée et pour qu’elle change, il faut résoudre de nombreux problèmes et surmonter des obstacles, y compris politiques.

Aujourd’hui encore, avec toutes ses offres high-tech, l’orchestre symphonique reste un facteur déterminant dans l’œuvre de nombreux grands compositeurs. Presque tous les compositeurs de films ont enregistré des instruments d’orchestre en direct pour au moins un de leurs films. Pas étonnant que le son obtenu soit toujours incroyable. Cependant, à moins d’avoir un budget généreux et du temps pour organiser, répéter et enregistrer plus de 40 artistes en direct, cela peut être difficile à réaliser. Lorsque vous vous dirigez vers un cas d’utilisation plus flexible et accessible pour une bibliothèque d’échantillons orchestraux, les plugins VST orchestraux les plus beaux sont souvent incroyablement chers. Nous avons dressé une liste des cinq meilleures bibliothèques VST orchestrales GRATUITES disponibles aujourd’hui.

5 bibliothèques VST orchestrales gratuites de grande qualité !

1. ARCADE – Output

Arcade by Output est un plugin VST orchestral pratique et facile à utiliser avec d’excellentes options pour utiliser des instruments prédéfinis ou programmer vos propres sons. Output offre un essai illimité de 30 jours suivi d’un modeste abonnement de 10 $/mois (c’est le seul plugin de cette liste avec une disponibilité partielle, les autres sont 100 % gratuits). Comme avec la plupart des plugins VST orchestraux, plusieurs articulations différentes peuvent être assignées au même instrument avec une seule touche. Cette fonctionnalité incroyablement simple est disponible via une belle interface graphique. Le seul aspect gênant d’Arcade est que les sons des instruments à cordes éclipsent complètement le reste des instruments (si vous les utilisez depuis cette bibliothèque). Néanmoins, cela vaut la peine d’ajouter ce produit à votre collection!

2. DSK BRASS

Bien qu’ils échappent à l’attention des principaux géants de l’échantillonnage commercial, les développeurs de DSK ont sorti d’excellents produits à maintes reprises. DSK Brass propose une gamme impressionnante de cuivres avec des échantillons réalistes. Les articulations sont limpides, les sons sont simples et chaque instrument peut être chargé et accordé individuellement. L’inconvénient de ces facteurs est la difficulté de composer un ensemble à vent en utilisant ce plugin VST. Mais c’est totalement gratuit ! Il couvre ses lacunes.

Certains utilisateurs ont signalé des problèmes de performances avec DSK Brass dans le studio FL, notant des « pops et des craquements » lorsqu’ils sont utilisés, tandis que le chargement de DSK Brass dans Reaper peut « planter le logiciel » de temps en temps.

Vous pouvez également obtenir des sons de cuivres incroyables en superposant la même partie musicale sur plusieurs instruments à cor individuels différents chargés sur différentes pistes.

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3. The Free Orchestra – ProjectSAM

La société d’échantillonnage orchestral ProjectSAM a publié cette bibliothèque orchestrale gratuite en 2019. « Free Orchestra » contient 1 Go de sons orchestraux cinématographiques, tous provenant d’instruments VST payants tels que Symphobia et True Strike. « Free Orchestra » contient également 15 préréglages d’instruments, dont deux sont particulièrement utiles pour tout compositeur cinématographique. Parmi les inconvénients, on peut noter que les sons ne sont pas entièrement programmables et que les instruments se présentent sous la forme de préréglages d’usine fixes.

4. LABS PERCUSSION LIBRARY

Ce plugin VST orchestral gratuit de haute qualité comprend des rythmes de batterie, des shakers, des timbales, des cloches et des congas prêts à donner vie à vos compositions en quelques clics. Selon les instructions de Spitfire Audio, ces sons sont destinés « à la fois à la composition médiatique et à la production électronique ». Cependant, cette bibliothèque d’échantillons d’orchestre gratuite est un must pour tout compositeur sérieux qui ne veut pas dépenser beaucoup d’argent en produits commerciaux.

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5. BBC SYMPHONY ORCHESTRA: DISCOVER

Une fois de plus, Spitfire Audio sort vainqueur ! Le téléchargement Discover de Spitfire Audio de leur légendaire série BBC Symphony Orchestra ne fait que 200 Mo. À l’intérieur, vous pouvez trouver 33 instruments et un total de 47 articulations. Discover contient une large palette d’outils. Dans la section des cordes, par exemple, premiers violons, seconds violons, altos, violoncelles et contrebasses. Pour instruments à vent : piccolo, flûte, hautbois, clarinette et basson. Nous pouvons être sûrs que ce plugin VST orchestral gratuit couvre presque tout ce dont nous avons besoin lors de la création de parties luxuriantes. Tous les instruments trouvés dans Discover conviennent au jeu d’ensemble, à l’exception de la harpe, qui peut en décevoir certains.

Audient a dévoilé une nouvelle interface audio alimentée par USB-C ciblée sur les besoins des studios d’enregistrement. Le nouvel iD24 est une interface audio de 10 entrées et 14 sorties conçue pour améliorer la qualité d’enregistrement, et en termes de fonctionnalité, il se situe quelque part entre l’iD14 et l’iD44 récemment sorti. Le corps entièrement métallique offre la même qualité sonore et les mêmes fonctionnalités associées à la marque britannique et à sa gamme de produits.

« iD24 est conçu pour les producteurs et les ingénieurs. Nous avons combiné des performances audio incroyables avec une facilité d’utilisation, ainsi que des fonctionnalités supplémentaires conçues pour les professionnels, telles que l’extensibilité ADAT et le contrôle de moniteur personnalisable. » – Andy Allen d’Audient

Le nouvel iD24 comprend deux préamplis micro de la console Audient, qui, comme toutes les interfaces iD, partagent le même circuit discret que la console phare ASP8024-HE. Tous les convertisseurs DAC de pointe utilisent la technologie 32 bits, offrant une large plage dynamique de 126 dB. « Nous voulons que nos clients puissent entendre leur son avec une clarté incroyable. Pouvoir entendre ces détails subtils est vraiment important car cela aide les utilisateurs à se sentir plus en confiance lorsqu’ils prennent des décisions d’enregistrement et de mixage », explique Andy.

« Nous savons que l’ingénieur moderne doit être prêt pour des sessions plus importantes comme l’enregistrement d’une batterie ou d’un groupe live, et les prises d’entrée et de sortie optiques de l’iD24 vous permettent d’adapter votre configuration rapidement et à moindre coût », poursuit-il. Prenant en charge ADAT et SPDIF jusqu’à 24 bits/96 kHz, l’iD24 vous permet d’étendre vos options d’entrée en ajoutant jusqu’à huit canaux de préamplis micro externes.

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Décrivant les avantages des inserts symétriques de l’iD24, Andy déclare : « Pour les clients qui aiment leurs amplis externes, l’iD24 vous permet d’intégrer vos effets externes préférés dans vos chaînes de signal pendant l’enregistrement. De plus, l’utilisation des retours donne un accès direct aux convertisseurs A/N, fournissant le chemin de signal le plus propre possible, permettant de traiter les stems avec un amplificateur externe. Il donne également aux clients Audient la possibilité de renoncer entièrement au préampli micro Audient et d’utiliser à la place leurs préamplis micro externes préférés.

En tant que conception mise à jour, l’interface audio iD24 est entièrement alimentée par bus via une connexion USB-C et bénéficie de l’ajout de deux sorties casque, de quatre sorties ligne et d’un mélangeur logiciel dédié à faible latence. Un design très complet et bien pensé qui est maintenant expédié et vendu pour 399 $.

En savoir plus sur le site officiel: Audient.

Plusieurs nouvelles idées fausses sur le marketing ont émergé dans le monde de la production musicale. Ils sont utilisés pour encourager une nouvelle génération de créateurs de musique à acheter tout ce dont ils n’ont pas besoin et à souscrire à des forfaits qu’ils ne peuvent pas se permettre. C’est une arnaque et nous vous dirons pourquoi.

Fraude commerciale dans la production et le traitement de la musique

Connaissances secrètes

Le premier message adressé à l’acheteur est basé sur un secret :

Comment font les meilleurs ingénieurs ? Comment les meilleurs producteurs obtiennent-ils ce son ?

C’est un argument de vente évident pour ceux qui veulent faire de la musique de qualité. Ils passent beaucoup de temps et d’argent à essayer d’améliorer leurs pistes. Quelque chose ne va pas ou quelque chose manque, et ils vont acheter des cours à des annonceurs inconnus dans le but de résoudre les problèmes sous-jacents. C’est ainsi que se joue la ligne secrète du marketing. Ils disent qu’il y a des secrets que seules certaines personnes connaissent. « Ce que nous allons vous dire, les meilleurs ingénieurs du son ne veulent pas que vous le sachiez. » C’est comme s’il y avait une sorte de conseil des meilleurs producteurs et ingénieurs chargés de protéger ces secrets. Si vous y réfléchissez une minute, cela devient ridicule. Ils proposent de vous révéler ces secrets moyennant un paiement « unique » ou, dans de nombreux cas, « une petite mensualité ».

En fin de compte, nous ne connaissons pas un seul producteur ou ingénieur célèbre (et nous en connaissons beaucoup) qui garde des secrets. Ils ont beaucoup de savoir dans la tête, mais ces femmes et ces hommes l’ont acquis au fil d’années de travail acharné et pratique. De plus, beaucoup d’entre eux donnent gratuitement de leur temps pour partager leurs connaissances avec la prochaine génération. Si quelqu’un prend votre argent pour partager ces secrets, alors c’est une arnaque, car il existe de nombreux endroits où vous pouvez trouver ces connaissances gratuitement… notre site en fait partie. Donc, si vous voulez connaître le secret, c’est du talent, de la persévérance et du travail acharné.

Arnaque d’élite

Le deuxième message est basé sur l’hypothèse qu’il existe une sorte d’élite dans l’industrie et que vous n’en faites certainement pas partie. De plus, vous n’avez pas besoin d’être l’un d’entre eux car ces appels marketing sont un moyen facile (et payant) de savoir ce que font ces élites et comment elles le font.

Quelle est cette élite ? Ce sont des gens qui lisent de la musique ou entraînent leurs oreilles. Il s’agit de personnes qui ont fréquenté une université ou un collège pendant des années ou qui ont suivi des cours en ligne pendant plusieurs années. Ils ont passé du temps à comprendre la nature du son, ils peuvent avoir un diplôme en son ou en acoustique. Mais vous n’avez pas besoin de tout cela, dit l’annonceur. Vous n’avez pas besoin de savoir lire la musique, vous n’avez même pas besoin de savoir ce qu’est la musique. Téléchargez simplement le pack d’accords midi et vous aurez des accords uniques, mais pas d’anciens accords, ce sont des accords PRO LEVEL pour vous aider à créer votre prochain hit. Après tout, ce sont ces accords de niveau professionnel qui amènent les gens au sommet des classements.

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Un autre groupe d’élite sont ceux qui ont pris le temps de comprendre comment enregistrer et mixer de la musique. Ils ont passé du temps à apprendre chaque élément du matériel et des logiciels, à lire les manuels d’utilisation et à comprendre la théorie du son. Mais l’annonceur dit que l’apprentissage est pour les perdants. Ignorez l’élite, vous pouvez le faire sans leur formation stupide, appuyez simplement sur un bouton de ce plugin magique et vous obtiendrez un coup. Ou mieux encore, achetez ce plugin et utilisez-le sur tous les instruments.

Encore une fois, nous ne connaissons pas une seule personne intelligente qui ait réussi dans cette industrie musicale d’élite. Vice versa. Il faut de l’humilité pour vouloir comprendre de nouvelles choses, c’est admettre qu’on ne sait pas tout et qu’on a encore beaucoup à apprendre.

Faire de la musique est difficile

Nous ne pensons pas que cela doive être aussi difficile que cela l’est parfois ou qu’on nous le dit parfois. De nombreux programmes DAW populaires sont déjà gonflés de fonctionnalités pratiques pour accélérer le processus de création de piste. Sans surprise, certains abandonnent rapidement après avoir lutté avec les tailles de tampon, le routage de sortie et d’autres choses.

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Demandez à n’importe quel auteur-compositeur à succès et il vous dira que pour chaque hit (qui a pris du sang, de la sueur et des larmes), il y a 50 chansons de plus qui n’ont pas été terminées ou qui n’ont jamais fait l’album. Un écrivain a un jour décrit le processus d’écriture de chansons comme 1 % d’inspiration et 99 % de persévérance. C’est un message impopulaire, il est difficile de trouver de bonnes chansons et de faire de la bonne musique. Bien que créer de la musique soit beaucoup plus facile et moins cher qu’avant. Cependant, ceux qui veulent obtenir votre argent en vous vendant de soi-disant étiquettes ne veulent pas que vous entendiez ou croyiez ce message. La plupart de ceux qui ont réussi à faire de la musique ont travaillé incroyablement dur pour être là et ne croient pas aux raccourcis, juste beaucoup d’efforts et de temps et un peu de chance. 1% de chance, pas plus.