Dans un programme DAW (poste de travail audio numérique), les termes fondu d’entrée et de sortie font référence à des entrées et sorties de son fluide.

Le fondu d’entrée correspond à l’augmentation du volume (ou de tout autre effet) et le fondu de sortie, respectivement, est le relâchement (diminution). Les étagères elles-mêmes peuvent représenter plusieurs variations qui affectent directement la vitesse et l’intensité de la piste audio traitée. Cet effet est inclus dans les fonctions de base de chaque programme musical et peut être utilisé sur tout type de signal (quels que soient le format et la durée). Un rendu de volume similaire peut également être créé à l’aide de l’automatisation ou de la chaîne latérale.

— Voir également: Petite Assiette Soundtoys (EMT 140) – Gratuite! —

Dans les sons échantillonnés (échantillons, boucles), les fondus d’entrée et de sortie représentent les effets de fondu et de fondu du bruit, de la réverbération et de l’espace. Utilisé pour souligner les transitions dynamiques et la construction logique de la structure de la composition.

La chaleur analogique est le Saint Graal que la plupart des ingénieurs du son recherchent depuis que la bande a commencé à disparaître à la fin des années 1990. C’est le son mythique incarné dans des albums légendaires tels que Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band des Beatles, The Dark Side of the Moon et Led Zeppelin IV. Un son saturé agréable, une coloration de transformateur, une compression de bande analogique exquise sont des qualités intangibles qui font tellement défaut dans le monde numérique d’aujourd’hui.

Vous recherchez cette nuance sonore légendaire? L’achat d’une bande analogique sera-t-il la solution à ce problème ?

Peut-être que même si vous trouvez un magnétophone Studer A800 2 pouces 24 pistes fonctionnel, il y a de nombreux facteurs à prendre en compte, en plus des coûts financiers. Par exemple, ces machines contiennent des dizaines de pièces mobiles, dont beaucoup sont connues pour leur tempérament, vous devrez donc trouver un ingénieur de service. Savez-vous comment configurer un enregistreur multipiste ? Avez-vous les outils pour régler l’azimut correct ? Sinon, vous devez payer quelqu’un pour le faire. De plus, les formulations de bandes analogiques de haute qualité sont rares et coûteuses. En plus de la bande analogique, bon nombre de vos albums classiques préférés sont basés sur les microphones, les consoles et les hors-bord analogiques qui ont été utilisés pour les enregistrer. Mais vous n’avez pas besoin d’acheter une console à 100 000 $ pour obtenir ce son. Tout ce dont vous avez besoin est une interface analogique de haute qualité.

Le premier ingrédient dans la création d’une interface analogique au son exceptionnel est un microphone. Après tout, c’est ce qui capture les sons que vous enregistrez. Le condenseur à large diaphragme est la pièce maîtresse de pratiquement tous les studios d’enregistrement. Les prix varient largement, des offres bon marché mais impressionnantes comme le sE Electronics sE2300 et le RODE NT1-A, aux Mojave Audio MA-200 et Telefunken CU-29 Copperhead bon marché, et des microphones haut de gamme comme le Neumann M 149 et le Bock Audio 251.

Une fois que vous avez trouvé le bon microphone, quelle est la prochaine étape ?

Vous avez besoin d’une tranche de console. Pourquoi payer des sommes faramineuses pour une console entière alors que vous n’enregistrez qu’une ou quelques pistes à la fois ? Le Warm Audio WA73-EQ, Chameleon Labs 7603 et Vintech X73 sont d’excellents moyens de donner à vos projets ce son de console britannique classique. Vous pouvez également obtenir la chaîne Shelford de Rupert Neve Designs si vous recherchez le véritable caractère sonore de Neve. Ou peut-être êtes-vous fan des produits SSL ? Solid State Logic XLogic Alpha Channel est un excellent choix. Quel que soit le son de console que vous recherchez, il y a de fortes chances qu’il existe déjà une tranche de console externe distincte qui le délivre. Acheter plusieurs tranches de console coûtera beaucoup moins cher que d’acheter la console entière.

Vous recherchez un moyen économique de créer votre propre tranche de console ? Considérez un rack de la série 500. Dans l’ensemble, ces racks vous permettent de créer vos propres groupes avec une sélection de préamplis, d’égaliseurs et de compresseurs de grandes sociétés audio professionnelles telles que API, BAE, Rupert Neve Designs, Chandler Limited, dbx, Focusrite et bien d’autres.

Émulation d’interface analogique avec simulation

Il y a quelques années à peine, si vous demandiez si l’émulation numérique pouvait remplacer une interface analogique de haute qualité, la réponse serait un non catégorique. Cependant, ce n’est plus le cas aujourd’hui. Les technologies de pointe telles que les préamplis Unison d’Universal Audio pour les interfaces Apollo X vont bien au-delà de la modélisation logicielle traditionnelle. La technologie impressionnante ajuste en fait le circuit du préampli, l’impédance et la structure de gain analogique pour reproduire le son d’une gamme de consoles analogiques. Vous pouvez également ajouter des émulations ponctuelles d’une sélection infinie d’égaliseurs et de compresseurs à votre interface virtuelle.

Vous voulez un placard entier rempli de microphones convoités de haute qualité ? La modélisation numérique peut également le faire, et pour beaucoup moins d’argent que l’achat d’un ensemble de modèles réels. Le système de microphone virtuel Slate Digital VMS combine un microphone extrêmement transparent avec un logiciel de simulation qui vous offre une émulation réaliste d’une collection de haut-parleurs et de préamplis de microphone de classe mondiale. Townsend Labs Sphere L22 est un système de simulation qui émule non seulement différents microphones, mais vous permet également de modifier les sélections de microphones et les diagrammes polaires une fois l’enregistrement terminé.

Il y a quelque chose de magique dans ce que les composants analogiques comme les transistors, les cellules photoélectriques, les condensateurs et les transformateurs font à l’audio – ce sont des composants fondamentaux dans la plupart des enregistrements classiques. C’est pourquoi, même si vous travaillez dans un DAW, l’ajout de quelques hors-bords analogiques clés peut ajouter de la personnalité à vos mixages.

Égaliseurs, compresseurs et limiteurs analogiques

La compression (compression) est l’un des outils les plus couramment utilisés par les ingénieurs de mixage. Il existe de nombreux modèles parmi lesquels choisir, mais certains classiques sont incontournables dans le studio d’enregistrement. Le compresseur électro-optique Universal Audio LA-2A et ses descendants à prix attractifs comme le Warm Audio WA-2A et le Klark Teknik KT-2A sont l’arme secrète de l’ingénieur pour le chant, la basse, la batterie, les guitares – à peu près tout le reste. Voulez-vous quelque chose de plus intéressant? Considérez le limiteur/compresseur universel Universal Audio 1176LN ou ses équivalents : Purple Audio MC77, Warm Audio WA76 et Klark Teknik 1176-KT. Une autre fonctionnalité de studio éprouvée est le Empirical Labs EL8 Distressor – il peut subtilement colorer une piste avec une distorsion harmonique, aplatir doucement les voix avec un traitement dynamique de style opto ou ajouter du punch à la batterie.

Un autre standard de studio est l’égaliseur Pultec EQP-1A. Si un équipement peut être considéré comme magique, c’est bien un produit Pultec. Vous pouvez y faire passer un signal avec les commandes réglées sur zéro – et il y aura toujours un effet sur le signal et sa saturation immédiate. Ses courbes sont différentes des autres égaliseurs. Il a inspiré de nombreuses autres sociétés clones telles que Tube-Tech PE 1C, Manley Enhanced Pultec EQ, WesAudio LC-EQP et Retro Instruments 2A3. Et pour un budget limité, il existe Warm Audio EQP-WA et Klark Teknik EQP-KT.

— Voir également: Le compresseur T-RackS – Comprexxor (d’une valeur de 130 euros) est téléchargeable gratuitement ! —

L’un des meilleurs endroits pour installer un équipement hors-bord est dans votre canal de bus. Même si vous comptez uniquement sur des plug-ins, l’exécution d’un mixage complet via un équipement analogique de haute qualité peut vraiment lui donner cet éclat de studio classique. Vous pouvez vraiment améliorer vos mixages avec un compresseur comme Solid State Logic Fusion. Le TK Audio BC1-S est un excellent moyen moins coûteux de coller votre piste ensemble. Le Rupert Neve Designs Portico II MBP et le Heritage Audio Successor moins cher apportent une touche britannique classique. Le Manley Variable Mu est un pilier des studios ultra-haut de gamme – l’associer à l’égaliseur passif Manley Massive est la solution pour un mixage propre et coûteux.

Utilisation des plugins de modélisation VST

Un inconvénient de l’équipement analogique est qu’il est cher. Jetons un coup d’œil aux plugins qui vous permettent d’obtenir les mêmes performances sonores que leurs équivalents matériels pour beaucoup moins d’argent.

Une collection de classiques de Waves, y compris les compresseurs Waves CLA et JJP Analog Legends, est un bon début. Il contient SSL, API et Neve, ainsi que des préréglages d’ingénieurs renommés. Le bundle Slate Digital VMR 2.0 vous donne accès à pratiquement tous les composants matériels classiques auxquels vous pouvez penser dans un format de tranche de console pratique. Cependant, le roi des plug-ins à modélisation analogique est Universal Audio. Leur plate-forme UAD-2 fournit une simulation analogique accélérée par DSP qui est remarquablement proche du matériel réel. Pour moins de 5 000 $, vous aurez à votre disposition plus de 100 des meilleurs exemples sur le marché. Acheter autant de matériel analogique serait de la folie !

Ajout d’une console analogique réduite (petite taille) à un studio d’enregistrement

Malgré le fait que tout le monde travaille à l’intérieur d’un programme DAW, de nombreux studios professionnels utilisent encore une console analogique lors du mixage, imposant ainsi un timbre sonore de console analogique à leurs mixages. Mais à moins qu’il ne s’agisse d’un studio haut de gamme, les consoles vintage à 100 000 $ ne sont généralement pas utilisées. Au lieu de cela, des consoles plus petites telles que The Box API, Trident 78, Audient ASP4816 ou Solid State Logic Matrix2 sont utilisées. Ils coûtent tous moins de 25 000 $, ce qui est certes cher, mais beaucoup plus abordable que leurs grands frères. Ces cartes analogiques fournissent non seulement le son mixé insaisissable sur la console, mais contiennent également des fonctionnalités adaptées aux workflows numériques d’aujourd’hui, telles que l’intégration DAW et le contrôle du moniteur, tout en évitant les fonctionnalités redondantes, non pertinentes ou inutiles des consoles plus grandes.

Sommation de son analogique

Si vous voulez que vos projets sonnent comme s’ils avaient été mixés sur une console analogique de classe mondiale mais que vous n’avez pas besoin d’une console complète et coûteuse, un mélangeur de sommation analogique comme Dangerous Music D-BOX+, Dangerous Music 2-BUS+, Phoenix Audio Nicerizer 16 Mk2, Burl Audio B32 Vancouver, Rupert Neve Designs 5059 Satellite ou Solid State Logic Sigma vous aideront à obtenir le son que vous souhaitez. Ces appareils prennent des pistes individuelles de votre mixage, les additionnent sur une piste stéréo dans le domaine analogique, puis diffusent le mixage stéréo final sur votre ordinateur.

Obtenir le son de la console dans un programme DAW

Les sommateurs analogiques sont chers. S’ils sont hors de votre fourchette de prix, il existe d’autres options. Des plugins comme Slate Digital VCC Virtual Console Collection et Waves NLS Nonlinear Summer vous offriront presque la même expérience. Pour Pro Tools/Ultimate, les utilisateurs d’Avid HEAT peuvent ajouter de la magie au programme.

Commandez un mixage et un mastering de haute qualité sans investir dans un équipement coûteux

Le coût du mixage et du mastering peut être hors de portée d’un jeune artiste, mais il comprend le temps, l’expérience de l’ingénieur et les spécifications techniques. Vous pouvez acheter une console chère, mais n’utilisez jamais toutes ses fonctionnalités. Aujourd’hui, il est beaucoup plus abordable de commander des services de mixage et de mastering audio entièrement en ligne et d’obtenir un résultat de haute qualité. Nous écoutons toujours l’opinion du client et faisons de notre mieux pour obtenir le meilleur résultat !

En 2013, Steinberg a annoncé qu’il ne prendrait plus en charge un kit de développement logiciel (SDK) pour le format de plug-in VST2, mais le SDK lui-même sera toujours disponible en tant que sous-ensemble du SDK VST3. Puis, en mai 2018, Steinberg a annoncé qu’à partir d’octobre, le sous-ensemble serait liquidé. Si vous êtes impatient et que vous voulez juste faire le point sur cet article, le voici : les plugins VST 2.4 fonctionneront très bien pendant très longtemps. La plupart des hébergeurs sont plus que satisfaits des versions VST3. Ils sont au moins aussi performants que les versions VST 2.4 et peuvent même offrir quelques avantages.

Quelle est l’importance de la migration vers VST3? Commençons par détruire quelques mythes.

VST 2 ou VST 3 – quelle est la différence et laquelle est la meilleure?

MYTHE 1: les plugins VST3 sont plus efficaces

VST est une spécification frontale sur la façon dont un plugin interagit avec un hôte, donc l’efficacité dépend du code, pas de la spécification. Les plugins VST2.4 et VST3.0 ont une base de code commune, et presque tout le code interne est identique, donc cela n’affecte pas le traitement du matériel audio.

MYTHE 2: les plugins VST3 ne sont plus efficaces

Plugins – non, mais ils peuvent être désactivés lorsque les données ne sont pas traitées. Ce n’est pas unique à VST3 ; Les développeurs ont pu implémenter cela en utilisant d’anciennes technologies. Cependant, VST3 est une méthode standardisée qui fonctionne tant qu’elle est implémentée à la fois par l’hôte (voir Figure 1) et le fabricant du plugin (comme MIDI, les fabricants peuvent choisir ce qu’il faut prendre en charge dans la spécification VST3 – par exemple, simplement parce qu’un clavier supporte le MIDI ne signifie pas qu’il implémente un suivi polyphonique).

MYTHE 3: VST3 est bogué, alors restez avec VST 2.4 pour l’instant

La spécification VST3 existe depuis 10 ans et la mise en œuvre a été relativement lente car la première version était stable. Mais durant ces 10 années, les éditeurs ont amélioré leur code et, en général, corrigé les éventuels bugs, afin que les plugins VST3 soient aussi fiables que la v2.4. N’oubliez pas que le problème ne vient pas de la spécification elle-même, mais de sa mise en œuvre. Vous pouvez définir les deux types si vous le souhaitez, car les plugins eux-mêmes ne prennent généralement pas beaucoup de place (les instruments prennent de la place pour leurs bibliothèques et échantillons). Mais notez également que de nombreuses entreprises développent et déboguent plus activement leurs versions de VST3, tandis que les versions antérieures sont mises à jour avec des retards.

MYTHE 4: Maintenant qu’il y a VST3, les plugins VST 2.4 sont obsolètes

Tout hébergeur est libre de prendre en charge VST 2.4 et/ou VST3 (Figure 2). Si un programme prend en charge vos plugins VST 2.4, il continuera à le faire à moins que le fabricant ne supprime spécifiquement cette prise en charge. Notez que le bas de l’icône graphique est différent pour les deux types, et lorsque vous cliquez sur le plugin, la barre d’information en bas affiche le fournisseur, le type et la catégorie, ainsi qu’un lien vers le site Web du fabricant. Finalement, les développeurs peuvent arrêter de publier VST2.4 dès que VST3 prend le contrôle d’une grande partie du marché de la musique.

— Voir également: 5 meilleurs sites pour faire de la musique en ligne —

MYTHE 5: Ableton Live ne peut pas utiliser les plugins VST3

Bien qu’il n’y ait pas de support intégré pour VST3, le plugin Metaplugin DDMF vous aidera à les installer. Vous pouvez le mettre en tant que plug-in dans Ableton Live, puis y mettre VST3.

MYTHE 6: Vous devez installer les plugins VST3 dans un emplacement spécifique sur votre lecteur système

Il s’agit d’une préférence, pas nécessairement d’une règle à toute épreuve. Cela peut en fait être une bonne chose, car lorsque vous créez une image disque système, vous sauvegardez également vos plugins. Mais vous pouvez généralement les installer où vous voulez (sous Windows, les connexions de répertoire peuvent pointer vers un dossier VST3 standard sur n’importe quel lecteur).

MYTHE 7: Vous devez avoir des plugins sidechain VST3

Pas nécessaire. Plusieurs hébergeurs et plugins ont implémenté le sidelinking avec VST 2.4 au fil des ans

MYTHE 8: VST3 a beaucoup de nouvelles fonctionnalités intéressantes que l’on ne trouve pas dans VST 2.4

Potentiellement oui. Si un produit a été conçu exclusivement pour VST3, il bénéficiera probablement d’au moins quelques améliorations. Cependant, pendant la transition, de nombreux développeurs ont créé des plug-ins VST3 avec les mêmes fonctionnalités de base que leurs versions VST 2.4.

MYTHE 9: VST3 n’est pas différent de VST 2.4. C’est juste de la triche ; pas de réelles améliorations

VST3 est un remake de VST 2.4 et est essentiellement une nouvelle plate-forme.

Considérez certains des avantages:

• Un exemple d’automatisation de précision. Le fabricant doit l’implémenter, mais il s’agit d’un changement important par rapport à VST 2.4.
• Plug-in hiérarchique et classification des paramètres d’automatisation. Certaines personnes pensent que catégoriser les plugins (Figure 3) est un inconvénient, car ils ne peuvent pas les organiser comme ils le souhaitent (bien que la plupart des hébergeurs fournissent une sorte de gestionnaire, cela n’a pas d’importance dans ce cas). Mais lorsque vous souhaitez automatiser des paramètres, les plugins VST3 peuvent vous faciliter la vie si le fabricant a profité des options de catégorisation des paramètres.
• Regrouper toutes les options d’automatisation d’un filtre dans la catégorie Filtre est bien mieux qu’une énorme liste d’options d’automatisation avec des emplacements apparemment aléatoires.
• Le SDK VST3 est une technologie gratuite accessible à tout développeur.
• Allocation d’E/S dynamique. Les plugins VST 2.4 avaient un nombre fixe d’entrées et de sorties, mais ce n’est plus le cas – les plugins VST3 peuvent s’adapter à la configuration du canal dans lequel ils sont livrés. Placez la fiche sur un bus stéréo et ce sera stéréo. Branchez-le sur le BUS surround et il sera surround. Vous pouvez également créer des bus audio, ce qui facilite la modulation croisée et le vocodeur. Mais encore une fois, ces fonctionnalités sont spécifiques au fournisseur.
• Avec VST3, vous pouvez désactiver les sorties inutilisées, mais les réactiver si nécessaire.
• Redimensionnez la fenêtre. C’est certainement le bienvenu, étant donné que les moniteurs ont une gamme de résolutions plus large que lorsque VST a été introduit en 1996 (et pour l’avenir, « Macarena » était la meilleure chanson de l’année. Juste une note).
• Les instruments virtuels prennent en charge plusieurs ports MIDI que vous pouvez activer à la volée. Qui n’aime pas les ports MIDI multiples ?
• Il est beaucoup plus facile de rechercher et de trouver vos plugins. VST3 a un suffixe .vst3 au lieu d’un suffixe générique.
• Les plugins peuvent avoir un « bus d’événement » dédié. Bien qu’il soit actuellement destiné à l’entrée de contrôle MIDI, il n’y a aucune raison pour qu’il ne puisse pas se conformer à une future norme non basée sur MIDI.
• VSTXML pour les télécommandes. Non, le chat n’a pas marché sur mon clavier. VSTXML est un protocole qui facilite la création de télécommandes pour une application audio et MIDI. Il peut même afficher des paramètres non modifiables tels que la mesure.
• Conception multilingue. Toutes les chaînes de caractères spécifiques à l’utilisateur sont au format Unicode, ce qui permet d’afficher les caractères dans n’importe quelle langue (y compris le russe – ce qui signifie « y compris le russe ») pour faciliter la localisation.

Ça sonne bien, n’est-ce pas ? Mais rappelez-vous, VST3 n’est pas une spécification comme les interfaces AES / EBU ou le CD Red Book – c’est un ensemble de directives bien pensées.

Ogg Vorbis est un format audio compressé à usage général entièrement ouvert pour l’audio et la musique de qualité moyenne à élevée (8 kHz-48,0 kHz, 16+ bits, multicanal) à des débits binaires fixes et variables de 16 kbps à 256 kbps. Cela place vorbis dans la même classe concurrentielle que les formats audio tels que MPEG-4 (AAC) et similaires, mais offre de meilleures performances que MP3, TwinVQ (VQF), WMA et PAC. Vorbis est le premier d’une famille prévue de formats d’encodage multimédia Ogg développés par le projet multimédia ogg Xiph.org.

Vorbis devait être comparable à MPEG-4 AAC à la plupart des débits binaires et à Musepack à 128 kbps. La transparence est généralement obtenue à 150-170 kbps (avec quelques exceptions). Le codeur est assez jeune et non optimisé, donc d’autres améliorations peuvent toujours être attendues.

Malheureusement, Xiph.org n’a pas été en mesure d’améliorer Vorbis à un taux constant (CBR) depuis sa version 1.0 originale en juillet 2002 (en raison d’autres projets de développement et de contraintes de temps). Depuis lors, le développement a été dirigé par d’autres codeurs tels que Garf et Aoyumi. La série d’encodeurs Aoyumi aoTuV a été incluse dans la version 1.1 de septembre 2004, ce qui a entraîné les premières améliorations de qualité en 2 ans. Aoyumi Beta 4.51 était considéré comme très bon, il a donc été renommé aoTuV Release 1 et recommandé jusqu’en juin 2007. Le dernier paramètre est aoTuV beta 5 qui améliore encore la qualité du faible débit sans sacrifier la compression et est actuellement l’encodeur Vorbis Hydrogenaudio recommandé. Actuellement, le réglage Aoyumi (de la version 1 d’aoTuV à la bêta 5 d’aoTuV) n’a pas encore été inclus dans la gamme « officielle » de Vorbis.

Vorbis a eu du succès dans de nombreux jeux récents utilisant Vorbis, par opposition au MP3 (par exemple UnrealTournament 2003 et UnrealTournament 2004 d’EpicGames, les ports Halo et Uru de Microsoft étant des exemples notables). (Ogg) Vorbis est également une partie officielle de la bibliothèque d’extensions d’API OpenAL utilisée dans de nombreux jeux PC populaires. Le 10 avril 2006, RAD Game Tools a intégré (Ogg) la prise en charge de Vorbis pour son Miles Sound System (MSS), qui a été utilisé dans plus de 3 200 jeux dans le monde. Cela garantit que les futurs jeux utilisant MSS pourront lire les fichiers (Ogg) Vorbis. Consultez le wiki xiph pour une liste complète des jeux confirmés pour utiliser (Ogg) Vorbis.

— Voir également: Comment un artiste indépendant fait la promotion de votre musique en 2021 —

Vorbis a récemment été accepté en mai 2010 comme codec open source pour le nouveau projet Google WebM. WebM est une combinaison du codec vidéo VP8 sous licence BSD, Vorbis, et du conteneur webm, qui est un sous-ensemble du conteneur Matroska. Il devrait être largement adopté avec le soutien de nombreux fabricants de puces matérielles et la sortie de la nouvelle plate-forme mobile Google Android et de Google TV d’ici 2011.

Particularités:

• Vorbis est dans le domaine public ; c’est gratuit pour une utilisation commerciale ou non commerciale.
• API de haut niveau facile à utiliser (Application Programming Interface).
  Bonnes performances globales (> 48 kbps – codec leader à 128 kbps).
  Pris en charge par la plupart des DAP portables (Ogg).
  Convient pour la diffusion sur le Web (via Icecast et d’autres moyens).

L’audio numérique est toujours échantillonné, ce qui signifie que tout fichier audio numérique est créé à une fréquence d’échantillonnage (et une résolution) fixes. La fréquence d’échantillonnage du CD audio Red Book est de 44,1 kHz (résolution 16 bits). L’audio du DVD est échantillonné à 96 kHz (résolution 24 bits). La conversion du taux d’échantillonnage est nécessaire lorsque vous souhaitez convertir un fichier audio numérique (un signal analogique qui a déjà été numérisé) d’un taux d’échantillonnage donné vers une fréquence différente (la résolution peut rester inchangée ou modifiée). Le suréchantillonnage (ou interpolation) est le processus de conversion de faible à élevé (par exemple, 44,1 kHz à 48 kHz); Le sous-échantillonnage (également connu sous le nom de décimation) est le processus de conversion d’une fréquence élevée à une fréquence inférieure (par exemple, 96 kHz à 48 kHz). Il est important de noter : notre studio effectue le mixage et le mastering à 96 kHz, donc la décimation est utilisée pour fournir des formats supplémentaires pour la diffusion sur les réseaux sociaux et sur les services de streaming.

— Voir également: A quoi sert une carte son (interface audio)? —

Les changements de profondeur de bits, tels que de 16 bits à 24 bits ou vice versa, peuvent être effectués en même temps que le rééchantillonnage, mais il faut prendre soin d’éviter de confondre les deux. Les algorithmes de rééchantillonnage de faible qualité, qu’il s’agisse de suréchantillonnage ou de sous-échantillonnage, peuvent introduire des artefacts clairement audibles pendant la lecture. Un algorithme typique de faible qualité, mais extrêmement rapide, sera basé sur une interpolation linéaire. Les algorithmes de suréchantillonnage de haute qualité utilisent plus de temps CPU car ils nécessitent une conversion dans le domaine fréquentiel. Les processeurs PC modernes (fréquence d’horloge d’environ 2 GHz) gèrent facilement un suréchantillonnage en temps réel de très haute qualité. Les cartes son qui effectuent un rééchantillonnage en temps réel nécessitent un bon DSP.

Le suréchantillonnage est très souvent nécessaire, ce qui fait en fait partie du processus de mastering audio pour les CD, car les équipements audio professionnels utilisent 96 kHz ou 192 kHz pour les masters, alors que la spécification Red Book Audio CD utilise un taux d’échantillonnage de 44,1 kHz. Différents supports sont enregistrés à différentes fréquences d’échantillonnage (CD à 44,1 kHz, DAT à 48 kHz, DVD audio à 96 kHz, etc.). Le mélange numérique de différentes sources échantillonnées à des fréquences différentes nécessitera un rééchantillonnage à la fréquence et à la résolution globales.

— Voir également: Plugin Alliance lance Brainworx bx_console AMEK 9099 —

De nombreuses cartes audio PC (en particulier les codecs Creative Labs basés sur 10k1 et 10k2) et les codecs AC97 ne peuvent entrer, sortir ou traiter des données audio qu’à 48 kHz et recalculer de force les informations à un moment ou à un autre. Parfois, les logiciels audio, les plugins et les pilotes ajoutent une capacité de suréchantillonnage pour produire un son plus propre (les algorithmes du produit peuvent se comporter différemment à différents niveaux). Par exemple : le même synthétiseur, à différents niveaux de rééchantillonnage, peut produire différentes nuances du même signal.

La fréquence est définie comme le nombre de cycles de mouvement périodique par unité de temps. L’unité SI de fréquence s’appelle le hertz (Hz, du nom de son inventeur, Heinrich Hertz). Un hertz correspond à un cycle (ou oscillation complète) par seconde.

Exemple. Les ondes sonores audio ont une fréquence dans la plage d’environ 20 à 20 000 Hz. Cela signifie qu’à tout point le long du trajet de l’onde sonore, la pression fluctuera de haut en bas entre 20 et 20 000 fois par seconde.

— Voir également: Qu’est-ce qu’un label musical? —

En audio numérique, la fréquence maximale qui peut être correctement recréée est la moitié de la fréquence d’échantillonnage. Ainsi, avec un taux d’échantillonnage de 44,1 kHz, des fréquences jusqu’à 22,05 kHz peuvent être recréées. La fréquence d’une onde fait référence au nombre de fois par seconde qu’une onde passe de son point le plus haut à son point le plus bas et vice-versa. Ceci est généralement mesuré en hertz (Hz) ou en cycles par seconde. La fréquence d’une vague détermine sa hauteur. Les ondes à haute fréquence ont un ton élevé et les basses fréquences ont un ton plus bas. La personne moyenne peut entendre des fréquences de 15 ou 20 Hz jusqu’à environ 20 000 Hz (20 kHz).

L’amplitude d’une vague fait référence à la moitié de la distance entre le point le plus haut d’une vague et son point le plus bas. Plus l’amplitude de l’onde est grande, plus son volume est fort, qui est généralement mesuré en décibels (dB). La gamme de décibels pour l’audition humaine est complexe et dépend de la fréquence du son considéré, de l’âge de la personne et de l’environnement d’écoute, mais varie approximativement de 0 à 120 dB, chaque changement de 10 dB correspondant à un doublement de la perception intensité.

Le seuil absolu – ATH – est le niveau de volume auquel un son particulier peut être détecté 50 % du temps.

La création et l’écriture d’une chanson, jusqu’à récemment, semblaient être un processus totalement inaccessible, mais à l’ère du développement des technologies et des périphériques informatiques, chaque personne créative a désormais la possibilité de créer quelque chose qui lui est propre. Avant d’écrire une piste, vous devez faire attention à plusieurs points importants (ils seront également une séquence d’une idée complètement brute à un produit fini):

1. Mélodie
2. Texte
3. Style
4. Structure
5. Remplissage / accumulation
6. Programme
7. Édition
8. Mélange
9. Maîtriser
10. Distribution

En bref sur chacun d’eux:

La mélodie est l’un des composants principaux de votre chanson. Il faut s’en souvenir, et idéalement, suivre l’auditeur pour qu’il le fredonne constamment. D’accord, écouter des coups de fouet percussifs sans mélodie (même une simple basse) n’est pas intéressant. Et ce ne sera jamais un succès. Un auditeur ordinaire d’une telle créativité passera rapidement à quelque chose de plus intéressant.

Le texte permet de transmettre quelque chose (de préférence utile) à l’auditeur. Cela peut être un message social, des sentiments personnels, une protestation, une agitation et même simplement de la poésie. Vous pouvez écrire le texte vous-même si vous avez le sens du rythme et de la rime, ou vous pouvez le commander auprès de l’auteur-compositeur (les prix vont du symbolique au cosmique).

— Voir également: Le plugin Overloud Gem Mod Dimension-D est téléchargeable gratuitement! —

Style: une même mélodie peut être présentée dans un style différent (la preuve en est les millions de remixes de tubes du monde). Malgré le fait que la mélodie reste la même: rythme, dynamique, ambiance = différent. Le style porte aussi en lui une certaine structure de la piste. Par exemple, en choisissant un style pop, la structure ressemblera à ceci:

Intro – Couplet – Refrain – Deuxième couplet – Deuxième refrain – Échec – Troisième refrain.

Remplissage: Après avoir choisi le style de la chanson, décidez quels instruments exprimeront votre inspiration. Considérant le même style pop, il peut s’agir de guitares, de pianos, de batterie, de percussions, de guitare basse et des voix elles-mêmes. Si la batterie, les percussions et le piano peuvent être enregistrés dans un programme musical, alors l’accumulation de guitare acoustique, de basse et de voix nécessitera un investissement. Les prix sont différents et commencent à partir de: 50 eur pour une guitare et une basse (selon la complexité) et 25 eur pour 1 heure d’enregistrement. Encore une fois, ce sont des chiffres extrêmement subjectifs sur les caractéristiques minimales de l’équipement utilisé, l’expérience de l’ingénieur, et même l’emplacement du studio d’enregistrement.

Programme: C’est peut-être l’un des points simples. Quel que soit le logiciel de production musicale choisi (que ce soit Cubase, Reaper ou Logic), le résultat dépendra de l’utilisateur. Sonar – fourni entièrement gratuitement et ne nécessite aucun investissement, vous pouvez vous y arrêter.

Montage sonore: le montage de la musique peut être retiré dans un article séparé, car tous les matériaux enregistrés nécessitent des opérations chirurgicales. Disons: l’interprète, avant d’accumuler, a pris un bon repas sucré et arrosé de la même eau sucrée. Une heure plus tard, il arrive au studio, enregistre, et il semblerait que tout va bien, mais! L’enregistrement contiendra la soi-disant « salive ». C’est à ce moment-là que les clics à haute fréquence sautent sur l’inspiration, l’expiration et les phrases. Si dans le premier et le deuxième cas ils peuvent être édités, alors il est presque impossible de les supprimer sur les phrases (et ils seront certainement entendus). Le montage comprend également l’élimination des bruits de phase et de fond, l’arrangement des parties d’un projet, le choix des meilleures prises pour le chanteur et d’autres détails techniques. Le coût du montage est discuté personnellement avec l’ingénieur et dépend de la qualité de l’enregistrement et du temps de traitement.

Le mixage est l’expression artistique de votre idée. Les sons enregistrés et édités sont repris (avec préservation de la structure) et complétés en fréquence et en espace. Une guitare complètement sèche peut jouer avec l’espace aussi bien en concert (avec les mêmes reflets) que dans un ascenseur (avec une salle courte et grouillante). Il en va de même pour les autres instruments. Il n’y a pas de solution et de paramètres uniques. Si vous commandez le mixage dans notre studio (et que nous faisons du mastering en cadeau), le prix du travail commence à 30 eur pour 7 pistes de projet.

Le mastering est le dernier processus avant la diffusion sur les réseaux sociaux et les services de streaming. Le mastering implique une égalisation générale des fréquences et de la dynamique, la correction d’imprécisions de mixage mineures, ainsi que la saturation et l’ajout de volume. Une fois maîtrisée, votre chanson sonnera solide et holistique, ce qui la distinguera sans aucun doute des autres. En commandant le mastering lui-même dans notre studio, vous pouvez obtenir une démo gratuitement!

Combien ça coûte d’écrire une chanson?

Sélection de la mélodie, du programme PC, de la structure et du style – gratuit ! Texte (à partir de 20 euros), accumulation d’instruments (à partir de 30 euros de l’heure), montage (prix négociable), mixage et mastering (à partir de 30 euros par projet). Total : le prix minimum pour une petite chanson sera d’environ 100-120 euros (avec plus de morceaux et de tâches techniques, le prix augmentera). Si vous avez les compétences nécessaires pour jouer des instruments, vous pouvez économiser sur un musicien de session et les enregistrer vous-même.

Il est important de considérer – nous prenons les prix les plus bas pour les artistes débutants. Si un travail commercial est requis, avec beaucoup d’instruments live et électroniques, des éditions / versions, du temps pour l’édition et le mixage – le prix commencera à partir de 2 000 euros.

Lors de la commande du mixage et du mastering, un client indien a demandé un son 8D, car il est populaire dans son pays et malgré le statut d’artiste, tout le monde veut obtenir un volume aussi incroyable. Considérer ce que nous avons entendu et vécu avec 5.1 et 7.1 – 8D est devenu un mystère. Plus surprenant encore, la plateforme Youtube regorge de vidéos portant un nom similaire, qui n’ont rien d’autre qu’une tentative d’attirer l’attention des auditeurs. La vidéo qui a été envoyée comme référence est un signal audio déformé, qui a finalement été converti en mp3 stéréo et téléchargé sur un service de streaming (puisque Youtube, pour le moment, ne permet pas la publication en wav, et encore moins en audio volumineux) …

— Voir également: 5 analyseurs VST qui seront utiles à chaque musicien —

Si l’on considère le système 7.1 classique, les haut-parleurs ont approximativement la disposition suivante :

• 2 colonnes avant en haut
• 2 colonnes avant en bas
• 2 haut-parleurs à l’arrière
• 1 sous

Le son est vraiment sous-mixé et dispersé sur les canaux (comme on peut l’entendre dans une bonne salle de cinéma). Lors de l’écoute d’un tel matériel sur un équipement stéréo, une partie du signal est simplement « avalée » (les effets sont entendus très doucement ou pas du tout). C’est parce que les échos sont capturés par d’autres canaux. Mais ce que l’on entend par son 8D n’a rien à voir avec un son mixé professionnellement.

Comme beaucoup de gens le devinent, pour créer un son 3D (alias stéréophonique), vous avez besoin d’un équipement professionnel spécialisé. Mais vous ne pouvez pas attirer les acheteurs là-dedans, car les spécialistes du marketing ont emprunté des termes à l’industrie cinématographique. Malheureusement, 8D n’est rien de plus qu’un canular. Un auditeur ordinaire, avec un casque stéréo typique, n’entendra rien, à l’exception de l’écho et du signal passant d’un canal à l’autre. Il n’y a pas de 3D, 4D, 5D, 6D et même 7D dans ces enregistrements. Si vous transmettez les sensations personnelles de l’écoute, il semble qu’un adolescent court autour de vous avec un téléphone hurlant de la musique. Et peu importe à quel point le volume d’importance critique et stratégique a été noté dans la description, ce n’est pas le cas.

— Voir également: 6 meilleurs synthétiseurs VST de 2017! —

Dans les commentaires sous ces vidéos, vous pouvez également voir des déclarations sur le sujet « ça sonne vraiment comme un concert ». Hélas non. Au soundcheck, les musiciens ajustent le son et chaque instrument est placé dans l’espace du site proposé. Mais cela n’a rien à voir avec la rotation du son autour de vous (seulement si vous ne tournez pas autour de votre axe lors des concerts). Ne vous leurrez pas. Mieux profiter de la bonne musique de votre artiste préféré au format wav ou flac non compressé.

Dans notre cas, après des discussions longues et controversées, il a été possible d’expliquer que cet effet serait inacceptable pour son style et pour l’écoute en général, ainsi le travail de mixage et de mastering a été poursuivi et mené à bien.

Que vous enregistriez en studio ou que vous mixiez à la maison, les nouveaux micros de 2018 conviendront à tout le monde ! De la technologie de pointe aux nouveaux classiques vintage cool.

Neumann U67

La légende est de retour! Lancé en 1960 pour remplacer le vénérable U47 en tant que microphone à condensateur à large diaphragme phare de Neumann, le U67 incorporait la nouvelle capsule K67 et un circuit de tube de transformateur, ainsi que des innovations modernes qui amélioraient considérablement le son et les performances de son prédécesseur. Le SPL élevé du U 67, sa réponse en fréquence douce, sa réponse détaillée dans les médiums et son caractère doux et velouté avec une coloration claire en font un microphone de première classe pour la batterie, le piano, les guitares acoustiques et électriques, les cordes, les bois, les cuivres, les percussions et le chant.

Chandler Limited TG

Le microphone Chandler Limited TG est un microphone à condensateur à semi-conducteurs à large diaphragme qui perpétue le riche héritage de l’innovation EMI Abbey Road Studios. En plus de la polarité cardioïde et omnidirectionnelle, le microphone TG utilise un ensemble de fonctionnalités unique composé d’un système à double tonalité intégré, d’un égaliseur EMI, d’un filtre passe-haut 50 Hz/90 Hz, d’un pad 10 dB et d’une alimentation externe pour offrir une polyvalence et un caractère sonore inégalés. Comme de nombreux microphones vintage, le circuit complet du microphone TG, piloté par une alimentation dédiée plutôt que par une alimentation fantôme 48 V, fait partie intégrante de son son énorme et réaliste, caractérisé par une profondeur et une ouverture que l’on ne trouve normalement pas dans un microphone à semi-conducteurs.

AEA KU5A

L’AEA KU5A avec labyrinthe à 2 voies et polarité supercardioïde innove dans la technologie des microphones à ruban, revenant au RCA BK5 d’origine. À courte portée, le KU5A capture des aigus étendus tout en conservant la douceur que vous attendez d’un micro à ruban. Parce que les composants internes du KU5A sont très bien protégés, les utilisateurs peuvent même marcher sur le gril sans endommager les composants. L’électronique active KU5A est idéale pour tout préamplificateur. Avec une qualité de construction solide, l’AEA KU5A est un excellent choix pour une utilisation quotidienne avec une large gamme d’instruments et de voix, à la fois en studio et sur la route.

Lauten Audio LS-208

Le Lauten Audio LS-208 est un microphone à condensateur à large membrane et à adressage frontal conçu pour les applications en studio, en diffusion et en direct. La large gamme de fréquences du LS-208 et son traitement robuste de la pression acoustique en font un excellent choix pour capturer pratiquement n’importe quel instrument ou voix. Les filtres passe-haut et passe-bas intégrés étendent encore les capacités de ce microphone. Le LS-208 est livré avec un amortisseur personnalisé, un support rigide, un pare-brise en mousse et un sac de voyage.

Sennheiser AMBEO VR

Développé en collaboration avec des producteurs VR, le microphone Sennheiser AMBEO VR capture un son cohérent et immersif, idéal pour la production vidéo VR. Un microphone ambison avec quatre capsules KE 14 assorties dans un réseau tétraédrique, l’architecture spécialisée d’AMBEO VR capture le son qui l’entoure à partir d’un seul point, offrant un son sphérique à 360 degrés qui correspond parfaitement à votre contenu vidéo VR. Sennheiser AMBEO VR fonctionne avec un plug-in d’encodeur A-B pour la transmission audio au format B, qui vous permet d’écouter n’importe quelle direction depuis le microphone pendant la lecture.

— Voir également: Organisation des câbles dans un studio d’enregistrement. Économisez de l’espace de travail —

Sennheiser AMBEO Smart Headset

Vous vous demandez peut-être pourquoi nous avons inclus des écouteurs dans cette liste de nouveaux micros en vogue. Le casque intelligent Sennheiser AMBEO comprend deux incroyables microphones Sennheiser, un dans chaque écouteur, pour la méthode de capture de son stéréo la plus élégante que nous ayons vue. Mettez simplement vos écouteurs dans vos oreilles, connectez le connecteur Lightning à votre téléphone iOS et vous êtes prêt à enregistrer un son stéréo avec un réalisme à couper le souffle que vous pouvez utiliser pour la conception vidéo ou sonore. Les préamplis micro et les convertisseurs numériques sont basés sur l’électronique de pointe d’Apogee. Et la technologie intelligente (disponible via l’application Apogee Smart Headset) offre une connaissance de la situation (pour que vous ne vous sentiez pas isolé sur vos téléphones – idéal pour les coureurs et les autres qui doivent être alertes lorsqu’ils écoutent de la musique en public) et est également très efficace suppression du bruit.

sE Electronics sE7

sE Electronics appelle son modèle sE7 « lisse, net, rapide et précis ». Ce microphone à condensateur à petit diaphragme de haute qualité est conçu pour une large gamme d’applications en studio et sur scène. Avec une conception acoustique optimisée, des circuits discrets de classe A, des commutateurs d’atténuation haute fréquence polyvalents et une sortie sans transformateur, le sE7 offre un son clair et naturel à toutes les fréquences de n’importe quelle source, avec des basses percutantes et des aigus doux et soyeux. La ligne de signal discrète de classe A n’a pas de circuits intégrés ni de transformateurs, et c’est la clé de ses caractéristiques remarquablement naturelles lors de la prise d’instruments acoustiques tels que la guitare, le piano, les cordes, les cuivres et les percussions.

Warm Audio WA-47

Leur célèbre équipement vintage correspond à la facture pour le rapport qualité-prix de l’audio professionnel ; Ainsi, lorsque Warm Audio tourne son attention vers l’ancêtre des microphones à condensateur à tube à large diaphragme, vous savez que le produit va être bon. Et c’est comme ça. Le WA-47 de Warm Audio avec un circuit de transformateur discret et équilibré et un tube de lecture offre le son énorme et audacieux du bien-aimé et vénéré ’47 – un son qui peut être entendu sur d’innombrables enregistrements emblématiques.

— Voir également: Micros USB contre XLR. Lequel choisir et lequel est le meilleur ? —

Royer R-10

Vous pouvez compter sur Royer pour des micros à ruban de haute qualité qui peuvent être utilisés quotidiennement dans des applications audio critiques en studio et en direct et la société a un autre succès avec son R-10. Il offre un champ sonore parfaitement équilibré avec une réponse en fréquence plate et un SPL maximum impressionnant de 160 dB, de sorte que vous pouvez utiliser des sources fortes proches du microphone sans crainte de surcharge. Le R-10 est un excellent choix pour les guitares électriques et acoustiques, les cuivres, les cordes, la batterie, les cymbales, les pianos, les voix et plus encore. Le Royer R-10 est un microphone à ruban à la pointe de la technologie qui mérite une place dans votre casier.

Audio-Technica AT5047

Nous avons été très impressionnés par l’AT5040, la première entrée d’Audio-Technica dans sa gamme phare de microphones de studio. Sorti cette année, l’AT5047 a fait monter les enchères avec une sortie couplée à un transformateur, une plus grande plage dynamique et un traitement SPL amélioré. L’AT5047 utilise de nouvelles technologies et des composants haut de gamme pour offrir un son haute définition avec un réalisme, une profondeur et une présence incroyables. L’élément rectangulaire A-T innovant combine quatre diaphragmes alignés pour former un seul dispositif interconnecté avec deux fois la surface d’un diaphragme rond conventionnel de 1 pouce. La réponse transitoire ultra-rapide rend l’AT5047 idéal pour le chant et les instruments acoustiques tels que le piano, la guitare, les cordes et le saxophone.

Shure Axient Digital

La technologie sans fil révolutionnaire Shient Axient Digital de Shure offre un son de classe mondiale et une fiabilité maximale – même dans les environnements sans fil les plus encombrés – pour les diffusions en direct et les installations gouvernementales sécurisées. L’émetteur portable AD2 dispose de deux modes de fonctionnement pour optimiser les performances de n’importe quelle application : le mode standard offre une couverture maximale, tandis que le mode haute densité permet une augmentation significative du nombre de canaux. Le récepteur sans fil à 4 canaux Axient AD4QUS peut affecter jusqu’à quatre antennes par canal pour améliorer la couverture et la qualité du signal. Le gestionnaire de spectre d’Axient fournit un balayage de fréquence avancé qui est affiché graphiquement et peut même stocker des données d’interrogation in situ pour une utilisation ultérieure. Et avec le mode diversité activé, le récepteur AD4QUS rejette les interférences RF qui peuvent provoquer des interruptions audio dans les systèmes sans fil moins complexes.