Мысли профессиональных миксинг и мастеринг инженеров.
5 причин купить дорогие студийные мониторы
11 июня , 2020
Студийный монитор — это самая важная инвестиция, которую вы можете сделать для своей студии звукозаписи. Именно поэтому необходимо потратить на нее большую часть своего бюджета.
Студийный монитор не сильно изменился в технологиях — в целом, это набор драйверов, толкающих молекулы звука разных частот волнами, но отличный комплект может передать больше информации при микшировании и мастеринге, чем бытовые аудиофильские колонки. Единственная проблема в том, что 99% «отличных» студийных мониторов стоят больших денег. И мы имеем в виду действительно большие деньги.
1. Вы платите за честность
Все сводится к тому, насколько честен набор мониторов. Если он скажет вам, что бас дряблый, вы сможете с этим что-то сделать. Если мониторы неправильно усиливают бас путем окрашивания, как часто делают дешевые и мелкие потребительские колонки, тогда вы будете понижать его уровни при микшировании и получите некорректное отображение микса. Это будет слышно при воспроизведении на различных крупных и мелкогабаритных носителях.
Производители студийных мониторов годами проектируют модели колонок с честной частотной характеристикой.
Проверьте уровень сигнала в дБ (ось Y) в зависимости от частоты (ось X). Они должны быть ровными при переходе от низких частот к высоким частотам. Любые провалы означают отсутствие ответа в этом диапазоне; любые пики будут доставлять слишком много сигнала.
Редко можно найти частотную характеристику, которая является абсолютно плоской. Но чем больше денег вложено в студийные мониторы, тем более естественно выглядят графики.
2. Широкий спектр расходов
Далее следует фактический диапазон частот, с которым студийные мониторы могут работать в первую очередь, и здесь — как вы уже догадались — чем шире, тем лучше. Сложно объяснить, почему некоторые из мониторов выходят за пределы диапазона частот человека, но инженеры соглашаются с тем, что чем больше захватывает монитор, тем естественнее воспроизводятся реальные частоты, которые можно услышать. И как вы уже догадались, чем выше воспроизводимый диапазон частот в динамике — тем он дороже.
Другим аспектом, который также важно учитывать, является формфактор и дизайн.
Прошли те времена, когда можно было просто сконструировать драйверы в деревянной коробке и затем воспроизводить звук. Все виды технологий теперь в равной мере конкурируют между производителями. Давайте для начала обсудим так называемое «сладкое место», в котором размещается миксинг-инженер. Когда вы от него отдаляетесь, звук от драйверов доходит в разное время, вызывая отклонение от оси или окрашиваясь кроссовером — это всё передает неестественность микса. Одно из нововведений называется двухцентровой или коаксиальной конструкцией, так что если вы будете двигаться вокруг, вы получите меньше внеосевой окраски.
4. Быстрые переходные процессы
Еще одна драматическая характеристика, о которой вам нужно знать — поскольку это может требовать дополнительных затрат, — это способность вашего динамика справляться с переходными процессами. Это просто время, необходимое для того, чтобы динамик среагировал на напряжение звука.
Представьте, что этот конус вибрирует с амплитудой, пропорциональной звуку; он быстро это делает? По сути, если динамик хороший, он быстро и естественно среагирует на все динамические моменты.
Нужно написать целую инструкцию об акустике помещения. Независимо от возможностей студийных мониторов, комната должна быть практически в идеальном состоянии и не мешать работе, поскольку звук может отжаться от стен и возвращаться инженеру, что в конечном итоге приведет к некорректному отображению микса.
Мониторы ближнего поля в значительной степени преодолевают эту проблему, поскольку они предназначены для прослушивания крупным планом, поэтому отражения от помещения менее распространены. Некоторые громкоговорители, такие как Genelec The Ones, также решают эту проблему, поскольку они поставляются со встроенными системами калибровки, благодаря которым они эффективно «слушают» вашу комнату, посылая частотную развертку, а затем отслеживают отражающиеся отражения. Затем они настраивают характеристики эквалайзера, чтобы предоставлять максимально чистые звуковые характеристики.
Это дорогая технология, но есть бюджетные мониторы, такие как IK iLoud MTM с их ARC системой.
Вот и все основные проблемные участки: частотный диапазон, фазовая компенсация, хорошие драйверы, дизайн и самокалибровка. Да, это дорого стоит, но мониторы — это самый главный инструмент в вашей студии звукозаписи. Благодаря им вы получите исключительный мониторинг.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Фокус на музыкальный рынок США: радиостанции, доходы артистов, статистика
28 мая , 2020
Музыкальный рынок США является крупнейшим в мире. Его влияние распространяется далеко за пределы страны, обеспечивая себе место в качестве законодателя мировой индустрии. По состоянию на март 2019 года более 70% песен в глобальном топ-50 плейлиста Spotify были записаны артистами из США. Американские артисты играют ведущую роль, но в то же время музыкальный рынок этой страны часто остается недостаточно изученным международным сообществом.
Определение размеров американской музыкальной индустрии
Не всегда ясно, где провести черту, определяя размер музыкальной индустрии. Широкое определение будет включать в себя не только фактические расходы клиента (билеты на концерт, потоковую подписку и т.д.) и денежные потоки, связанные с лицензированием B2B, но также рекламные доходы от радио и других музыкальных носителей. Это определение увеличит общий доход рынка США до 43 миллиардов долларов.
Однако при более консервативном подходе в музыкальную индустрию будет включена только небольшая часть доходов от радиосвязи в виде роялти. Однако в США даже это будет не совсем так, поскольку радиостанции не выплачивают авторские отчисления за исполнение, заявляя, что они предоставляют «бесплатную рекламу и продвижение по службе артисту». Соответственно, американское радио только компенсирует денежные выплаты владельцам композиции — авторам песен и их издателям. Таким образом, принимая более точное определение, доход отрасли можно оценить, суммируя денежные потоки следующих основных предприятий:
Записывающая индустрия
Индустрия звукозаписи растет, и выручка в 2017 году выросла на 16,5%, добавив к розничной стоимости 8,8 млрд долларов. Этот рост в первую очередь обусловлен ростом потоковых услуг. За тот же период потоковый доход вырос на 43%. В 2018 году потоковая передача составила 75% от общего дохода от записи (источник: Recording Industry Association of America).
Живая индустрия
Несмотря на то, что звукозаписывающая индустрия точно измеряется, нет единого мнения о доходах живого сектора. Оценка становится проблематичной по разным причинам: от сложности отнесения выручки к объему вторичного рынка билетов. В результате оценки доходов варьируются между различными источниками.
Опираясь в первую очередь на оценки Citi и PwC, общий доход живой индустрии может составить около 9,5 миллиардов долларов. Около 80% живого дохода поступает напрямую от продажи билетов, в то время как спонсорство брендов и товары приносит еще 20%.
Источник: RIAA, Citigroup, PwC, MIDiA Research.
Издательская индустрия
Согласно исследованию MIDiA, в 2017 году в США было продано на 1,8 миллиарда долларов. Общий доход от публикаций увеличился на 8% в течение 2017 года. По данным Citigroup, этот рост обусловлен, прежде всего, ростом лицензионных платежей, связанных с ростом потоковой передачи.
Суммируя денежные потоки в сегментах звукозаписи, в прямом эфире и издательской деятельности, общий доход индустрии США может составить около 20 миллиардов долларов.
Музыкальный рынок США, похоже, полностью зависит от потоковой передачи в качестве средства потребления музыки. В последнем отчете BuzzAngle говорится, что на его долю приходится до 85% всех доходов от записи, в то время как средний мировой показатель составляет около 38%. США завершили переход к новой парадигме распространения музыки: Drak Scorpion занимает первое место в чарте BuzzAngle на конец года с 500 тысячами продаж CD против 6 миллиардов потоков по запросу, а SZN A Boogie Wit Da Hoodie достигает #1 на Billboard с 823 продажами альбомов. Тем не менее, не спешите с выводами. Структура потребления музыки не так проста.
Радио в эпоху цифровых технологий
Существует большой объем потребления, который не отражается в доходах отрасли. Как упоминалось ранее, эфирное радио не вносит непосредственного вклада в доходы отрасли, поскольку закон США гласит, что рекламный эффект трансляции достаточный для компенсации правообладателям. В то же время радио остается самым мощным средством массовой информации, охватывая 92% американцев каждую неделю. Этот охват не только высок, но и стабилен — эти ~ 90% являются постоянными в течение последнего десятилетия. Для сравнения, согласно исследованию Nielsen, в течение 2017 года среднее еженедельное потребление по радио было примерно в 14 раз больше, чем совокупное потребление через сервисы потокового аудио (включая все сайты и интернет-приложения, предназначенные для предоставления аудиоконтента, например, Pandora, Spotify и iHeartRadio).
Радиопередачи, конечно же, не ограничиваются исключительно музыкальными программами: новости, ток-шоу и другой не музыкальный контент всегда были жизненно важными компонентами трансляции. Тем не менее, роль радио, как канала потребления, нельзя недооценивать. По сути, он остается основным музыкальным средством в США до сегодняшнего дня. Но каковы причины такой мощи радио и СМИ, которые, кажется, устарели в стране с самым высоким уровнем потребления потоковой передачи?
Сила Airplay
Радиоиндустрия основана на культурной специфике и локализованном характере рынка. Прежде всего, США являются одной из самых географически фрагментированных музыкальных индустрий. Четвертая по величине страна в мире, протяженностью более 9 миллионов квадратных километров, построена на принципах децентрализации. И политические, и законодательные ландшафты каждого государства различны, и это является отражением культурного многообразия.
В определенной степени, каждая отдельная часть Соединенных Штатов имеет свои собственные культурные и медиа-среды, и музыка является большой частью всего этого. Эта децентрализация не обязательно останавливается на государственном уровне: например, Nielsen выделяет не менее 210 DMA (обозначенные рыночные зоны) в качестве единых территорий, где «население может принимать одни и те же телевизионные, радио и вещательные каналы». Такая фрагментация оказывает существенное влияние на музыкальную индустрию — многочисленные исследования выявили различия музыкальных предпочтений в США, от общего жанрового вкуса до популярности избранных исполнителей.
Другими словами, США больше похожи на группу локальных объединенных рынков, чем на однородную отрасль. Конечно, есть вещательные сети, которые связывают медиа-пространство страны, что является важнейшим инструментом продвижения артистов на национальном уровне. Локализованный характер трансляции позволяет радиостанциям взаимодействовать с региональным культурным контекстом, и это то, что глобальная объединенная потоковая передача не может предложить (по крайней мере, пока). Радиопередачи курируются, локализуются и становятся все более интерактивными, и именно поэтому радио может конкурировать на одном уровне с потоковыми службами всех областей. Эта локализованная природа также делает данные радиоэфира огромным источником информации для профессионалов в области музыки.
Кроме того, из-за географического распространения, доминирующих культурных троп и отсутствия общественного транспорта в отдельных регионах, личный автомобиль остается основным видом транспорта в стране. В Соединенных Штатах число автомобилей на душу населения является одним из самых высоких: на четвертый квартал 2017 года эксплуатируется 271 миллион автомобилей. Такое количество автомобилей также влияет на радио: более 70% американцев называют наземное и спутниковое радио (SiriusXM и другие) в качестве ведущих источников звука. В то же время все первичные потоковые сервисы теперь предлагают решения для прослушивания в автомобиле, от Apple CarPlay и Google Android Auto до встроенных интеграций Spotify и плееров с голосовым управлением, что делает «автомобиль» главным полем битвы для «радио», против потокового противостояния.
Хотя радио является первой средой для потребления аудио, совокупный доход станций США остается неизменным в последние годы, так как рост цифровой рекламы и медленное снижение денежных потоков в эфире уравновешивают друг друга. Эта стабильность ожидается от зрелого рынка, такого как радиоиндустрия, но в то же время, это демонстрирует банкротство iHeart, и даже некоторые из крупнейших игроков на рынке пытаются найти стабильную финансовую модель.
Проблема радиоиндустрии заключается не в том, что доходы или даже потребление снижаются, а в том, что в течение многих лет поток стал расти двузначными числами. Кроме того, возрастной профиль аудитории радио почти диаметрально противоположен демографии потоковых пользователей: в то время как 16-25 лет — это самая высокая потоковая перепись, радио процветает в демографии с 35 лет и выше. Это быстрое старение аудитории часто называют основными угрозами в отрасли, поскольку вопрос о том, смогут ли радиостанции привлекать более молодых слушателей, остается открытым. В связи с этим, если радио не сможет принять потоковое поколение, мы можем увидеть быстрое снижение доходов сектора в ближайшие годы.
На данный момент радио сохраняет свое видное положение. Согласно исследованию AudienceNet, проведенному в июле 2018 года, не менее 43% всего потребления музыки происходит по радио (включая как эфирное вещание, так и цифровые потоки радиопередач), превосходя потоковое вещание на 27%. Однако даже если бы мы поместили настраиваемое радио под лейблом потоковой передачи, совокупная доля потребления музыки через потоковую передачу все равно не соответствовала бы радио-трансляции.
Кроме того, более 49% американцев называют радио основным каналом для поиска музыки. В этом смысле индустрия США является соединением цифрового и физического миров: хотя потоковая передача занимает центральное место, когда речь идет о структуре доходов, традиционные медиа по-прежнему актуальны, как и когда-либо, и трансляция остается первым каналом продвижения и потребления.
Тем не менее, есть еще один момент в музыкальной индустрии США, который необходимо изучить. Начиная с эпохи пиратства и вплоть до взрыва потокового вещания, живое выступление считалось основным источником дохода для любого артиста, вплоть до того момента, когда все другие мероприятия будут рассматриваться как способ продвижения билетов на концерты. Тем не менее, существует сегмент, который превратился в массовый рекламный канал не только в Штатах, но и во всем мире — музыкальные фестивали высшего уровня.
Coachella Effect
Скорее всего, даже если вы живете за пределами США и никогда не посещали эту страну, вы все равно слышали о Coachella, Lollapalooza и South by Southwest. Если вы поклонник EDM, вы, вероятно, знаете EDC и ULTRA, а если увлекаетесь музыкой в стиле кантри — вы можете планировать паломничество на фестиваль CMA. Крупнейшими американскими фестивалями стали мировые бренды, которые не только привлекают толпу международного сообщества в США, но и сами экспортируют события за границу. Фестивали ULTRA теперь доступны для фанатов в 28 местах на шести континентах, и в течение 2019 года вы можете поймать Lollapalooza в 7 разных странах от Бразилии до Франции и обратно.
Чтобы еще больше размыть границы, главные фестивали теперь превращаются в крупные онлайн-события, а не физические. Несмотря на то, что Coachella, как известно, привлекает более 500 000 посетителей одновременно, местная посещаемость — это только часть фестиваля. Цифровое присутствие может удвоить или даже утроить общую посещаемость: например, в 2018 году Coachella создала более 41 миллиона просмотров на YouTube, достигнув 458 тысяч одновременных просмотров в реальном времени на момент появления на сцене Beyonce.
Кроме того, место в фестивальном составе первой лиги обещает артисту больше, чем просто возможность заработать деньги и получить новых поклонников (хотя эти два фактора могут быть очень значительными). Игра на крупном фестивале ставит артиста на карту. Он сразу же привлекает внимание промоутеров, рекламодателей фестивалей и музыкальных профессионалов со всего мира, поэтому выступление на высшем фестивале в США часто считается вехой, особенно для начинающих исполнителей.
США по-прежнему являются основным производителем мирового музыкального контекста. Хип-хоп начался в Нью-Йорке в 70-х годах, а первая песня рок-н-ролла была записана в Мемфисе в начале 50-х годов. Блюз, джаз, вы называете это — большинство жанров, которые правили популярной культурой с начала 20-го века, берут свое начало в США. Иногда постороннему человеку трудно оценить музыкальный ландшафт страны. Все мы знаем о местных жанрах, разбросанных по всему миру: во Франции есть Variété Française, в Корее есть K-pop и так далее. Однако, когда речь заходит о США, мы часто думаем в духе «все международные жанры — американские, поэтому все американские жанры интернациональны», хотя значительная часть контекста США просто не пересекает океан.
Страна в стране
Музыка кантри — прекрасная иллюстрация этого. Жанр почти отсутствует за пределами Северной Америки, за редким исключением, например, на китайском рынке. В то же время, кантри чрезвычайно популярен в США: как сообщает BuzzAngle, страна является 6-м по популярности музыкальным жанром в Штатах, на долю которого приходится 8,7% от общего объема продаж музыки. Однако есть основания полагать, что популярность жанра выходит далеко за рамки этого.
Тот же отчет BuzzAngle ставит хип-хоп на вершину жанровых хит-парадов. Однако, согласно исследованию Deezer, проведенному в мае 2018 года, музыка в стиле кантри на самом деле более популярна, чем хип-хоп: 49,9% респондентов слушают кантри, а хип-хоп — 37,5%. Несовместимость между источниками очевидна, но в чем причина?
При взгляде на метрики всегда полезно помнить, что они на самом деле представляют. Отчет BuzzAngle измеряет доходы от записи, и действительно, хип-хоп является самым кассовым жанром с точки зрения продаж музыки. Однако, как мы уже упоминали, значительная доля потребления в Штатах просто не переводится в учет доходов. Диаграммы BuzzAngle не принимают во внимание трансляцию, в то время как музыка кантри играет огромную роль в радио-ландшафте — по мнению Nielsen, это радиоформат №1 в США, на который приходится 13,2% от общего числа прослушиваний радио.
Еще раз, трансляция демонстрирует уровень рынка США, который может не быть очевидным на первый взгляд. Децентрализованная природа США позволяет сосуществовать и развиваться множеству музыкальных контекстов параллельно. Интернет-исполнители хип-хопа могли бы вырасти до вершины чартов Billboard практически без трансляции и без поддержки звукозаписывающих лейблов, но это не значит, что радио больше не имеет значения. Ключом к пониманию рынка — и вашего места на нем — является оценка полной картины: выход за рамки первичной структуры доходов от записи до изучения музыкального ландшафта во всех каналах потребления и регионах.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Что такое роялти за исполнение? (и как они отличаются от механических роялти)
9 мая , 2020
Цифровые потоковые платформы изменили музыкальную индустрию множеством способов. Одним из них является то, что они создали новый источник дохода от авторских отчислений за исполнение (воспроизведение). Однако, хотя цифровая потоковая передача вызвала интерес к гонорарам за исполнение, это все еще только одна часть лакомого пирога: радиопередачи, выступления на живых площадках и выступления в рамках телевизионной трансляции, фильма или рекламы — все это генерирует роялти за исполнение.
Кроме того, роялти за исполнение являются лишь одним из видов роялти, наряду с механическими гонорарами и платой за синхронизацию. Синхронное лицензирование само по себе является чрезвычайно сложной темой, и обычно речь идет о согласовании 1:1, поэтому мы подробно рассмотрим это в отдельной статье. Однако сегодня мы собираемся изучить лицензионные платежи за производительность и механические характеристики, которые собирают и распространяют сторонние организации: в США PRO (BMI, ASCAP и SESAC) собирают лицензионные платежи за исполнение, а агентство Harry Fox администрирует механическое управление.
Итак, чем отличаются гонорары за исполнение от механических? Как эти лицензионные платежи передаются от музыкальных пользователей авторам песен и издателям? И как рассчитываются эти роялти?
Все это (и многое другое) ниже.
Какие гонорары за исполнение?
Авторские гонорары выплачиваются авторам песен и их издателям в обмен на право транслировать или исполнять защищенную авторским правом музыкальную композицию в публичной среде. Это включает в себя трансляцию по радио, телевизионные трансляции, живые выступления в таких местах, как бары и клубы, и, что не менее важно, интерактивные цифровые потоки. Но прежде чем мы углубимся в это, мы должны пройти через основы, и когда дело доходит до роялти, все начинается с авторского права на музыку:
Композиция против Мастера: два типа авторских прав
Когда музыкальная композиция фиксируется на материальном носителе, например, диске, съемном носителе, в тетради или гармонии, записанной в нотах, для авторов песен и их музыкального издателя немедленно создаются авторские права (если существует договор на публикацию). Это авторское право распространяется на основную часть музыки — гармонию, мелодию и тексты — и принадлежит авторам песен и их издателю музыки.
Основное авторское право, с другой стороны, создается для конкретного выражения композиции в ее записанной форме и принадлежит артистам звукозаписи и лейблу звукозаписи, который финансировал процесс.
Чтобы понять разницу между двумя типами авторских прав, подумайте о кавер-версиях: каждая вновь записанная кавер-версия будет иметь свое собственное основное авторское право, но оригинальное музыкальное произведение, содержащее гармонию, мелодию и текст песни, защищено авторским правом оригинальной композиции.
Таким образом, только правообладатели музыкальной композиции получают вознаграждение за исполнение. Записывающие инженеры и лейблы — нет. Для полного обзора роялти в музыкальной индустрии, ознакомьтесь с нашей вводной разбивкой роялти по обеим сторонам авторского права на музыку.
Когда выплачиваются гонорары за исполнение?
Таким образом, роялти за публичное исполнение генерируются, когда музыкальная композиция исполняется в прямом эфире, воспроизводится по радио, телевидению и в кино или транслируется на платформе цифрового вещания. Как эти гонорары собираются и распределяются? Тариф роялти зависит от среды или места, поэтому в этом разделе мы рассмотрим, как работает каждый тип роялти.
Вообще говоря, радиостанции платят организациям по правам на исполнение (PRO) за общие лицензии, которые дают им право воспроизводить практически любую существующую музыку. Затем они сообщают об воспроизведениях PRO через журналы трансляции, которые используются PRO, чтобы распределять гонорары авторам песен и их издателям. Точный расчет того, как выплачиваются гонорары за конкретный эфир, зависит от различных факторов, поэтому мы рассмотрим детали в следующем посте.
Цифровые потоки
Поскольку в рамках модели потоковой передачи ни одна из прослушиваемых нами песен фактически не принадлежит слушателям, каждый поток в DSP считается своего рода публичным исполнением, даже если оно транслируется на конфиденциальные наушники потребителя. Иногда потоковые сервисы имеют прямые отношения с издателями (если это крупная компания, такая как Kobalt или Downtown / Songtrust или аффилированные лица основных лейблов). Но обычно потоковые сервисы выплачивают гонорары за производительность через PRO, которые, в свою очередь, распространяют их среди издателей и авторов песен.
Ставки роялти за общедоступное исполнение для потоковых сервисов устанавливаются в США местным законодательством Советом по авторскому праву (CRB). Точной информации по трансляциям на территории России, Украины и соседних стран нам не удалось получить, потому будем рассматривать мировую практику. Потоковые сервисы договариваются о ставках роялти за производительность с PRO, а затем вычитают эту сумму (обычно 6-7% от общего дохода сервиса) из своего пула All-In Royalty — полной суммы, которую сервисы должны выплачивать авторам песен и издателям, включая производительность и механические гонорары (которые мы расскажем чуть дальше).
Выступления на живых площадках
Люди часто удивляются, узнав, что каждый раз, когда они слышат песню в любом общественном месте, независимо от того, играет ли она в баре, клубе или ресторане, в лифте или на станции метро, об этом исполнении, скорее всего, сообщают PRO — и, таким образом, генерируется роялти за публичное исполнение. В большинстве случаев такие публичные платформы для исполнения приобретают общие лицензии у PRO — точно так же, как это делают радио — и записывают все треки, которые они транслируют, в сообщества коллекционеров, чтобы они могли делить роялти между соответствующими авторами песен.
Воспроизведение на ТВ, в фильме или рекламе
Когда музыкальное произведение используется в телешоу, фильме или рекламе, правообладателю композиции выплачиваются гонорары за право транслировать свои произведения. В таких обстоятельствах роялти за публичное исполнение обычно являются бонусом за синхронизацию, которая оговаривается отдельно, но не в 100% случаев. Дело в том, что плата за синхронизацию выплачивается за заметное и преднамеренное использование композиций или мастеров как неотъемлемой части транслируемой части контента. Таким образом, песня, проигрываемая в случайном порядке во время прямой трансляции, не требует соглашения о синхронизации, но если производители намеренно вставляют ее, тогда требуется соглашение о синхронизации.
Кроме того, лицензионные платежи за публичное исполнение часто становятся критической точкой рассмотрения при согласовании сделок синхронизации. Например, если конечный контент будет широко транслироваться, например, реклама крупной компании, показываемая по национальному телевидению 20 раз в день, — хорошо, автор песен может рассчитывать на огромные гонорары за исполнение сверх оговоренных сборов за синхронизацию — и я уверен, что агентства синхронизации будут хорошо осведомлены об этом факте.
Гонорар за исполнение и механическое роялти: какая разница?
Итак, в чем же дело с механическими гонорарами? Эти два типа роялти часто смешиваются, так как они иногда путешествуют по каналам вместе — например, потоковые сервисы рассматривают публичные исполнения и механические лицензионные платежи как единый универсальный пул роялти. В действительности, однако, они очень разные. В то время как лицензионные отчисления выплачиваются за право играть композицию публично, механические отчисления выплачиваются за право воспроизводить композицию в процессе записи, изготовления и распространения произведения. Поэтому, если лейбл хочет выпустить компакт-диск с композицией, он должен платить механику за каждую сделанную им копию.
Однако в современной музыкальной экосистеме, управляемой потоковым воспроизведением, механические гонорары в основном генерируются, когда пользователь выбирает воспроизведение определенной песни в потоковом сервисе. Когда дело доходит до потоковой передачи, ключевым отличием между двумя типами роялти является выбор пользователя: если пользователь выбирает песню на платформе по требованию, то генерируются роялти за публичное исполнение и механические лицензионные платежи. Если песня воспроизводится на неинтерактивной платформе (например, на бесплатном радио Pandora), выплачиваются только роялти за исполнение.
Для интерактивных игр потоковые платформы обычно выплачивают лицензионные платежи издателям музыки через PRO, в то время как лицензионные платежи за загрузку по требованию и физические продажи обычно сначала выплачиваются владельцу авторских прав мастера (большую часть времени — лейблу звукозаписи), который затем должен раздать механику соответствующим издателям и авторам песен.
Для любой музыкальной композиции роялти делятся на две части: одна часть предназначена для авторов песен, а другая — для издателя. Однако доля издателя не полностью сохраняется за издателем: вместо этого авторы песен и издатели, как правило, заключают сделку, которая дает часть доли издателя авторам песен. Точный процент этих акций варьируется в зависимости от территории: в США издатели и авторы песен, как правило, делят гонорары за исполнение и механические платежи на 50/50, но во Франции авторы песен получают 66% роялти за исполнение, а роялти на механические — 50/50: между издателями и авторами песен.
Роялти в современной эпохе
Рост цифровых потоковых платформ сделал гонорары за исполнение критически важным источником дохода для многих музыкантов. Потоковые гонорары за исполнение имеют решающее значение для исполнителей, которые не исполняют свои собственные, таких как авторы песен, авторы текстов, композиторы или создатели битов. Для таких артистов роялти за публичное исполнение менее важно, так как они, как правило, зависят от других источников дохода, хотя фактическая структура дохода уникальна для каждой карьере.
Однако по мере роста всего цифрового ландшафта художникам и музыкальным профессионалам становилось все труднее приводить в порядок свои доходов и получать 100% от причитающихся роялти. Во-первых, существует проблема метаданных: музыкальная индустрия изобилует неточными или неполными метаданными, и, к сожалению, сбор и распределение роялти за исполнение зависит от точности этих данных.
Кроме того, существует тот факт, что роялти за исполнение также зависит от мест проведения мероприятий, служб и теле- и радиостанций, которые достоверно сообщают о том, что они играют, что они часто не в состоянии сделать точно и последовательно. Добавьте к этому децентрализованную и чрезмерно бюрократическую глобальную систему PRO, которая собирает эти гонорары, и различия в местном законодательстве по всему миру о том, как распределяются гонорары за исполнение, и у вас есть достаточно замысловатый ландшафт, чтобы заставить даже самых опытных музыкальных профессионалов запутаться.
Если вы дочитали до этого места, то теперь знаете, почему публикация считается самой сложной областью музыкальной индустрии. Главный вывод для музыкальных профессионалов заключается в том, что да, потоковые платформы генерируют новые доходы для артистов, и роялти за исполнение могут быть ценным источником монетизации, но навигация по этому сложному ландшафту требует базового понимания того, куда движутся роялти и как они генерируется. Каждая карьера уникальна, но то, что делает хорошего музыкального профессионала, это всестороннее знание того, как работает система.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Эффект Хааса — это психоакустический феномен, открытый доктором Хельмутом Хаасом в 1949 году. Также известный как «эффект приоритета», закон гласит, что когда за одним звуком следует другой с задержкой в около 40 мс или меньше, они оба воспринимаются как один звук.
Это относится к тому, как человек определяет пространственное местоположение по звуку. Поскольку два шума с очень короткой задержкой между ними воспринимаются как один, пространственное местоположение определяется первым слышимым доминирующим звуком, независимо от того, куда направлен второй. Человек определяет источник основываясь на том, что приходит в уши первым. Любые последующие отражения дают лишь ощущение глубины и не кажутся отдельными звуками.
Эффект Хааса в аудио
Если вы ищете интересные приемы, которые можно добавить в свой арсенал микширования, попробуйте поэкспериментировать с эффектом Хааса. Как мы уже отмечали выше, очень короткое время задержки, называющееся эффектом Хааса, создает пространство, в то время как более длительные задержки дают нам отчетливо слышимые повторения.
Как использовать:
Начните с дублирования монофонической звуковой дорожки. Сместите одну в левый, вторую в правый канал. Затем просто добавьте небольшую задержку к одному из треков. Вы получите разные результаты, потому лучше всего пробовать, пока не найдете приемлемый эффект. Задача сделать моно-сигнал широким, подобно полноценному стерео.
Задержка в около 5 мс на одной дорожке фактически улучшит направленность и даст звучание типа «не в фазе», но это не то, что нам нужно. Например, если вы задержали канал с левой панорамой на 5 мс, звук в канале с правой панорамой будет более интенсивным. До определенной точки добавленная задержка еще больше усилит направленность. Однако, как только вы превзойдете 10 мс или около того, ваши две моно-дорожки будут звучать достаточно широко, не смещаясь в какой-либо канал.
Хитрость заключается в том, чтобы удерживать время задержки ниже порогового уровня эхо-сигналов (это примерно 35-40 мс для большинства людей), чтобы не возникало слышимых повторений.
Используя ту же технику, вы также можете увеличить общую ширину микса, подмешивая эффект Хааса в небольших пропорциях. Эти же принципы могут «сгущать» элементы микса, использую ранние отражения от реверберации. Поскольку ранние отражения обычно возникают при пороге в 35-40 мс, она также находятся в пределах диапазона эффекта Хааса.
Забудьте о том, что реверберация имеет тенденцию отодвигать инструменты на второй план и добавлять глубину вашему миксу. Используя только ее ранние отражения, вы можете усилить начальные переходные процессы для более мощной атаки (например, на группе ударных).
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Что нужно для проведения музыкального стрима через смартфон?
15 апреля , 2020
Прямые трансляции являются важной частью взаимодействия с потенциальными фанатами в социальных сетях. Транслировать можно видеоигры, концерты и даже тренировки. Предположим, вы решили начать карьеру на Youtube или просто хотите продемонстрировать своё искусство в Instagram: что нужно, чтобы сделать хороший живой эфир? Нужны дорогие кинокамеры? Ну, не совсем. С простым и недорогим оборудованием вы можете добиться многого. Это отличный способ начать карьеру.
Отказ от ответственности: мы намеренно охватили продукты, которые можно использовать именно со смартфонами. Для более сложных настроек потоковой передачи (включая видеокамеры, несколько источников звука, OBS и аналогичные настольные программы и ключи), мы разместим отдельное руководство.
Что необходимо в первую очередь: смартфон! Мы уверены на 99%, что он у вас уже есть. Следующим шагом будет получение соответствующих приложений. Если вы предпочитаете потоковую передачу через Facebook, Instagram, YouTube или Twitch, приложение по умолчанию позволит вам сделать это без особых усилий. Если у вас его нет, просто зайдите в App Store / Google Play Store и загрузите бесплатно.
Микрофоны
Микрофоны для смартфонов полезны для певцов, авторов песен, акустических исполнителей и музыкантов.
Shure Motiv MV88 — это отличный комплект, который подойдет для различных целей. Входящий в комплект микрофон имеет переключаемые полярные диаграммы, встроенные эффекты и отличное качество звука. Это идеальное решение для людей, которые хотят транслировать свои акустические инструменты, других исполнителей или сопровождать себя гитарой или фортепиано. Вы также получите подставку для смартфона Manfrotto и все кабели, необходимые для подключения. Если у вас iPhone, проверьте альтернативы, такие как Zoom IQ7, IK Multimedia iRig Mic Cast HD и Rode i-XY Lightning.
Если вы предпочитаете конденсаторные микрофоны, есть много альтернатив, таких как IK Multimedia iRig Mic HD 2 (поставляется в комплекте с приятным светодиодным освещением и штативом) и Apogee MiC Plus (или более продвинутый HypeMiC). Просто имейте в виду, что они будут транслировать только голос, и вы не сможете петь на минусовку с помощью этого метода.
Использование студийного конденсаторного микрофона
Допустим вы хотите использовать старый надежный Neumann TLM-103, Shure SM7B или Aston Origin. Их не получится напрямую подключить к телефону, поскольку требуется фантомное питание. Чтобы это работало, вам понадобится внешний готовый к работе мобильный предусилитель / микшер, либо звуковая карта, такая как Focusrite iTrack SoloLightning.
Если вам требуется более одного аудиоисточника или нужно транслировать в прямом эфире микрофоны, захватывающие инструменты и голос одновременно, потребуется внешний микшер. На рынке доступно много продуктов, таких как RolandGo: MixerPro, IK Multimedia iRig HD2, iRig Pro Duo I/O, TC-Helicon GO Guitar Pro, GOVocal и ShureMotiv MVi. Большинство из них было сделано для работы с мобильными устройствами, но они также хороши для ведения игровых стримов.
Свет и штатив
Свет — это ключ к получению отличного качества изображения и созданию настроения для прямой трансляции. Основной свет может быть направлен на вас / исполнителя, в то время как другие источники света (такие, как свечи, настольные лампы и теплые светодиодные фонари) могут использоваться для настроения сцены (второго плана). Можно использовать недорогие светодиодные фонари на батарейках, такие как ElgatoKeyLight (или более компактный ElgatoKey Light Air), либо же настраиваемый Varytec VP-1 DMX Video BiLight Panel.
IK Multimedia iRig Video Creator Bundle предлагает светодиодную подсветку, роскошный микрофон и подставку / ручку в одной упаковке. Существует также расширенная версия с включенным iRig Mic HD2.
Вам также понадобится штатив для смартфона, и у нас есть что предложить: штатив от Rode, t.bone и Manfrotto MTPIXI-B для простых операций на смартфоне, либо же серия держателей для iPad от Konig & Meyer.
Планируете исполнить кавер-версию другого исполнителя? Не забывайте об авторских правах. На YouTube довольно просто получить претензию от владельцев, после чего на видеозаписи будет полностью срезана звуковая дорожка (либо снята монетизация).
Взаимодействуйте со своей аудиторией, говорите с ними и читайте их комментарии в режиме реального времени: это заставит зрителей чувствовать себя важными и вознагражденными. Вы всегда можете отслеживать комментарии в прямом эфире с помощью второго устройства (планшета, другого смартфона или ноутбука).
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Распространение музыки, цифровое скачивание и потоковая передача — изменили отношения между звукозаписывающими лейблами и артистами. С хорошей музыкой, выступлениями и социальными сетями вы можете тут же начать свою карьеру. Процветающие независимые артисты, такие как Joey Bada $$ и Chance the Rapper, доказывают, что вам больше не нужен лейбл, чтобы стать крупным игроком, НО все еще есть вещи, которые они могут вам предложить.
Сегодня звукозаписывающие компании по-прежнему являются лидерами ключевых элементов музыкальной индустрии, в том числе:
Поддержка и финансирование A&R (артисты и репертуар)
Даже если вы преуспеваете как независимый артист, у вас не будет финансового влияния, которое есть у крупных рекорд-лейблов. Они могут инвестировать в вашу музыкальную карьеру, оплачивая лучших продюсеров, звукорежиссеров и студии звукозаписи. Эти лейблы, такие, как Sony и Universal Music Group, имеют собственные дистрибьюторские сети, которые передают музыку исполнителей по эксклюзивным контрактам в руки миллионов потребителей, иногда в течение нескольких дней или даже часов. Под их влияние попадают даже средства массовой информации, рекламные агентства и PR.
Поддержка специалистов
Лейблы берут на себя сложную административную и юридическую сторону партнерских отношений. Их команды отвечают за отслеживание, сбор и распределение роялти продюсерам, артистам и владельцам авторских прав.
Хотя современные лейблы не контролируют распространение музыки, они могут рекомендовать крупных игроков рынка. Однако, прежде чем подписывать какую-либо сделку, проконсультируйтесь со своим адвокатом — и, возможно, с бухгалтером — чтобы убедиться, что вы понимаете все детали и финансовые последствия контракта. Не исключено наложение штрафов за невыполнение обязанностей.
Лицензионные сделки
Как у композитора, у вас есть лицензионные права. Таким образом, каждый раз, когда ваша песня воспроизводится или исполняется публично, независимо от того, идет она в прямом эфире, по радио или где-либо еще, вы имеете право на отчисления, известные как роялти. Когда звукозаписывающий лейбл лицензирует вашу музыку, они по сути покупают права на ваш альбом — и далее продвигают и распространяют его. Они будут платить вам установленную плату (оговоренную в контракте) и выступать в качестве вашего лейбла для этого альбома на отдельной территории или в конкретной области, где они его лицензировали.
Распределение
Сделка по производству и распространению — это договорное соглашение между лейблом и дистрибьютором музыки. В рамках этой сделки дистрибьютор оплачивает стоимость изготовления альбома от процесса записи, сведения и мастеринга — до обложки. Эти деньги дистрибьютор компенсирует с продаж. Конечно, этот вид сделки становится все менее актуальным перед лицом цифрового распространения.
Как найти свой лейбл
Большие лейблы получают тысячи демонстрационных работ ежедневно. Ответ на письмо можно ожидать пол года, либо не получить его вовсе. Определите свой лейбл, основные его возможности, стиль и проанализируйте подписанных артистов. Насколько ваше творчество близко и тому, в чем они разбираются и с кем работают?
У вас должен быть узнаваемый бренд, который включает в себя качественные фотографии, произведения искусства и шумное присутствие в социальных сетях. Убедитесь, что ваши профили полны, актуальны и содержат биографию, изображения и ссылки на социальную и контактную информацию. Регулярное создание свежего контента является обязательным. Убедитесь, что звукозаписывающий лейбл сможет найти в просторах интернета вашу музыку и веб-сайт.
Будьте самодостаточны
Лейбл не сделает работу за вас. Быть подписанным на лейбл — это значит работать в два, а то и в три раза больше. Формируйте пространство вокруг себя, привлекайте аудиторию, находите новые музыкальные выражения и свои личные особенности, а лейбл, в зависимости от его возможностей, обеспечит техническую и юридическую сторону.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
29 ресурсов для распространения и 5 типов дистрибуции музыки
12 апреля , 2020
Ниже мы рассмотрим пять различных типов дистрибьюторских компаний, чтобы выделить структуру отрасли и варианты, доступные для художников и звукозаписывающих компаний. Однако, прежде чем мы углубимся в это, вот список из 27 дистрибьюторских компаний, разделенных на пять указанных категорий, чтобы дать вам некоторую перспективу. Это те игроки, которые оказывают наибольшее влияние на индустрию — мы думаем, что об этом должен знать каждый артист и музыкальный профессионал.
Отказ от ответственности: когда дело доходит до распространения, нет объективно плохих или хороших решений. У всех компаний в списке есть что предложить: один и тот же дистрибьютор может идеально подходить для одного артиста, а паршивый сервис — для другого. Дело в том, что мы никого не поддерживаем. Каждая карьера уникальна, и потребности художника меняются по мере их продвижения вверх.
Прежде всего, давайте прямо сейчас уточним один момент. «Дистрибьютор» — это не особый тип компании — это роль, которую могут усвоить другие части цепочки звукозаписи.
1. Основные дистрибьюторы
Основные компании, пожалуй, единственные игроки на рынке звукозаписи, которые владеют достаточно большим каталогом, чтобы вести переговоры наравне с известными DSP (цифровыми платформами для артистов) и получать прямой доступ к своим редакционным командам. Таким образом, им действительно не нужны партнеры по распространению — отдел распространения лейбла работает с 99% каталогами. На самом деле, можно утверждать, что именно эта способность распространять музыку по всему миру посредством прямых соглашений о лицензировании DSP — это то, что превращает лейбл в основной в наши дни.
Кроме того, речь идет не только о распространении собственного каталога. Майоры также распространяют значительную часть независимых. Группа Beggars распространяется в США через ADA компании Warner Music, «Золотую и массовую привлекательность Fool» — корпорацию Universal Caroline International и так далее. Это делает индустрию дистрибуции еще более ориентированной, чем звукозаписывающий бизнес в целом — в настоящее время на рынке США колоссальные 85% цифровых доходов идут через Universal, Sony или Warner (или дистрибьюторские компании под их эгидой).
Эта огромная «доля каталога», распространяемая крупными компаниями, делает их чрезвычайно мощными, когда дело доходит до торгового маркетинга. «Старая индустрия» возвращается в некотором роде: майоры привыкли управлять игрой, поскольку у них были ключи от СМИ; теперь объем их каталога дает им рычаги, необходимые для ведения переговоров с такими, как Spotify.
Чтобы противостоять этому, как цифровые платформы, так и независимые пытаются найти способ выровнять игровое поле. Сеть по защите цифровых прав Merlin имела большой успех, поддерживая отношения между независимыми лейблами, неосновными дистрибьюторами и DSP. Что касается DSP, Spotify недавно представила унифицированный инструмент для отправки плейлистов, стандартизируя распределение плейлистов между лейблами и артистами всех масштабов.
Тем не менее, нынешняя система все еще далека от совершенства. Мы должны признать тот факт, что независимые лейблы не имеют такого же доступа 1: 1 к редакционной команде, как у основных специалистов.
Однако крупные сделки (даже дистрибутивные) не для всех. Для независимых художников высшего уровня есть еще один вариант. В некотором смысле, они являются независимыми партнерами основных аффилированных дистрибьюторов, или, наоборот, они являются топ-дистрибьюторами, которым до сих пор удавалось оставаться независимыми. В последнее время наблюдается постоянная тенденция скупки крупных компаний независимыми дистрибьюторскими компаниями: Orchard стала частью Sony еще в 2015 году, а Universal — INgrooves в начале 2019 года.
Сегодня основными игроками этой категории являются Believe Digital, Idol, Redeye Worldwide и недавно выпущенный DittoPlus (не путать с решением открытой платформы Ditto). STEM и Symphonic Distribution также могут быть помещены в эту рамку — хотя они ориентированы на более «среднюю» аудиторию по сравнению с Believe или TheOrchard.
Однако важно то, что для партнеров по дистрибуции агрегация является побочной услугой — их реальная ценность заключается в практическом подходе к продвижению, торговому маркетингу и стратегиям цифрового выпуска. С момента подписания соглашения о распространении с одной из этих компаний в вашем распоряжении специальная команда консультантов, напрямую контактирующая с редакцией основных DSP.
Сделки со специализированными партнерами по сбыту — будь то независимая компания или крупная дочерняя компания — всегда будут основаны на процентах. Согласившись с артистом, партнеры по распространению принимают участие в гонорарах за запись, которые могут доходить до 50%. Кроме того, дистрибьютор часто предлагает аванс артисту, окупаемому будущими денежными потоками.
Ворота партнеров по дистрибуции охраняются — лейбл / исполнитель должен подписаться дистрибьютором, доказывая, что потенциальные денежные потоки стоят ресурсов дистрибьютора. Можно утверждать, что независимые партнеры по дистрибуции более доступны, чем их основные партнеры, но в обоих случаях начинающему артисту придется сделать свое дело в качестве стоящей инвестиции.
Однако не все независимые лица ищут партнеров по дистрибуции — некоторые инди-лейблы высшего уровня имеют полноценный внутренний отдел дистрибуции, в котором отсутствует только техническая инфраструктура. Чтобы преодолеть этот разрыв, звукозаписывающие компании могут использовать сервисы распространения белых лейблов, такие, как Consolidated Independent, Sonosuite и FUGA.
Решения White-label делают одну простую вещь. Они предоставляют технический конвейер, ориентируясь на административную роль дистрибьютора — поставляя аудио и метаданные DSP и распределяя роялти обратно правообладателям в масштабе — в то время как их клиенты сохраняют полный контроль над стратегиями дистрибуции и розничного маркетинга.
Такие компании иногда даже не позиционируют себя дистрибьюторами. Соответственно, их бизнес-модель ориентирована на топовые независимые лейблы с обширным каталогом и продукцией или других дистрибьюторов, ищущих технологический конвейер, а не на кого-то, кто хочет распространять несколько песен.
4. Открытые распределительные платформы / агрегаторы
Наконец, у нас есть открытые дистрибутивные платформы, нацеленные на независимый длинный хвост музыкальной индустрии. Это бренды, которые наиболее заметны на рынке дистрибуции. Даже несмотря на то, что доля доходов, получаемых через них, далеко не близка к основным дистрибьюторам, каждый музыкальный профессионал / исполнитель, вероятно, слышал о CDBaby, TuneCore и DistroKid. В результате ландшафт распределения часто сводится исключительно к этим платформам распространения, хотя, как вы можете видеть, это лишь небольшая часть реального рынка.
Бизнес-модель открытых платформ обычно вращается вокруг двух типов услуг. Первый — это пакет агрегатора: зайдите на платформу, загрузите свою музыку, а мы позаботимся обо всем остальном, сделав вашу версию доступной для сотен цифровых площадок. Это основной сервис, который предлагают все платформы онлайн-дистрибуции. В зависимости от услуги, дистрибьютор взимает фиксированную плату за песню / альбом, ежегодную плату за повторную подписку или процентную комиссию до 15%. Или любая комбинация из трех.
Второй пакет — «Премиум услуги». В зависимости от компании это может означать связывание пакетов плейлистов, услуги по публикации, администрирование, трансляции, физическое распространение или что-то среднее. Качество этих (в основном, рекламных) услуг для художников, скорее всего, будет далеко от того, что, скажем, может предложить Believe Digital. Тем не менее, эти услуги доступны всем, у кого есть песня и кредитная карта — так что они могут стать достойным вложением на ранних этапах карьеры артиста.
В конце концов, вы должны признать, что способность открытых платформ должным образом представлять своих клиентов в области торгового маркетинга немного ограничена. Я имею в виду, что на Spotify каждый день загружается 40 тысяч песен, и львиная доля идет через дистрибьюторов открытой платформы. Никто не знает точных цифр или курса, но скажем, CDbaby, TuneCore или Ditto — каждая из них обрабатывает тысячи песен каждый день. Ну, не важно, насколько велика ваша команда, вы не сможете предоставлять персонализированные услуги продвижения в таком масштабе. Несомненно, хороший дистрибьютор может дать вашей музыке дополнительный толчок, если он увидит, что с выпуском все в порядке, особенно если они зарабатывают комиссионные с продаж — но уровень внимания и инвестиций не будет близок к выборочным партнерам».
Не поймите меня неправильно; Платформы открытого распространения заслужили свое место в музыкальной индустрии. В большинстве случаев это выгодное предложение. «Раздайте свой альбом (почти) каждому мыслимому DSP за 50 долларов и сохраните 100% роялти» — это ни в коем случае не плохая сделка. Тем не менее, вы должны знать, что, если вы заключите договор о фиксированной оплате, вы будете единственным человеком, заинтересованным в выделении композиции среди конкурентов на основных полках ресурсов.
Этот последний тип распределительных компаний является относительно новой и редкой породой. Насколько нам известно, две компании на рынке могут попасть в эту категорию: AWAL и Amuse. Хотя их бизнес-модели немного отличаются, обе они реагируют на переход индустрии звукозаписи от создания записей к лицензированию существующих выпусков.
Идея распространения полу-лейбла проста: вам не нужен контракт для выпуска вашей музыки (AWAL буквально означает Artists Without A Label). Тем не менее, вам по-прежнему нужен дистрибьютор — так что давайте выпустим вашу музыку, и, если она получит некоторое количество продаж, до выпуска звукозаписывающего лейбла. В некотором смысле, «услуги артистов» открытых дистрибьюторов также являются движением в этом направлении, подобно лейблу, но AWAL и Amuse поднимают его на новый уровень.
Как и открытые платформы, AWAL и Amuse предлагают базовую услугу администрирования дистрибуции — просто доставляя музыку туда. Однако, как только артист получает дистрибуцию, множество данных о потреблении, собранных через DSP, попадает в руки компании A&R. Таким образом, если AWAL увидит, что у артиста все хорошо, первоначальная сделка может быть расширена до партнерского соглашения о дистрибуции или даже полномасштабного соглашения о лицензировании звукозаписи, включая масштабные инвестиции в PR, цифровую рекламу, партнерские отношения с брендами и так далее.
До сих пор эта бизнес-модель оказалась довольно успешной — до такой степени, что она позволяет Amuse предлагать свои базовые услуги по распространению на безвозмездной основе, чтобы обеспечить свои A&R данными. Тем не менее, еще неизвестно, будет ли он жизнеспособным в долгосрочной перспективе.
На мой взгляд, AWAL и Amuse — это только первые признаки потенциального тектонического сдвига в звукозаписывающем бизнесе. Как мы изложили ранее, лейблы отошли от создания записи, а контракты с артистами заключались на основе лицензионных соглашений, основанных на маркетинге. В настоящее время лейблы сосредоточены почти исключительно на маркетинге релизов — и независимым людям трудно расширяться по цепочке и заниматься распространением, если у них нет особых отношений с потоковым редакционным сообществом.
Услуги по распространению музыки, однако, могут легко расшириться в пространство лейбла — и AWAL и Amuse — живое доказательство. Что заставляет меня задуматься, будут ли через 10 лет услуги по продвижению дистрибуции основной функцией индустрии звукозаписи.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
Распространение музыки также старо, как и сама музыкальная индустрия. Даже те компании, которые выпускали сами ноты, пользовались услугами печати партитур и доставкой в магазины. Это была (и остается на данный момент) роль дистрибьюторов: доставлять музыку в магазины. Коротко и просто.
Основная роль дистрибьюторов оставалась неизменной на протяжении более столетия, хотя их рабочие бизнес-модели постоянно подвергались изменениям. Эти изменения оказали огромное влияние на музыкальную индустрию в целом. От «эры компакт-дисков» 2000-х годов до «эры потокового вещания», которым мы наслаждаемся сегодня.
В 2001 году звукозаписывающая индустрия была почти исключительно «физической». Спустя семнадцать лет физические продажи составили менее 1/4 всех мировых доходов от записи — при этом доля упала до 10%, когда речь заходит о более развитых цифровых рынках. Это правило не без исключения, например, на японском музыкальном рынке по-прежнему преобладают продажи компакт-дисков. Тем не менее, по большому счету музыкальная индустрия охватила цифровую среду.
Соответственно, большинство дистрибьюторов музыки превратились из менеджеров цепочки поставок в провайдеров цифровой инфраструктуры и администраторов прав. Вот почему, для ясности, мы оставим нюанс физического распределения вне сферы (пока) и вместо этого сосредоточимся на цифровом рынке.
Как работает распространение цифровой музыки?
Сегодня сделать песню доступной для слушателей по всему миру так же просто, как загрузить файл в интернете. Итак, почему по-прежнему существует необходимость в посреднике по распространению.
— Неужели композитор не может это сделать сам?
Ну не совсем. Дистрибьюторы являются неотъемлемой частью цепочки звукозаписи, взяв на себя три основные роли:
1. Распространение релизов на DSP (direct artist platforms)
Конечно, есть действительно «прямые платформы артистов», такие, как Bandcamp или SoundCloud. Им не нужен дистрибьютор: настройте страницу исполнителя, загрузите свою музыку — и все готово. Тем не менее, они представляют собой лишь часть из множества ресурсов цифрового распространения, от потоковых сервисов Spotify, Apple Music, Deezer, Google Play Music, Pandora и Tidal до социальных сетей, таких как Instagram, TikTok, Facebook и всего, что между ними. В современной цифровой среде хорошо отлаженный технологический конвейер необходим для того, чтобы релиз был доступен:
Всем слушателям
На всех платформах
В день релиза
Фактически, большинство DSP вообще не допускают прямой загрузки музыки, заставляя исполнителя проходить через дистрибьюторов / агрегаторов. Даже Spotify недавно прекратил свою программу прямой загрузки после примерно года бета-тестирования, заявив, что «распространение музыки лучше всего осуществляется партнерами». Правда в том, что DSP скорее будут работать с дистрибьюторами, чем непосредственно с художником, чтобы избавить себя от головной боли, связанной с нестандартными метаданными и распределением выплат.
Конечно, артисты могут (технически) загружать свою музыку в iTunes сами. Однако даже Apple предложит вам обратиться к дистрибьютору, чтобы убедиться, что метаданные релиза соответствуют требованиям платформы. В настоящее время некоторые из самых крупных сетей цифровой дистрибуции утверждают, что поставляют более 600 онлайн-магазинов — и все эти разные DSP, вероятно, будут иметь разные стандарты метаданных. Это делает практически невозможным ручное управление распространением цифровой музыки.
Вторая ключевая роль дистрибьютора заключается в распределении роялти, причитающихся правообладателям. Поскольку музыкальный рынок стал цифровым, прямые предложения «доставить партию компакт-дисков в магазин и получить оплату» были заменены гибкой системой выплат. В мире потокового вещания потребление и покупка музыки неразделимы — и правообладатели теперь зарабатывают деньги в тот самый момент, когда пользователь нажимает воспроизвести.
В любом случае, подсчет роялти сложен. Представьте, если Spotify, Amazon Music или Apple должны были выплачивать эти роялти напрямую каждому артисту на платформах. Даже если им удастся правильно получить все метаданные и банковские реквизиты, административные расходы будут расти. Кроме того, сами правообладатели не будут в восторге от получения оплаты отдельно от каждой из цифровых платформ.
Таким образом, дистрибьюторы восполняют этот пробел, выступая в качестве сортировочной установки для отчислений роялти, переходящих от DSP к правообладателям, и следят за тем, чтобы каждый доллар находил свой путь обратно в индустрию звукозаписи (в то время как роялти за композицию / публикацию проходят через конвейер CMO, PRO и издателей).
Это две основные роли дистрибьюторов — распространение музыки исполнителя и передача лицензионных отчислений обратно правообладателям. Однако это не означает, что все дистрибьюторы на этом останавливаются. Напротив, большинство игроков на рынке расширили свое предложение далеко за пределы этих базовых услуг агрегирования.
3. Стратегия распределения и торговый маркетинг
Воспоминание о физическом возрасте. Покупатель заходит в музыкальный магазин, и ему предлагаются сотни вариантов. Отделы организованы по жанрам, чтобы помочь им обойтись, раздел «подбор материала» предлагает эклектичное сочетание новых выпусков, стенд Point of Sale продвигает последний выпуск блокбастера и, наконец, на входе в полку премиум-класса — магазин. Каждый покупатель увидит записи на этой полке. Работа с музыкальными магазинами, чтобы попасть на эту полку, была большой частью продвижения артистов в те дни, обычно называемые торговым маркетингом.
Возвращаясь к реальности, у нас больше нет магазинов звукозаписей, но по-прежнему действует тот же принцип выгодного размещения. Человек открывает Spotify, переходит в раздел просмотра, нажимает «New Music Friday» и нажимает кнопку «Play». Воспроизводимый трек — это песня № 1 недели, и это «запись, которую увидит каждый покупатель» — близнец 21-го века на полке премиум-магазина. Это место является конечной целью любой современной стратегии распространения.
Теперь, как вы туда попали? Потоковая передача сделала фрагментированный музыкальный рынок музыкальных магазинов гораздо более централизованным. Горстка DSP доминирует на цифровом рынке — и, хотя некоторые из потоковых гигантов выдвигают свои алгоритмы в качестве посредников в поиске музыки на платформе, самые популярные плейлисты и «игровые места» по-прежнему курируются редакционной командой сервиса.
Таким образом, чтобы получить желаемое распространение, артист должен пройти через них. Тем не менее, редакция не может разговаривать с тысячами менеджеров артистов и инди-лейблов каждую неделю — так же, как потоковые сервисы не могут распределять роялти напрямую правообладателям. Сфера их деятельности просто не позволяет этого. Вступление в DSP для обеспечения выгодного размещения на платформе является непростой задачей даже для крупнейших независимых лейблов — просто потому, что им не хватает объема каталога.
Итак, вот где приходят дистрибьюторы. Как «массовые представители», они располагают хорошими возможностями для ведения переговоров с потоковой редакционной статьей, поэтому большая часть работы по торговому маркетингу лежит на их плечах. Команда артистов (будь то звукозаписывающая компания или управляющая компания) может определять стратегию распространения и подход к плейлисту, но в 90% случаев именно дистрибьютор будет реализовывать эту стратегию в прямом контакте с DSP.
Почти все дистрибьюторские компании занимаются торговым маркетингом, но степень такого участия может быть очень разной. Некоторые из них предоставят своим клиентам набор инструментов для продвижения и передовые практики о том, как передать работу редакционным командам, другие получат специальную команду плейгеров плейлистов за вашим релизом и представителя, который проконсультирует вас по вашей стратегии распространения (если вы стоите их времени). Распределение ландшафта столь же разнообразно, как и любая другая часть бизнеса.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
5 плохих привычек, которые испортят качество записи голоса в студии
31 марта , 2020
После долгого перерыва, обзоров лучших плагинов для обработки инструментов и сведения музыки, мы решили разобрать несколько вредных привычек молодых исполнителей, которые могут испортить качество накопления вокала в студии звукозаписи. Правильный исходник позволяет не только получить отличный результат после ручного тюнинга, но и предотвратит нежелательные искажения, перегрузы, артефакты в виде слюны и многое другое.
Вокалист находится близко к микрофону
Можно попытаться уменьшить уровень нежелательного помещения, постановив микрофон максимально близко к исполнителю, но этот подход вызывает побочные эффекты (хотя и является действенным в некоторых случая). Голос становится тяжелым, с большим количеством сибилянтов, грудных и высоких частот. Это усложнит дальнейшие обработку, особенно когда потребуется добавить презенса, а свистящие будут напрямую этому мешать. Хорошим правилом будет разместить микрофон при записи вокала на расстоянии вытянутой руки от капсулы — для вокальных, громких и динамических партий. Расстояние от кончика большого пальца до кончика мизинца — для речитативов, размеренных и литературных произведений. Всенаправленные микрофоны не подходят под данное замечание, поскольку не страдают от эффекта близости.
Некоторые исполнители предпочитают записывать пару партий, другие же, готовы часами находиться в студии звукозаписи и предоставлять на выбор большое количество дорожек. Нет правильно способа, но необходимо учитывать, что если в проекте недостаточно материалов, то в случае, когда какое-то слово исполнитель произнес неверно, заменить его будет нечем. То же касается дополнительных бэковых партий, художественных авторских эффектов и вокальных хуков. Не оставляйте на руки миксинг-инженера грустную задачу из одной дорожки сделать бэки, FX переходы и пространственные слои. Это почти всегда звучит плохо.
Небольшие различия в тоне, динамике, манере исполнения, могут выделить голос в песне, даже если эти дорожки будут размещены в группе бэк-вокалов. С другой стороны, записывать 50 идентичных партий, нет никакой необходимости (они просто будут исключены из проекта), это сэкономит изрядное количество времени и денег.
Настройте наушники на должный уровень
Нам часто приходится сталкиваться с материалами, где фоновые звуки (в особенности музыка) захватываются микрофоном. Можем с уверенностью констатировать тот факт, что вырезать ее практически невозможно (даже если подвергать жесткой обработке гейтами и iZotope RX — они ухудшают целостность и яркость частот). Это важный пункт, особенно когда нужно вручную исправить ноты голоса, а фоновая музыка будет вместе с ним меняться в тональности и в дальнейшем наслаиваться на оригинальный инструментал (получим расходящиеся ноты одних и тех же мелодий).
Если ваш артист не может себя услышать, либо музыка ему кажется слишком тихой, подберите другие наушники (более плотно сидящие на голове), установите корректные динамические уровни и объясните ему чем, чревато повышение общей громкости. По крайней мере, можно сделать пару дублей, которые в дальнейшем будут использованы в проекте, пока найдете правильное соотношение.
Убедитесь, что исполнитель комфортно себя чувствует в вокальной кабине. Ему должен быть открыт обзор для чтения текста с бумаги или устройств, таких как телефон, иначе он может быстро потерять фокус во время накопления материала. Освободите комнату и дайте ему больше личного пространства. Часто клиент чувствует себя некомфортно со звукорежиссером, который сидит в диспетчерской напротив него и наблюдает за процессом.
Учитывайте отзывы
Легко взять на себя доминирующую роль в производстве музыки, диктуя клиентам, как и что им делать, особенно есть вы продюсер или инженер. Да, эти профессии имею жизненно важное значение в музыкальном бизнесе, но старайтесь слушать и принимать решения вместе с вокалистами, ведь они оплачивают это время и при качественных результатах, будут готовы вернуться и сделать еще несколько неплохих песен.
Записали материал, но не нашли общего языка со звукорежиссером? Сделали сведение, но не учитывают пожелания? Мы всегда рады прийти на помощь и сделать всё возможное, чтобы ваша музыка и ваши слова звучали красиво, объемно и так, как хотите именно Вы. Заказывайте сведение и мастеринг в AREFYEV Studio.
Об авторе: mix-master
Частичное или полное копирование любых материалов сайта возможно только с указанием ссылки на первоисточник.
