Dans un passé récent, les musiciens sans contrat devaient rechercher des options sur la façon d’interagir avec les sociétés de musique pour faire entendre leur musique. De nos jours, promouvoir votre créativité auprès des masses est plus facile que jamais. Si vous souhaitez faire connaître votre nom, et que les morceaux soient entendus et génèrent des revenus, alors ce guide est fait pour vous. Nous vous expliquerons comment promouvoir votre musique sur les réseaux sociaux à l’aide de playlists.

Mais avant de commencer, rappelez-vous que chaque plate-forme a ses propres avantages distincts. Par conséquent, l’essentiel est de développer une stratégie qui combine tous ces avantages. Regardons de plus près ce sujet.

Promotion via les réseaux sociaux

La publication de pistes sur vos comptes ou groupes est loin d’être le seul moyen de montrer votre travail au monde. Franchement, vous ne pouvez pas créer un profil attrayant uniquement sur la base de vos pistes. Oui, vous pouvez avoir un son parfait avec des réglages DAW allant des égaliseurs aux délais et vibrations, mais à quoi bon si personne ne veut l’écouter ?

Construisez un château d’histoires autour de votre musique et ouvrez la voie à la communication avec votre public. Ce sont les deux aspects les plus importants de la promotion des médias sociaux.

Créer votre propre fanbase sur YouTube

YouTube est une plate-forme entièrement gratuite et fait depuis longtemps partie intégrante de l’industrie de la musique avec plus de 2 milliards d’utilisateurs. Tout d’abord, vous devez créer une « chaîne d’interprètes » qui doit avoir l’air décente et professionnelle. Déjà à partir de cette chaîne, vous pouvez partager n’importe quoi, des clips musicaux et des performances en direct aux jams, ainsi que des questions et des réponses. L’idée de base est d’avoir une variété de contenus qui peuvent être triés dans différentes listes de lecture. Se référer à des chaînes similaires est le meilleur moyen de rencontrer plus de personnes partageant les mêmes intérêts. N’hésitez plus, rendez-vous visible ! Laissez des commentaires sur leurs vidéos, soyez proactif et amical.

— Voir également: Les meilleurs plugins pour le mastering musical! —

Voici quelques étapes pour démarrer votre carrière musicale sur YouTube:

1. Créer une chaîne YouTube.
2. Approuver votre chaîne comme officielle – OAC (équivalent à un profil d’artiste vérifié sur YouTube)
3. Complétez votre flux en ajoutant une photo, une bannière, des icônes, une description, un site Web et des liens sociaux. réseaux.
4. Ajoutez toutes les chaînes associées à la section « Chaînes préférées » (par exemple, un label ou d’autres projets auxquels vous avez participé).
5. Ajoutez des sections à votre chaîne.
6. Personnalisez l’URL de votre chaîne pour qu’elle soit facile à mémoriser.
7. Rendez vos vidéos plus faciles à trouver avec des titres riches en mots clés. N’hésitez pas à ajouter des icônes, des filigranes, des balises et des descriptions.
8. N’ayez pas peur de télécharger plus que de simples vidéos musicales. Ajoutez des émissions en direct, des flux, des couvertures, des instructions, des émissions en coulisses, etc.)
9. Établissez un calendrier et suivez-le. Les chaînes sur lesquelles de nouvelles vidéos sont régulièrement publiées ont plus d’abonnés.

Rechercher des fans potentiels sur le stockage en nuage de musique

Une fonctionnalité et en même temps un grand avantage du stockage en nuage est une approche unique des commentaires. Vous pouvez laisser les fans marquer les écarts dans les pistes à l’aide de la forme d’onde. C’est une méthode fantastique pour interagir avec les auditeurs et aussi un excellent moyen de connaître leurs préférences. Engagez votre public dans les commentaires et autres activités.

Utilisez des tags, ils vous permettront de transmettre vos chansons à des auditeurs aux goûts musicaux similaires. N’hésitez pas à inclure dans le lien « acheter ». Vous pouvez également fournir une copie gratuite de votre meilleur morceau. Si les gens vous aiment en tant qu’artiste, ils auront tendance à vous aider à réussir.

Pour promouvoir votre travail sur SoundCloud, procédez comme suit:

1. Créez votre compte SoundCloud.
2. Téléchargez vos pistes là-bas.
3. Marquez les pistes avec des balises appropriées telles que le genre, l’humeur ou l’emplacement (géolocalisation).
4. Trouvez votre public cible.
5. Trouvez des chaînes qui peuvent partager votre musique, telles que des chaînes de rediffusion et de publicité, d’autres chaînes d’artistes, des labels, etc.
6. Ajoutez un lien « acheter ».
7. Commentez, cela vous aidera à obtenir les commentaires et l’intérêt de votre public.
8. Créez des œuvres qui se démarquent sur SoundCloud et partagez-les sur les réseaux sociaux. réseaux.
9. Partagez les chaînes d’autres artistes et établissez de bonnes relations avec eux.
10. Téléchargez et distribuez vos morceaux sur toutes les plateformes dont vous disposez.
11. Si vous en avez l’opportunité matérielle, essayez de promouvoir vos morceaux par le biais de la publicité, afin que plus de gens remarquent votre travail.

Astuce de pro : Avec un abonnement « Pro », vous ne perdrez pas vos commentaires, likes, statistiques et vues lorsque vous changez de piste.

Atteignez les fans potentiels sur Facebook

Facebook devrait être au centre de tout ce qui concerne votre musique. C’est un hybride de votre chaîne Youtube et de votre propre site Web. Alors utilisez-le pour vous promouvoir.

Disons que vous avez publié votre musique sur SoundCloud et YouTube. Ensuite, partagez ces informations sur Facebook. Vous pouvez tout publier, des vidéos promotionnelles et des notes de sortie d’album aux annonces et performances du groupe.

Pour commencer à promouvoir sur Facebook, vous avez besoin des éléments suivants:

1. Créez une page professionnelle, ne faites pas la promotion de la musique à partir de votre page personnelle.
2. Saisissez-y toutes les informations pertinentes, ajoutez un logo, une couverture ainsi que des contacts.
3. Ajoutez des liens vers tous vos autres sites Web musicaux.
4. Soumettez des informations sur les performances en direct et en coulisses, le travail en studio, les sorties et l’équipement.
5. Utilisez des #hashtags pour créer des séries de contenu. Par exemple, votre album préféré de la semaine ou vos instantanés hebdomadaires.
6. Créez des événements pour les concerts à venir.
7. Partagez votre musique dans des groupes pertinents.
8. Diffusez des publicités pour promouvoir les nouvelles versions, les événements et les annonces.
9. Répondre aux commentaires. Discutez avec les fans.

Listes de lecture sur les plateformes de streaming

Les services de streaming et les listes de lecture en ligne nous ont offert une nouvelle façon d’écouter de la musique. Avec un accès à des millions de chansons en un clic, les artistes ont la possibilité de diffuser leur travail à des centaines de milliers de fans potentiels.

— Voir également: VST 2 ou VST 3 – quelle est la différence et laquelle est la meilleure? —

Soumettez votre morceau à Spotify

Contrairement au social. réseaux, Spotify n’est pas une plate-forme pour communiquer avec vos fans. Cependant, lorsqu’il s’agit de promouvoir des morceaux, leurs listes de lecture sont assez efficaces. Pour y arriver, vous devez tout d’abord présenter votre musique aux éditeurs de cette plateforme.

Pour ce faire, vous devez créer un compte d’artiste Spotify et vous êtes prêt à commencer. Parmi des centaines de listes de lecture, vous pouvez choisir celle qui vous convient. Ne vous limitez pas à votre musique, créez des listes partagées avec d’autres artistes. Cela vous aidera à étendre votre portée, ainsi qu’à améliorer l’interaction avec d’autres artistes, ce qui à son tour encouragera leurs fans à mieux connaître votre travail.

Pour attirer autant de fans potentiels que possible, vous devez inclure votre chef-d’œuvre dans autant de listes de lecture pertinentes que possible. Ajouter votre musique à une liste de lecture et la répertorier peut conduire à des centaines, voire des millions d’auditeurs par mois.

1. Inscrivez-vous pour un compte d’artiste Spotify.
2. Téléchargez au moins 2 ou 3 photos de bonne qualité de vous ou de votre groupe.
3. Remplissez votre biographie avec quelque chose d’intéressant et ajoutez des liens vers vos réseaux sociaux.
4. Attachez un lien vers votre dernier single dans la section « Sélectionner un artiste ».
5. En haut de la page d’accueil, cliquez sur « PITCH FROM NEXT RELEASE » et rédigez une belle présentation pour votre playlist éditoriale.
6. Relâchez votre chanson.
7. Attachez des liens vers d’autres plateformes sur lesquelles votre chanson est téléchargée.
8. Ajoutez votre musique à plusieurs listes de lecture personnalisées qui correspondent à votre genre. N’oubliez pas que plus c’est précis, mieux c’est.
9. Créez votre propre « liste de lecture d’artistes » avec des artistes similaires et taguez-les sur les réseaux sociaux.
10. Créez régulièrement du contenu pour rappeler aux gens d’écouter.

Listes de lecture sur Apple Music

La promotion Apple Music fonctionne de la même manière que Spotify et est basée sur des listes de lecture. La première étape consiste à vous inscrire comme toujours, puis à réclamer et confirmer votre compte d’artiste. L’inconvénient d’Apple Music est que le processus de promotion sur Spotify est de plus en plus facile.

Si vous êtes un jeune artiste, vous devez traiter avec des unités approuvées par Apple. Ils téléchargeront votre musique en échange d’une récompense ou d’une part des bénéfices. Oui, le processus est très compliqué, mais les opportunités obtenues sont énormes !

— Voir également: TOP 7 des meilleurs plugins et programmes pour nettoyer le son du bruit —

Si vous avez au moins 20 albums sortis et que vous avez également un code d’enregistrement standard international et un code de produit universel, vous pouvez vous considérer en toute sécurité comme un vétéran aux yeux d’Apple et publier vos propres chansons directement dans l’application.

1. Connectez-vous à Apple Music pour les artistes à l’aide de votre identifiant.
2. Demandez un accès artiste et suivez les instructions à l’écran.
3. Ajoutez des photos, une biographie et des médias sociaux de haute qualité à votre profil d’artiste.
4. Téléchargez votre musique à l’aide d’un agrégateur tiers (commission ou pourcentage de redevance facturé).
5. Comme mentionné précédemment, si vous êtes un vétéran de la musique Apple, vous pouvez télécharger votre musique vous-même.
6. Téléchargez la pochette de votre album (les auditeurs la verront avant d’entendre votre chanson).
7. Créez votre propre liste de lecture, y compris vos propres morceaux, ainsi que des morceaux d’artistes similaires. N’oubliez pas les liens vers les réseaux sociaux.
8. Établissez et développez des relations avec d’autres propriétaires de listes de lecture.
9. Essayez d’entrer dans la liste de lecture d’Apple en vous associant à une maison de disques, un distributeur ou divers agrégateurs.

Conclusions

Alors maintenant, vous savez comment promouvoir votre musique en tant qu’artiste indépendant ! Des millions de fans potentiels attendent d’entendre vos morceaux. Certains utilisent Spotify, d’autres utilisent Youtube ou Apple Music. Pour réussir, vous devez être accessible partout. Développez une stratégie pour chaque plate-forme et profitez de toutes les fonctionnalités de base. N’oubliez pas d’avoir un produit de qualité à portée de main, et le mixage et le mastering y jouent un rôle important. Commandez ces services dans notre studio à des prix abordables. Ne restez pas assis ! Commencez à promouvoir!

Qu’est-ce que le calibrage du casque ?

Au cours de la dernière décennie, des progrès impressionnants dans la technologie de traitement numérique du signal (DSP) ont conduit à de nouvelles méthodes de contrôle de la coloration spectrale des moniteurs de studio et des écouteurs. Compte tenu du coût et de la complexité du traitement acoustique dans les studios et, dans le cas actuel, des espaces d’écoute critiques non spécialement conçus (studios de chambre, etc.), les développeurs de logiciels tels que IK Multimedia et Sonarworks ont développé des produits logiciels sympas, conçus pour « neutraliser » hypothétiquement la coloration naturelle de l’environnement acoustique.

ARC vs Sonarworks vs Nura

Les logiciels « ARC » d’IK Multimedia et « Reference 4 » de Sonarworks (ainsi que de nombreux autres) permettent à l’utilisateur de prendre des mesures avec un microphone d’étalonnage, qui crée ensuite une réponse impulsionnelle représentant les attributs spectraux de l’espace. Avec ces informations, le logiciel peut renvoyer le signal directement à la sortie du système de surveillance pour superposer de manière déconstructive des réponses en fréquence non plates.

Continuant à innover dans ce domaine, des fabricants tels que Nura de Melbourne ont développé des écouteurs qui mesurent automatiquement les signaux d’émission otoacoustique (OAE) pour cartographier la fonction de transfert du conduit auditif de l’auditeur (et traiter le signal numérique du casque).

Le Sonarworks Reference 4 possède une fonctionnalité supplémentaire par rapport aux produits concurrents : un ensemble intégré de profils d’étalonnage pour de nombreuses marques populaires d’écouteurs de référence haut de gamme et grand public. Compte tenu de l’utilisation généralisée d’espaces d’écoute de musique critiques non ciblés de nos jours, cela semble être une alternative intéressante à l’acoustique coûteuse des salles.

Par rapport au système d’étalonnage de mesure intérieure Reference 4 ou au système OAE de Nura, ces profils d’étalonnage de casque n’exigent pas que l’utilisateur effectue des mesures et ne nécessitent donc pas de microphone de mesure coûteux ou de système de surveillance embarqué complexe.

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Destruction des mythes sur la « courbe parfaitement plate », et en termes difficiles – la réponse en fréquence idéale

Les préréglages intégrés d’étalonnage du casque sonnent comme un excellent outil pour le compositeur amateur, mais comme avec la plupart des traitements de signal numérique, il y aura presque toujours des effets supplémentaires potentiellement indésirables sur la forme d’onde numérique. De plus, il est généralement admis que même la position d’un casque sur la tête peut créer une variabilité dans sa réponse en fréquence, sans parler des variations causées par les différences de taille des oreilles du casque et des oreilles du chaque individu.

Nous avons effectué une série de tests en essayant d’établir la variabilité de la réponse en fréquence due à ces facteurs. Les écouteurs ont été placés sur une maquette de tête Neumann KU100 (quelque chose comme un mannequin de crash test avec des microphones dans les oreilles). Les réponses en fréquence ont été mesurées à l’aide d’un balayage sinusoïdal dans une chambre anéchoïque.

Pour chaque mesure, les écouteurs ont été retirés puis remis sur les fausses oreilles. Le graphique ci-dessous montre la variation d’une paire de Hifiman He400i avec dix réinitialisations par oreille (le graphique bleu correspond aux lectures de l’oreille gauche, le graphique rouge correspond à l’oreille droite).

Il n’y a pas seulement un énorme écart entre les mesures, mais un écart encore plus grand entre les conducteurs gauche et droit. Dans ces conditions, comment est-il possible qu’un seul profil d’étalonnage de casque, adapté et proposé à tous, soit efficace pour créer la réponse fréquence-amplitude idéale dans notre cas particulier ? Nous pouvons conclure que les profils présentés sont quelque chose de moyen et que chaque paire doit être mesurée individuellement (au fait, vous pouvez acheter des écouteurs déjà calibrés chez Sonarworks, rechercher des modèles et des prix sur leur site Web).

A titre de comparaison, la courbe d’étalonnage de référence fournie par Sonarworks pour le même casque est la suivante…

Pas tout à fait le même ?

Booster les basses ou ne pas booster ?

En regardant la réponse en fréquence documentée de n’importe quel casque fermé ou ouvert, il devient évident :

Les petits pilotes de casque, qu’ils soient dynamiques ou magnétiques planaires, ne peuvent vraiment pas reproduire le son dans le bas du spectre de fréquences. Comme la plupart des producteurs de musique le savent, il est beaucoup plus facile de générer un son basse fréquence avec un diaphragme plus grand et des haut-parleurs plus profonds qu’avec de petits haut-parleurs peu profonds.

Pour un de mes casques préférés, le Sennheiser HD600, Sonarworks corrige 20-50Hz à 10dB. Quiconque a déjà essayé de mettre trop de basses sur un haut-parleur Bluetooth portable sait comment cela se passe, alors pourquoi devrait-il en être autrement pour les pilotes de casque ? Essentiellement, en raison de la surcharge de la plage 20-50 Hz, un comportement non linéaire ou une distorsion se produit lors de la reproduction du son par le conducteur.

Dans l’image ci-dessus, vous pouvez très clairement voir le pic principal (à l’extrême droite) puis le premier, le deuxième, le troisième, etc. harmoniques vus de droite à gauche. Ceci est une conséquence directe de la surcharge du signal basse fréquence pendant l’étalonnage.

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Qu’est-ce que ça veut dire?

En tant que producteurs, nous sommes habitués à utiliser la distorsion et la saturation comme outils créatifs. Si nous devions analyser le spectre de fréquence avant et après l’utilisation d’un module de distorsion ou d’un appareil externe dans le signal, vous remarqueriez très rapidement l’apparition de pics harmoniques après l’application de la distorsion.

Pensez-y maintenant en termes de signal global lu par votre casque.

Le but de la technologie de calibrage est de corriger les crêtes et les vallées afin d’obtenir une réponse en fréquence plus plate, mais en conséquence directe, d’amplifier les vallées de basse fréquence où nous créons par inadvertance un nouveau contenu de fréquence moyenne-haute. Le contenu non linéaire est difficile à prévoir et presque impossible à corriger, ce qui ruine votre audio soigneusement conçu. Quelles sont alors les vraies solutions ?

Les mordus de logiciels et les puristes auront des opinions différentes sur les meilleures alternatives.

De toute évidence, le traitement des pilotes de casque de cette manière créera des artefacts de signal indésirables. Alors que les gammes inférieures et supérieures du spectre auditif humain montrent des variations et une éventuelle distorsion dans la reproduction audio du casque, il est possible de cibler uniquement les fréquences moyennes pour réduire l’effet de la coloration physique naturelle, mais ne pas gérer les très hauts et les bas où des problèmes surviennent. .

Cela semble être la seule gamme de fréquences raisonnablement cohérente et non affectée par d’autres produits qui peuvent être améliorées par l’utilisation de la technologie de traitement numérique du signal.

Pour ce faire, Reference 4 offre la possibilité d’ajuster la courbe de référence en fonction de vos préférences individuelles. Créez votre propre courbe en ajustant les paramètres « bass boost » et « slope » jusqu’à ce que le traitement minimum s’applique à ≤ 100 Hz et ≥ 6000 Hz.

Cependant, avec cette option, il est très difficile d’obtenir la courbe de correction exactement comme vous le souhaitez, ce qui conduit au point final.

— voir également: Organisation des câbles dans un studio d’enregistrement. Économisez de l’espace de travail —

Alors pourquoi est-ce vraiment nécessaire ?

Pourquoi même traiter le son dans les écouteurs pour essayer d’obtenir une réponse en fréquence plus plate ?

En tant que producteurs en herbe, on nous dit d’étudier les haut-parleurs, d’étudier l’espace d’écoute, de connaître les avantages et les inconvénients de l’environnement acoustique dans lequel nous sommes immergés, alors pourquoi devrions-nous créer un tout nouveau monde coloré pour que nos oreilles se réaccordent ?

Les modes de salle (calibrage du moniteur de studio) peuvent créer de grands pics à certaines fréquences qui masquent d’autres fréquences, créer des problèmes dans notre mix, etc. La principale différence, cependant, est que les modes de salle peuvent être mesurés à l’aide de microphones d’étalonnage, dont les mesures au niveau du consommateur sont assez précises. Cependant, dans le domaine des écouteurs de référence, les pics et les creux auxquels nous sommes confrontés sont incommensurables.

Nous nous appuyons sur des moyennes qui ne tiennent pas compte des différences entre la conception du casque, la forme de l’oreille et la position de la tête. Nous savons également que le Hifiman HE-400i a un plongeon étrange dans la région 2k et cela ne nous fait pas moins les aimer. De tout cela, exprimons une opinion dépassée – vous devez arrêter de jouer avec les profils d’étalonnage des écouteurs et simplement écouter autant de musique que possible dans vos écouteurs jusqu’à ce que vous ne fassiez qu’un avec eux. Comparez votre travail avec d’autres artistes du même style, testez A-B des zones sélectionnées et rappelez-vous que l’utilisateur final de votre travail n’écoutera presque certainement pas de musique avec une paire d’écouteurs de référence à 2 000 $.

L’idée d’une courbe parfaitement plate est amusante, mais elle crée certainement plus de problèmes qu’elle n’en vaut la peine. Que pensez-vous du calibrage du casque ? Partagez l’article sur les réseaux sociaux et marquez nos profils avec des réflexions sur ce sujet.

Aujourd’hui, les producteurs musicaux sont autant des créateurs de contenu que des compositeurs : publicité, séries, vidéos YouTube et artistes indépendants achètent des beats partout. En France, la demande pour des instrumentaux adaptés au rap francophone, trap, pop urbaine et musiques pour vidéos est en croissance — et vos fichiers dormants sur le disque dur peuvent se transformer en revenus réguliers si vous choisissez bien la plateforme et la licence.

Dans cet article, nous passons en revue 8 plateformes — de celles axées corporate à celles idéales pour les artistes et rappeurs — avec des conseils concrets pour optimiser votre visibilité depuis la France.

Commande de mixage et mastering — AREFYEV studio

Vous voulez que vos beats sonnent professionnels et compétitifs sur les plateformes ? Commandez le mixage et le mastering chez AREFYEV studio — qualité audio élevée, savoir-faire professionnel et expérience confirmée. Prix spécialement adaptés pour la France, inférieurs aux tarifs du marché sans concession sur le rendu sonore. Livraison rapide, fichiers prêts pour la vente (WAV + MP3 optimisé), facturation en euros. Contactez-nous pour un devis personnalisé et une remise spéciale pour les producteurs qui vendent leurs beats en ligne.

1. Audiodraft — pour projets corporate et branding audio

Audiodraft est une solution axée sur l’audio branding et les besoins des agences et entreprises : commandes sur mesure, sélection par équipe éditoriale et licences professionnelles. La plateforme travaille avec un large réseau de producteurs et experts audio (env. 20 000 membres), ce qui en fait une option à considérer pour des missions de grande envergure.

Points clés pour la France :

• Visez la case « licence exclusive pour publicité / film / usage TV en France ».

• Proposez tarifs en euros et précisez la durée de la licence (1 an, 2 ans, perpétuelle).

• Mentionnez la possible adaptation au marché francophone (voix off FR, références culturelles françaises).

2. Sellfy — votre boutique personnelle pour vendre des beats

Sellfy permet de créer une boutique numérique clé en main (produits illimités, marketing intégré). C’est idéal si vous voulez contrôler votre marque et vendre en euros sans commission prélevée par la plateforme. Les offres et tarifs sont adaptés aux créateurs et incluent outils d’emailing et analytics.

Avantages pour les producteurs en France :

• Fixez vos prix en € et intégrez PayPal/Stripe (paiements locaux).

• Utilisez la personnalisation pour afficher mentions légales et TVA françaises.

• Investissez en SEO on-page : titres en FR, H1 « beats à vendre France », description produit en français (optimiser pour « licence beat France », « beat pour rap FR »).

— Voir aussi : 10 meilleurs plugins d’accordage vocal à essayer! —

3. Traktrain — la vitrine pour beatmakers orientés hip-hop / trap

Traktrain met en relation producteurs et artistes urbains (rappeurs, chanteurs). Plateforme simple d’utilisation pour vendre ou louer des beats, avec plans gratuits et versions payantes pour plus de fonctionnalités.

Conseils France :

• Étiquetez vos beats en français et en anglais (ex. « beat trap FR », « instrumental pour rap français ») pour capter artistes locaux et internationaux.

• Proposez packs « artiste français » (incl. stems, instrumental + accord vocal, options de modification).

4. SoundClick — historique et orienté rap / hip-hop

SoundClick est l’un des pionniers des marketplaces de beats (existant depuis 1997) et reste pertinent pour les producteurs cherchant une audience de rappeurs et vocalistes. Vous pouvez y démarrer gratuitement et monter en plan pour éviter commissions.

Astuce SEO pour la France :

• Créez une page « Beats pour rap français » et proposez exemples d’utilisation (morceau-démo avec paroles en français).

• Sur SoundClick, mettez des balises et descriptions en FR pour être trouvé par artistes hexagonaux.

— Voir aussi : 10 plugins VST les plus populaires de 2018! —

5. BeatStars — communauté, collaboration et monétisation streaming

BeatStars est orienté vers la collaboration (producteurs ↔ chanteurs ↔ auteurs) et propose des formules qui permettent au producteur de conserver 100 % des ventes sur certains plans. La plateforme intègre outils pour le streaming et la monétisation.

Pourquoi la préférer si vous êtes en France :

• Idéale si vous collaborez souvent avec artistes francophones.

• Utilisez tags bilingues (ex. « beat français », « instrumental France ») et proposez packs spécifiques pour artistes francophones (accrédits en FR, contrat de cession en français).

6. PremiumBeat — musique premium pour TV, films et pubs

PremiumBeat, soutenu par un grand acteur du marché du stock (Shutterstock), s’adresse aux compositeurs recherchant usages premium (TV, publicité). Les licences sont clairement définies (standard / premium) et la sélection est exigeante.

Stratégie locale :

• Si vous ciblez productions françaises (séries, pubs), spécifiez « licence pour diffusion nationale FR » et proposez stems propres pour adaptation locale.

• Indiquez références ou projets antérieurs (ex. placements sur projets EU) pour crédibilité.

— Voir aussi : 5 meilleurs plugins pour changer le formant de la voix —

7. AudioJungle (Envato) — large reach pour usages marketing et corporate

AudioJungle (réseau Envato) est une grande place de marché pour musiques et effets sonores, utilisée par entreprises et créatifs. Le volume d’activité y est très élevé (statistiques publiées par la communauté et analyses du secteur indiquent des dizaines de millions de transactions cumulées), ce qui traduit un marché vaste mais concurrentiel.

Conseils pour la France :

• Ajoutez mots-clés ciblés : « musique de fond France », « jingle pub France », « musique corporate FR ».

• Rédigez descriptions de pack en français et fournissez instructions de licence claires (usage web, TV, radio en France).

8. Pond5 — large marketplace multimédia (vidéo + audio)

Pond5 a démarré dans la vidéo stock et s’est étendu à l’audio : il permet de vendre ou louer des beats à une audience de producteurs vidéo et marketeurs. Les modalités de rémunération pour contributeurs sont publiques : pour l’audio, le taux de redevance se situe autour de 30 % pour la plupart des médias (vérifier selon type et exclusivité).

À savoir pour le marché français :

• Pond5 est pertinent si vous ciblez créateurs vidéo (YouTubers FR, agences marketing).

• Proposez packs optimisés pour format vidéo (boucle, version courte, stems) et mentionnez « optimisation pour YouTube FR » dans la fiche produit.

Comment choisir la bonne plateforme selon votre profil (France)

1. Vous voulez travailler avec des agences / films / TV : Audiodraft, PremiumBeat, AudioJungle. (présentation corporate, licences pro).
2. Vous vendez à des artistes / rappeurs / chanteurs indépendants : Traktrain, SoundClick, BeatStars.
3. Vous préférez contrôler votre boutique et votre image : Sellfy (vendez en euros, sans commissions plateforme).
4. Vous ciblez créateurs vidéo (YouTube, pubs) : Pond5, AudioJungle.

Il n’existe pas une seule « meilleure » plateforme : le bon choix dépend de votre objectif — revenus passifs et grand public (AudioJungle, Pond5), collaborations et marché urbain (Traktrain, BeatStars, SoundClick), ou clientèle corporate (Audiodraft, PremiumBeat). Si vous privilégiez contrôle de marque et ventes directes, créez votre boutique Sellfy et combinez-la avec une présence sur marketplaces pour maximiser l’exposition.

Que vous fassiez des beats pour vous amuser ou que vous essayiez de vous consacrer sérieusement à la production musicale, beaucoup considèrent le hip hop comme le genre le plus reconnaissable et le plus accessible qui inclut tous ses formats et sous-genres, en particulier trap, boom-bap, lo-fi, west côte et forage rap. . Cet article doit être considéré comme une ressource utile pour les créateurs de hip hop qui souhaitent améliorer et élargir leurs connaissances d’une manière ou d’une autre. Ces cours devraient également être un bon point de départ pour ceux qui lisent à partir de zéro.

MASTERCLASS: TIMBALAND TEACHES PRODUCING & BEATMAKING

Idéal pour ceux qui veulent créer une variété de sons modernes et même vintage d’un producteur qui a été dans le courant dominant de 1996 à aujourd’hui et continue de créer des tubes.

Timbaland est une légende absolue dans la communauté hip hop, son premier grand travail a été de produire Ginuwine et Aaliyah en 1996, Timbaland était également responsable du premier album de Missy Elliott et d’autres singles comme Justin Timberlake – Cry Me a River. Il continue de travailler avec des artistes tels que Jay-Z, Drake, Rihanna et Ludacris, ainsi que d’autres personnalités célèbres.

La Masterclass de Timbaland consiste en les 12 « étapes » qu’il juge nécessaires pour devenir un producteur à part entière. Ils couvrent tout, des bases à l’expérimentation d’idées et d’exemples de paramètres. Dans ce cours, vous trouverez des étapes constructives et créatives qui l’ont conduit à d’excellents résultats.

Site Internet: MASTERCLASS.

CAPSUN: MASCHINE HIP HOP & TRAP BEAT DESIGN

Bien que ce cours soit principalement destiné aux personnes utilisant Native Instruments Machine, de nombreuses vidéos contiennent des connaissances précieuses, surtout si vous mettez la main sur la configuration d’un kit de batterie MPC ou Ableton Live. Le cours est dédié à « l’immersion profonde » dans les subtilités des réglages et l’amélioration des samples de batterie. Capsun vous montrera comment créer des rythmes à partir de moyens improvisés, parlera en détail du MIDI et du séquenceur. Capsun crée actuellement des packs de sons pour des sociétés audio et d’échantillons telles que Splice, Native Instruments, Akai Pro/MPC, Producertech, Loopmasters et Novation.

Site Internet: MASCHINE HIP HOP.

CAPSUN: CHILL TRAP & FUTURE BASS PRODUCTION

Ce cours diffère du cours de conception de rythmes en ce sens qu’il comprend beaucoup plus de contenu concernant la construction et le jeu réels. En particulier, cela aide à apprendre les principes de Trap et de Future Bass, qui ont ensuite émergé du hip-hop. Le cours vous permettra de mieux comprendre comment créer des rythmes vocaux, créer des mélodies, des accords, des lignes de basse et utiliser toutes sortes d’instruments. En fin de compte, ces leçons sont une excellente continuation du cours précédent.

Site Internet: CHILL TRAP.

— Voir également: Organisation des câbles dans un studio d’enregistrement. Économisez de l’espace de travail —

LE MANUEL COMPLET DE PRODUCERTECH POUR MACHINE MKIII

Le guide est un aperçu détaillé de toutes les fonctionnalités du dernier contrôleur matériel de Native Instruments dans leur célèbre série de contrôleurs Maschine, et cette fois c’est le MK3. Enseigné par Rob Jones du Manor Studio dans l’Essex, au Royaume-Uni. Rob a produit de nombreuses chansons qui ont eu du succès dans le top 40 mondial et en tant que multi-instrumentiste extrêmement ouvert et talentueux, il fait intelligemment ressortir tout le potentiel de cet appareil. Rob est également un Ableton Live Trainer entièrement certifié.

Site Internet: PRODUCERTECH.

ÉCRITURE HIP-HOP : COMMENT ÉVITER LES CLICCHES DE SAMMUS

Pour ceux qui veulent créer leur propre son unique plutôt que de poursuivre quelque chose de « moderne aujourd’hui », ou pour ceux qui veulent sortir de la médiocrité dans laquelle ils peuvent rester coincés ; ce parcours depuis Enongo Lumumba-Kasongo vaut le détour.

Enongo alias Sammus est une penseuse fantastique connue pour son approche intellectuelle de l’écriture de chansons et des paroles issues de son approche créative et méthodique qu’elle partage tout au long du cours. Le beatmaking est une chose, mais créer des arrangements intelligents, des crochets, des voix et de la pensée en est une autre.

Enongo Lumumba-Kasongo est animatrice, rappeuse, compositrice, productrice et travaille actuellement sur son doctorat à l’Université Cornell. Sammus a travaillé sur des projets pour des groupes tels que NOISEY, Afropunk, VICE, Impose Magazine et bien d’autres. Ce qui est indiqué dans ce cours vidéo est ce qu’elle utilise pour créer des pistes et ce qu’elle enseignera dans ce cours détaillé de hip-hop.

Site Internet: SAMMUS.

— Voir également: Les meilleures tablettes pour faire de la musique en 2022 ! —

BLUEPRINT TO BEATMAKING : UN SYSTÈME DE CRÉATION HIP-HOP ÉTAPE PAR ÉTAPE

Kia Orion est une productrice talentueuse qui a fondé Beat School en 2016, une plate-forme en ligne bien connue pour enseigner aux nouveaux producteurs comment créer du hip-hop et d’autres styles de musique électronique. Kia aime enseigner la musique autant qu’elle aime la faire. Il a récemment introduit son propre système en 3 étapes pour vous aider à commencer à créer des rythmes le plus rapidement possible.

Ne vous laissez pas berner par la « simplicité en trois étapes » de tout cela. Ces trois étapes couvrent 40 leçons individuelles (pour un total de 3 heures) et des cours qui vous apprennent la meilleure façon de travailler avec votre DAW (Digital Workstation) d’une manière qui vous donne confiance et utilise vraiment chaque élément technique et artistique. Ce cours est l’un des meilleurs pour les beatmakers débutants.

Site Internet: BLUEPRINT TO BEATMAKING.

MÉLANGE AVEC UN JEUNE GOUROU

Tout au long de sa carrière, Young Guru s’est forgé la réputation d’être l’un des ingénieurs du son et du mixage les plus renommés de la musique contemporaine. Travaillant avec des artistes tels que Jay-Z, Beyonce, Drake et Kanye West, Young Guru a reçu plusieurs nominations aux Grammy Awards pour son travail.

Ce cours en ligne est divisé en quatre sections qui incluent des vidéos et du matériel exclusifs répartis dans les leçons suivantes:

• Organisation du mixage – travailler avec les composants de base, y compris la station de travail audio numérique [DAW], les pistes et les commandes, et comment organiser de manière optimale toutes les informations audio et les instruments pour accomplir la tâche à accomplir ;
• Détermination des niveaux – comment organiser les niveaux selon la vision de l’artiste de la chanson ;
• Ajout d’effets – comment travailler avec des effets de base tels que des phasers, des amplis, des réverbérations et des retards, et comment créer un espace négatif ;
• Équilibre tonal – comment reconnaître quand l’équilibre tonal parfait a été atteint.

Site Internet: YOUNG GURU.

Qu’est-ce qu’ADAT ? Dans cet article, nous examinerons l’histoire de l’ADAT au fur et à mesure de son évolution d’un appareil d’enregistrement numérique à un port d’extension optique.

Histoire

Alors que nous associons le mot ADAT de nos jours à un petit connecteur carré, parfois avec une petite lumière rouge au milieu, ce n’était pas toujours ce que nous pensions lorsque le mot ADAT était mentionné dans les cercles professionnels.

L’ADAT est apparu pour la première fois à l’horizon en 1991, lorsqu’au NAMM 1991, Alesis a annoncé un enregistreur audio numérique à 8 pistes basé sur des cassettes S-VHS, qui était plus couramment utilisé pour l’enregistrement vidéo. L’enregistreur ADAT (Alesis Digital Audio Tape) et son parent plus cher, le Tascam DA88, qui utilisait des bandes Hi-8, avaient à l’époque un certain nombre de fonctionnalités avancées. Chaque machine pouvait gérer 8 pistes d’audio numérique, et plusieurs machines supplémentaires pouvaient être connectées pour augmenter le nombre de pistes enregistrées. À cette époque, ils avaient un impact énorme sur l’ensemble de l’industrie.

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Plusieurs modèles différents ont été publiés au fil des ans. Tout a commencé avec l’ADAT original (également connu sous le nom de Blackface) et l’ADAT XT, qui utilisaient tous deux le format ADAT Type 1 et enregistraient en 16 bits. Les modèles ultérieurs, les XT-20, LX-20 et M-20, offraient un enregistrement 20 bits et utilisaient le format ADAT Type II. Chaque appareil fonctionnait avec le même support de bande S-VHS. Soit dit en passant, les bandes enregistrées à l’aide de l’ancien format de type I pourraient être utilisées dans des machines de type II plus modernes, mais pas l’inverse.

Une ou plusieurs machines ADAT pouvaient être contrôlées à l’aide de la LRC (petite télécommande) d’Alesis qui offrait les fonctions les plus couramment utilisées. Pour un contrôle total, Alesis a créé un plus grand parent appelé BRC (grande télécommande), qui comprenait de nombreuses autres fonctionnalités non disponibles sur les machines ADAT autonomes, telles que la dénomination des chansons, plus de points de localisation et la synchronisation du timecode MIDI. .

Qu’est-ce qu’ADAT ?

Mais qu’est-ce que le magnétophone ADAT a à voir avec le connecteur audio numérique optique que nous connaissons maintenant sous le nom d’ADAT ? L’une des caractéristiques des enregistreurs audio numériques ADAT était qu’Alesis utilisait le câble à fibre optique Toslink standard, qui était une norme numérique encore plus ancienne inventée en 1983 par Toshiba appelée TOShiba-LINK, et utilisait des connecteurs rectangulaires EIAJ/JEITA RC-5720. Jusque-là, le format Toslink était utilisé pour transmettre l’audio numérique stéréo SPDIF sur des câbles optiques. Mais Alesis a adopté un format pour transporter 8 canaux d’audio numérique à une résolution de 48K/24 bits et a été officiellement nommé ADAT Optical Interface et plus communément connu à l’époque sous le nom d’ADAT Lightpipe. De nos jours, il a été abrégé en ADAT, l’ancien nom des enregistreurs numériques d’origine, pour désigner un format audio optique numérique à 8 canaux.

D’autres avantages du format ADAT lightpipe sont qu’il est « remplaçable à chaud », ce qui signifie que les appareils n’ont pas besoin d’être débranchés pour être branchés ou débranchés, bien qu’il soit recommandé de débrancher les moniteurs de studio lors du rebranchement car vous pouvez obtenir un bruit tiers ou un pic lorsque connexions installées. Le format de connexion optique évite les boucles de masse qui peuvent provoquer des bourdonnements et d’autres problèmes audio gênants.

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La conception originale d’Alesis prenait en charge jusqu’à 8 canaux d’audio numérique 48K/24bit. Pour s’adapter à des taux d’échantillonnage plus élevés, le format Lightpipe a été modifié à l’aide de la technique de « fractionnement de bits » développée par Sonorus. Utilisant le « multiplexage d’échantillons », mieux connu sous le nom de S/MUX, ce système permettait 4 canaux jusqu’à 96 kHz ou deux canaux jusqu’à 192 kHz sur un seul câble optique. C’est pourquoi vous voyez souvent plusieurs connecteurs Toslink ADAT sur les équipements audio numériques afin qu’en utilisant plusieurs câbles optiques, l’utilisateur puisse maintenir le nombre de canaux tout en utilisant des taux d’échantillonnage plus élevés.

Comment l’ADAT est-il utilisé aujourd’hui ?

Grâce à l’ADAT Lightpipe, le concept original d’Alesis consistant à pouvoir étendre facilement une configuration de studio en ajoutant des unités, plutôt que d’avoir à passer à un nouvel équipement avec plus d’entrées.

Le plus souvent, les fabricants d’interfaces ajoutent des ports ADAT à leurs interfaces afin que vous puissiez facilement augmenter le nombre d’entrées sur votre carte son. Par exemple, vous pouvez acheter une petite interface de bureau avec seulement quelques entrées micro. Ensuite, en achetant un préampli micro multicanal avec une sortie ADAT, vous pouvez augmenter le nombre d’entrées micro que vous pouvez utiliser avec votre logiciel DAW de 2 à 10.

Comprendre la synchronisation

Une fois que vous avez besoin de connecter numériquement deux appareils ou plus, vous devez penser à la « synchronisation ». Les signaux audio numériques ont des images, tout comme les vidéos et les films. Lors de la connexion numérique d’un équipement audio, nous devons nous assurer que ces « trames » sont synchronisées. Si vous ne le faites pas, vous entendrez des clics et des pops. Pour les éliminer, vous devez vous assurer que tous vos appareils connectés suivent la même horloge afin que toutes les trames démarrent en même temps.

Si vous connectez deux appareils ensemble, la chose la plus simple à faire est de régler la source d’horloge de l’appareil récepteur pour qu’elle utilise l’entrée ADAT comme source d’horloge. Par exemple, si nous utilisons l’interface Apollo, nous allons dans le logiciel de console Apollo Edit / Settings, où nous verrons une boîte de dialogue (dans l’image de droite).

Nous avons tous entendu parler de TikTok et de sa vaste portée mondiale. Depuis son lancement en septembre 2017, l’application de création de courtes vidéos « authentiques » a atteint plus de 150 marchés et est devenue un phénomène culturel dans le monde entier. Aujourd’hui, TikTok est la forme de divertissement préférée de millions d’utilisateurs, ainsi qu’une plate-forme ayant fait ses preuves en prenant des chansons inconnues et en les transformant en charts mondiaux. En 2020, TikTok est devenu une partie intégrante du marketing musical, et nous avons donc décidé de créer ce guide complet en décomposant les mécanismes de TikTok et en passant en revue certaines des stratégies de base pour promouvoir la musique sur TikTok.

Qu’est-ce que TikTok?

Il y a de fortes chances que vous connaissiez TikTok à un certain niveau – même si vous n’êtes pas vous-même un gros utilisateur, vous devriez être familiarisé avec le contenu et les tendances qui ont émergé sur cette plate-forme. Cependant, dire que TikTok n’est qu’une plate-forme de partage de vidéos serait une simplification excessive. Le format vidéo court lui-même n’est pas nouveau – vous pouvez le trouver sur Snapchat, Instagram, Facebook, etc. TikTok n’est même pas la première plate-forme à mettre ce format au premier plan – Vine y est arrivé il y a 7 ans. Alors, qu’est-ce qui distingue TikTok de toutes les plateformes qui l’ont précédé?

Pour répondre à cette question, il faut se plonger brièvement dans l’histoire. C’est une idée fausse commune que TikTok est né lorsque le fabricant chinois ByteDance a acheté Musical.ly en 2018. En fait, les deux applications existent côte à côte depuis près d’un an depuis que TikTok a été lancé pour la première fois en tant que version internationale de Douyin de ByteDance en septembre 2017. Cette année, Douyin était de loin l’application à la croissance la plus rapide en Chine – et il n’y avait qu’une seule chose au cœur de cette croissance. Aujourd’hui, nous le connaissons sous le nom d' »algorithme TikTok » – le système (encore) inégalé qui permet à TikTok de fournir des flux hyper-personnalisés à ses utilisateurs en fonction de leur comportement. Cet algorithme pilote TikTok aujourd’hui et est un élément clé de son succès. Douyin a fait beaucoup de bruit en Chine et ByteDance a décidé de s’étendre à l’étranger. TikTok a été lancé en septembre 2017, mais contrairement à l’idée de TikTok comme cette « success story épique et explosive », la première année de l’application sur le marché international a été plutôt calme.

En août 2018, ByteDance a fusionné Musical.ly avec TikTok, investissant effectivement ses 100 millions de MAU dans une application de partage de vidéos, puis la situation a vraiment explosé. En quelques mois, l’audience active de TikTok a augmenté de plus de 150 millions. Quelques mois plus tard, un rappeur indépendant peu connu d’Atlanta a mis en ligne une chanson excentrique sur la plate-forme, suivant son plan de « la promouvoir comme une madame ». Cette chanson a fini par battre le record de Billboard pour le plus long coup n ° 1 sur le Hot-100 et le discours, vous l’avez deviné, « Lil Nas X – Old Town Road ».

D’une certaine manière, c’était le moment où les gens de l’industrie musicale ont vraiment vu de quoi TikTok était capable. À partir de ce moment, la plate-forme est devenue une force avec laquelle il faut compter et a rapidement trouvé sa place dans les stratégies marketing des artistes de toutes tailles. Cependant, nous devons admettre que si l’audience de TikTok est énorme, elle approche le cap des 250 millions d’utilisateurs actifs en mai 2020.

Pourquoi TikTok a-t-il autant de succès?

Qu’est-ce qui rend TikTok spécial ? Qu’est-ce qui la rend différente de toute autre plate-forme qui l’a précédée ? Commençons par ces statistiques rapides : en 2018, plus de 55 % de tous les utilisateurs actifs de TikTok ne se contentaient pas de regarder des vidéos sur la plate-forme, ils mettaient régulièrement en ligne leurs propres vidéos. Ce sont des chiffres énormes. Comparez-les à YouTube. Il est impossible de trouver un chiffre exact pour le pourcentage d’utilisateurs de YouTube qui téléchargent leur travail sur la plate-forme, mais ce n’est évidemment qu’une fraction de la base d’utilisateurs mondiale avec 2 milliards d’utilisateurs. En ce sens, malgré son rôle prépondérant dans la culture numérique d’aujourd’hui, YouTube reste une plate-forme basée sur la communication traditionnelle un-à-plusieurs. Donc, ce que TikTok a fait, c’est adopter une approche de communication plusieurs-à-plusieurs qui peut être trouvée sur les réseaux sociaux et appliquée à la vidéo – sans doute le format le plus important à l’ère numérique. Sur TikTok, tout le monde est un large public, tout le monde est créateur, et c’est la clé du succès de TikTok.

En termes de diffusion de contenu, ByteDance a permis à l’utilisateur de commencer très facilement à créer du contenu. Bien sûr, cela peut prendre des heures, des jours voire des semaines pour créer le contenu le plus avancé sur la plate-forme, mais si nous parlons de TikTok, cela ne vous prendra probablement pas plus de 10 minutes de l’idée à l’édition finale avec des couches de filtres, effets et musique.

Ensuite, du côté de la demande, TikTok a créé un flux conçu pour héberger tout le contenu généré par l’utilisateur. Si vous avez de l’expérience avec Tinder, vous remarquerez probablement que regarder des vidéos sur TikTok ressemble beaucoup au flux de ces applications de rencontres. En tant que spectateur sur TikTok, vous ne pouvez effectuer qu’une seule action principale : vous pouvez balayer vers le haut pour ignorer la vidéo et passer directement à la suivante. C’est tout. Ce paramètre permet à TikTok de faire des choses qu’aucune autre plate-forme ne peut faire. Il peut se permettre de montrer aux utilisateurs des vidéos qui ne l’intéressent pas beaucoup – dans le pire des cas, ils les ignoreront. Toutes les interactions ne prendront que quelques secondes. En fait, certains diront que cette « instabilité » de la chaîne TikTok est l’une des principales raisons de l’addiction à l’application. Il y a quelque chose de très fascinant dans le processus de « trouver quelque chose d’intéressant » dans le flux sans fin de TikTok.

Mais ce système ne fonctionnerait pas s’il n’y avait pas un composant secret – le moteur de recommandation. En un sens, TikTok a été la toute première application entièrement basée sur le principe de l’intelligence artificielle, qui fournit du contenu au spectateur. Je veux dire, il y a une section dédiée dans l’application qui permet aux utilisateurs de voir le contenu des créateurs qu’ils suivent, mais c’est la section de recommandation pour vous où la magie opère vraiment. Si nous devions le comparer à YouTube – même si la recommandation et le codage en font désormais partie intégrante, YouTube concerne toujours les personnes qui naviguent sur la plate-forme et choisissent le contenu avec lequel elles souhaitent interagir. Sur TikTok, la sélection directe n’existe pas. Les utilisateurs n’ont aucune influence directe sur le contenu qu’ils consomment – tout dépend de l’algorithme qui vous reconnaît lorsque vous passez plus de temps sur la plateforme.

Algorithme TikTok

Il y a quelques jours, TikTok a levé le rideau et publié un article sur le blog de la plateforme qui a brisé les éléments de base de l’algorithme de TikTok. Nous n’entrerons pas dans les détails de la configuration du moteur, essayons plutôt de comprendre pourquoi le moteur de recommandation fonctionne de cette façon.

Compte tenu du niveau d’engagement sur la plate-forme, l’algorithme de TikTok traite une quantité massive de contenu qui n’a été rencontré par aucune des plates-formes précédentes. Et lorsqu’il s’agit de gérer cet énorme flux de contenu généré par les utilisateurs, le principe de base de la recommandation de TikTok est que chaque vidéo a une chance. Voici comment ils l’ont mis dans le billet de blog que nous avons mentionné ci-dessus:

« Bien que la vidéo soit susceptible d’obtenir plus de vues si elle est publiée sur un compte qui compte plus d’abonnés, car ce compte a une grande base d’abonnés, ni le nombre d’abonnés ni le fait que ce compte ait déjà eu des vidéos très performantes ne sont des facteurs directs. dans le système de recommandation ».

L’objectif principal du moteur de recommandation de TikTok est de remplir un contenu intéressant d’une manière ou d’une autre, quel que soit le public initial du créateur. Lorsque la vidéo est téléchargée sur la plate-forme, TikTok sélectionnera un petit échantillon de téléspectateurs et leur montrera la vidéo pour la vérifier. S’il fonctionne bien pour ce petit groupe d’utilisateurs – compte tenu de mesures telles que le taux d’achèvement, les commentaires, les publications et les goûts – l’algorithme continuera à diffuser des vidéos à un public plus large. Et puis le cycle se répète.

Cette approche permet à TikTok de filmer une vidéo mise en ligne par un utilisateur régulier sans abonné et de la promouvoir à des milliers voire des millions de vues. Ce qui nous donne vraiment un aperçu du niveau de participation inégalé de la plateforme. N’importe qui sur TikTok a la capacité d’attirer des millions d’étrangers pour participer à leurs vidéos – et je n’ai pas besoin de vous parler des médias sociaux qui accompagnent tous ces points de vue, goûts et commentaires.

— Voir également: Casque pour le mixage et le mastering —

Ainsi, vous pouvez voir TikTok comme une rue à double sens. Premièrement, vous avez plus de 200 millions d’utilisateurs qui parcourent leurs chaînes à la recherche de quelque chose d’intéressant. Ensuite, la moitié d’entre eux sont également téléchargés sur la plate-forme dans l’espoir de devenir un « influenceur TikTok » – créant un énorme pool de contenu pour que l’algorithme puisse traiter, tester et progresser. C’est ce qui fait de TikTok un terrain si fertile pour tout ce qui est viral.

Disons qu’il y a une vidéo publiée par un influenceur majeur TikTok qui se synchronise les lèvres avec une chanson – et cette vidéo suit l’algorithme. Des millions de personnes le verront, et disons qu’environ 1% d’entre eux décideront de faire leur propre version de la synchronisation labiale – après tout, la vidéo originale s’est si bien passée ! Ces vidéos commenceront leur propre voyage, le cycle se répétera – et bientôt vous aurez une tendance TikTok. Et le plus souvent, il est rejoint par une chanson qui devient une sorte de drapeau, signalant au spectateur que ce TikTok particulier fait partie d’une tendance plus large.

Les sujets attribués à la vidéo correspondent aux profils d’intérêt de l’utilisateur. TikTok, comme YouTube, est une plate-forme multidimensionnelle qui produit des centaines de récits différents simultanément – vous avez des blogs de beauté, des routines de danse, des sketchs comiques et même des blogs de conseils financiers. Mais quel que soit l’aspect, le principe de base sur lequel l’algorithme est construit reste le même.

Guide du musicien sur TikTok

Avec cette introduction, entrons donc dans le vif du sujet. Avec toutes les histoires de succès mondiaux sur TikTok, comment les artistes et les professionnels de la musique peuvent-ils utiliser la plate-forme? Eh bien, la première chose que vous devez comprendre est que lorsque vous rejoignez TikTok, vous pouvez emprunter plusieurs chemins qui mèneront finalement au même objectif.

Comment obtenir des abonnés et des vues sur TikTok

Tout d’abord, vous pouvez interagir directement avec la plateforme et étendre votre portée sur les réseaux sociaux sur TikTok. Cela signifie que vous devez créer et vérifier un compte d’artiste afin d’étendre le partage de sa musique – tout comme sur Instagram ou Facebook. Mais avant de décider d’utiliser la plate-forme en tant qu’artiste, vous devez comprendre quel type de contenu natif TikTok vous pouvez créer pour correspondre. Il est également important de considérer la qualité de la musique promue. Si vous avez créé une mélodie entraînante, enregistré des voix et êtes prêt à tout mettre en œuvre pour que ce travail montre des retours positifs de la part des utilisateurs, commandez le mixage et le mastering dans AREFYEV Studio et obtenez une piste au niveau d’artistes célèbres. Votre travail doit correspondre aux tendances modernes et ne pas différer de la musique de la plateforme TikTok.

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Il y a de fortes chances que votre objectif ultime soit d’attirer les gens vers votre musique. Ainsi, votre profil TikTok doit être construit autour de cela, ce qui signifie trouver un moyen de montrer la musique dans les vidéos que vous produisez, tout en vous assurant qu’elle respecte toujours les principes de la plate-forme. Le simple fait de publier des extraits de vos futurs morceaux ou des images des coulisses du studio n’augmentera pas votre audience (comme l’a montré la pratique), d’autres plates-formes feront mieux le travail. Si vous souhaitez maximiser vos chances de devenir viral, voici quelques conseils à prendre en compte.

1. Choisissez un sujet et soyez cohérent

La chose la plus importante que vous devez faire lors de la planification de votre popularité TikTok est de choisir un sujet (en plus de votre musique) sur lequel vous concentrerez votre contenu. Cela aidera l’algorithme à vous placer dans une catégorie spécifique et à vous mettre en relation avec des personnes qui aiment ce type de contenu. À quoi ressemblera votre futur compte TikTok après l’avoir créé ? S’agit-il de sketchs comiques et de mèmes ? S’agit-il de conseils de production musicale ? Il existe de nombreuses façons de le faire – alors que TikTok de Jason Derulo concerne les routines de danse, le compte officiel de Diplo concerne les comédies et les sketchs.

2. Utilisez des hashtags

Les hashtags sont peut-être la méthode la plus importante pour déterminer la pertinence d’une vidéo. Choisir des hashtags populaires augmentera les chances que votre vidéo apparaisse sur les onglets TikTok Discover et For You. L’algorithme de TikTok est censé prendre en compte les hashtags pour déterminer de quoi parle la vidéo, alors assurez-vous d’en donner suffisamment pour la faire démarrer. Pour savoir quels hashtags sont populaires en ce moment, rendez-vous dans l’onglet Découverte.

3. Suivez les tendances et rivalisez

Vous vous souvenez quand j’ai dit que la nature même de TikTok signifie que toutes sortes de tendances et de défis se développent sur la plate-forme ? Eh bien, si vous souhaitez développer votre audience, les mêmes principes s’appliqueront également à vous. Si une nouvelle piste apparaît sur la plate-forme, les téléspectateurs de TikTok sont plus susceptibles d’interagir avec ce type de contenu – et l’algorithme le sait. Donc, si vous voyez une tendance qui va vers vous et que vous avez une idée pour une approche amusante, faites-le. Mais rappelez-vous, vous devez rester cohérent – alors ne vous éloignez pas trop de l’essence de votre stratégie de contenu.

Et n’oubliez pas les hashtags – au moins un doit être à la mode. Les personnes qui cherchent à s’amuser iront dans l’onglet Découverte pour voir quelles tendances vous avez, vous aurez donc également envie d’y publier vos vidéos.

4. Publiez votre musique sur TikTok

Puisque vous utilisez TikTok comme chaîne pour promouvoir votre musique, assurez-vous que tous vos abonnés actifs sur la plate-forme savent très bien ce que vous faites en dehors de cette plate-forme. Vous n’avez pas besoin d’être trop franc – il est peu probable que TikTok soit l’endroit pour annoncer un « nouveau morceau sur toutes les plateformes de streaming ». Cependant, si vous créez du contenu natif, vous avez toutes les raisons d’utiliser vos propres chansons comme bandes sonores (arrière-plan pour les séquences).

5. Utilisez TikTok Pro Analytics

TikTok a récemment publié son propre tableau de bord analytique, disponible pour tous les créateurs de plateformes en tant que fonctionnalité gratuite. Avec TikTok Pro, vous pouvez suivre les vues de profil et de vidéo, la dynamique des abonnés, les données démographiques de l’audience et obtenir des informations sur votre contenu pour voir laquelle de vos vidéos fonctionne le mieux. Pour passer au compte Pro, accédez simplement à l’onglet Gérer mon compte et cliquez sur Passer à TikTok Pro.

Plus en détail, TikTok Pro comprend trois types principaux:

• Examen du profil : comprend les vues de vidéo, les vues de profil au cours des 7 derniers jours et le nombre d’abonnés depuis le jour de la mise à niveau vers la version Pro;
• Informations sur le contenu : organise votre contenu du plus récent au plus ancien et affiche des détails spécifiques sur chaque vidéo (j’aime, nombre total de commentaires, types de trafic, territoire d’audience, etc.);
• Informations sur les abonnés : contient le nombre total d’abonnés, les calendriers de développement et une répartition de l’audience par sexe, territoire et activité d’abonné.

6. Ne soyez pas sur liste noire

TikTok prétend être très actif en ce qui concerne la sécurité de ses utilisateurs. Pour créer un véritable cadre d’expérience, TikTok bloque le spam, le contenu offensant ou nuisible. Si la plate-forme remarque l’un des éléments suivants, elle bloquera le compte, alors essayez d’éviter cela à tout prix:

• L’utilisation de hashtags interdits est inadmissible;
• Supprimer beaucoup de contenu en une seule fois;
• Abonnement et désabonnement de nombreux utilisateurs (abonnés tricheurs);
• Utilisation de matériel protégé par le droit d’auteur.

Comment obtenir vos tendances musicales sur TikTok

Au cours de la dernière année, nous avons vu de nombreuses agences de marketing – Fanbytes – le premier nom qui me vient à l’esprit – affluer sur la plateforme, offrant aux marques et aux artistes leur expertise dans le lancement de tendances virales TikTok. Du point de vue de l’industrie musicale, c’est là que réside la force de TikTok. Les tendances peuvent avoir un impact énorme sur la musique d’un artiste – et si vous mélangez bien l’idée visuelle créative et la musique, cela ne vous coûtera même pas trop cher.

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À la base, tout défi TikTok consiste en des personnes qui recréent la vidéo originale avec leur propre approche unique. Tous les problèmes sont associés à plusieurs hashtags, dont l’un est le nom du problème. Par exemple, Benny Blanco, WRLD Juices et Fanbytes ont récemment lancé un défi sous le hashtag #schoolyears pour promouvoir la chanson Graduation. Le défi était de faire en sorte que les utilisateurs se souviennent de leurs années de lycée en montrant comment ils ont changé tout au long de leurs études et de l’obtention de leur diplôme d’études secondaires. Ce thème a été recréé plus de 80 000 fois et compte plus de 6 millions de vues. Ce sont de petits nombres selon les normes de la plate-forme. Il suffit d’une bonne idée, d’une chanson entraînante – ou plutôt d’un moment entraînant, et de quelques influenceurs bien choisis pour se lancer. Mais faisons-le dans notre guide étape par étape:

1. Passez du temps sur TikTok

Je ne saurais trop insister sur ce point – TikTok est une plate-forme unique avec un algorithme de travail unique. Par conséquent, si vous envisagez d’intégrer la plate-forme dans votre stratégie marketing, le meilleur conseil que je puisse vous donner est de passer vous-même du temps sur la plate-forme. Essayez de comprendre quel contenu est populaire et pourquoi – cette expérience sera inestimable dans les dernières étapes de la planification de votre campagne virale TikTok.

2. Trouvez votre moment de 15 secondes

Il est maintenant temps de creuser et de trouver une idée pour votre futur défi. Et sur TikTok, tout doit commencer par la chanson elle-même, ou plutôt par le moment musical. Vous voyez, en ce qui concerne les tâches TikTok, les extraits de 15 secondes fonctionnent mieux. Ce n’est pas un must, mais le contenu court est ce qui motive vraiment la plate-forme. Par exemple, TikTok suggère d’utiliser des vidéos de 9 à 15 secondes comme meilleure pratique pour les annonces in-feed – et il y a tout lieu de croire que les mêmes règles s’appliqueront à votre future tâche.

Recherchez donc votre musique et essayez de trouver quelques instants TikTok de 15 secondes – les parties de la chanson qui, selon vous, ont le potentiel le plus viral. Il y a beaucoup de choses qui peuvent bien fonctionner sur la plate-forme – recherchez les attaques inattendues, les textes accrocheurs qui peuvent fonctionner hors contexte, etc. Votre moment TikTok doit être connecté au thème du futur défi, que ce soit à travers les paroles ou la dynamique de la musique elle-même, mais être suffisamment polyvalent pour laisser de la place à l’interprétation.

3. Assurez-vous que votre chanson est sur TikTok

Il s’agit d’une étape simple, mais qui mérite d’être notée. Tous les distributeurs numériques ne fonctionnent pas encore avec TikTok – il serait donc sage de vérifier auprès de votre distributeur pour voir si la chanson que vous avez choisie sera disponible pour les créateurs de TikTok.

4. À l’assaut d’une idée

Quant à la créativité derrière le défi lui-même, vous devez toujours décider par vous-même : qu’en retirera le publi? Qu’est-ce qui rendra le défi inoubliable? Votre tâche doit être amusante et facile à comprendre – la vidéo qui lancera le test doit clairement refléter son essence.

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Et puis, surtout, pensez à ce que les créateurs vont retirer en participant au challenge? Est-ce facile à recréer? Y a-t-il suffisamment de place pour l’interprétation et la modification ? Après tout, une fois lancées, les tâches TikTok sont davantage un modèle avec lequel les développeurs peuvent travailler et développer.

5. Choisissez un hashtag mémorable et unique

Chaque tendance a besoin d’un nom pour que les gens s’identifient et interagissent avec. Choisissez un hashtag clair et mémorable qui reflétera votre défi. Si tout se passe bien, ce nom restera longtemps associé à votre musique, et une fois parti, il n’y aura plus de retour en arrière. Alors pensez-y.

6. Choisissez votre public cible TikTok et trouvez des influenceurs qui peuvent vous aider à l’atteindre

Il y a de fortes chances que vous ayez une assez bonne idée de votre public cible. Imaginez maintenant un public TikTok et essayez de trouver une correspondance. Ceci est votre cible TikTok. À quoi s’intéressent-ils? Quel type de Tik Tok aiment-ils? La prochaine étape consiste à trouver des influenceurs TikTok qui ont de bonnes relations avec ce public pour les contacter avec une proposition pour lancer un concours.

Contacter les influenceurs est également un excellent moyen de tester votre idée – mieux ils réagissent à votre décision, plus elle est susceptible de devenir virale. N’ayez donc pas peur de demander aux influenceurs ce qu’ils pensent de votre idée.

7. Pensez au parcours client

C’est peut-être l’étape la plus importante de tout le processus. Nous avons vu d’innombrables artistes et chansons devenir viraux sur TikTok sans réel impact sur la carrière d’un artiste. Il y a de fortes chances que vous ne vouliez pas que l’on se souvienne de l’artiste comme « le gars qui a écrit cette chanson TikTok ».

Réfléchissez à la façon dont vous convertirez votre public TikTok vers vos autres plateformes, que ce soit Spotify ou Instagram, et comment vous les soutiendrez. En fin de compte, le marketing viral est un outil parfait pour sensibiliser, mais pas pour fidéliser une base de fans. Idéalement, votre campagne TikTok devrait faire partie d’un plan de contenu global qui aura un impact durable sur la carrière de l’artiste.

L’outil le plus important à votre disposition est peut-être la page officielle de la chanson attachée à chaque chanson officiellement distribuée sur TikTok. La page de la chanson, comme indiqué ci-dessous, contient un lien vers Apple Music invitant les utilisateurs à accéder à la chanson complète, mais plus important encore, elle renvoie au compte TikTok officiel de l’artiste, s’il y en a un. En tant que tel, il serait bon de s’assurer que l’artiste dispose d’un compte TikTok configuré et vérifié qui peut être utilisé comme point de conversion entre TikTok et les plateformes d’autres artistes.

8. Démarrer un appel

Cette dernière étape est assez simple – si vous avez pris en compte tous les points que j’ai notés plus tôt, il est temps de lancer le défi et de voir où ce voyage viral vous mène. À son meilleur, votre défi sera un succès et des millions de personnes utiliseront et populariseront vos pistes chaque jour. Mais attention – la nature virale de TikTok signifie également que les tendances vont et viennent, et donc la fenêtre d’opportunité pour transformer toute cette prise de conscience en quelque chose de significatif et de durable sera assez courte. En bref – il y a très peu de temps.

TikTok Analytics : surveillez la musique et l’impact sur TikTok

Des connaissances à jour en temps réel sont un outil essentiel pour tout professionnel de la musique, et les données spécifiques à la plate-forme sont essentielles lorsque vous travaillez avec une plate-forme spécifique. Donc, si vous envisagez d’interagir avec TikTok et d’en faire une partie de votre stratégie marketing, nous pensons que vous devriez consulter les solutions TikTok Analytics qui peuvent vous aider dans ce voyage – cela signifie-t-il rechercher les bons influenceurs pour soutenir votre tâche ? à la recherche de la dernière évasion virale de TikTok.

Ci-dessous, nous avons compilé une courte liste de solutions tierces et de ressources de données qui, selon nous, peuvent être extrêmement utiles pour les artistes et les professionnels de la musique :

1. Ads.TikTok

Bien que TikTok Ads ne soit pas une solution basée sur les données, il s’agit d’une excellente ressource « d’apprentissage », un lieu où vous interagissez avec le réseau d’affichage TikTok et la plate-forme officielle des marques et créateurs / influenceurs TikTok.

2. Analisa.io

Analisa est une plate-forme permettant aux spécialistes du marketing, aux agences, aux influenceurs et aux éditeurs de médias d’évaluer tout profil public ou hashtag sur TikTok. Vérifiez les données historiques, les données démographiques des abonnés, la crédibilité et les mesures d’engagement du contenu pour mettre en évidence les influenceurs les plus efficaces et les plus pertinents.

3. Cloutmeter (service fermé)

Cloutmeter suit plus de 87 000 profils TikTok pour l’analyse du taux d’engagement, les statistiques vidéo et plus encore, le tout avec un seul objectif: vous aider à comprendre le succès de votre plate-forme et à élaborer une stratégie de marketing.

4. Exolyt

Exolyt aide les influenceurs, les créateurs de contenu et les spécialistes du marketing en fournissant des outils pour calculer combien d’argent les influenceurs TikTok gagnent, ainsi qu’en fournissant des informations sur les taux d’engagement et de croissance.

5. TikAnalytics

TikAnalytics permet aux utilisateurs de trouver et d’afficher les plus grands comptes par pays d’origine, abonnement et niveau d’adhésion. Plus de 95 000 comptes suivis, ainsi que des outils conçus pour analyser les tendances et les hashtags de TikTok. TikAnalytics est un excellent outil pour tous ceux qui cherchent à obtenir des abonnés sur la plate-forme.

L’univers de la bande magnétique est riche et complexe. Historiquement, les magnétophones se déclinaient en de nombreux formats : bandes larges de 2 pouces utilisées en studio professionnel, bandes 1/4 ou 1/2 pouce pour le mastering, jusqu’aux compact-cassettes grand public de 1/8 de pouce. Les vitesses de défilement variaient fortement, allant jusqu’à 30 ips sur les machines haut de gamme, tandis que les cassettes tournaient à seulement 1,875 ips.

Les matériaux jouaient également un rôle majeur : ferrique, chrome ou métal, chacun apportant une réponse fréquentielle et une saturation distinctes. À cela s’ajoutaient différents systèmes de réduction de bruit comme Dolby B, C ou S. Toutes ces variables ont façonné ce que nous appelons aujourd’hui le son bande.

La caractéristique la plus recherchée reste la saturation progressive. Contrairement aux convertisseurs numériques, la bande n’écrête pas brutalement : elle arrondit les transitoires, génère des harmoniques musicales et apporte une compression naturelle extrêmement agréable à l’oreille. Les plugins modernes tentent de reproduire fidèlement ce comportement.

Voici une sélection approfondie de 12 plugins d’émulation de bande particulièrement appréciés par les ingénieurs du son et producteurs en France.

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Chez AREFYEV Studio, nous proposons des services de mixage et mastering haut de gamme, combinant traitement numérique moderne et caractère analogique authentique. Confiez vos projets à une équipe qui sait tirer le meilleur des outils numériques… comme des plugins d’émulation de bande les plus avancés du marché.

12 plugins d’émulation de bande magnétique qui transforment votre son

1. PSP Audioware Vintage Warmer

Présent depuis de nombreuses années dans le paysage audio professionnel, Vintage Warmer est devenu un classique. Il ne cherche pas à reproduire de manière chirurgicale une machine précise, mais propose une saturation musicale, épaisse et très flatteuse. En France, il est souvent utilisé comme alternative aux saturateurs standards pour donner du corps aux bus et aux stems.
Prix indicatif : 149 $

2. Steinberg Magneto MkIII

Magneto est intimement lié à l’histoire de Cubase et du format VST. Cette troisième itération, intégrée au mixeur Cubase, reste appréciée pour sa simplicité et son grain reconnaissable. Bien qu’il ne bénéficie plus de mises à jour récentes, il conserve une place nostalgique chez de nombreux utilisateurs européens.

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3. Toneboosters ReelBus 4

ReelBus 4 adopte une approche moderne et fonctionnelle. L’interface à onglets permet de gérer facilement saturation, délai, flange et effets de démarrage/arrêt de bande. Le contrôle indépendant du bruit de fond est particulièrement apprécié pour les productions cinématographiques et électro françaises.
Prix : 39 €

4. FabFilter Saturn 2

Saturn 2 n’est pas un émulateur de bande classique, mais ses trois modes dédiés à la bande offrent une saturation précise et maîtrisée. Très populaire dans les studios français, il séduit par sa polyvalence, sa faible consommation CPU et ses possibilités avancées de modulation multibande.
Prix : 129 €

5. IK Multimedia T-RackS Saturator-X

Saturator-X propose plusieurs modèles de bande orientés uniquement sur la saturation harmonique. Cette simplicité est un atout pour les ingénieurs souhaitant aller vite, sans réglages complexes. Il est souvent utilisé en insert sur pistes individuelles pour apporter de la chaleur sans alourdir le mix.
Prix : environ 80 €

6. IK Multimedia T-RackS Tape Machine Collection

Cette collection comprend quatre plugins distincts, chacun modélisant une machine mythique avec ses propres types de bande et réglages d’offset. C’est une solution avancée, très appréciée dans les studios de mastering français recherchant une émulation réaliste et détaillée.
Prix : 199 €

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7. Slate Digital Virtual Tape Collection

Virtual Tape Collection offre le choix entre une machine multipiste et une machine stéréo, deux formulations de bande et plusieurs vitesses. Capable de rester subtil ou de devenir très coloré, ce plugin est largement utilisé par les ingénieurs européens depuis sa sortie.
Disponible via abonnement : à partir de 9,99 $ par mois

8. u-he Satin

Satin est souvent considéré comme l’émulateur de bande le plus complet du marché. Il permet un contrôle extrêmement précis de chaque paramètre, allant bien au-delà d’une simple saturation. Très apprécié par les sound designers et compositeurs en France, il excelle aussi bien en mixage qu’en création sonore.
Prix : 129 €

9. Softube Tape

Softube Tape se distingue par sa facilité d’utilisation. Les réglages par défaut apportent une élégance discrète, tandis que les modes plus agressifs permettent d’obtenir une texture granuleuse et assumée. C’est un choix fréquent dans les studios orientés pop et rock.
Prix : 49 $

10. iZotope Ozone 9 Vintage Tape

Initialement conçu pour le mastering, le module Vintage Tape d’Ozone est suffisamment flexible pour être utilisé sur des pistes individuelles. Sa technologie de saturation est précise et musicale, ce qui en fait un outil polyvalent pour de nombreux ingénieurs français.
Disponible uniquement dans iZotope Ozone 9 – à partir de 699 $

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11. Waves Kramer Master Tape

Inspiré de la machine personnelle d’Eddie Kramer utilisée aux Olympic Studios de Londres, ce plugin permet de gérer le bruit, le wow/flutter et la saturation. Il est souvent comparé au Waves J37, autre référence chez Waves.
Prix promotionnel fréquent : environ 29 $

12. AudioThing Outer Space

Outer Space n’est pas une émulation de bande classique, mais une reproduction fidèle d’un célèbre delay à bande vert avec réverbération à ressort. Son caractère organique et ses répétitions vivantes en font un outil créatif très prisé dans la musique électronique et expérimentale.
Prix : 49 €

Conclusion

Les plugins d’émulation de bande restent des outils essentiels pour apporter chaleur, profondeur et musicalité aux productions modernes. Bien utilisés, ils permettent de retrouver l’esprit analogique sans les contraintes matérielles.

Si vous souhaitez exploiter pleinement ces technologies et obtenir un rendu professionnel, AREFYEV Studio vous accompagne avec des services de mixage et mastering sur mesure, adaptés aux standards actuels du marché français et international.

Lorsqu’on modifie la hauteur d’un signal vocal à l’aide d’un plugin de pitch shifting, on rencontre presque toujours un paramètre appelé formant. Bien que souvent confondu avec la hauteur tonale, le déplacement des formants agit sur une dimension différente du son et influence directement la perception du timbre.

Comprendre la différence entre hauteur et formants

Un signal vocal, comme tout signal musical, repose sur une fréquence fondamentale accompagnée d’harmoniques liées mathématiquement. Modifier la hauteur revient à transposer l’ensemble de ces composantes, ce qui change la note perçue.

Les formants, en revanche, sont des zones fréquentielles spécifiques générées par le conduit vocal : la forme de la bouche, la cavité buccale, la gorge et les résonances naturelles propres à chaque interprète. C’est précisément pour cette raison que deux chanteurs interprétant la même note peuvent sonner de manière radicalement différente. En ingénierie sonore, on associe cette caractéristique au timbre.

Le traitement des formants permet donc de modifier la couleur et la personnalité d’une voix sans toucher à sa hauteur. Cette technique est largement utilisée en production musicale moderne, en sound design, en post-production audiovisuelle et même dans la création de voix artificielles.

Une relation étroite existe entre hauteur et timbre. Par exemple, lorsqu’une voix est transposée vers le haut, une correction inverse des formants permet d’éviter l’effet caricatural souvent appelé « effet Mickey ». À l’inverse, un abaissement excessif du pitch peut être compensé par une élévation contrôlée des formants. L’expérimentation reste essentielle pour trouver l’équilibre naturel.

Vous souhaitez un mixage et un mastering professionnels, adaptés aux standards européens et aux plateformes de streaming ?
Chez AREFYEV Studio, nous travaillons avec des outils de pointe et une approche musicale précise pour sublimer les voix, corriger les défauts de timbre et garantir une traduction émotionnelle parfaite de votre projet. Contactez-nous pour une prestation sur mesure, pensée pour le marché français.

Les meilleurs plugins pour le traitement des formants vocaux

1. Celemony Melodyne 5

Melodyne est depuis longtemps une référence absolue dans le domaine de l’édition vocale. La version 5 offre un moteur d’analyse extrêmement précis, capable d’isoler chaque note, chaque transition et chaque caractéristique timbrale. Le contrôle des formants est intégré de manière transparente, ce qui permet de corriger ou de transformer une voix tout en conservant un rendu naturel, particulièrement apprécié dans la production pop, rock et chanson française. En studio professionnel, Melodyne est souvent utilisé pour des corrections invisibles, mais aussi pour des traitements créatifs subtils.

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2. Antares Throat Evo

Antares Throat Evo se distingue par son approche quasi anatomique de la voix. Le plugin simule le conduit vocal humain en modifiant la taille, la tension et la forme des éléments responsables de la résonance. Le résultat peut volontairement sortir du cadre réaliste, ce qui en fait un outil privilégié pour la création de chœurs artificiels, d’effets vocaux cinématographiques ou de voix stylisées pour la publicité et le contenu vidéo. En France, il est fréquemment utilisé dans les productions électroniques et audiovisuelles.

3. Zynaptiq Elastique Pitch 2

Elastique Pitch 2 est reconnu pour sa qualité de traitement en temps réel. Basé sur l’algorithme Elastique, largement utilisé dans l’industrie audio professionnelle, ce plugin permet d’ajuster hauteur et formants avec une latence minimale. Il est particulièrement adapté aux performances live, aux sessions de sound design et aux situations où la réactivité est primordiale, tout en conservant une excellente intelligibilité vocale.

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4. Soundtoys Little AlterBoy

Little AlterBoy est devenu un classique dans de nombreux studios européens. Sa simplicité apparente cache une grande puissance créative. Le plugin permet de modifier indépendamment la hauteur et les formants, tout en offrant un contrôle précis du signal traité grâce au réglage de mix. Très utilisé dans la musique urbaine, l’électro et la pop moderne, il est apprécié pour sa capacité à transformer une voix de manière expressive sans complexité excessive.

5. MeldaProduction MAutoPitch

Inclus dans le pack MFreeFXBundle, MAutoPitch combine correction automatique de hauteur et contrôle des formants. Bien que gratuit, ce plugin offre une flexibilité surprenante et s’intègre facilement dans des chaînes de traitement professionnelles. Son algorithme permet d’obtenir des résultats propres, adaptés aussi bien à une correction discrète qu’à des effets assumés. C’est une solution souvent recommandée aux producteurs indépendants et aux home studios en France.

La modification des formants vocaux est un outil fondamental pour tout ingénieur du son souhaitant maîtriser le timbre, corriger des déséquilibres ou explorer des textures sonores originales. Que ce soit pour une production musicale, un projet audiovisuel ou un travail de post-production, les plugins présentés ici couvrent un large éventail d’usages, du plus naturel au plus expérimental.

Pour un résultat cohérent, musical et parfaitement adapté aux standards de diffusion, l’intégration de ces outils dans un processus de mixage et de mastering professionnel reste déterminante. AREFYEV Studio vous accompagne à chaque étape pour garantir une qualité sonore optimale et compétitive sur le marché français.