La dernière mise à jour majeure du très populaire logiciel de correction de hauteur d’Antares est arrivée, offrant une suite de toutes nouvelles fonctionnalités, ainsi que des améliorations des capacités existantes et un certain nombre d’améliorations de l’interface graphique.

Auto-Tune Pro 11 comprend un lecteur d’harmonie intégré qui permet aux utilisateurs de créer et de mélanger des harmonies à quatre parties directement à partir du plug-in. Les parties peuvent même être jouées comme un instrument grâce aux capacités MIDI. Chaque partie est équipée d’un ensemble de commandes de formants, de panoramique et de niveau, et il existe également une section principale équipée d’un égaliseur global et de paramètres d’enveloppe, de gate et de largeur.

Le nouveau « Mode graphique » comprend un ensemble étendu d’outils avec de nouveaux raccourcis clavier et des fonctionnalités de zoom et de navigation améliorées visant à accélérer le processus d’édition. La société a également introduit un nouvel assistant de mode graphique qui fournira des conseils aux nouveaux utilisateurs. Sur la base des commentaires des utilisateurs, le mode graphique et le mode automatique ont également reçu une interface graphique mise à jour qui promet une lisibilité améliorée et une facilité d’édition.

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Enfin, les capacités de mappage MIDI d’Auto-Tune ont été repensées pour améliorer le processus d’attribution des commandes de plug-in aux surfaces matérielles.

Auto-Tune Pro 11 est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou 11 et sur les Mac exécutant macOS 11 ou version ultérieure. Des versions de plugins VST3, AU et AAX sont disponibles. Auto-Tune Pro 11 est disponible dès maintenant avec un abonnement Antares Auto-Tune Unlimited (25 $/mois) ou une licence perpétuelle (460 $). Vous pouvez également utiliser Auto-Tune Pro 11 gratuitement pendant une assez longue période. Plus de détails sur le site officiel: Antares.

Le dernier ajout à la série Acqua Acustica rassemble trois plug-ins distincts qui, selon la société, reproduisent le comportement sonore d’une gamme de consoles d’enregistrement britanniques haut de gamme. Acustica Sand 4 Ultra est un ensemble de plugins basés sur la technologie Hyper et le nouveau moteur Aria.

Sand 4 EQ Ultra est un égaliseur à quatre bandes qui comporte également des filtres passe-haut et passe-bas et est livré avec plusieurs options de préampli. Les bandes basses et hautes comportent des commandes de gain et de fréquence de ± 18 dB, tandis que les bandes basses et moyennes comportent des commandes de gain de ± 21 dB ainsi que une fréquence et un Q réglables, et le grand écran fournit une indication visuelle de la courbe d’égalisation résultante et peut être interagi directement avec pour contrôler les paramètres du plugin.

Le Sand 4 Comp Ultra se concentre sur la compression, offrant deux modes commutables (Comp A et Comp B) qui émulent les sections de compresseur de canal et de bus de la console populaire. Une variété de commandes sont proposées : paramètres d’attaque et de maintien de relâchement réglables, contrôle de liaison stéréo variable, fonctionnement Mid-Side et une commande permettant de basculer de manière transparente entre la compression, la limitation et la saturation.

— Voir également : Slate Digital SD-PE1 – un nouveau module de style Pultec —

Enfin, il y a le Sand 4 Hyper Channelstrip, qui offre à la fois la compression et l’égalisation dans un seul plug-in, ainsi que des paramètres personnalisables de pré-harmoniques et de propagation (stéréo).

Sand 4 Ultra est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou 11 et les Mac exécutant macOS 10.15 et supérieur. Des versions de plugins VST, VST3, AU et AAX sont disponibles. Le Sand 4 Ultra est disponible dès maintenant et a un prix de lancement de 79 € jusqu’au 21 mai 2024. Plus de détails sur le site officiel: Acustica.

Le Virtual Mix Rack de Slate Digital fournit aux utilisateurs un rack enfichable de type série 500 et offre une large sélection de modules virtuels qui peuvent être librement disposés dans n’importe quel ordre pour former des chaînes de traitement personnalisées. Le dernier plugin à rejoindre les rangs est le SD-PE1, qui apporte au jeu le son du célèbre égaliseur passif de Pultec.

Le SD-PE1 est avant tout un contrôle en plateau haute fréquence qui fournit une atténuation à pente fixe à cinq fréquences sélectionnables, avec de nouveaux paramètres de 3 et 30 kHz ajoutés aux options de 5, 10 et 20 kHz de l’unité d’origine. Viennent ensuite les paramètres Treble et Bass, tous deux combinés avec des paramètres Atten et Boost séparés qui vous permettent de créer les courbes d’égalisation uniques de Pultec. Slate Digital a également ajouté quelques nouvelles fréquences à chacune de ces bandes : la bande supérieure offre un choix de 1, 2, 3, 4, 5, 8, 10, 12 ou 16 kHz, tandis que la bande inférieure offre 20 kHz. , 30, 40, 60. 70 et 100 Hz. Il existe également un paramètre Bande passante, qui modifie le facteur de qualité de la plage des hautes fréquences.

Si les plages fixes s’avèrent trop restrictives même avec des options supplémentaires, tout n’est pas perdu : l’entreprise a inclus un paramètre qui permet de régler les contrôles de manière incrémentielle plutôt que par étapes, permettant ainsi un contrôle plus précis. Une autre option unique au plugin se trouve en haut de l’interface graphique sous la forme d’un interrupteur marche/arrêt du combiné. En raison de sa conception passive, l’équipement d’origine utilisait un étage amplificateur à tubes pour faire correspondre le niveau de sortie au niveau d’entrée, tout en ajoutant une « couleur » supplémentaire au son, un effet modélisé dans la prise. En utilisant la commande Tube, vous pouvez contourner l’effet et obtenir un son plus propre et moins saturé tout en conservant le même niveau de sortie.

— Voir également : 7 appareils d’enregistrement matériels à essayer en 2024 ! —

SD-PE1 est pris en charge sur les ordinateurs exécutant Windows 10 ou 11 et sur les ordinateurs Mac exécutant macOS 10.15 et versions ultérieures. Les versions de plugin disponibles sont VST2, VST3, AU et AAX.

Le Slate Digital SD-PE1 est disponible dès maintenant avec une licence perpétuelle pour 149 $. Il est également disponible dans les formules d’abonnement All Access Pass et Complete Access.

Les flux de travail d’un programme musical moderne nous encouragent à enregistrer d’abord, puis à déterminer quoi en faire, tandis que la tranche de console de l’enregistrement matériel rappelle l’époque plus simple où il fallait d’abord choisir les paramètres appropriés, puis enregistrer. Voici sept de nos boîtes préférées pour créer de superbes sons qui vous aideront à démarrer rapidement.

Pourquoi utiliser des tranches de console ?

Que cela se produise avant ou après l’enregistrement, un certain temps doit être consacré au traitement de l’audio. Cela se produit le plus souvent pendant un mixage, en particulier lorsque le temps passé en studio dans une salle de suivi décente est limité. De cette façon, les mélanges peuvent tirer pleinement parti du traitement requis lors du travail tel que construit (ITB).

Dans d’autres situations, par exemple lorsque le temps est moins limité ou lorsque les sources ne changent pas trop (par exemple lorsque vous travaillez avec des clients réguliers ou lors d’un auto-enregistrement), un enregistrement traité peut être une bonne idée. En fait, avant l’avènement des DAW, de nombreux ingénieurs préféraient enregistrer de cette façon, et certains le font encore.

Certains DAW et mélangeurs DSP front-end vous permettent en fait d’enregistrer avec un traitement de plug-in audio inséré (la plupart des DAW nécessitent toujours un routage manuel pour y parvenir). Dans les salles plus grandes, un flux de travail de console matérielle est souvent utilisé à la place, utilisant le traitement des canaux de carte en entrée.

Pour les maisons de disques qui n’utilisent pas de console, une tranche de console d’enregistrement matériel est un autre moyen de faciliter le travail des ingénieurs qui aiment enregistrer des sons finis. Combinant souvent un ampli micro avec compression et égalisation, ils ont beaucoup de points communs avec leurs cousins ​​verticaux et permettent de réduire le temps de « configuration » lorsqu’il s’agit de mixer. Nous avons rassemblé ici certains de nos boîtiers préférés pour donner aux ingénieurs la possibilité de retrousser leurs manches et de produire un son impeccable dès le départ.

1. Manley CORE Reference Channel Strip

Beaucoup de ceux qui liront cet article connaîtront les vénérables étagères bleu pâle de Manly. Bien que la société soit connue pour ses compresseurs et égaliseurs, elle fabrique également des canaux d’enregistrement haut de gamme avec une marge élevée, comme celui-ci : la tranche de console de référence CORE. Il possède de nombreuses qualités de lampes et de transformateurs que beaucoup associent aux grands, y compris des nuances tonales de type LP qu’il serait difficile d’obtenir avec une simple interface économique avec un DAW.

Le signal est alimenté via un transformateur d’entrée MANLEY IRON à remontage manuel, qui alimente ensuite une implémentation de la topologie de circuit Manley Classe A trouvée dans le VOXBOX et d’autres modèles de la gamme. La disposition du panneau avant 2U est bien espacée et convient à la plupart des studios qui ont le budget nécessaire pour en acheter un. Il est intéressant de noter que la compression a lieu avant l’étage amplificateur pour maintenir le trajet du signal aussi court et silencieux que possible.

2. Heritage Audio BritStrip

Fidèle à l’ambiance classique, notre prochain choix est un hommage à part entière à Neve. Si vous n’êtes pas familier avec le Neve 1073 original, les ingénieurs en deviennent toujours fous grâce à sa brillance majestueuse et discrète de transformateur de classe A qui est apparue sur d’innombrables disques vendus à des millions de dollars.

Le BritStrip combine un préampli micro de style 1073, un égaliseur 73 avancé, une entrée numérique discrète de classe A et un compresseur à pont de diodes de style Neve.

3. API TCS II

API est une marque américaine de consoles connue pour son son puissant et percutant, ainsi que pour un certain nombre d’innovations qui ont été adoptées par l’ensemble de l’industrie. Beaucoup de gens connaissent le format de la série 500 de la société, mais ce que vous ne savez peut-être pas, c’est qu’il existe depuis la fin des années 1960. Depuis lors, les chaînes des consoles sont devenues le support de nombreux enregistrements emblématiques des studios du monde entier.

TCS-II est la deuxième itération du système API TCS (The Channel Strip) qui a fait ses preuves, qui consolide le canal d’entrée actuel de la console API dans un seul espace rack. À partir du préampli micro 512c, les entrées sont traitées par un compresseur TCS 527A équipé d’un circuit API THRUST. L’égaliseur 550A complète trois améliorations d’enregistrement avant d’atteindre la console API 325 Line Driver. Pour ajouter du luxe au grand format, les sections compresseur et EQ peuvent être commutées pour le pré- et le post-traitement, augmentant ainsi la flexibilité du TCS-II. TCS-II n’est pas une mise à jour complète, mais plutôt une révision douce due à l’introduction de l’étage 527A, ainsi qu’à une mesure et un contrôle améliorés.

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4. PreSonus Studio Channel

Notre prochaine cassette montre simplement que l’enregistrement de sons prêts à être mixés n’est pas réservé à ceux qui ont les poches profondes. PreSonus continue d’étendre son DAW Studio One avec une gamme d’appareils de type mixeur, mais sa gamme comprend également son intelligemment nommé Studio Channel. Ce modeste boîtier de montage en rack contient peut-être le plus de fonctionnalités de toutes les tranches de console de cette liste, malgré sa taille modeste 1U, qui comprend même une alimentation…

Son préamplificateur possède toutes les capacités habituelles de conversion d’entrée, plus un étage à lampes avec entraînement à tube contrôlé pour une certaine amplification des harmoniques. Le puissant compresseur VCA peut être commuté d’un côté ou de l’autre de l’égaliseur 3 bandes, qui dispose d’un contrôle entièrement paramétrique. Si vous pensez que le meilleur ou le pire élément de la chaîne dépendra toujours des décisions de l’ingénieur, cette petite boîte pourrait être une bonne affaire.

5. EMI Chandler Mic Cassette

Vers la fin de l’ère monochrome des années 1960, EMI a développé le TG12345. Les enregistrements réalisés avec cette carte ont certainement un son plus clair et plus défini par rapport aux saveurs de tubes plus douces provenant auparavant d’Abbey Road, et la cassette de micro Chandler Limited TG est l’une des choses les plus proches du son monocanal.

Ce canal à transistors se compose d’un préampli micro et d’un opto-compresseur connectable en externe avec un réglage de limite genou conçu pour émuler l’autre résident vénéré du studio, le Fairchild 660. De là, le signal va à un égaliseur Curve Bender à trois bandes, dont Le bouton de sortie sert de fader pleine bande.

6. SSL SiX Channel Strip (SiX CH)

Et maintenant, quelque chose de plus sophistiqué. Ce n’est pas que cette petite boîte à lunch de la série 500 soit tout sauf petite en termes de fonctionnalités. Le design est tiré de celui des mélangeurs de bureau SiX de SSL. De plus, tout est là : un préampli SuperAnalogue avec 72 dB de gain clair, deux bandes d’égaliseur SSL classique avec commutation cloche/étagère et un compresseur à liaison directe à un seul bouton avec gain automatique.

SiX Channel Strip, un proche parent du frontal utilisé dans les créations de consoles grand format de la société, constitue un excellent moyen d’obtenir un traitement évolutif et de qualité en déplacement sans avoir à agrandir votre studio pour accueillir l’ensemble de la carte.

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7. Universal Audio 6176 Vintage Channel Strip

Notre test se termine avec le Vintage Channel Strip 6176 d’Universal Audio. Universal Audio sera connu des lecteurs de blogs non seulement en tant que fournisseur de plugins audio, mais également en raison de sa bien plus grande expérience dans le domaine de la conception et de la production audio matérielle. La console 610 d’origine a depuis cédé la place au préampli micro à lampe séparé 610 et à ses variantes, mais les sons originaux du début des années 1960 peuvent toujours être entendus sur toutes les unités.

Le 6176 Vintage Channel Strip prend le 610 comme base et gifle au hasard une autre légende à l’arrière – le compresseur 1176LN FET – pour faire dans un seul paquet ce que beaucoup ont fait pendant des années avec deux unités séparées. Appareil familier dans de nombreux studios, le 6176 est la combinaison parfaite d’un amplificateur micro, d’un égaliseur simple et d’une compression FET classique, avec des bonus comme le routage Join ou Split permettant aux ingénieurs de suivre leur choix.

Le choix infini offert par une DAW peut être à la fois le meilleur et le pire pour atteindre votre objectif. De nombreux ingénieurs plus âgés affirment que moins de choix peut être bénéfique, en particulier lorsque la meilleure interface dans une chaîne d’enregistrement est l’ingénieur lui-même. Si l’intention est là dès le départ, de nombreux mix peuvent bénéficier de pistes avec traitement intégré.

Malgré davantage d’entrées, le flux de travail éprouvé de la console reste l’un des meilleurs moyens de charger simultanément une variété de sons sculptés dans votre DAW. Cependant, pour les petits projets, une bande autonome de canaux d’enregistrement peut être la solution idéale pour permettre à vos pistes d’apparaître entièrement formées à l’écran. Que vous cherchiez activement à optimiser votre mix avec des sons pré-affinés ou que vous essayiez simplement de surmonter la « phobie de l’engagement », enregistrer avec un nouvel outil pour inspirer vos mix pourrait être exactement ce dont votre flux de travail a besoin.

On ne peut nier les progrès de la technologie d’enregistrement au cours des 50 dernières années. Ce avec quoi nous devons travailler maintenant est généralement meilleur et moins cher. Ceux qui écoutent des morceaux des années 70 et 80 commencent à regretter qu’il n’existe pas d’équipement aussi avancé qu’aujourd’hui. Mais vous remarquerez peut-être que la qualité du temps dépasse souvent les limites de l’équipement, et on se demande si la qualité d’enregistrement s’est vraiment améliorée en 50 ans ?

La fin du 20e siècle a vu l’apogée de la technologie analogique, avec des studios d’enregistrement dotés d’énormes consoles de mixage et de magnétophones aussi capricieux que appréciés. Il s’agissait d’instruments qui capturaient les sons d’une génération, les codaient dans un support physique qui vieillissait et se dégradait avec le temps et imprégnait la musique d’une certaine chaleur.

La révolution numérique, initiée par l’introduction du disque compact au début des années 1980, promettait clarté, cohérence et commodité. Alors que les DAW sont devenus la norme à la fin des années 90 et au début des années 2000, les processus d’enregistrement, d’édition et de mixage ont subi des changements sismiques. Soudainement, les ingénieurs ont pu manipuler l’audio avec une précision auparavant inimaginable, depuis l’ajustement automatique des imperfections de hauteur jusqu’à la superposition de centaines de pistes sans perte de qualité.

Cependant, le but de cet article n’est pas de ressusciter le débat entre analogique et numérique. Examinons les avancées qui ont amélioré de manière unique le processus d’enregistrement, en tenant compte des nuances qui définissent ce que nous considérons comme « haute qualité » dans le contexte de l’audio enregistré.

Niveaux de bruit, plage dynamique et réponse en fréquence sont les trois piliers sur lesquels repose souvent la qualité technique d’un enregistrement. Un équipement moderne avec de faibles niveaux de bruit et une énorme marge vous permet d’enregistrer du moindre murmure à l’explosion la plus forte, le tout sur une seule piste. La réponse en fréquence bénéficie également de la précision numérique, offrant une gamme plus large de sons pouvant être capturés et reproduits.

Cependant, ces capacités techniques soulèvent une question pertinente : la capacité d’enregistrer avec une telle clarté et une telle portée conduit-elle automatiquement à une expérience d’écoute améliorée ? C’est là le nœud du problème. La qualité d’un enregistrement est déterminée non seulement par ses caractéristiques techniques, mais aussi par l’intention et le savoir-faire de sa création.

Le passage au numérique a démocratisé la production musicale, permettant théoriquement à quiconque de créer des enregistrements de haute qualité dans des studios à domicile. Ce changement a conduit à une explosion de créativité et de diversité dans l’industrie musicale, introduisant des genres et des artistes qui auraient pu rester inconnus à l’ère des grands studios et des gros budgets. Cependant, cette accessibilité a également conduit à une saturation du marché avec des enregistrements qui, dans certains cas, ne sont pas de meilleure qualité, voire pire, que les enregistrements réalisés il y a 50 ans.

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Et voici le problème. Indépendamment du fait que nous sommes passés d’une voiture à une fusée, au sens figuré, avec l’équipement dont nous disposons actuellement, avec le talent artistique de l’enregistrement – la compréhension de la façon de transmettre l’essence d’une performance, l’atmosphère d’un espace ou l’émotion derrière une note, est inhérente non pas à l’utilisation de l’équipement, mais à la personne qui l’utilise. Entre les mains d’un ingénieur expérimenté, même la configuration la plus simple peut produire des enregistrements d’une qualité remarquable. À l’inverse, les technologies les plus avancées peuvent échouer si elles sont utilisées sans intention ni compréhension. C’est l’approche humaine, les décisions prises sur le moment et la compréhension de la manière d’obtenir les meilleurs résultats dans l’interprétation qui déterminent véritablement la qualité de l’enregistrement.

Oui, c’est une vérité bien connue, même si c’est un cliché : c’est dans les oreilles, pas dans le mécanisme. Et comparer les enregistrements réalisés aujourd’hui avec ceux réalisés il y a de nombreuses années montre que cela est vrai.

Le rôle des ingénieurs et des producteurs

Les héros méconnus de la recherche de qualité d’enregistrement sont sans aucun doute les ingénieurs du son et les producteurs. Ces maîtres ont comblé le fossé entre la technique et l’artistique, en utilisant leurs instruments pour créer des paysages sonores qui donnaient vie à la vision de l’artiste.

À mesure que la technologie progresse, les compétences nécessaires pour réussir dans ce domaine évoluent également. Les producteurs d’aujourd’hui doivent être aussi à l’aise avec les logiciels que leurs prédécesseurs avec le matériel, combinant les principes traditionnels de l’ingénierie audio avec les possibilités illimitées offertes par les outils numériques. Cependant, quelle que soit l’époque, l’essence de leur rôle reste la même : servir la musique et réaliser la vision de l’artiste.

L’évolution de la technologie d’enregistrement au cours des cinq dernières décennies a sans aucun doute élargi les horizons de ce qui est possible en matière de production musicale. De la chaleur palpable de l’audio analogique à la précision nette de l’audio numérique, des plug-ins ou un nombre illimité de pistes, chaque avancée offrait de nouveaux outils pour capturer l’essence du son. Cependant, la leçon durable de ce voyage concerne non seulement l’équipement ou la technologie elle-même, mais aussi les personnes qui utilisent ces outils avec maîtrise et vision.

Le fait que certains des enregistrements les plus vénérés de l’histoire aient été réalisés il y a plus d’un demi-siècle en utilisant ce qui serait aujourd’hui considéré comme un équipement primitif témoigne du rôle crucial de l’ingénieur du son et du producteur. Prenez un moment pour écouter « Aux petites heures du matin » de Sinatra (1965), enregistré avant la naissance de la plupart d’entre nous – il aurait pu être enregistré hier. Ces personnes ne se contentaient pas de faire fonctionner l’équipement ; ils ont créé du son, travaillant dans les limites de leur époque pour créer des expériences sonores qui continuent de résonner auprès des auditeurs d’aujourd’hui. En bref, ils ont fait des merveilles.

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Nous savons qu’il y a de nombreux débats sur l’avenir de notre industrie avec l’avènement de l’IA. Ce débat n’est pas nouveau ; il dure depuis des centaines d’années alors que les nouvelles technologies menacent de remplacer les agriculteurs, les ouvriers d’usine et désormais les ingénieurs du son. Quand on écoute des enregistrements réalisés il y a plus de 50 ans, cela nous donne confiance. Quelle que soit la qualité de la technologie et quelles que soient les promesses qu’elle fait, l’élément le plus important dans la création d’une musique durable et percutante est et sera toujours les personnes qui dirigent le processus. Leurs compétences, leur perspicacité et leur créativité sont des facteurs indispensables qui transforment un morceau de musique simplement entendu en un véritable ressenti, nous rappelant qu’au cœur de tout grand enregistrement se trouve la touche humaine.

Le dernier ajout à la gamme de produits Neve combine le légendaire préampli 1073 avec une conversion A/D et D/A 192 kHz/24 bits, et offre une interface audio polyvalente qui promet un caractère sonore inégalé. En plus du préampli et de l’égaliseur classiques, le 1073SPX‑D comprend également des inserts symétriques, un puissant amplificateur de casque, une extensibilité ADAT et bien plus encore.

La nouvelle unité conserve le look classique du 1073, avec le commutateur de gain rouge incomparable, le contrôle fixe du gain de bande basse et une paire de doubles potentiomètres concentriques contrôlant les réglages de fréquence et de gain de bande moyenne et haute. Cela a été suivi par un commutateur progressif offrant des fréquences de filtre passe-haut de 50, 80, 160 et 300 Hz. La gamme de boutons offre des fonctions telles que la commutation d’entrée, la polarité, l’alimentation fantôme, le contournement de l’égaliseur et le contrôle du pad. Les sources micro, ligne ou instrument peuvent être connectées directement en façade grâce au connecteur combo XLR/TRS.

Les nouveautés sur le panneau avant sont un certain nombre de commandes conçues pour la fonctionnalité de l’interface, y compris un contrôle de niveau pour les sorties du panneau arrière, complété par un contrôle Blend qui vous permet de mélanger le signal direct et l’audio DAW, et un contrôle de niveau dédié pour les sorties intégrées. dans un amplificateur de casque, dont l’entrée peut être alimentée par plusieurs sources différentes. En plus de simplement coupler le 1073 avec une interface audio, le nouvel appareil a d’autres atouts dans son sac : un certain routage interne permet à la tranche de console d’être utilisée comme insert matériel dans une DAW, ainsi que comme paire d’inserts équilibrés. permettre aux utilisateurs de connecter des équipements analogiques supplémentaires.

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Le panneau arrière offre un large choix d’entrées/sorties. Une gamme de prises XLR offre des entrées micro et ligne, ainsi que des entrées et sorties de moniteur stéréo, ainsi qu’une sortie ligne, tandis que les connexions symétriques sont assurées par une paire de prises TRS quart de pouce. L’entrée BNC Word Clock est connectée à un connecteur USB-B pour la connexion d’interface, et une paire de connecteurs Toslink offrent une extensibilité ADAT dans les deux sens. Enfin, l’alimentation est fournie au connecteur XLR à cinq broches à partir d’une source externe.

« Le 1073SPX-D est une évolution naturelle de notre technologie analogique et numérique. Après des recherches approfondies, il est devenu clair qu’il n’existait aucun appareil capable d’exécuter simultanément les fonctions de traitement analogique et de conversion numérique qu’offre désormais le 1073SPX‑D. Désormais, les petits studios à domicile ou les artistes en tournée peuvent accéder au fameux son 1073 directement depuis leur ordinateur de bureau ou portable, sans avoir besoin de matériel supplémentaire. – Robin Porter, ingénieur en chef, AMS Neve.

Le modèle 1073SPX‑D est déjà disponible au prix de 2 750 $ sur les sites Internet de tous les distributeurs officiels.

Le cinquième ajout à la collection de plugins pure:bundle de Sonible utilise le traitement spectral pour éliminer le masquage de fréquence et aider à fournir une certaine séparation entre les sources concurrentes dans un mixage. Le reste de la gamme pure:unmask suit la même formule, offrant un ensemble simple de commandes conçues pour aider les utilisateurs à obtenir des résultats de niveau professionnel avec un minimum d’effort.

Le plugin peut être placé sur n’importe quelle piste nécessitant un peu d’espace pour être « coupée » et qui accepte un signal sidechain que l’utilisateur souhaite mettre en valeur. Un menu déroulant propose une sélection de profils qui adaptent le traitement en fonction du contenu du signal sidechain, l’option générique étant rejointe par des options plus spécifiques destinées au chant et à la parole, aux guitares, à la batterie, à la basse, etc.

Le traitement appliqué peut ensuite être affiné à l’aide d’un simple ensemble de quatre commandes. Le paramètre central « Démasquage » détermine la quantité totale de traitement appliqué, et le contrôle « Résolution » vous permet de déterminer la largeur des bandes de traitement spectral. Speed ​​​​modifie ensuite les temps d’attaque et de décroissance pour garantir que l’effet est optimisé pour le contenu du matériau source, et enfin le contrôle Range peut être utilisé pour limiter le traitement à une plage de fréquences plus étroite.

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pure:unmask est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou version ultérieure, et sur les Mac exécutant macOS 10.14 ou version ultérieure. Des versions de plugins VST, VST3, AU et AAX sont disponibles.

pure:unmask est disponible dès maintenant. Sonible propose actuellement le pack complet pure:bundle au prix réduit de 99 € jusqu’au 6 mai 2024. Plus de détails sur le site officiel: Sonible.

Abbey Road Studios, situé à Londres, en Angleterre, a une riche histoire en tant que l’un des studios d’enregistrement les plus célèbres au monde. Le studio a ouvert ses portes en novembre 1931 sous le nom d’EMI Studios et est rapidement devenu un lieu recherché pour les artistes et producteurs d’enregistrement. Au fil des années, le studio a fait partie intégrante des disques réalisés par certains des plus grands noms de la musique populaire, des Beatles et Pink Floyd à Kate Bush et Adele, et a également servi de lieu de tournage des musiques de films primés aux Oscars. ont été enregistré.

Plus de 90 ans se sont écoulés depuis l’ouverture du studio et Abbey Road reste toujours un élément important de l’industrie musicale. Le studio a subi de nombreux aménagements et rénovations mais a conservé son cachet et son charme d’origine. Le fait qu’autant d’artistes continuent de voyager à travers les océans pour enregistrer leurs disques à Abbey Road témoigne de l’héritage durable du studio et reste un phare d’excellence dans l’industrie musicale.

Le studio a évolué avec le temps, trouvant de multiples façons de conserver la pertinence du nom Abbey Road dans une industrie musicale en constante évolution. En outre, Abbey Road s’associe à des sociétés de logiciels de production musicale, prêtant son nom à une variété de plug-ins qui émulent le matériel et les instruments de musique trouvés en studio.

Il est logique que Spitfire Audio, basé au Royaume-Uni, qui a créé certains des meilleurs échantillons d’instruments virtuels, se soit associé à Abbey Road pour créer une multitude d’instruments logiciels dotés d’une qualité sonore et de fonctionnalités impeccables.

1. Abbey Road One

Les musiques de films enregistrées au Abbey Road Studio One incluent Le Seigneur des Anneaux, Harry Potter et bien d’autres. Grâce aux ingénieurs de Spitfire qui ont méticuleusement enregistré un orchestre de 90 musiciens dans cet espace emblématique, les compositeurs peuvent créer des partitions qui mettent en valeur l’acoustique impeccable du studio, les ingénieurs du son renommés et la diversité de la collection de microphones. Les instruments à cordes, cuivres, bois et percussions ont été échantillonnés avec le plus grand soin et intégrés dans une interface autonome.

2. Abbey Road Two

Abbey Road Two s’oriente vers des interprètes individuels, enregistrant cinq des meilleurs instrumentistes à cordes du monde. Doté de violons, d’alto, de violoncelle et de basse ainsi que d’un mélange d’équipements vintage et modernes, Abbey Road Two sonne à la fois intime et puissant, permettant aux compositeurs d’exploiter les textures sonores uniques de cet espace d’enregistrement populaire.

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3. Abbey Road Originals Jangle Box Piano

Le piano de studio Challen, qui figurait sur plusieurs enregistrements pop influents des années 60 par The Zombies, Pink Floyd et The Beatles, a été savamment enregistré par Spitfire dans leur studio Abbey Road Studio Two. L’instrument original comporte des bandes de feutre avec des pointes en laiton qui peuvent être placées entre les marteaux et les cordes, simulant le son clair et percussif d’un piano.

Spitfire a échantillonné l’instrument avec et sans bandes de feutre, afin que les compositeurs utilisant une DAW puissent créer de la musique en utilisant le son riche et chaleureux d’un Challen non modifié ou les célèbres caractéristiques lumineuses de l’instrument, affectueusement surnommé « Jangle Box ».

4. Abbey Road Originals Mrs. Mills Piano

Le deuxième studio présentait également un modèle Steinway Vertigrand surnommé « Mrs. Piano Moulins. Ce piano figurait dans les classiques des Beatles « Penny Lane » et « With A Little Help From My Friends ». L’instrument est équipé de marteaux laqués, donnant au piano sa sonorité métallique brillante caractéristique.

Le piano a été enregistré en utilisant trois configurations différentes : Les micros proches sont une paire de micros à tube allemands qui fournissent un son stéréo complet et riche. Le décor de la pièce utilise une paire de microphones omnidirectionnels espacés pour mettre en valeur l’acoustique chaleureuse du Studio Two. L’environnement vintage a été créé à l’aide d’un rare microphone AKG D19 et d’un magnétophone tout lampe.

5. Chandler Limited

Si vous souhaitez capturer l’essence des studios Abbey Road et disposez du budget nécessaire pour vous offrir le son, la clarté et la précision incomparables des équipements analogiques, ne cherchez pas plus loin que les produits Chandler Limited. Ils proposent des produits inspirés des équipements du légendaire studio d’enregistrement. Que vous recherchiez des préamplis, des égaliseurs, des compresseurs, des limiteurs ou même des microphones inspirés de l’héritage EMI/Abbey Road, Chandler Limited propose des équipements au savoir-faire et à la qualité sonore impeccables.

Le TG2 est une reconstitution du préamplificateur TG12428 utilisé dans les consoles Abbey Road à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Il convient à tout, du chant aux guitares, en passant par la batterie, les synthés, les cordes et bien plus encore. Le son est détaillé, avec des graves clairs et musicaux, et le TG2 tire le meilleur parti de chaque centimètre carré de sa petite taille, regroupant de nombreuses fonctionnalités dans un rack de la série 500, notamment des commutateurs micro/ligne et deux réglages d’impédance, des boutons pour le fantôme. mode, puissance et inversion de phase, ainsi que des boutons pour régler le gain et le niveau de sortie.

D’autres unités incluent le RS660, une brillante combinaison des compresseurs RS124 et Fairchild 660 d’EMI, et le Curve Bender EQ TG12345, qui s’appuie sur l’héritage de la célèbre console d’enregistrement TG12345. Curve Bender et Zener Limiter sont également disponibles sous forme de plugins chez Softube, et nous les utilisons souvent lors du mixage et du mastering.

6. Softube Abbey Road Brilliance Pack

Émulant les trois modules d’égalisation passifs utilisés par les ingénieurs d’Abbey Road, le Brilliance Pack de Softube comprend des outils simples et spécialisés qui aident à garantir la clarté des hautes fréquences. Les interfaces graphiques ont une sensation merveilleusement rétro et nous pensons qu’elles ajoutent une belle touche de couleur aux pistes sans jamais devenir énervées.

Le RS135 ne peut ajouter que 8 kHz, et il existe deux modules RS127 séparés (un avec un transformateur ajouté) qui peuvent augmenter ou réduire jusqu’à 10 dB à 2,7 kHz, 3,5 kHz et 10 kHz. Chacun d’eux peut aider avec presque n’importe quel élément dans le bon contexte, mais nous aimons vraiment leur jeu de guitare acoustique et la présence qu’ils apportent au chant.

— Voir également : Verve Analog Machines Essentials d’Universal Audio – Gratuit ! —

7. Native Instruments Abbey Road Drummer Collection

En collaboration avec Abbey Road Studios, Native Instruments a échantillonné des kits de batterie classiques en utilisant des techniques d’enregistrement de six époques différentes de production d’enregistrement, permettant aux producteurs et aux ingénieurs de capturer les sons de batterie qui sont apparus sur d’innombrables enregistrements des années 1920 à aujourd’hui.

Vintage Drummer propose deux kits ultra rares composés de morceaux des années 1920 aux années 1940, et ont été enregistrés à l’aide d’un équipement d’époque combiné à des circuits de signaux modernes.

Enregistré à l’aide de techniques qui ont révolutionné l’industrie de la musique populaire, 50s Drummer offre aux producteurs les sons de batterie des premiers rock’n’roll, du jazz, du rythme et du blues et de la country. Deux kits rares de Gretsch et WFL ont été échantillonnés avec du matériel des années 1950, ce qui donne un son à la fois percutant et puissant.

Alors que le rock and roll continuait de s’étendre au-delà de la musique populaire dans les années 1960, le rythme régulier du batteur commença à recevoir plus d’attention que jamais. 60s Drummer capture l’énergie brute de la décennie à travers des échantillons soigneusement enregistrés des kits Gretsch et Ludwig.

À mesure que la qualité d’enregistrement s’améliorait dans les années 1970, les tendances en matière d’enregistrement de batterie se sont orientées vers un son plus intime et plus sec. 70s Drummer comprend un kit Premier enregistré avec cette technique d’enregistrement énergique, ainsi qu’un kit Ludwig avec un son plus ouvert et plus spacieux.

La musique des années 1980 était connue en partie pour le son des tambours fermés, initialement obtenu par hasard. Le batteur des années 80 utilise un équipement de précision pour exploiter ce fameux son de pièce qui couvre d’énormes et puissants kits Slingerland et Yamaha.

Enfin, avec l’impact et les détails inégalés des productions modernes, Modern Drummer comprend des kits impeccables enregistrés à l’aide de méthodes éprouvées, résultant en un instrument virtuel idéal pour créer des batteries pour la pop, le rock, la country d’aujourd’hui et bien plus encore.

8. Waves Abbey Road Collection

En matière de traitement du signal, aucune société de plugins n’a créé autant de logiciels inspirés d’Abbey Road que Waves. L’ensemble de la collection comprend une douzaine de plugins, dont des compresseurs, des égaliseurs, des saturateurs et bien plus encore.

Abbey Road Vinyl, un outil d’émulation de vinyle vintage ultra polyvalent, comprend deux platines différentes, trois cartouches, un bras de lecture repositionnable pour modifier la réponse en fréquence et la distorsion, ainsi que le bruit, le crépitement, le wow et le flottement séduisants qui font partie du son du vinyle. Abbey Road Vinyl fonctionne très bien aussi bien sur les pistes individuelles que sur le bus mix.

J37 Tape, une émulation de la machine même qui a été utilisée pour créer d’innombrables tubes dans les années 60 et 70. Les fonctionnalités incluent trois formules de bande distinctes, deux vitesses de bande, des commandes pour les modes « wow » et « flutter », ainsi que « slap », « feedback » et « ping-pong delay ». Le J37 fonctionne bien pour ajouter des caractéristiques analogiques aux pistes individuelles, aux sous-groupes et au bus de mixage.

Les consoles REDD sont des plugins qui reproduisent les consoles REDD 17, 37 et 51 qui ont largement influencé le son des premiers disques des Beatles. Les trois consoles distinctes ont été minutieusement recréées en collaboration avec Abbey Road et disposent d’une puissante section d’égalisation ainsi que d’une saturation remarquable.

Reel ADT, qui imite le procédé inventé et utilisé par les ingénieurs d’Abbey Road pour doubler les voix sans avoir à doubler les voix. Merci à Waves d’avoir créé un plugin qui va au-delà des standards EQ, compresseur et réverbération. Nous ne pouvons pas penser à un autre outil sur le marché qui puisse faire ce que fait Reel ADT. Évidemment, cela fonctionne très bien avec le chant, mais c’est également idéal pour la guitare acoustique et les cordes.

Universal Audio a annoncé la sortie de Verve Analog Machines et Verve Analog Machines Essentials, une paire de nouveaux plugins dédiés aux effets de saturation vintage. Tous deux utilisent les techniques d’émulation renommées de la société, le premier proposant 10 modes de traitement et le second quatre. Le meilleur, c’est que la version Essentials est téléchargeable gratuitement jusqu’au 30 avril 2024.

Les deux versions du plugin ont une interface graphique simple avec un ensemble minimal de commandes. Les Verve Analog Machines prennent en charge les paramètres Drive, Tone et Warble, tandis que la variante Essentials ne comporte qu’une commande Drive. Il existe des indicateurs d’entrée et de sortie, ce dernier étant doté d’un curseur qui vous permet de contrôler le volume de sortie. Une rangée d’icônes en pointillés colorés en haut de l’interface graphique permet d’accéder à chacun des différents modes, qui vont de la saturation subtile de style bande à la distorsion au son agressif total.

Les deux versions du plugin font partie de la gamme UAD Native de la société, ce qui signifie qu’elles ne nécessitent aucun matériel Universal Audio pour fonctionner.

« Nous voulons vraiment que les gens fassent preuve de créativité avec des sons analogiques réalistes. « Verve Analog Machines offre aux producteurs de musique et aux beatmakers une élégante collection de machines qui leur permettent d’expérimenter tout, de la chaleur subtile à la destruction sonore. » – Ryan Wardell, directeur des logiciels, Universal Audio.

— Voir aussi : Waves Stream – un plugin pour échanger des fichiers audio directement depuis le programme —

Verve Analog Machines est pris en charge sur les PC exécutant Windows 10 ou version ultérieure, et sur les Mac exécutant macOS 10.15 et version ultérieure. Des versions de plugins VST, AU et AAX sont disponibles.

Verve Analog Machines est disponible dès maintenant et est proposé au prix de lancement de 99 $ jusqu’au 30 avril 2024, après quoi le plugin coûtera 199 $. Vous pouvez le télécharger gratuitement pour un essai de 14 jours sur le site officiel: Universal Audio.