Il existe une large sélection de plugins pour la maîtrise et beaucoup d’entre eux offrent une qualité sonore élevée. Le nombre d’outils sur le canal maître dépend du matériau source, du style, de la piste et du résultat souhaité. Beaucoup d’entre eux (par exemple, les compresseurs ou les égaliseurs) peuvent être utilisés plusieurs fois pour révéler les caractéristiques sonores de chaque plug-in complètement.

1. Équificateur de maîtrise chirurgicale

À l’aide d’égaliseurs chirurgicaux pour la maîtrise, vous pouvez contrôler la balance tonale et ajuster le spectre de fréquence total. La tâche de ce plugin modifie la fréquence en augmentant ou en diminuant les zones expressives. Les égaliseurs de phase linéaire ont une transparence élevée pour résoudre les fréquences de résonance des problèmes. Voici quelques-uns de nos égaliseurs préférés:

• DMGAudio EQuilibrium
• Eiosis Air EQ
• NewfangledAudio Equivocate
• CraveDSP CraveEQ.

2. Compresseurs pour la maîtrise

Utilisez des compresseurs lors de la mesure d’une piste qui ramollira et collera un mélange. Pour éviter les problèmes, la compression varie généralement de -2db à -5db. Vous pouvez également écraser les pièces problématiques et lisser les pics de la piste, comprimer les régions de fréquence individuelles. La compression parallèle dérivera la maîtrise à un nouveau niveau et notera une peinture spéciale d’un plug-in particulier. Quelques compresseurs de marché:

• UAD Shadow Hills
• SPL Iron MasteringCompressor
• Vertigo Sound VSC-3
• SKNote SDC Stereo Double Compressor
• Weiss Compressor
• Cytomic TheGlue.

— Voir également: 5 analyseurs VST qui seront utiles à chaque musicien —

3. Égaliseur à colorier

Égaliseurs que le son de la couleur est souvent utilisé lors de la maîtrise. Certains d’entre eux soulignent doucement les fréquences, d’autres effectuent des tâches fines pour éliminer les fréquences de résonance. Vous pouvez souvent trouver l’émulation d’égaliseurs analogiques classiques. Utilisez-les pour créer une ambiance analogique mince et donner des chansons un caractère naturel. Faire attention à:

• Sonimus Burnley73
• Manley Massive Passive
• SSL G-Equalizer
• Elysia Musseq
• MaagAudio EQ

4. Deesseur

Pourquoi utiliser de Esser pendant la maîtrise?

Dans certains cas, ces plugins de type permettent d’éliminer les sibériens sur la voix (en particulier dans des compositions en direct / instrumental et vocal). Nos oreilles réagissent sensiblement à certaines hautes fréquences que vous pouvez essayer d’éliminer sans douleur. Le plus imperceptiblement montre:

• Fabfilter Pro-DS
• Hofa IQ DeEsser
• Eiosis E²Deesser
• WEISS DS-1

5. Compresseur d’égaliseur dynamique et multicabone

La maîtrise ne nécessite pas toujours des égaliseurs dynamiques ni des compresseurs multi-bandes. Dans certains cas, un accès dynamique aux bandes de fréquences individuelles peut être utile. Tous les plugins de ce type sont presque identiques à l’audio, font attention à:

• Oxford Dynamic EQ
• Soundtheory Gullfoss
• Softube Drawmer 1973
• Vengeance MultibandCompressor

— Voir également: 6 conseils pour obtenir un son Lo-Fi rétro ou authentique —

6. Machines à ruban et transformateurs de saturation

C’est un grand sons analogique chaud, chaud, profond, riche et excitant, grâce auquel la musique devient moins numérique. La couleur du signal et l’ajout de distorsions harmoniques, il est devenu possible en raison des machines à ruban et des émulateurs de consoles vintage.

• Soundtoys Decapitator
• UniversalAudio Fatso
• Acqua Taupe
• Fabfilter Saturn

7. Les plugins pour développer la chaîne stéréo

Ouvrez le mélange et ajoutez des largeurs et des profondeurs avec des plugins spécialisés. Ils seront également nécessaires pour vérifier la mono-compatibilité et éliminer les problèmes de phase. La maîtrise n’augmente pas nécessairement la chaîne stéréo globale, mais dans certains cas, lorsque le mélange est recueilli de la part de Mono, il est simplement nécessaire de souligner le domaine de fréquence.

• Leapwing StageOne
• Flux StereoTool
• NugenAudio Stereoizer
• Goodhertz Midside
• iZotope Imager

8. Limiteur et clips

Les tondeuses sont conçues pour supprimer les sons et les fréquences de saut et les limiteurs vous permettent d’augmenter le volume à un niveau spécifié. Gardez la dynamique à l’aide de plug-ins transparents et neutres avec des processus transitoires rapides. Certains des meilleurs limiteurs de maîtrise:

• DMGAudio Limitless
• Fabfilter Pro-L
• Izotope Ozone Maximizer
• TokyoDawnLabs Limiter

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9. Analyseurs

Mesure du volume Pour comprendre les niveaux de PLR, RMS, LUFS, ainsi que la préparation de fichiers pour la publication sur les plates-formes SOCIAL et Streaming, est une étape indispensable. Les plugins de référence peuvent visualiser l’équilibre tonal, le volume moyen ou la fréquence du spectre. Depuis le principal, vous pouvez allouer:

• Voxengo Span
• Youlean Loudness Meter 2
• Sonnox Frauenhofer ProCodec
• NugenAudio MastercheckPro

Pourquoi la normalisation du volume est-elle?

Les fichiers audio sont envoyés par des services en streaming par divers distributeurs. Étant donné que la musique fournie était mélangée à différents niveaux de volume et de qualité différente, de tels acteurs tels que Spotify, Apple Music et YouTube Music veulent garantir la meilleure qualité d’écoute lorsque vous jouez. Vous pouvez imaginer comment il serait mal à l’aise de changer manuellement le volume de chaque chanson. C’est pourquoi la normalisation entre dans le jeu, permettant d’écouter des chansons à un niveau.

Meilleur programme de maîtrise

À ce jour, il n’y a pas de programme meilleur ou pire pour la maîtrise. L’exigence principale de sa productivité et de la commodité. Faire attention à:

• Pyramix
• WaveLab
• Presonus Studio One
• Samplitude

Maîtrisé, mais son résultat ne semble pas assez satisfaisant? Notre studio est prêt à faire une démonstration gratuite pour obtenir la meilleure qualité!

La mesure de l’intensité sonore est devenue un sujet déroutant. Avec autant de plates-formes de streaming, dont beaucoup nécessitent leur propre niveau de sortie final, il est difficile d’être sûr que le signal atteindra sa destination finale aux bonnes normes. Youlean Loudness Meter 2 est conçu pour résoudre ce problème. Il mesure non seulement le volume global, mais prend également en compte la dynamique du son, de sorte que vous pouvez garantir le niveau parfait dans vos pistes sans les transformer en fichiers stéréo rectangulaires complètement brisés.

Le plugin analyse l’audio sur la base de la norme LUFS généralement acceptée, qui signifie Loudness Units Relative to Full Scale. Il s’agit de la nouvelle norme de mesure, considérée comme la plus précise et donc généralement acceptée.

Voir le volume

Si vous n’êtes pas familier avec l’analyse de la sonie, le plugin Youlean Loudness Meter 2 peut sembler compliqué au premier abord. Son interface a trois types. La première est la « Mini View », la représentation numérique de l’audio dans LUFS. Il y a deux menus de sélection dans le coin inférieur gauche de la fenêtre – Canaux et Préréglage. Le menu « Chaînes » contrôle la configuration (c’est-à-dire stéréo ou mono) et le menu « Préréglage » sélectionne la norme de sortie – par exemple Spotify, Netflix, etc. Il existe plusieurs normes pour les sélections rapides, y compris les principaux acteurs de l’industrie de la musique et du cinéma. Vient ensuite la « Vue de distribution » qui mesure le son de deux manières : l’une par le volume global et l’autre par la dynamique.

Enfin, il y a la « Vue Histogramme », une représentation graphique que certaines personnes peuvent préférer à une mesure numérique. Bien que chaque vue soit utile et puisse être utilisée séparément, la puissance de l’application réside dans leur utilisation pour mesurer le son de manière symétrique. Nous n’entrerons pas dans les détails de la définition du terme, mais afin d’en comprendre la valeur, examinons quelques-uns des points les plus importants. Le LUFS intégré est le volume moyen sur l’ensemble de la piste. La plage de volume est la différence entre les parties les plus fortes et les plus silencieuses d’un son et est utile pour évaluer la dynamique globale. True Peak Max est le volume maximum exact qui peut être ajusté, car les niveaux souhaités peuvent varier d’une source à l’autre.

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Utilisation du compteur de volume

Youlean Loudness Meter 2 est disponible dans les formats de plug-in VST2/3, AU et AAX qui sont pris en charge par la plupart des logiciels DAW. Vous pouvez même utiliser le plugin dans des logiciels de montage vidéo comme Final Cut Pro et MAGIX Vegas Pro. Lorsqu’il est utilisé hors ligne, l’utilisateur peut faire glisser le fichier audio vers l’interface pour démarrer l’analyse. Ainsi, en utilisant Youlean Loudness Meter 2, il fournit un résumé de la synchronisation de toutes les pistes audio.

Il existe quelques différences clés entre les versions payantes et gratuites de Youlean Loudness Meter 2. Alors que la version gratuite est entièrement fonctionnelle, la version Pro du logiciel ajoute des fonctionnalités utiles telles que des préréglages, la possibilité d’exporter les résultats d’analyse sous forme d’image (documents PDF, PNG ou SVG), l’enregistrement de préréglages personnalisés, des thèmes d’interface graphique sombres et clairs, et plus. .

Il y a un haut niveau de détail sur la façon dont tout peut être ajusté de manière opérationnelle et visuelle. Chaque paramètre est facile à personnaliser en fonction des préférences individuelles. Les utilisateurs peuvent enregistrer jusqu’à dix préréglages pour une référence rapide. Cela se traduit par un flux de travail global plus rapide, en particulier lorsqu’il s’agit de grands projets. Il existe une configuration pour chaque situation, y compris le son mono, stéréo et surround (5.1 et 7.1 et Dolby Atmos).

Loudness Meter 2 est un analyseur visuel assez simple qui est d’une grande valeur dans sa capacité à aider à compléter l’audio après tout le traitement. Le compteur avec lequel Loudness Meter analyse l’audio et présente les résultats de l’analyse est fantastique – il est techniquement correct et facile à comprendre, malgré l’énorme quantité d’informations affichées.

— Voir également: Les meilleures tablettes pour faire de la musique en 2022 ! —

Tant de détails ont été ajoutés à Youlean Loudness Meter 2 que les développeurs ont même inclus une fonctionnalité cachée. Si vous cliquez sur le logo Youlean dans le coin inférieur droit, le jeu d’arcade s’ouvrira !

L’achat unique (47 $) comprend des mises à jour à vie, et le site Web Youlean propose une analyse gratuite des fichiers (encore en version bêta au moment de la publication). Nous ne doutons pas que ce plugin est le meilleur pour la mesure du volume.

Cela fait 4 ans depuis notre dernier avis sur les reverbs! Nous avons résumé les connaissances acquises, les nouvelles versions pour tout ce temps et alloué des effets spatiaux gratuits pour le travail en studio. Chacun de ces plugins peut être testé gratuitement dans n’importe quel logiciel DAW, que ce soit Ableton Live, Fl Studio, Cubase ou Logic PRO.

Les 18 meilleures réverbes vst de 2020!

KUSH AUDIO GOLDPLATE

C’est la meilleure réverbération du fabricant de matériel et de logiciels Kush Audio. Ils convainquent les utilisateurs à maintes reprises de choisir leurs plugins pour leur conception de haute qualité et leur facilité d’utilisation. Relab a travaillé ensemble au Goldplate Plate Hall et le résultat sonne bien. Vous pouvez entendre des pièces de taille assez petite à moyenne qui peuvent être agrandies ou réduites avec le réglage de largeur intégré. Il y a aussi un filtre intégré et même un bloc compresseur pour amplifier le son. Un autre avantage est le contrôleur de lecteur intégré, qui produit des teintes riches et chaudes. Malheureusement, vous avez besoin d’une clé Ilok pour l’utiliser, mais vous pouvez la télécharger gratuitement pour la tester sur le site officiel. La licence complète sera de 199 $.

SOUNDTOYS LITTLE PLATE

SOUNDTOYS est connu pour ses instruments légendaires comme Decapitator et EchoBoy. Le plug-in VST LITTLE PLATE a remporté le 34e NAMM TEC et a reçu les meilleurs commentaires des ingénieurs du monde. Il a récemment été offert gratuitement, mais il peut désormais être acheté pour 49 $, ce qui est assez abordable pour un appareil aussi productif. Le plug-in reproduit exactement la réverbération à plaque EMT 140, l’un des appareils les plus chers et les plus reconnaissables !

SLATE DIGITAL VERBSUITE CLASSICS

8 réverbérations numériques classiques créées au cours des 40 dernières années sont disponibles dans ce seul plugin. Certains de ces appareils n’ont jamais été commercialisés numériquement auparavant. VerbSuite Classics reproduit les caractéristiques de tonalité et de modulation réelles d’une réverbération en utilisant les connaissances exclusives de traitement Fusion-IR de LiquidSonics. Contrairement aux réponses impulsionnelles statiques trouvées dans les réverbérations convolutives typiques, les Fusion-IR sont capables de cloner la nature évolutive des réverbérations numériques modulées pour créer des espaces acoustiques vivants et convaincants qui sont si précis pour mixer de la musique. Prix: 199 $.

— Voir également: VST 2 ou VST 3 – quelle est la différence et laquelle est la meilleure? —

EXPONENTIAL AUDIO NIMBUS

Exponential Audio Nimbus est un effet de réverbération algorithmique. Selon le fabricant, ce plugin a été utilisé dans plusieurs films par des producteurs primés aux Grammy. L’effet spatial est équipé d’une accélération pour donner à la queue de réverbération plus de densité et de naturel. Il existe également une synchronisation au tempo pour calculer automatiquement le pré-délai. Parmi les fonctions utiles, vous pouvez mettre en évidence le compresseur et l’expandeur intégrés avec l’option de déformation activée. Pour s’inspirer et afficher toutes ses possibilités, les développeurs ont joint environ 1200 presets. Prix: 199 $.

LEXICON PCM NATIVE REVERB

Le temps passe, mais les classiques restent des classiques. Lexicon est réputé pour produire d’excellentes réverbérations, et ce n’est pas sans raison que du matériel hardware a été trouvé dans de nombreux studios d’enregistrement bien connus. Lexicon PCM NativeReverb se compose de 7 plugins distincts couvrant toutes les tâches d’ingénieur de mixage: VintagePlate, Plate, Hall, Room, RandomHall, ConcertHall et Chamber. Le prix de cet ensemble sans défaut est de 299 $.

VALHALLA VINTAGEVERB / ROOM

Vintage Verb est une recommandation universelle en termes de fabrication et de prix ! Bon pour les petites pièces minces et les effets modulés fous. Il comprend 17 algorithmes couvrant l’affichage des salles de concert et même des espaces aléatoires non répétitifs. VALHALLA ROOM est adapté pour afficher des pièces propres et réalistes. Livré avec 12 algorithmes. Ces deux outils se vendent 50 $.

— Voir également: 6 plugins que tout producteur vocal devrait avoir en 2021 —

VALHALLA SHIMMER

Valhalla Shimmer est l’un de nos instruments préférés. Il est idéal pour gérer des mélanges spatiaux, mystérieux et mesurés. Le plugin n’est pas des plus naturels, mais l’interface est minimaliste et simple d’utilisation. Shimmer inclut également le pitch shifting et les modes clair/sombre. Essayez-le sur vos morceaux Techno et House! Prix​​: 50$.

FABFILTER PRO-R

Ce plugin a été publié récemment et a rapidement rempli les conceptions de tous les ingénieurs. PRO-R est une réverbération algorithmique au son naturel avec des dizaines de modèles de pièce. Le plugin est facile à ajuster pour s’adapter au mix et il sonne vraiment bien. Le son global de la réverbération est assez riche et est connu pour ses excellents espaces musicaux réalistes. En raison de son son clair, le Pro-R est pratiquement invisible et vous n’aurez jamais de problèmes avec des couches sonores désordonnées. Si vous recherchez une réverbération qui préserve l’audio d’origine sans tacher le signal comme les appareils vintage, alors le Pro-R de Fabfilter est votre bon choix. Prix: 199 $.

D16 TORAVERB 2

La première version a déjà été mise en avant par nos soins dans la revue 2016. La seconde version, moderne et épurée de cette réverbération, recrée n’importe quelle pièce pour un résultat superbe et riche. Le Toraverb dispose de deux égaliseurs indépendants, à bande unique, entièrement paramétriques avec 3 types de courbes disponibles. Les caractéristiques comprennent: un réseau de diffusion de haute qualité, un pré-délai avec une synchronisation de tempo supplémentaire, des réflexions croisées contrôlées et des caractéristiques de crossfader FX réglables. Prix: 69 $.

SOFTUBE SPRING REVERB

Comme toute réverbération à ressort, la Softube apporte beaucoup de son riche. Ce type d’espace est souvent utilisé pour remplir les guitares et a toujours un son inhabituel. Utilisez-le pour ajouter du volume aux choeurs, caisses claires, percussions et guitares électriques. Certains musiciens disent que cela semble étrange, mais dans certains styles SOFTUBE SPRING REVERB met l’accent sur la décision artistique de l’auteur. Prix: 89 $.

— Voir également: 8 meilleurs sites Web pour vendre des beats rapidement en ligne —

EVENTIDE BLACKHOLE

Eventide Blackhole est une autre réverbération de qualité. Ce plugin VST est conçu pour créer des espaces abstraits et est idéal pour la conception sonore créative. Si une pièce réaliste est nécessaire, alors Blackhole n’est pas le bon outil. Avec les paramètres Mod-Depth et Mad-Rate, vous pouvez créer des effets très abstraits et des sons étranges. De plus, ce plugin a un égaliseur intégré. Prix ​​199 $.

AUDIO EASE ALTIVERB

L’Audio Ease Altiverb est assez chère mais c’est la réverbération convolutive par excellence. Même si cela met une lourde charge sur le processeur de l’ordinateur, vous obtiendrez les meilleurs résultats si vous placez votre batterie, vos guitares ou vos instruments d’orchestre sous le traitement. Dès que vous l’entendrez, vous vous rendrez compte qu’il s’agit de l’une des réverbérations à impulsions les plus naturelles et les plus réalistes qui soient. Prix: 899 $ pour la version étendue.

Réverbérations VST gratuites avec lesquelles travailler:

• TAL REVERB v1 – v4 – sons de réverbération diffuse.
• Dasample Glace Verb – algorithmes pour un son naturel avec 64 préréglages.
• Smartelectronicx Ambience Reverb – espaces classiques.
• Voxengo Oldschool Verb – reverb algorithmique vintage.
• U-He Protoverb – simulateur de son naturel et expérimental.

La numérisation de l’espace qui entoure chaque jour une personne se produit partout dans le monde. Il est peu probable que n’importe quel domaine puisse déjà se passer d’un ordinateur, d’un smartphone et d’autres appareils portables, donc la musique ne fait pas exception. Les développeurs de logiciels ne sont pas en reste et facilitent la création, le traitement, la répétition et l’écriture de partitions dans leurs programmes. Nous avons rassemblé pour vous quelques excellentes applications qui ont reçu une mise à jour majeure en 2020 et qui vous faciliteront la vie sur la route ou en studio:

Musyc

Musyc est une application musicale amusante qui transforme le toucher en musique. Pas besoin de brancher un clavier midi, regardez simplement les sons de danse sur l’écran. Un total de 88 instruments sont disponibles, qui sont divisés en 22 groupes. Les fonctionnalités pratiques incluent des effets à 2 canaux, un enregistreur physique, un enregistreur de mouvement et plus encore. Les enregistrements audio sont créés en temps réel et les résultats sont facilement exportés via différents canaux et dans différents formats.

Spire: Music Recorder & Studio

Utilisé avec iZotope Spire Studio et est idéal pour le multi-suivi directement sur votre téléphone. Pour la version iOS, aucun matériel externe n’est requis (fonctionne de manière autonome). Complétement gratuit! Essayez-le et son interface utilisateur intuitive vous surprendra.

— Voir également: 10 meilleurs saturateurs VST au monde! —

Songwriters Pad

L’application « Songwriters Pad » est un assistant pratique lors de l’écriture de chansons. Les paroles, les notes et les accords sont faciles à modifier. Les blocs de chansons peuvent être conçus de sorte que, par exemple, les bases d’un couplet, d’un chœur ou d’un pont n’aient pas à être touchées encore et encore. Fonction d’enregistrement intégrée via enregistreur vocal, à partir de laquelle les idées peuvent être immédiatement enregistrées.

forScore

forScore est un lecteur de musique pour iPad. Sa fonctionnalité comprend bien plus que la simple capacité de stocker des partitions. C’est une excellente solution pour gérer, éditer et composer des chansons. L’application est conviviale, le design est lumineux et les notes sont faciles à lire. Les partitions peuvent être ajoutées au format PDF via le dossier Dropbox, partagées via Bluetooth ou photographiées avec l’appareil photo. Les résultats peuvent ensuite être organisés, affichés et édités de différentes manières.

iBooks / Apple Books

Si vous avez un téléphone Apple, vous pouvez simplement télécharger iBooks. L’application gratuite vous permet d’enregistrer et d’organiser des partitions au format PDF. Vous pouvez également enregistrer des listes d’accords, des paroles et des tablatures de guitare. iBooks est compatible avec diverses autres applications.

Backtrax

Grâce à Backtracks, vous n’avez plus à vous soucier du retard de l’ingénieur du son, de son oubli ou de la détérioration de vos pistes d’accompagnement. Tout ce que vous avez à faire dans une performance en direct est de connecter votre téléphone portable et de lire les fichiers. Il a même un compte à rebours intégré jusqu’à ce qu’une piste se termine – la suivante commence.

BeatMaker

L’une des premières applications pour iOS est Beatmaker. Il s’agit d’une application de création musicale basée sur MIDI. Il est livré avec 16 ou 64 pads qui peuvent être assignés individuellement à des échantillons ou à des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser le clavier à l’écran ou un contrôleur MIDI externe. Beatmaker by Intua en est déjà à sa troisième version. Le plus grand changement dans la mise à jour est probablement qu’elle peut être utilisée pour contrôler les applications AudioUnit.

Metronome/MetroTimer

Pendant ce temps, une application tout à fait ordinaire et, par conséquent, simple est un métronome. Si vous oubliez votre tempo mais avez besoin de vous accorder rapidement, utilisez le métronome Onyx. L’application gère également facilement les horodatages inhabituels tels que 9/4 ou 7/8 fois. La sortie du clic est à la fois acoustique et visuelle.

— Voir également: Harrison 32 Series EQ, filtres et plug-in de compresseur —

GarageBand

Cependant, le leader parmi les applications musicales est GarageBand. Un classique d’une marque bien connue existe depuis plusieurs années et est toujours d’actualité grâce aux mises à jour. Il s’agit d’une application facile à utiliser mais riche en fonctionnalités qui vous permet de créer des compositions complètes sur votre téléphone mobile. En attendant, il existe des versions pour Windows et Android, ainsi que pour iOS. Organisation intelligente garantie et création de musique.

Setlist Helper

Scénario bien connu des musiciens : les accords sont écrits par-dessus des paroles déjà imprimées. L’écriture sauvage avec la confusion appropriée fait des ravages. L’application « Setlist Helper » qui fonctionne intelligemment est un outil utile pour chaque musicien. Bon support pour les performances en direct.

Setlist-Helper peut créer des setlists, intégrer des fichiers audio et vidéo et faire défiler automatiquement l’écran. Les fichiers Chordpro ​​​​peuvent être importés directement et les formats PDF, IMG, DOC, DOCX et RTF sont également pris en charge. Des extraits peuvent être transférés à partir d’un fichier texte par copier-coller.

Les plateformes de streaming numérique ont changé l’industrie de la musique à bien des égards. L’un d’eux est qu’ils ont créé une nouvelle source de revenus à partir des redevances d’exécution (de reproduction). Cependant, bien que le streaming numérique ait suscité de l’intérêt pour les redevances de performance, il ne s’agit encore que d’une partie de la friandise: les émissions de radio, les performances en direct et les performances dans le cadre d’une émission télévisée, d’un film ou d’une publicité génèrent toutes des redevances de performance.

De plus, les redevances de performance ne sont qu’un type de redevance, avec les redevances mécaniques et les frais de synchronisation. La licence synchrone est un sujet extrêmement complexe en soi, et il s’agit généralement d’une négociation 1: 1, nous aborderons donc cela en détail dans un article séparé. Mais nous allons nous intéresser aujourd’hui aux redevances de performance et mécaniques perçues et distribuées par des tiers: aux États-Unis, les PRO (BMI, ASCAP et SESAC) perçoivent les redevances de performance et Harry Fox administre les commandes mécaniques.

Alors, quelle est la différence entre les redevances de performance et les redevances mécaniques? Comment ces redevances sont-elles transférées des utilisateurs de musique aux auteurs-compositeurs et aux éditeurs? Et comment sont calculées ces redevances?

Tout cela (et plus) ci-dessous.

Que sont les commissions de performance?

Des redevances sont versées aux auteurs-compositeurs et à leurs éditeurs en échange du droit de diffuser ou d’interpréter une composition musicale protégée par le droit d’auteur dans un environnement public. Cela comprend les émissions de radio, les émissions de télévision, les performances en direct dans des lieux tels que les bars et les clubs, et enfin et surtout, les flux numériques interactifs. Mais avant d’aborder cela, nous devons passer par les bases, et en ce qui concerne la royauté, tout commence par le droit d’auteur musical:

Composition vs master: deux types de droits d’auteur

Lorsqu’une composition musicale est fixée sur un support matériel, tel qu’un disque, un support amovible, un cahier ou une harmonie écrite en partition, des droits d’auteur sont immédiatement créés pour les auteurs-compositeurs et leur éditeur de musique (si un accord d’édition existe). Ce droit d’auteur couvre l’essentiel de la musique – l’harmonie, la mélodie et les paroles – et appartient aux auteurs-compositeurs et à leur éditeur de musique.

Le droit d’auteur principal, en revanche, est créé pour l’expression spécifique d’une composition sous sa forme enregistrée et appartient aux artistes du disque et à la maison de disques qui a financé le processus.

Pour comprendre la différence entre les deux types de droits d’auteur, pensez aux reprises : chaque version de reprise nouvellement enregistrée aura son propre droit d’auteur principal, mais le morceau de musique original, contenant l’harmonie, la mélodie et les paroles, est protégé par le droit d’auteur de la composition originale.

Ainsi, seuls les titulaires des droits d’auteur de la composition musicale perçoivent une rémunération pour l’exécution. Les ingénieurs du son et les labels ne le font pas. Pour un aperçu complet des redevances dans l’industrie de la musique, consultez notre ventilation introductive des redevances des deux côtés du droit d’auteur musical.

Quand les redevances de performance sont-elles payées?

Ainsi, des redevances d’exécution publique sont générées lorsqu’un morceau de musique est interprété en direct, joué à la radio, à la télévision et au cinéma, ou diffusé sur une plateforme de diffusion numérique. Comment ces redevances sont-elles perçues et réparties? Les taux de redevance varient selon l’environnement ou le lieu. Dans cette section, nous verrons donc comment fonctionne chaque type de redevance.

— Voir également: 6 synthétiseurs matériels les plus chers au monde! —

Radio (terrestre, satellite et internet)

De manière générale, les stations de radio paient des organisations de droits d’exécution (PRO) pour des licences génériques qui leur donnent le droit de jouer pratiquement n’importe quelle musique existante. Ils signalent ensuite les écoutes aux PRO via des journaux de diffusion, qui sont utilisés par les PRO pour distribuer les redevances aux auteurs-compositeurs et à leurs éditeurs. Le calcul exact de la façon dont les redevances pour un Ether particulier sont payées dépend de divers facteurs, nous couvrirons donc les détails dans le prochain article.

Flux numériques

Étant donné que, dans le cadre du modèle de diffusion en continu, aucune des chansons que nous écoutons n’appartient réellement aux auditeurs, chaque flux sur le DSP est considéré comme une sorte de performance publique, même s’il est diffusé sur les écouteurs privés du consommateur. Parfois, les services de streaming ont des relations directes avec les éditeurs (s’il s’agit d’une grande entreprise comme Kobalt ou Downtown/Songtrust ou de grands labels affiliés). Mais généralement, les services de streaming paient des redevances de performance via les PRO, qui les distribuent à leur tour aux éditeurs et aux auteurs-compositeurs.

Les taux de redevance de performance publique pour les services de streaming sont fixés par la législation locale aux États-Unis par le Copyright Board (CRB). Nous n’avons pas pu obtenir d’informations précises sur les émissions en Russie, en Ukraine et dans les pays voisins, nous allons donc considérer la pratique mondiale. Les services de streaming négocient les taux de redevances de performance avec les PRO, puis déduisent ce montant (généralement 6 à 7 % des revenus totaux du service) de leur pool de redevances tout-en-un – le montant total que les services doivent payer aux auteurs-compositeurs et aux éditeurs, y compris les frais de performance et mécaniques (dont nous parlerons un peu plus tard).

Spectacles en direct

Les gens sont souvent surpris d’apprendre que chaque fois qu’ils entendent une chanson dans un lieu public, que ce soit dans un bar, un club ou un restaurant, dans un ascenseur ou dans une station de métro, cette performance est susceptible d’être signalée. et ainsi des redevances d’exécution publique sont générées. Dans la plupart des cas, ces plateformes de diffusion publique achètent des licences générales aux PRO – tout comme le font les radios – et enregistrent tous les titres qu’elles diffusent aux communautés de collectionneurs afin qu’elles puissent partager les redevances entre les auteurs-compositeurs respectifs.

Lecture à la télévision, dans un film ou une publicité

Lorsqu’un morceau de musique est utilisé dans une émission de télévision, un film ou une publicité, des redevances sont versées au détenteur des droits d’auteur de la composition pour le droit de diffuser son travail. Dans de telles circonstances, les redevances d’exécution publique sont généralement une prime de synchronisation qui est négociée séparément, mais pas 100 % du temps. Le fait est que des frais de synchronisation sont payés pour l’utilisation ostensible et délibérée de compositions ou de masters en tant que partie intégrante du contenu diffusé. Ainsi, une chanson jouée au hasard lors d’une émission en direct ne nécessite pas d’accord de synchronisation, mais si les producteurs l’insèrent intentionnellement, un accord de synchronisation est requis.

En outre, les redevances d’exécution publique deviennent souvent un facteur critique lors de la négociation d’accords de synchronisation. Par exemple, si le contenu final va être beaucoup diffusé, comme une publicité pour une grande entreprise diffusée à la télévision nationale 20 fois par jour – eh bien, l’auteur-compositeur peut s’attendre à d’énormes redevances de performance en plus des frais de synchronisation stipulés – et je suis sûr que les agences de synchronisation seront bien conscientes de ce fait.

Redevance de performance vs redevance mécanique: quelle est la différence?

Alors, quel est le problème avec les redevances mécaniques? Ces deux types de redevances sont souvent confondus car ils transitent parfois par des canaux ensemble – par exemple, les services de streaming traitent les performances publiques et les redevances mécaniques comme un pool universel unique de redevances. En réalité, cependant, ils sont très différents. Alors que des redevances sont versées pour le droit de jouer une composition en public, des redevances mécaniques sont versées pour le droit de reproduire une composition pendant l’enregistrement, la production et la distribution de l’œuvre. Donc, si un label veut sortir un CD d’une chanson, il doit payer le mécanicien pour chaque copie qu’il fait.

Cependant, dans l’écosystème musical actuel basé sur le streaming, les redevances mécaniques sont principalement générées lorsqu’un utilisateur choisit de jouer une chanson particulière sur un service de streaming. En matière de streaming, la principale différence entre les deux types de redevances est le choix de l’utilisateur : si l’utilisateur sélectionne une chanson sur une plateforme à la demande, des redevances d’exécution publique et des redevances mécaniques sont générées. Si la chanson est diffusée sur une plateforme non interactive (telle que Pandora Free Radio), seules les redevances de performance sont payées.

Pour les jeux interactifs, les plateformes de streaming versent généralement des redevances aux éditeurs de musique via les PRO, tandis que les redevances de téléchargement à la demande et de vente physique sont généralement versées en premier lieu au titulaire des droits d’auteur du maître (la plupart du temps la maison de disques), qui doit ensuite distribuer la mécanique. à leurs éditeurs et auteurs-compositeurs respectifs.

— Voir également: 10 meilleurs plugins de réverbération au monde! —

Qui reçoit les redevances d’exécution publique?

Pour toute composition musicale, les redevances sont divisées en deux parties : une partie est pour les auteurs-compositeurs et l’autre partie est pour l’éditeur. Cependant, la part de l’éditeur n’est pas entièrement conservée par l’éditeur : au lieu de cela, les auteurs-compositeurs et les éditeurs concluent généralement un accord qui donne une partie de la part de l’éditeur aux auteurs-compositeurs. Le pourcentage exact de ces parts varie selon les territoires: aux États-Unis, les éditeurs et les auteurs-compositeurs ont tendance à partager les redevances d’interprétation et mécaniques à 50/50, mais en France, les auteurs-compositeurs perçoivent 66 % des redevances d’exécution et les redevances mécaniques 50 %. /50 : entre les éditeurs et auteurs-compositeurs.

La royauté à l’ère moderne

L’essor des plateformes de streaming numérique a fait des redevances de performance une source de revenus essentielle pour de nombreux musiciens. Les redevances de performance en streaming sont essentielles pour les artistes qui n’interprètent pas les leurs, tels que les auteurs-compositeurs, les paroliers, les compositeurs ou les beatmakers. Pour ces artistes, les redevances d’exécution publique sont moins importantes car elles ont tendance à dépendre d’autres sources de revenus, bien que la structure réelle des revenus soit unique à chaque carrière.

Cependant, à mesure que l’ensemble du paysage numérique s’est développé, il est devenu de plus en plus difficile pour les artistes et les professionnels de la musique de ranger leurs revenus et d’obtenir 100 % des redevances dues. Premièrement, il y a la question des métadonnées : l’industrie de la musique regorge de métadonnées inexactes ou incomplètes, et malheureusement, la collecte et la distribution des redevances d’exécution dépendent de l’exactitude de ces données.

De plus, il y a le fait que les redevances de performance dépendent également des lieux, des services et des stations de télévision et de radio qui rapportent de manière crédible ce qu’ils jouent, ce qu’ils ne font souvent pas de manière précise et cohérente. Ajoutez à cela le système PRO mondial décentralisé et trop bureaucratique qui collecte ces redevances, et les différences dans les lois locales à travers le monde sur la façon dont les redevances de performance sont distribuées, et vous avez un paysage suffisamment compliqué pour laisser confus même les professionnels de la musique les plus chevronnés.

Si vous avez lu jusqu’ici, vous savez maintenant pourquoi l’édition est considérée comme la partie la plus difficile de l’industrie musicale. Le principal point à retenir pour les professionnels de la musique est que oui, les plateformes de streaming génèrent de nouveaux revenus pour les artistes et les redevances de performance peuvent être une source précieuse de monétisation, mais naviguer dans ce paysage complexe nécessite une compréhension de base de la direction que prennent les redevances et de la manière dont elles sont générées. Chaque carrière est unique, mais ce qui fait un bon professionnel de la musique, c’est une connaissance approfondie du fonctionnement du système.

L’effet Haas est un phénomène psychoacoustique découvert par le Dr Helmut Haas en 1949. Également connue sous le nom d' »effet de priorité », la loi stipule que lorsqu’un son est suivi d’un autre avec un retard d’environ 40 ms ou moins, ils sont tous les deux perçus comme le même son.

Il fait référence à la façon dont une personne détermine l’emplacement spatial à partir du son. Étant donné que deux bruits avec un très court retard entre eux sont perçus comme un seul, la localisation spatiale est déterminée par le premier son dominant audible, quelle que soit la direction vers laquelle le second est dirigé. Une personne détermine la source en fonction de ce qui vient à l’oreille en premier. Toutes les réflexions ultérieures ne donnent qu’une impression de profondeur et ne semblent pas être des sons séparés.

Effet Haas dans l’audio

Si vous cherchez des astuces intéressantes à ajouter à votre arsenal de mixage, essayez d’expérimenter l’effet Haas. Comme nous l’avons noté ci-dessus, des temps de retard très courts, appelés effet Haas, créent de l’espace, tandis que des retards plus longs nous donnent des répétitions distinctement audibles.

Comment utiliser:

Commencez par dupliquer une piste audio mono. Déplacez l’un vers la gauche, l’autre vers le canal droit. Ajoutez ensuite un peu de retard à l’une des pistes. Vous obtiendrez des résultats différents, il est donc préférable d’essayer jusqu’à ce que vous trouviez un effet acceptable. La tâche consiste à rendre le signal mono large, comme une chaîne stéréo à part entière.

Un retard d’environ 5 ms sur une piste améliorera en fait la directivité et vous donnera un son déphasé, mais ce n’est pas ce que nous voulons. Par exemple, si vous retardez le canal panoramique gauche de 5 ms, le son du canal panoramique droit sera plus intense. Jusqu’à un certain point, le retard ajouté améliorera encore la directivité. Cependant, une fois que vous avez passé environ 10 ms, vos deux pistes mono sonneront suffisamment larges sans passer dans aucun canal.

L’astuce consiste à maintenir le temps de retard sous le seuil d’écho (environ 35 à 40 ms pour la plupart des gens) afin qu’il n’y ait pas de répétitions audibles.

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Autres usages de la psychoacoustique dans le mixage

En utilisant la même technique, vous pouvez également augmenter la largeur globale du mélange en mélangeant l’effet Haas dans de petites proportions. Ces mêmes principes peuvent épaissir les éléments d’un mix en utilisant les premières réflexions de la réverbération. Étant donné que les premières réflexions se produisent généralement à un seuil de 35 à 40 ms, elles se situent également dans la plage de l’effet Haas.

Oubliez que la réverbération a tendance à éclipser les instruments et à ajouter de la profondeur à votre mix. En n’utilisant que ses premières réflexions, vous pouvez amplifier les transitoires initiaux pour une attaque plus puissante (par exemple, sur un groupe de batterie).

Les diffusions en direct sont un élément important de l’interaction avec les fans potentiels sur les réseaux sociaux. Vous pouvez diffuser des jeux vidéo, des concerts et même des entraînements. Disons que vous décidez de démarrer une carrière sur Youtube ou que vous souhaitez simplement présenter votre art sur Instagram: que faut-il pour faire un bon live stream? Vous cherchez des caméras de cinéma chères? Eh bien, pas tout à fait. Avec un équipement simple et peu coûteux, vous pouvez accomplir beaucoup de choses. C’est une excellente façon de commencer une carrière.

Clause de non-responsabilité: nous avons intentionnellement couvert des produits pouvant être utilisés spécifiquement avec les smartphones. Pour les configurations de streaming plus avancées (y compris les caméscopes, plusieurs sources audio, OBS et programmes de bureau et dongles similaires), nous publierons un guide séparé.

Ce qu’il vous faut avant tout: un smartphone! Nous sommes sûrs à 99% que vous l’avez déjà. L’étape suivante consiste à obtenir les applications appropriées. Que vous préfériez diffuser via Facebook, Instagram, YouTube ou Twitch, l’application par défaut vous permettra de le faire sans effort. Si vous ne l’avez pas, rendez-vous simplement sur l’App Store / Google Play Store et téléchargez-le gratuitement.

Micros

Les microphones pour smartphone sont utiles pour les chanteurs, les auteurs-compositeurs, les interprètes acoustiques et les musiciens.

Le Shure Motiv MV88 est un excellent kit qui conviendra à une variété d’usages. Le microphone inclus a des diagrammes polaires commutables, des effets intégrés et une excellente qualité sonore. C’est la solution idéale pour les personnes qui souhaitent diffuser leurs instruments acoustiques, d’autres interprètes ou s’accompagner de guitare ou de piano. Vous recevrez également un support pour smartphone Manfrotto et tous les câbles dont vous avez besoin pour vous connecter. Si vous avez un iPhone, découvrez des alternatives comme Zoom IQ7, IK Multimedia iRig Mic Cast HD et Rode i-XY Lightning.

Si vous préférez les micros à condensateur, il existe de nombreuses alternatives telles que l’IK Multimedia iRig Mic HD 2 (livré avec un bel éclairage LED et un trépied) et l’Apogee MiC Plus (ou le HypeMiC plus avancé). Sachez simplement qu’ils ne diffuseront que la voix et que vous ne pourrez pas chanter sur la piste d’accompagnement en utilisant cette méthode.

Utilisation d’un microphone à condensateur de studio

Disons que vous voulez utiliser l’ancien Neumann TLM-103, Shure SM7B ou Aston Origin. Ils ne peuvent pas être connectés directement au téléphone, car une alimentation fantôme est nécessaire. Pour que cela fonctionne, vous aurez besoin d’un préampli/mixeur mobile externe prêt à l’emploi, ou d’une carte son telle que la Focusrite iTrack SoloLightning.

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Dispositifs de mélange

Si vous avez besoin de plus d’une source audio, ou si vous avez besoin de diffuser des micros en direct, de capturer des instruments et de la voix en même temps, une table de mixage externe est nécessaire. Il existe de nombreux produits disponibles sur le marché tels que RolandGo: MixerPro, IK Multimedia iRig HD2, iRig Pro Duo I/O, TC-Helicon GO Guitar Pro, GOVocal et ShureMotiv MVi. La plupart d’entre eux ont été conçus pour fonctionner avec des appareils mobiles, mais ils sont également bons pour le streaming de jeux.

Lumière et trépied

La lumière est la clé pour obtenir une excellente qualité d’image et créer l’ambiance de votre diffusion en direct. La lumière principale peut être dirigée vers vous/l’interprète, tandis que d’autres lumières (telles que des bougies, des lampes de table et des lumières LED chaudes) peuvent être utilisées pour créer l’ambiance de la scène (arrière-plan). Vous pouvez utiliser des lampes LED alimentées par batterie peu coûteuses telles que l’ElgatoKeyLight (ou l’ElgatoKey Light Air plus compact) ou le panneau Varytec VP-1 DMX Video BiLight personnalisé.

Le bundle IK Multimedia iRig Video Creator offre un éclairage LED, un microphone de luxe et un support/poignée tout en un. Il existe également une version améliorée avec iRig Mic HD2 inclus.

Vous aurez également besoin d’un trépied pour smartphone, et nous avons beaucoup à vous offrir : le trépied MTPIXI-B de Rode, t.bone et Manfrotto pour les opérations simples sur smartphone, ou la série de supports pour iPad Konig & Meyer.

— Voir également: Fonctionnement du droit d’auteur: échantillonnage, reprises et mixtapes —

Astuces

Envisagez-vous d’interpréter une reprise d’un autre artiste ? N’oubliez pas le droit d’auteur. Sur YouTube, il est assez facile d’obtenir une réclamation des propriétaires, après quoi la piste audio sera complètement coupée sur la vidéo (ou la monétisation sera supprimée).

Interagissez avec votre public, parlez-lui et lisez ses commentaires en temps réel : cela permettra aux téléspectateurs de se sentir importants et récompensés. Vous pouvez toujours suivre les commentaires en direct à l’aide d’un deuxième appareil (tablette, autre smartphone ou ordinateur portable).

Ci-dessous, nous examinerons cinq types différents de sociétés de distribution pour mettre en évidence la structure de l’industrie et les options disponibles pour les artistes et les maisons de disques. Cependant, avant d’entrer dans les détails, voici une liste de 27 sociétés de distribution réparties dans les cinq catégories spécifiées pour vous donner une certaine perspective. Ce sont les joueurs qui ont le plus grand impact sur l’industrie – nous pensons que chaque artiste et professionnel de la musique devrait en être conscient.

Avis de non-responsabilité : en matière de distribution, il n’y a pas de bonnes ou de mauvaises décisions objectivement. Toutes les entreprises de la liste ont quelque chose à offrir : le même distributeur peut être parfait pour un artiste, mais un mauvais service pour un autre. Le truc, c’est qu’on ne soutient personne. Chaque carrière est unique et les besoins d’un artiste changent à mesure qu’il progresse.

1. Principaux distributeurs (hors services de distribution interne chez Universal, Sony et Warner): Alternative Distribution Alliance, Caroline International, INgrooves, TheOrchard.
2. Partenaires de distribution indépendants: Absolute, Believe Digital, DittoPlus, Idol, Redeye Worldwide, Stem, Symphonic Distribution.
3. Solutions de distribution Marque blanche: Consolidated Independent, Sonosuite, FUGA.
4. Plates-formes de distribution ouvertes: CDbaby, DistroKid, Ditto, HorusMusic, iMusician Digital, Landr, LevelMusic, OneRPM, RouteNote, SoundDrop, Spinnup, TuneCore et UnitedMasters.
5. Semi-étiquettes: Amuse et AWAL.

5 types de distributeurs de musique

Tout d’abord, clarifions un point dès maintenant. « Distributeur » n’est pas un type spécifique d’entreprise – c’est un rôle que d’autres parties de la chaîne du disque peuvent apprendre.

1. Principaux distributeurs

Les majors sont peut-être les seuls acteurs du marché de l’enregistrement qui possèdent un catalogue suffisamment important pour négocier à égalité avec les DSP (Digital Artist Platforms) établies et ont un accès direct à leurs équipes éditoriales. Ils n’ont donc pas vraiment besoin de partenaires de distribution puisque le service distribution de la marque gère 99% des catalogues. En fait, on pourrait dire que c’est cette capacité à distribuer de la musique dans le monde entier par le biais d’accords de licence DSP directs qui rend le label si populaire de nos jours.

De plus, il ne s’agit pas seulement de distribuer votre propre catalogue. Les majors distribuent également une part importante des indépendants. Le groupe Beggars est distribué aux États-Unis via ADA de Warner Music, Fool’s Gold et Mass Appeal – Universal Caroline International Corporation, etc. Cela rend l’industrie de la distribution encore plus ciblée que l’industrie du disque dans son ensemble – actuellement sur le marché américain, 85 % des revenus numériques proviennent d’Universal, Sony ou Warner (ou de leurs sociétés de distribution).

Cette énorme « part de catalogue » distribuée par les grandes entreprises les rend extrêmement puissantes en matière de marketing commercial. La « vieille industrie » fait en quelque sorte son retour : les Majeurs dirigeaient le jeu car ils avaient les clés des médias ; maintenant, la taille même de leur catalogue leur donne l’effet de levier dont ils ont besoin pour négocier avec Spotify.

Pour contrer cela, les plateformes numériques et les indépendants tentent de trouver un moyen d’uniformiser les règles du jeu. Le réseau de droits numériques de Merlin a connu un grand succès, entretenant des relations entre les labels indépendants, les distributeurs non traditionnels et les DSP. En termes de DSP, Spotify a récemment introduit un outil de soumission de playlist unifié, standardisant la distribution des playlists entre les labels et les artistes de toutes tailles.

Cependant, le système actuel est encore loin d’être parfait. Nous devons faire face au fait que les labels indépendants n’ont pas le même accès 1:1 à une équipe éditoriale que les labels grand public.

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2. Partenaires de distribution indépendants

Cependant, les gros contrats (même les contrats de distribution) ne sont pas pour tout le monde. Pour les artistes indépendants de haut niveau, il existe une autre option. En quelque sorte, ce sont des partenaires indépendants des principaux distributeurs affiliés ou, à l’inverse, ce sont les meilleurs distributeurs qui ont jusqu’à présent réussi à rester indépendants. Récemment, il y a eu une tendance constante des sociétés de distribution indépendantes à racheter de grandes entreprises : Orchard est devenu une partie de Sony en 2015, et Universal – INgrooves au début de 2019.

Aujourd’hui, les principaux acteurs de cette catégorie sont Believe Digital, Idol, Redeye Worldwide et le récent DittoPlus (à ne pas confondre avec la solution de plate-forme ouverte de Ditto). STEM et Symphonic Distribution peuvent également être placés dans cette case – bien qu’ils s’adressent à un public plus « moyen » par rapport à Believe ou TheOrchard.

Cependant, ce qui est important, c’est que pour les partenaires de distribution, l’agrégation est un service secondaire – leur véritable valeur réside dans l’approche pratique de la promotion, du marketing commercial et des stratégies de diffusion numérique. A partir du moment où vous signez un accord de distribution avec l’une de ces sociétés, vous disposez d’une équipe de consultants dédiés, en contact direct avec les éditeurs des principales DSP.

Les accords avec des partenaires de distribution spécialisés – qu’il s’agisse d’une société indépendante ou d’une grande filiale – seront toujours basés sur des pourcentages. En s’entendant avec l’artiste, les partenaires de distribution participent aux droits d’enregistrement, qui peuvent aller jusqu’à 50 %. De plus, le distributeur offrira souvent une avance à un artiste qui est récupérée dans les flux de trésorerie futurs.

Les portes des partenaires de distribution sont gardées – le label / artiste doit signer avec le distributeur, prouvant que les flux de trésorerie potentiels valent les ressources du distributeur. On peut affirmer que les partenaires de distribution indépendants sont plus accessibles que leurs partenaires traditionnels, mais dans les deux cas, l’artiste en herbe devra créer sa propre entreprise en tant qu’investissement valable.

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3. Solutions de distribution en marque blanche

Cependant, tous les indépendants ne recherchent pas de partenaires de distribution – certains labels indépendants de premier plan disposent d’un service de distribution interne à part entière qui ne manque que de l’infrastructure technique. Pour combler cet écart, les maisons de disques peuvent utiliser des services de distribution en marque blanche tels que Consolidated Independent, Sonosuite et FUGA.

Les solutions en marque blanche font une chose simple. Ils fournissent un pipeline technique axé sur le rôle administratif du distributeur – fournissant des métadonnées audio et DSP et redistribuant les redevances aux titulaires de droits à grande échelle – tandis que leurs clients conservent le contrôle total sur les stratégies de distribution et de marketing de détail.

Parfois, ces entreprises ne se positionnent même pas en tant que distributeurs. En conséquence, leur modèle commercial est orienté vers les meilleurs labels indépendants avec un catalogue et des produits étendus, ou d’autres distributeurs à la recherche d’un pipeline technologique, plutôt que vers quelqu’un qui souhaite distribuer quelques chansons.

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4. Plateformes de distribution ouvertes / agrégateurs

Enfin, nous avons des plateformes de distribution ouvertes destinées à la longue traîne indépendante de l’industrie musicale. Ce sont les marques les plus visibles sur le marché de la distribution. Même si la part des revenus générés par leur intermédiaire est loin d’être celle des distributeurs grand public, chaque professionnel/artiste de la musique a probablement entendu parler de CDBaby, TuneCore et DistroKid. Par conséquent, le paysage de la distribution est souvent réduit à ces seules plateformes de distribution, même si, comme vous pouvez le constater, il ne s’agit que d’une petite partie du marché réel.

Le modèle commercial de la plate-forme ouverte s’articule généralement autour de deux types de services. Le premier est le package agrégateur : accédez à la plate-forme, téléchargez votre musique, et nous nous occupons du reste, en rendant votre version disponible sur des centaines de plates-formes numériques. C’est le service principal que proposent toutes les plateformes de distribution en ligne. Selon le service, le distributeur facture des frais fixes par chanson/album, des frais de réabonnement annuels ou des frais en pourcentage jusqu’à 15 %. Ou n’importe quelle combinaison des trois.

Le deuxième package est « Premium Services ». Selon l’entreprise, cela peut signifier des packages de listes de lecture groupées, des services d’édition, d’administration, de diffusion, de distribution physique ou quelque part entre les deux. La qualité de ces services (principalement promotionnels) pour les artistes est susceptible d’être loin de ce que, disons, Believe Digital peut offrir. Cependant, ces services sont disponibles pour toute personne possédant une chanson et une carte de crédit – ils peuvent donc constituer un investissement valable dans les premières étapes de la carrière d’un artiste.

Au final, il faut bien admettre que la capacité des plateformes ouvertes à bien représenter leurs clients en trade marketing est un peu limitée. Je veux dire, 40 000 chansons sont téléchargées sur Spotify chaque jour, et la part du lion passe par des distributeurs de plateformes ouvertes. Personne ne connaît les chiffres exacts ou le tarif, mais disons que CDbaby, TuneCore ou Ditto – chacun gère des milliers de chansons chaque jour. Eh bien, quelle que soit la taille de votre équipe, vous ne pouvez pas fournir de services de promotion personnalisés à cette échelle. Bien sûr, un bon distributeur peut donner un coup de pouce supplémentaire à votre musique s’il voit que la sortie est correcte, surtout s’il touche des commissions sur les ventes – mais le niveau d’attention et d’investissement ne sera pas proche de partenaires sélectifs. »

Ne vous méprenez pas; Les plateformes de distribution ouvertes ont gagné leur place dans l’industrie de la musique. Dans la plupart des cas, c’est une bonne affaire. « Donnez votre album à (presque) chaque DSP de 50 $ imaginable et conservez 100 % des redevances » n’est en aucun cas une mauvaise affaire. Cependant, vous devez savoir que si vous concluez un accord d’honoraires fixes, vous serez la seule personne intéressée à faire en sorte que la composition se démarque de la concurrence sur les principales étagères de ressources.

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5. Semi-étiquettes

Ce dernier type de société de distribution est une race relativement nouvelle et rare. A notre connaissance, deux entreprises du marché pourraient entrer dans cette catégorie : AWAL et Amuse. Bien que leurs modèles commerciaux soient légèrement différents, les deux réagissent au passage de l’industrie du disque de la fabrication de disques à l’octroi de licences pour les versions existantes.

L’idée derrière la distribution semi-label est simple : vous n’avez pas besoin de contrat pour sortir votre musique (AWAL signifie littéralement Artists Without A Label). Cependant, vous avez toujours besoin d’un distributeur – alors sortons votre musique et si elle obtient des ventes, avant la sortie du label. D’une certaine manière, les « services aux artistes » des distributeurs ouverts sont également un pas dans cette direction, comme un label, mais AWAL et Amuse le font passer au niveau supérieur.

Comme les plates-formes ouvertes, AWAL et Amuse offrent un service d’administration de distribution de base – il suffit d’y amener la musique. Cependant, une fois qu’un artiste reçoit la distribution, une grande partie des données de consommation collectées via le DSP se retrouve entre les mains d’A&R. Ainsi, si AWAL constate que l’artiste se porte bien, l’accord initial pourrait être étendu à un partenariat de distribution ou même à un accord de licence de disque à part entière, comprenant des investissements massifs dans les relations publiques, la publicité numérique, les partenariats de marque, etc.

Jusqu’à présent, ce modèle commercial s’est avéré assez efficace, dans la mesure où il permet à Amuse d’offrir gratuitement son service de distribution de base pour alimenter ses données A&R. Cependant, il reste à voir s’il sera viable à long terme.

À mon avis, AWAL et Amuse ne sont que les premiers signes d’un changement tectonique potentiel dans l’industrie du disque. Comme nous l’avons dit plus tôt, les labels se sont éloignés de la production de disques et les artistes ont été recrutés par le biais d’accords de licence basés sur le marketing. Actuellement, les labels se concentrent presque exclusivement sur le marketing de sortie – et il est difficile pour les indépendants d’étendre la chaîne et de gérer la distribution à moins qu’ils n’aient une relation spéciale avec la communauté éditoriale du streaming.

Les services de distribution de musique, cependant, peuvent facilement s’étendre dans l’espace des labels – et AWAL et Amuse en sont la preuve vivante. Ce qui me fait me demander si dans 10 ans, les services de promotion de la distribution seront la principale fonction de l’industrie du disque.

La distribution de la musique est aussi ancienne que l’industrie musicale elle-même. Même les entreprises qui produisaient elles-mêmes les partitions utilisaient les services d’impression des partitions et de les livrer aux magasins. C’était (et c’est toujours) le rôle des distributeurs: acheminer la musique jusqu’aux magasins. Court et simple.

Le rôle central des distributeurs est resté le même depuis plus d’un siècle, bien que leurs modèles commerciaux de travail aient constamment changé. Ces changements ont eu un impact énorme sur l’industrie de la musique dans son ensemble. De « l’ère du CD » des années 2000 à « l’ère du streaming » dont nous profitons aujourd’hui.

En 2001, l’industrie du disque était presque exclusivement « physique ». Dix-sept ans plus tard, les ventes physiques représentaient moins d’un quart de tous les revenus mondiaux de l’enregistrement – la part tombant à 10 % lorsqu’il s’agit de marchés numériques plus matures. Cette règle n’est pas sans exception, par exemple, le marché japonais de la musique est encore dominé par les ventes de CD. Cependant, dans l’ensemble, l’industrie de la musique a adopté l’environnement numérique.

En conséquence, la plupart des distributeurs de musique sont passés de gestionnaires de la chaîne d’approvisionnement à des fournisseurs d’infrastructures numériques et à des administrateurs de droits. C’est pourquoi, par souci de clarté, nous laisserons la nuance de distribution physique hors de portée (pour l’instant) et nous nous concentrerons plutôt sur le marché numérique.

Comment fonctionne la distribution de musique numérique?

Aujourd’hui, mettre une chanson à la disposition des auditeurs du monde entier est aussi simple que de télécharger un fichier sur Internet. Alors pourquoi y a-t-il encore besoin d’un agent de distribution.

– Le compositeur ne peut-il pas le faire lui-même?

Eh bien, pas tout à fait. Les distributeurs font partie intégrante de la chaîne d’enregistrement et assument trois rôles principaux:

1. Diffusion des sorties sur DSP (plateformes d’artistes directs)

Bien sûr, il existe vraiment des « plateformes d’artistes directs » comme Bandcamp ou SoundCloud. Ils n’ont pas besoin d’un distributeur : configurez une page d’artiste, téléchargez votre musique et le tour est joué. Cependant, ils ne représentent qu’une fraction d’une myriade de ressources de distribution numérique, des services de streaming comme Spotify, Apple Music, Deezer, Google Play Music, Pandora et Tidal aux réseaux sociaux comme Instagram, TikTok, Facebook et tout le reste. Dans l’environnement numérique d’aujourd’hui, un pipeline technologique bien huilé est essentiel pour qu’une version soit disponible :

• A tous les auditeurs
• Sur toutes les plateformes
• Le jour de la sortie

En fait, la plupart des DSP n’autorisent pas du tout le téléchargement direct de musique, obligeant l’artiste à passer par des distributeurs/agrégateurs. Même Spotify a récemment mis fin à son programme de téléchargement direct après environ un an de tests bêta, déclarant que « la distribution de musique est mieux assurée par des partenaires ». La vérité est que les DSP préfèrent travailler avec des distributeurs plutôt que directement avec l’artiste pour s’épargner les maux de tête des métadonnées non standard et de la distribution des paiements.

Bien sûr, les artistes peuvent (techniquement) télécharger eux-mêmes leur musique sur iTunes. Cependant, même Apple vous suggérera de contacter votre distributeur pour vous assurer que les métadonnées de la version correspondent aux exigences de la plate-forme. Actuellement, certains des plus grands réseaux de distribution numérique prétendent fournir plus de 600 magasins en ligne – et tous ces différents DSP sont susceptibles d’avoir des normes de métadonnées différentes. Cela rend presque impossible le contrôle manuel de la distribution de musique numérique.

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2. Répartition des redevances

Le deuxième rôle clé du distributeur est de répartir les redevances dues aux ayants droit. Alors que le marché de la musique est devenu numérique, les offres directes consistant à « livrer un lot de CD au magasin et être payé » ont été remplacées par un système de paiement flexible. Dans le monde du streaming, la consommation et l’achat de musique sont indissociables – et les ayants droit gagnent désormais de l’argent au moment même où l’utilisateur appuie sur play.

Dans tous les cas, les calculs de redevances sont délicats. Imaginez si Spotify, Amazon Music ou Apple versaient ces redevances directement à chaque artiste sur les plateformes. Même s’ils parviennent à obtenir toutes les métadonnées et les coordonnées bancaires correctes, les coûts administratifs augmenteront. De plus, les ayants droit eux-mêmes ne seront pas ravis de recevoir un paiement séparé de chacune des plateformes numériques.

Ainsi, les distributeurs comblent cette lacune en agissant comme une usine de tri des redevances provenant des DSP vers les titulaires de droits et en s’assurant que chaque dollar revient dans l’industrie du disque (tandis que les redevances de composition/d’édition passent par un convoyeur vers les CMO, les PRO et les éditeurs).

Ce sont les deux rôles principaux des distributeurs – distribuer la musique de l’artiste et transférer les redevances aux détenteurs des droits d’auteur. Cependant, cela ne signifie pas que tous les distributeurs s’arrêtent là. Au contraire, la plupart des acteurs du marché ont élargi leur offre bien au-delà de ces services d’agrégation de base.

3. Stratégie de distribution et marketing commercial

Souvenirs de l’âge physique. Un client entre dans un magasin de musique et se voit présenter des centaines d’options. Les rayons sont organisés par genre pour les aider à se débrouiller, la section de sélection des stocks propose un mélange éclectique de nouveautés, le stand Point de vente fait la promotion de la dernière sortie à succès et enfin, à l’entrée du rayon premium, le magasin. Chaque client verra des enregistrements sur cette étagère. Travailler avec des magasins de disques pour accéder à cette étagère était une grande partie de la promotion des artistes à cette époque, communément appelée marketing commercial.

Pour en revenir à la réalité, nous n’avons plus de disquaires, mais le même principe de placement avantageux s’applique toujours. La personne ouvre Spotify, va dans la section de navigation, clique sur « New Music Friday » et clique sur le bouton « Play ». Le morceau en cours de lecture est la chanson n ° 1 de la semaine, et c’est « le disque que chaque client verra » – le jumeau du 21e siècle sur l’étagère des magasins haut de gamme. Cet endroit est le but ultime de toute stratégie de distribution moderne.

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Maintenant, comment es-tu arrivé là? Le streaming a rendu le marché de la musique fragmenté des magasins de musique beaucoup plus centralisé. Une poignée de DSP dominent le marché numérique – et tandis que certains des géants du streaming poussent leurs algorithmes comme intermédiaires pour trouver de la musique sur la plate-forme, les listes de lecture et les « lieux de jeu » les plus populaires sont toujours organisés par l’équipe éditoriale du service.

Ainsi, pour obtenir la diffusion souhaitée, l’artiste doit passer par eux. Cependant, la salle de rédaction ne peut pas parler à des milliers d’artistes et de responsables de labels indépendants chaque semaine – tout comme les services de streaming ne peuvent pas distribuer de redevances directement aux titulaires de droits. L’étendue de leurs activités ne le permet tout simplement pas. Entrer dans le DSP pour sécuriser un placement rentable sur la plate-forme est un défi même pour les plus grands labels indépendants, simplement parce qu’ils n’ont pas assez d’espace de catalogue.

C’est donc là qu’interviennent les distributeurs. En tant que « représentants de masse », ils sont bien placés pour négocier avec un éditorial en streaming, de sorte que la plupart du travail de marketing commercial leur incombe. L’équipe d’artistes (qu’il s’agisse d’une maison de disques ou d’une société de gestion) peut déterminer la stratégie de distribution et l’approche de la playlist, mais dans 90 % des cas, c’est le distributeur qui mettra en œuvre cette stratégie en contact direct avec la DSP.

Presque toutes les sociétés de distribution sont impliquées dans le marketing commercial, mais l’étendue de cette implication peut varier considérablement. Certains fourniront à leurs clients un ensemble d’outils promotionnels et de meilleures pratiques sur la façon d’externaliser le travail aux équipes éditoriales, d’autres auront une équipe dédiée de lecteurs de playlist derrière votre sortie et un représentant pour vous conseiller sur votre stratégie de distribution (si vous êtes valent leur temps). La répartition du paysage est aussi diversifiée que n’importe quelle autre partie de l’entreprise.